LAS CATADORAS DEL FUHRER

 Los Espantos de la Guerra

Dirigida por Silvio Soldiini, se trata de una coproducción realizada entre Italia, Bélgica y Suiza que no pasa de una medianía. Obviamente, es un film que evoca a los miles de vecinos del tercer Reich que entre otras barbaridades, el film que nos  ocupa nos trae  al recuerdo de la Segunda Guerra Mundial, en un episodio particularmente poco desconocido que trata sobre el rol de las mujeres suizas que eran utilizadas para evitar que el Fuhrer fuera envenenando, lo cual generaba que una docena de mujeres probaban diariamente las comidas y bebidas que el susodicho consumía.

El film, en blanco y negro, se deja ver en base a un descubrimiento que después de haber sido bombardeada la ciudad de Berlín, una gran mayoría de gente se cobijó a  través de los campos y los bosques de las inmediaciones de las ciudades. Entre esa  gente, también se cobijaron los principales militares alemanes que buscaban protección de diversos tipos.

Entre esas cosas raras que deja la guerra, se conoce que Hitler tenía una docena de personas que comían con anticipación cada comida que se preparaba para las  y las correspondientes meriendas del Fuhrer con el propósito de cuidar que nadie tuviera posibilidad de que fuera envenenado.

El film trata de avanzar por el camino del suspenso pero a decir verdad no logra atrapar demasiado al espectador porque se vuelve reiterativo y no logra convencer, toda vez que una y otra vez todo suena a conocido.

No obstante estos aspectos técnicos que hemos criticado, el film deja verse, y fundamentalmente, hace recordar uno de los tantos aspectos de una guerra, la Segunda Guerra Mundial, que sin lugar a dudas ha sido uno de los fenómenos políticos más cruentos del siglo pasado.

EL AGENTE SECRETO

 UNA LECCION DE CINE

Valdría la pena comenzar este comentario por el subtítulo de esta película brasileña. No hay mucho que decir desde lo que el cine cuenta sino más bien como lo cuenta. El desarrollo argumental es mínimo. Aquí no pasa nada y sin embargo pasa de todo. Esa escena inicial lo dice todo. El cine brilla con un lenguaje simple y preciso, contando un momento de la vida de los personajes. Lo que cuenta no es relevante. Pero la forma totalmente cinematográfica como lo cuenta nos deja mudos por la película misma es la que dialoga con el público.

Kleber Mendonça Filho  es el director de esta maravilla que se expresa fundamentalmente a través de una cámara acompañada de un lujo de actores desconocidos para nuestro público. En el film hay una doble característica que tiene que ver por lado por la esencia cinematográfica por la cual luce, y por otro, por la sencillez y claridad con que se expresa.

Esto nos lleva a analizar lo que vimos a través de dos horas y cuarenta minutos de cine. El film es simple. Nos presenta una familia tipo brasileña cuyo objetivo familiar es mantener la familia unida tal como dirían los Campanelli.  

La película de Kleber Mendonça Filho, protagonizada por Wagner Moura y Tânia Maria, ha merecido diversos premios internacionales y cuatro nominaciones a los Premios de la Academia. Sin lugar a dudas es una de las películas más interesante vista últimamente. Y el hecho que muy posiblemente sea candidata al premio Oscar como mejor película extranjera la coloca en una posición muy destacada.

¿ESTA FUNCIOANDO ESTO?

 VOLVER A ENPEZAR

La crisis de época que determinó el cierre de los estudios de Hollywood dio una chance imposible de eludir la ampliación de la producción americana de la televisión y sobre todo de dar una segunda chance al cien en lo que se refiere a producción de películas. Esto quiere decir que lo que se manufacturaba en Hollywood no solo ha dejado de ser sino también una chance de resurgimiento de un cine muy ligado a la televisión de Nueva york pero que hoy está comenzando a caminar su propia ruta con una bandera muy interesante que es la de la producción propia.

La película estrenada esta semana es un resultado de este fenómeno donde prácticamente con dos actores  y un muy buen guionista se logra una película estupenda que merece ir a la escalera de los Oscar, especialmente en el rubro actuación, donde descuellan dos actores muy conocidos que son Laura Dern y Brayley Cooper.

La película es simple y sencilla. Transcurre en una noche donde la pareja protagónica se reencuentra a la medianoche, casi por casualidad, y les permite tener un momento de intimidad y dialogo.

Viven estresados, el tiempo no les alcanza,  y de repente se encuentran solo en la casa que da la posibilidad de hablar a una hora donde uno normalmente se va a dormir y el otro a trabajar.

Ese pequeño encuentro basta y sobra para decirse lo que habitualmente hablan, prácticamente un saludo de ida y vuelta que no va más allá de enterarse uno del otro que siguen vivos. No hay duda que los personajes son habitantes de una sociedad que trabaja para que todos los días alcance para comer y no mucho más. Estan lejos de las épocas doradas donde todo brillaba. La película  en su culminación logra llegar a un excelente clima de intensidad donde los personajes ya lo han hecho todo y simplemente parecen haber entrado en una vorágine que los llevara al divorcio, pero los caminos se van cerrando y hasta aparece una nueva chance de resurgimiento matrimonial donde menos parecía hacerlo. Una simple charla pone las cosas en su lugar y parece que ora vez vuelve a darse una chance para ambos.

En medio de esa oscuridad típica del “ya vuelvo” se esconde la posibilidad de un rencuentro que los una en medio de una noche. Laura Dern esta en su lugar como un ama de casa que está deseosa  de poder tener algo de atención sobre su marido. El ¨Ya vuelvo” de él parece eterno pero sincero.

La puesta de esa escena final rige todo una posibilidad del re encuentro de esa pareja encajonada en la rutina que brilla en la oscuridad. Y sabemos que hay una chance positiva de re encuentro porque en medio de esa oscuridad  de medianoche, brillan Laura Dern y Will Arnet en dos actuaciones inolvidables.

 

LOS MUSICOS de Gregory Magne

UN NUEVO CINE  VIENE MARCHANDO

Astrid tiene un sueño. Ese sueño  consiste en reunir cuatro violines Stradivarius. Ese sueño noes cualquier sueño. Es el sueño de toda una vida. Es el sueño  el sueño de su difunto padre.

Llegar a ello no es una tarea fácil. Muy pocos llegan a tener semejante violín o el acompañamiento musical deseado. En este caso, todos son amigos apasionados por la música.  Pero ella tiene una cualidad brillante. Es una mujer perseverante es perseverante y en consecuencia, tal como se propone, logrará hacer realidad el sueño de su padre.

Pero no todo es color de rosa. Hay un pequeño problema. Los cuatro violinistas que  han venido, no pueden tocar juntos. Los egos jugaran un rol aparte. Todos ensayan, son disciplinados pero hay veces que no logran ponerse de acuerdo.

Los días de ensayo pasan y pasan y no aparece una solución que los ponga de acuerdo. Los egos se superponen a los objetivos delos ensayos. En consecuencia, Astrid busca a Charlie Beaumont, el músico a cargo de la música de la película.

La película es una delicada fábula sobre la idea de equipo, en este caso un conjunto de violines donde cada uno dejará su ego para trabajar en conjunto con los otros. El individualismo es dejado de lado para dar respuestas a través de la conformación de un team, es decir, la creación de una orquesta que da lugar a la música.l

La fotografía a cargo de Pierre Cotterau colabora con sus tonos celestes que no hacen otra cosa de hacernos sentir en el cielo. Es una película no osolo para ver sino por sobre todo para oir. .Un verdadera maravilla.

Hamnet, basado en la novela de Maggie O´Farrell

Es una historia de juventud sobre el novelista William Shakespeare, que se inspira en el dolor de la pérdida de uno de sus hijos, que lo lleva a escribir la obra Hamlet. 

La novela trata sobre Agnes, la esposa del dramaturgo, interpretada para el cine por Anne Hathaway, donde la película se concentra en la relación familiar, y el impacto de una pérdida familiar. Es una historia sobre la corriente de la vida, enfocada en el amor y el dolor, la vida cotidiana y el proceso de duelo, que transcurre en la época de la Inglaterra Isabelina. 

HAGAS LO QUE HAGAS de Gianni Di Gregorio

 Un Neorrealismo Renovado

La vida tranquila de un profesor jubilado —con una buena pensión, amigos y una compañera— se ve alterada con la llegada de su hija a su casa, atravesando una crisis matrimonial, acompañada por dos hijos indisciplinados.

No estamos ante nada nuevo, pero si estamos frente a un film muy logrado que no solo entretiene con buenas artes sino también  desarrolla una compleja trama de relaciones familiares  que da lugar a la comedia enredos pero sobre todo un aire de actualización del cine italiano que no solo pasa por artistas poco conocidos para nosotros pero que la realidad ocupan lugares vacíos que han marcado camino, y además, dejado la idea que aquel excelente cine ha seguido adelante, soportando el paso de una época, y dando lugar a nuevos actores, actrices, guionistas, directores y escritores capaces de reemplazar a los ídolos de los ´60, que marcaron un rumbo  positivo en esos años.  

Ahora, de la mano de  un profesor jubilado, con una buena pensión, amigos y una compañera de vida, se ve alterada por la llegada de su hija a su casa, atravesando una cris.is matrimonial, acompañada por dos hijos totalmente indisciplinados.

Di Gregorio se mueve con seguridad en la comedia, mantiene el ritmo de la película durante todo su metraje, y fundamentalmente es acompañado por una serie de actores jóvenes que no por desconocidos para nuestro público, no dejan de ser excelentes intérpretes  de la película.

La película nos hace soñar con una renovación vasta del cine italiano sino también con una reaparición del cine europeo.

MARTY SUPREMO de Josh Safdie

SIEMPRE UN POCO MÁS

Marty Supreme es una comedia americana de índole deportiva 2025, producida y dirigida por Josh Safdie, quien la coescribió con Ronald Bronstein, inspirada libremente en el jugador de tenis de mesa estadounidense Marty Reisman.​​

Marty es un jugador de pelota paleta de mesa que vive obsesionado en ganar el campeonato mundial de dicha disciplina, de la cual los japoneses tienen desde lejos la posición delantera.

El film se destaca por la forma elegida para desarrollar el tema, toda vez que la película se concentra en un juego de tenis de mesa que encierra una final de dicho juego en la que no solo destaca el juego sino también tanto la puesta en escena como el juego en sí mismo.

La puesta pone en juego de tenis de mesa en la cual participarán dos jugadores, uno de ellos es el campeón mundial, y el otro es su contrincante, el cual está obsesionado por ganar dicha final.

Pero también la película puede verse con tanto con el ánimo de un final de un juego como también por el ansia del triunfo deportivo, y más allá de eso, de la supremacía sobre un territorio.

Si bien se trata de una película americana, por otro lado,  da lugar a visión más amplia donde a través del juego, aparece la necesidad de establecer una supremacía sobre no solo un territorio y sino también una época.  

La película, si bien algo monótona logra ir más allá, dando lugar a un interpretación más amplia que el mero juego que con gran desarrollo de habilidades dan lugar a que el metraje transcurra rápidamente y no deje espacio para el aburrimiento del juego.

Sueño Inquebrantable (Song Sun Blue)

 De Vuelta al Buen Cine

El estreno de esta semana es una comedia musical, y a su vez, muy sólida,  cuyos protagonistas son Hugh Jackman y Kate Hudson, que dan vida a un dúo de músicos, Mike y Claire Sardina, que inspirado en la obra de Neil Diamond salen a la luz del éxito triunfando como banda que rinde tributo al mencionado músico.

Biopic que recrea la increíble historia de Sardina y Stend, recrea la historia de un matrimonio de músicos e imitadores, indagando en sus vidas donde se destaca el amor y perseverancia. La trama se concentra siguiendo una pareja que forman una banda llamada en castellano Relámpagos y Truenos. Estos músicos rinden tributo a Neil Diamond, transitando por infinitos caminos, dejando de lado todas las  a dificultades que encuentran siempre tras un objetivo que permita  tratar de llegar a ellos, perseverando bajo el paragua del poder de la música que aman, sin nunca claudicar a sus objetivos.

El elenco es homogéneo en el cual lucen como actores importantes  como Hugh Jackman,  Ella Anderson, y King Princess dirigidos por Craig Brewer..

El director Craig Brewer maneja son corrección a sus actores y mantiene la intensidad de la propuesta  de aquella gente capaz de vivir una vida a través de la capacidad de mantener un sueño más que una a meta.

El film logra mantener el interés del espectador durante todo su metraje transmitiendo la idea persistencia, la pasión de avanzar tratando de sortear todos los obstáculos, las desilusiones y el paso del tiempo dando lugar a la esperanza de ser alguien y estar cerca de sus ídolos.

En resumen, "sueño inquebrantable", trata de no rendirse jamás y nunca perder los sueños. El  film está basado en personas y hechos reales,

Nouvelle Vague

Escrita y dirigida por Richard Linklater, narra los inicios de la Nouvelle Vague francesa describiendo el rodaje de la película  Sin Aliento de un joven con ansias de hacer cine  que cuyo nombre era Jean Luc Godard.

Se trataba de una película distinta. Su director era un joven inquieto que gozaba lo que hacía en un ambiente de total libertad. Obviamente trataba de distinguirse de lo ya conocido,  y obviamente estaba dispuesto a hacer  algo diferente. Corrían los años ´60 y su ópera prima fue Sin Aliento.

 odard carecía posiblemente de un respaldo económico. Sus ansias de hacer cine y sobretodo de realizar algo diferente, lo diferenciaba de por sí.  Su película no solo era diferente estéticamente hablando, sino fundamentalmente, dejaba en descubierto la carencia de escenarios teatrales para para desarrollar las acciones directamente en los espacios reales, ya sea una plaza, un campo, una pequeña ciudad.

  El nuevo cine que proponía era totalmente realista. Las acciones se desarrollaban en vivo y en directo en la mayoría de las escenas que en consecuencia, trataban de reflejar el ambiente existente de la posguerra que aun años después, dejaba notar aspectos tales como la pobreza y el sufrimiento.

 Definir esta película era encontrar sentido entre la realidad de lo que ocurría (situación de posguerra) habitada por un personaje que tenía tanto arrebatos de locura como obsesiones personales que describe situaciones  que dejan reflexionando a espectador.

El Godard de Linklater es una película que no solo homenajea una época del cine sino también deja constancia de la capacidad de llegada que tiene el cine. Se trata de un cine que refleja su propio cine que no solo recrea sino deja constancia de un suceso y sobretodo de una época.

Richard Linklater es un director de cine independiente y está lejos de aquella época. Lo interesante del caso es que esta película trata de perecer una obra que no se parece en nada a su propio cine, pero si pertenece al  movimiento de cine independiente  norteamericano. 

El montaje juega un papel fundamental con la precisión que caracteriza al cine francés. La recompensa es que la película es interesante y se la disfruta como una comedia de un director muy dinámico. El nivel de actuación  es notable. 

La película opera un efecto casi mágico. Un crítico  menciona Sin aliento. Es una película que se mantiene joven, en el sentido que nos recuerda que aquella revolución fue llevada como un cambio de época. Esta película reconcilia con el cine.

DOS FISCALES de Sergei Loznitza

DOS FISCALES de Sergei Loznitsa

LA HORA DE LA AUTOCRITICA

El film transcurre en la Unión Soviética en el año 1937. Miles de ciudadanos son acusados ilegalmente y en su mayoría, también detenidos. De manera casual, Alexander Kornyev, un fiscal recién nombrado y sin experiencia, se hace cargo de una de las víctimas. Consecuencia de ello, hace todo lo necesario por encontrar al responsable de las detenciones, pero solo encuentra un prisionero de  los agentes de la policía soviética.

El hombre es un bolchevique de buena fe, el cual sospecha que hay algo fuera de lugar. Cree en la justicia  y buscará llegar a la Fiscalía General de Moscú para aclarar  el episodio. La época que corre es la de las grandes purgas estalinistas y él es un novato que aún cree en la justicia y todavía tiene algo de decencia.

El director Sergei Lonitza es un es un joven  director ucraniano que proviene del cine documental y logra destacarse en mayo pasado en el transcurso del último festival de Cannes donde presentó esta película que nos ocupa, la cual es una adaptación  cinematográfica de una novela  de un autor soviético  poco conocido fuera de Rusia. Se trata de Georgy Demidov, físico soviético (ya fallecido), que fue un perseguido político. Su obra es apreciada tanto por sus ficciones como sus documentales, los cuales exploran temas históricos y políticos de la Europa del Este. 

“MODIGLIANI, Tres Días en Montparnasse” de Pascal Bonitzer

 

LOS ALTBAJ0S DE UN ARTISTA

 Se trata de la ópera prima de un actor consagrado, que ahora también ha decidido a realizar su propio cine. 

El film que cobija cuenta la historia de un buscavidas encantador, un tal Modigliani. La película es un film que invita a la platea a un viaje. la El film es la cuenta una historia que por otro lado es la opera prima de un actor como director y es un viaje a la intimidad de un artista al que el éxito le fue esquivo y debió esperar su reconocimiento, obra tras obra, hasta poder llegar a la cumbre. 

André Masson es un empleado de la famosa casa de subastas Scottie's. Un buen día, vía correo, recibe un informe  que en la localidad de Mulhouse se había descubierto en una  casa un cuadro de Egon Schiele. Con cierto nivel de  escepticismo se dirige al lugar que le han señalado y efectivamente encuentra  un cuadro que se consideraba perdido.

Consecuencia de ello, se hace cargo de los hechos. La obra es una obra de arte maestra que había desaparecida en 1939, en manos de los nazis. Masson ha llegado a un lugar que los coloca en lo más alto de su carrera, aunque sabe que ese descubrimiento será el comienzo de una discusión acerca de la verosimilitud de la obra. . Afortunadamente, contará con la ayuda de su ex esposa y colega Bertina, y de su becaria Aurore.

El film esta realizado con una dinámica que deja sin alienta al espectador de la misma manera que sabe conducirlo hacia lo que espera de ello. En primer lugar, sabe y es consciente que lo que narra puede no responder a la realidad, es decir, la veracidad histórica. Ello son los permisos que se toma el autor para narrar su obra. Pero por otro,  se expresa dentro de un contexto histórico que lo contiene.

Modigliani fue influenciado por varias corrientes artísticas. Uno de sus aspectos más influyentes fue la fusión del cubismo con el expresionismo.

TRES POR UNO

BELEN de Dolores Fonzi

Belén, dirigida por Dolores Fonzi, es una película argentina que destaca por sus cualidades actorales, pero sobretodo, por la crudeza y la valentía con que encara un tema difícil en Argentina, especialmente en el noroeste  del país,  como los es el de la maternidad de la madre soltera.

El film expone libremente el tema y deja que el espectador saque sus propias conclusiones, y en consecuencia, de alguna manera,  le pide al público que emitas su propia decisión.

Como es costumbre cuando se trata de temas urticantes, el cine argentino, el público prefiere no opinar. También es cierto que el cine argentino no pasa por un buen momento de taquilla y en consecuencia, no hay público en los cines que inciten  la confianza  a la  discusión pública de temas como los que plantea la película.

LOCAMENTE de Paolo Genovese

Piero y Lara, dos personas adultas, se conocen e instantáneamente surge entre ellos una relación instantánea. Se conocen en una cena. Uno con el otro intentan atraerse pero en realidad, se encuentran confundidos. Discuten y seducen a la vez y la mayoría de las veces dejan que los nervios prevalezcan entre ellos. Dentro de cada uno convive el deseo, la prudencia  la inseguridad, y a la vez, la ira y algunas más. ¿Podrán encontrarse a si mismos y formar una pareja?

Cada uno escucha sus voces interiores. El deseo, la prudencia, la inseguridad y la ira se debaten y aconsejan a la vez que sabotean cada intento de conexión.

Genovese presenta ese conflicto interno en una puesta coral que alterna entre el espacio físico de la cita y el mental de los pensamientos, con un tono entre la comedia romántica y el experimento psicológico.

El resultado tiene encanto y ritmo, pero parece cosa ya vista. LocaMente funciona un análisis en tono humorístico de cómo las emociones intentan tomar el control de nuestras decisiones.

Genovese aprovecha ese paralelismo para construir momentos divertidos y reconocibles, aunque el desarrollo no logra trascender su concepto inicial.

 

A PESAR DE TI de Josh Boone

Es un drama romántico al estilo del viejo Hollywood, muy parecida a una telenovela. Adaptada  de la novela de Colleen Hoover está  protagonizada por Allison Williams y Mckenna Grace, donde se cuenta la relación entre una madre y su hija logrando sostener hasta su final entreteniendo sosteniendo el interés de la trama.

La primera escena del filme transcurre diecisiete años atrás en un playa, donde los personajes se presentan, muestran el mundo en que viven y sobre todo, expresan la seguridad que tienen el mundo por delante. Parecen estar predestinados.

La vida transcurre  y se relacionan con otras personas. Los accidentes de la vida cambiarán sus destinos, donde el amor prevalecerá respecto del odio.

“A pesar de ti” de Josh Boone es un experto en romances juveniles. Las actuaciones son buenas, el ritmo es adecuado, y el desarrollo de las acciones correctas tiene un ritmo sostenido donde prevalece la comedia pasatista con momentos tanto románticos, tal como debe ser la comedia.

UNA BATALLA TRAS OTRA de Paul Thomas Anderson

DE LA POLITICA AL CINE

Paul Thomas Anderson es un  director, guionista y productor  de cine americano que saltó a la fama tempranamente. Tiene 55 años y ha dirigido diez largometrajes, entre ellos  Boogie Nights, Magnolia, Embriagado de Amor, The Master, Puro Vicio,  Licorice Pizza y la recientemente estrenada en nuestros cines: “Una Batalla Tras Otra”.

Esta, su última película escrita y dirigida por él mismo, se ha transformado de la noche a la mañana en una película de culto a la que todos quieren ver.

Basada en la novela “Vineland” del escritor estadounidense Thomas Pynchon, ha sido protagonizada por Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, y elenco donde Di Caprio interpreta a Bob, un político rebelde que se especializa en explosivos

El film es una mirada incorrectamente política que se transforma de una comedia con cierto nivel de violencia. con salida migratoria. Abierta y relacionada con mucho cinismo, nos lleva a analizar la situación actual y sobre todo a la idea de libertad que propagan los Estados Unidos de América, es decir, abrir fronteras y hacer de hecho el dejar hacer, dejar pasar.

La película rápidamente adquiere la forma de una  comedia que resulta oportuna toda vez que propone poner en descubierto ciertos aspectos respecto de la presunta diversidad que pretende ostentar los Estados Unidos de América.

La película no solo se deja ver sino también logra interesar al espectador porque transita una diversidad de situaciones que pasan de la ironía a la acción,  bordeando sutilmente el drama para finalmente transitar la comedia.

La trama comienza con un político (Leonardo Di Caprio) que se especializa en explosivos y pretende realizar operaciones de resistencia en los límites entre Estados Unidos y México. Los protagonistas principales son un viejo revolucionario y su hija adolescente, quienes intentan hacer una revolución propia que sea capaz de eliminar fronteras.

El personaje de Penn se encuentra relacionado con un grupo de supremacistas blancos bautizados  como los "Aventureros de Navidad", algo que da lugar al desarrollo tanto de la comedia como del drama colocando  a la película en un nivel de tragicomedia.

“Después del estreno nos hemos vuelto menos ridículos. Desde que rodamos la película, veo que la cultura se adapta para tomarlo todo más en serio", dijo recientemente Penn en declaraciones al New York Times.

DiCaprio le dijo al mismo periódico que la película está "políticamente cargada, pero creo que tiene mucho que ver con lo tribales que nos hemos vuelto".

EL GRAN VIAJE DE TU VIDA

 

EL NUEVO CINE AMERICANO 

El Gran Viaje de Tu Vida es una película romántica cuyos papeles actorales están a cargo de Colin Farrel, Margot Robbie, Phoebe Waller-Bridge y Kevin Cline, quienes con sus buenas actuaciones desarrollan  esta interesante historia de amor. 

El film destaca por los aspectos técnicos. Algunos diálogos están de espaldas. Otros se transforman en susurros, otros más por detrás de las puertas o cortinas, o sobresale la voz baja para aclarar.  

La película es una especie de rompecabezas que se va armando de poco,  lentamente, sin apuro, tratando de hacer un film distinto, que definitivamente no sigue el modelo convencional y obliga al espectador no solo a ver la película sino también descifrar a un film caracterizado por las bajas voces, los susurros, los ruidos de la casa. Los diálogos convencionales parecen de otra película. 

Esta propuesta da lugar al espectador a interpretar la película de forma muy personal. 

El film es una vuelta de tuerca cinematográfica constituyendo un desafío a las formas narrativas que han imperado por años y que nos ha acostumbrado el cine americano. Obviamente el resultado es una película diferente, donde no solo los actores se expresan sino también los paisajes, los ruidos, el viento, creando una atmosfera diferente, especialmente para el espectador acostumbrado al cine convencional.

EL CUADRO ROBADO

 

Pascal Bonitzer es guionista, director de cine, actor y ex crítico de cine francés de Cahiers du cinéma. Ha escrito 48 películas y ha actuado en 30 peliculas desde 1967 hasta el presente. Además, protagonizó La Vocación Suspendida, una película de Raúl Ruiz de 1978. 

Ahora nos narra  El Cuadro Robado, una historia relacionada con el trafico de obras de arte, en la que André Masson,  un especialista en  que trabaja en París para una importante casa de subastas, es el hombre sencillo  y de correctos modales que atiende a todos. Entre ellos, una mujer que lo contacta con el propósito de venderle un cuadro porque desea impedirle que llegue a poseerlo.

 La película es, en sintesis, un cuento moral donde casi todos los personajes se caracterizan por tener doble personalidad, y además, está basada en hechos reales.

Estos hechos se relacionan con la reaparición de una obra pintada a fines de 1890 por Egon Schiele, la cual fue confiscada por los nazis durante la segunda guerra mundial y más tarde devuelta a los herederos del autor. Lo curioso del caso es que obra estuvo perdida por años y encontrada mucho más tarde en el sótano de una familia humilde.

El director de la película, se basa en la realidad y se pregunta qué habrá sido de ese cuadro, cuál habrá sido su itinerario  mientras estuvo desaparecido,  para comenzar a realizar una reflexión sobre el mercado del arte, donde no todo es claro y suelen que provenir del  mercado negro.

Desarrollado como una simple comedia, la trama se basa en un suceso real que sorprende al espectador con personajes que están mintiendo permanentemente hasta que comprenden que la verdad se impone siempre sobre la mentira.

El Cuadro Robado es un film realizado en India con producción de ese país, co financiado por Países Bajos, Luxemburgo, EEUU;  y Bélgica y podrá ser sintetizada como una  moraleja sobre el poder del dinero. 

 

LA MUJER DE LA FILA

SENSIBLE Y PROFUNDA

Dirigida por Benjamin Avila es una coproducción Argentina /Española que cuenta una historia simple sobre una mujer que busca el paradero de su hijo después de haber sido arrestado por la policía poco después de sucedido un levantamiento estudiantil en demanda de mejora de la condiciones laborales de los maestros de escuela.

La mujer de la fila es una madre una madre más que asiste a la protesta respectiva y que padece todo tipo de respuestas después de terminada la protesta. Su hijo ha sido detenido por la policía federal y ella intenta una y otra vez sin obtener respuestas la liberación de su hijo que permanece arrestado sin más motivo que el de haber participado en la protesta.

El film, realizado en blanco y negro, es austero, simple y directo. La situación que plantea tiene mucho que ver con la demora que plantean nuestras autoridades tanto policiales como más tarde tribunalicias para resolver un simple caso donde se ha estallado una pequeña una protesta estudiantil.

 Protagonizada por Natalia Oreiro como la sufriente madre, es acompañada por Alberto Amman, es acompañada por Alberto Ammann y Federico Heinrich

El film apunta a esclarecer sobre las largas e impresisas detenciones, tanto en tiempo como en  lugares, que soportan jóvenes que han participado de algún tipo de protestas, donde la detención no solo se alarga sino también indeterminada en tiempo.

Este tipo de detenciones se ha vuelto moneda corriente en Argentina y la película denuncia estos procedimientos donde al parecer se terminan violando derechos adquiridos, dando lugar a procedimientos burocráticos y prejuicios sociales.

No obstante ello, la película se ocupa del dolor del otro, en este caso, la madre. Las condiciones de detención, la mayoría de las veces, llevan al detenido incomunicado y en consecuencia, en este caso la madre, es la victima que sufre los atropellos de la detención toda vez que se le prohíbe ver a su hijo e incluso muchas veces siquiera le avisan el lugar de detención.

Consecuencia de ello, el film pasa de la atención sobre el detenido a las consecuencias de las penurias que comienzan a padecer los familiares de dichos detenidos convirtiéndose en las verdaderas víctimas de la situación planteada.

Sin demasiados regodeos formales, la película es fría y directa. Muestra claramente que las diversas peripecias atravesadas no solo perjudican al reo sino también a su familia,  incluso poniendo en el papel mayor como víctima la esposa o la madre del detenido.

El film da una vuelta de tuerca interesantísima mostrando esta situación donde si bien el reo está en la cárcel, lo está también su familia padeciendo un sufrimiento que esta más allá de la situación original.

ATRAPADO de Darren Aronofsky

 SHOCK ADRENALINICO

Comienza y no para. Su único objetivo es entretener con buenas armas cinematográficas. Es una simple película de acción, pero su mayor mérito es su forma narrativa. Es cine puro por donde lo busques. La podes clasificar como quieras, pero sobre todas las cosas que presenta es la de una coherencia narrativa extraordinaria totalmente puesta al servicio del espectador.

Ello nos lleva a la otra orilla. Es un thriller que está hecho para que el espectador disfrute y goce de una película de acción. No pretende otra cosa. Simplemente, entretener.

Aronofsky es un director americano cuyo objetivo primordial es entretener, y lo más importante es que lo logra. Nativo de Nueva york, su cine representa una libertad y una personalidad que solo la gran city podría haberlo habilitado. El film es absolutamente personal, se inscribe en el film de acción, arranca y no para hasta su final. Su ritmo es a toda velocidad. No dudo en clasificar como una sorpresa aunque la filmografía del director es lo suficiente sólida como para apostarle una entrada.

El film transcurre en los años 90, y su protagonista es una que está pasando problemas de alcohol. Montado en su moto, pareciera no tener límites de comportamiento, y tampoco ninguna clase ataduras con las normas de tránsito de la gran ciudad.

Montado en su moto, el hombre recorre a toda velocidad la ciudad como si estuviera ensayando realizar un shock adrenalínico. Basado en la novela Con guion de Charlie Huston, con muchas influencias del cine de Quentin Tarantino en lo concerniente a la libertad con que encara la adaptación cinematográfica desplegando corrida tras corrida una necesidad de encontrarse a si mimo.

Aronofsky siempre es adepto a personajes  con problemas, aquellos  que le impiden llegar a ala felicidad.  Esa búsqueda los lleva a la obsesión, dejando al desnudo la soledad sus soledades, incluso sus aspectos más destructivos. No parece ser el caso, pero la toma de riesgos del protagonista haciendo piruetas con su moto es permanente, y pareciera ser que su vida es un juego con la muerte.

No obstante  todo ello, el film es un entretenimiento bien realizado, bien actuado y mejor filmado, que mantiene el interés de la acción durante toda la película. Vayan al cine que se van a divertir, esto es adrenalina en estado puro.

 

HOMO ARGENTUM de Mariano Cohn y Gaston Duprat

Escrita y dirigida por Mariano Cohn y Gaston Duprat el film tiene las pretensiones de retratar a través de una estructura episódica el ser argentino. Para  ello, se nutre de buen humor que ronda a lo largo del film, como así también en la melancolía que es capaz de transmitir la capacidad actoral  que despliega Francella, proeza que implica dar vida a 16 personajes diferentes.

El film tiene la pretensión de lograr una hazaña, la de describir al ser argentino, el Homo Argentum que da título a la película. El film es una comedia situacional que describir a través de una serie de episodios el ser argentino.

No obstante, el film opera y cumple sin demasiadas pretensiones. Realizada en base a 16 sketches que con el objetivo de poder dar vida al “ser argento” pierde el ritmo de una comedia, se deshilvana como película unitaria  y se convierte en una serie de mini comedias donde si bien luce la actuación de Franchela, no logra exponer su objetivo de pretender la descripción del ser argentino a través del desarrollo de 16 caracteres que interpreta con su vena de actor cómico.    

El film si bien no pierde unidad temática, los sketches se vuelven reiterativos y en definitiva la comedia termina transitando más por la solvencia personal del actor que por los personajes que interpreta. Franchela termina siendo Franchela ahogándose en sí mismo y dejando pasar una gran oportunidad de la que no son ajenos los ya mencionados  Cohn y Duplat.

Como dice el refrán, el que mucho abarca poco aprieta. La intención fue buena pero el resultado no es el esperado. Las pretensiones eran enormes. Parte de la responsabilidad es de lo productores. Pretender contar 16 historias para describir el ser argentino tal vez sea una meta difícil de alcanzar. Pero más difícil todavía resulta que un solo actor monopolice todos los tipos del ser argentino encarnados en un mismo actor.

El actor es muy capaz y hace lo que puede, pero los directores, sobretodo el guion es donde se encuentra la mayor desventaja. Los diversos estereotipos terminan siendo siempre Francella, un show a su medida con el cual pretende definir el ser argentino. El film se vuelve reiterativo y Francella termina aburriendo tratando de convencer que no hay un estereotipo del argentino sino 16, un número que escapa a cualquier veracidad.

No obstante ello, el film permite el lucimiento personal de actor, muestra una alta capacidad para mimetizarse en los diversos personajes delineando al ser argentino. En el fondo, el film entretiene pero no llega a su objetivo principal, el de encontrar al estereotipo. No obstante, cabe destacar esa larga lista de personajes que en el fondo siempre es el mismo, pero permite que Franchela termine mostrando una gran ductilidad para lograr su objetivo.

EL AMOR MATERIALISTA de Celine Song

 

EL AMOR... Y LA VIDA MODERNA

La nueva película de Celine Song transcurre en Nueva York  y relata el romance de un trio interpretado por Dakota Johnson, Pedro Pascal y Chris Evans que transcurre en la ciudad de Nueva York y trata sobre las relaciones sociales modernas entre ellas, las amorosas.

La protagonista principal es Lucy, quien más allá de sus propios problemas, se pone en todo momento a prueba y en consecuencia su vida oscila entre sus propios deseos personales y sus obligaciones de trabajo. No obstante, el amor es el tema principal de la película, la cual profundiza sobre la realidad de esos sentimientos, considerando lo primero como un ideal y lo segundo una realidad ligada al acontecer diario. Nueva York se ofrece como un ámbito de despersonalizado que opera como un centro de contención que permite todo tipo de relaciones.

No obstante, la ciudad opera como un lugar de contención, como también un reflejo de la vida de los personajes. La Gran Manzana siempre despierta se constituye en un elemento clave que se transforma en un personaje más en la historia.

La directora Celine Song es una coreana de 36 años que logra mantener un equilibrio entre el tono realista de la vida en la ciudad, donde ocurren diariamente una enorme cantidad de situaciones donde la misma ciudad es la que impone las reglas cuyo respeto desarrolla ambas expectativas. Su debut cinematográfico como directora tuvo lugar con Vidas Pasadas que  se estrenó en 2023 en el Festival de Cine de Sundance.

La propia ciudad personifica las emociones diarias sirviendo de contraste con su ritmo acelerado. Song logra conectar los entornos urbanos con el conflicto interno de sus personajes. Lucy autocrea una atmósfera donde las frustraciones y triunfos de los personajes son eminentemente cinematográficos.

Dakota Johnson construye con solidez su personaje, el cual refleja la ambigüedad de sus problemas. Su personaje es vulnerable, no obstante  tiene iniciativa propia y poder de convicción.

La banda sonora a cargo de Japanese Breakfast genera el respaldo adecuado, y el film escapa de los esquemas conformistas conformando en primer lugar un sólido entretenimiento que permite reflexionar sobre la época que vivimos, y la necesidad de amar para poder proyectarnos hacia nuestros objetivos.

CUANDO CAE EL OTOÑO de Francois Ozon

 UN FIM SOBRE LOS SENTIMIENTOS

Francios Ozon es uno de los herederos de la Novelle Vague. Tal vez, el más importante, el que más se ha destacado. Su filmografía ya ocupa un lugar importante en la historia del cine francés. Tiene en su haber más de 20 películas estrenadas, más precisamente 24.

En Cuando Cae el otoño, se encuentra nuevamente frente a un film cálido, donde poder manejar los sentimientos nos llevan, particularmente a poder comunicarnos con los seres queridos y aquellos con quienes queremos comunicarnos.

El film resulta una película interesante en lo concerniente a la necesidad de comunicación que necesitan los seres humanos. Sus personajes son unas señoras de unos 60/70 años que viven aisladas en casas de campos. Su protagonista principal es Michelle, interpretada por Helene Vincent, una mujer que transita los cerca 60 años, es actriz y acaba de completar su primer protagónico. Vive sola en medio de una zona lejana a Paris. Su vecina y mejor amiga

Michelle es una mujer anciana que vive preocupada en mantener las relaciones familiares siempre latentes que se ve involucrada en una trama familiar que le permite a Ozon desarrollar el relato haciéndolo caminar por una cuerda floja que llena al film de suspenso. Michelle les cocina unas setas silvestres que resultan ser tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece cuando conoce al hijo de Marie-Claude, que acaba de salir de prisión.

La narración adquiere fuerza para mantenerse a sí misma sin trampas ni golpes bajos, dejando que el director se desprenda del modelo y dando mayor dimensión a sus personajes. Un incidente inesperado saca de la tranquilidad a los personajes encerrándolo en una especie de thriller familiar.

En todo momento el film es gobernado por la ambigüedad del relato. Michelle hace una pregunta pero la respuesta  nunca llega. La falta de certeza se apodera del relato. La aparición de otro hijo recién salido de prisión complica más la trama.

Los personajes toman fuertes decisiones, se equivocan, otras veces, aciertan, pero el film late con fuerza. Una  película interesante del director francés que atrapa al espectador no solo por las buenas intenciones  sino también por la excelente construcción de un suspenso que logra mantener al espectador hasta el final mismo de la película.

 

 

DONDE ESTÁ EL POLICIA? de Akiva Schaffer

 LA PROEZA DE HACER REIR

Corrían los últimos meses de los años ´80. Los géneros cinematográficos comenzaban a repetirse. El cine de acción estaba siendo dejado de lado por modelos más atrevidos. Costaba mucho mofarse de sí mismo.

Sorpresivamente aparecieron los hermanos Zucker. Ellos, bajo el ritmo de la comedia, intentaron hacer un policial diferente caracterizado por un humor desfachatado. El riesgo valió la pena. La  Pistola Desnuda se convirtió en un éxito, y se transformó en un clásico de la comedia humorística.

Los años pasan y el cine por diferentes momentos. Ahora se encuentra en un mal momento. Intenta reciclarse pero no lo consigue. Sorpresivamente, aparece la figura de  Akiva Daniel Schaffer, un escritor estadounidense que escribe para Saturday Night Live, y que también es director de cine, compositor, y miembro de The Lonely Island, un grupo de comediantes que tuvieron éxito por Internet, intentando desarrollar un nuevo estilo de humor realizando una la remake de la película mencionada al principio.

Volcado hacia el absurdo total, Schaffer logra pasar con éxito el desafío  que presenta esta remake que logra saltar a través de los años y establecerse con seriedad de la mano de actores tales como Liam Nesson, un señor actor inglés, acompañado por Pamela Anderson, Danny Huston y Paul Michael Glaser.

La actuación de Nesson es extraordinaria. Lo conocemos hace años y había brillado tanto en el teatro como en el cine inglés. Pero pocas veces había tomado un papel tan lejano y riesgoso como éste. Últimamente destacó en el policial, particularmente en el policial inglés, dando vida a una docena de policías. Aquí tomo el toro por las astas e hizo suya la película. Sin duda, interpreta a otro policía de investigación en medio de un aquelarre donde todo lo que ocurre es exactamente lo opuesto a lo esperado.

Aceptando el desafío del absurdo, y con el monumental apoyo de Nesson, la película se alza con esa actuación magistral del inglés colocándolo no solo en lo mejor del policial visto últimamente, sino también lo coloca al tope de la comedia humorística, sorprendiendo con una actuación diferente a lo acostumbrado levantando una comedia que terminará haciendo época.

De por sí, La Pistola Desnuda fue un éxito en su momento marcando una época. Sin lugar a dudas, vuelve reciclada con las mismas honestas armas no solo para dejar establecido a Nesson como un gran actor, sino también como un gran comediante, que en este caso, se pone un viejo éxito al hombro y lo recicla y actualiza poniéndolo al tope del cine de la comedia policial como género.