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31.01.2013
EL LADO LUMINOSO DE LA VIDA de David O. Russell
EL LADO LUMINOSO DE LA VIDA de David O. Russell
Aunque tiene un final muy convencional y
hollywoodense, es una película muy interesante, con un gran equipo de actores
acompañando las soberbias actuaciones de Bradley Cooper y Jennifer Lawrence. En
una primera y superficial visión, uno podría decir que se trata de una película
de superación personal y que en consonancia con ello, está su pintoresco final
de competencia bailable. Pero lo que verdaderamente sobresale de la película es
esa pintura íntima y sufrida de personajes que se sienten atados por
enfermedades crónicas que generan altibajos en sus conductas y que no los
dejan ser quienes quieren ser. El cine de Russel sobresale en ese sentido
humanista de la vida. Algo parecido sucedía en su anterior película, The
Fighter (El Luchador), una historia de superación personal donde Micky
Ward, destrozado por el alcohol y las
drogas intentaba volver al ring de la mano de su amigo Dick Ecklund. Es en ese
aspecto de la necesidad de superarse a sí mismo donde el film encuentra sus
mejores logros.
07-02-2013
LINCOLN de Steven Spielberg
LINCOLN de Steven Spielberg
Es una especie de obra teatral sobre la abolición de la esclavitud en los Estados Unidos, que a su vez, es un film político porque muestra el detrás de la escena de los acuerdos políticos para sacar leyes que hoy parecen obvias pero que en el pasado fueron controversiales. Esta película no es sobre un mito sino sobre un hombre brillante que fue capaz tanto de inspirar como de sobornar a los representantes del pueblo en representación de la gente. Un abogado honesto, un orador notable, un hombre honesto que se adaptó a las necesidades de su país más que cualquier otro hombre en su historia. Daniel Day Lewis es un actor que trabaja poco, y cuando aparece lo hace transformado en su nuevo personaje que parece salido de la nada pero es el resultado de un cuidadoso estudio de su parte. Por su interés y su impecable puesta en escena se constituyen en uno de los mejores films dramáticos de toda la carrera de Spielberg. Sus mayores logros están en haber sacado la figura del bronce y haber transformado al patriota en un hombre con luz propia que ilumina el escepticismo y derrotismo de aquella época.
07-02.213
EL VUELO de Robert Zemeckis
25-02-2013
ZERO DARK THIRTY (LA NOCHE MÁS OSCURA) de Kathryn Bigelow
Es el último y magnifico film de Kathryn Bigelow, directora ganadora del Oscar en 2009 por The Hurt Locker, una mujer que se especializa en el cine de acción y suspenso con una pericia extraordinaria. Se trata de un gran entretenimiento a la vez que es una película de gran interés y actualidad política que facilita el análisis y el entendimiento de la situación imperante en medio oriente y las relaciones de poder en el mundo.
Maya (Jessica Chastain) es una agente de la CIA cuya primera experiencia de trabajo es el interrogatorio de prisioneros relacionados con los ataques del 11 de septiembre de 2001. Durante varios años, su obsesión es la búsqueda de pistas para descubrir el paradero del líder de Al Qaeda, Osama Bin Laden. En 2011, su trabajo comienza a rendir frutos. Consecuencia de ello, un equipo de los Navy SEAL de los Estados Unidos es enviado para capturar vivo o muerto a Bin Laden. Maya formará parte de ese equipo.
Maya (Jessica Chastain) es una agente de la CIA cuya primera experiencia de trabajo es el interrogatorio de prisioneros relacionados con los ataques del 11 de septiembre de 2001. Durante varios años, su obsesión es la búsqueda de pistas para descubrir el paradero del líder de Al Qaeda, Osama Bin Laden. En 2011, su trabajo comienza a rendir frutos. Consecuencia de ello, un equipo de los Navy SEAL de los Estados Unidos es enviado para capturar vivo o muerto a Bin Laden. Maya formará parte de ese equipo.
La
película es la crónica de ese episodio, pero en su estupendo trabajo de
reconstrucción de los hechos ocurridos durante toda una década, el film también
es un análisis riguroso de los cambios políticos y de inteligencia ocurridos
durante esos años en los Estados Unidos. El fin del mandato de George W. Busch
(hijo) y la elección de Barack Obama como presidente de la primera potencia
global no solo pone a un hombre de color en la cúspide del poder de ese país
sino también cuestiona el uso de la fuerza bruta como única vaya defensiva del
país del Norte, volviendo a cobrar relevancia el uso de la inteligencia, es
decir, el espionaje, lo cual implicó, un resurgimiento de la CIA.
"Cero
Dark Thirty" no intenta atraer al espectador con ningún sentimiento
humano. De repente, los personajes están ahí, persiguen un fugitivo en medio de
un desierto en función de un dato que puede o no ser cierto. Jessica Chastain
es lo más cercano a un personaje principal, pero en verdad, ella solo es parte
de un engranaje en una persecución de carácter épico. No sabemos nada de ella,
excepto que fue reclutada para la CIA en la escuela secundaria. Es una simple
cazadora.
En el
film se utiliza la tortura como forma de obtener información de parte de los
detenidos. No hay juicios morales. No importan los medios. Solo importa el
resultado. Y ese resultado es atrapar a Osma Ben Laden y eliminarlo.
Algunos
pretenden comparar a este nuevo film de la Bigelow con su film anterior: The
Hurt Locker, ganador nada menos que del Oscar a la Mejor Película y a la Mejor
Dirección. Nada más equivocado. Ambos son ejercicios estilísticos. Mientras en
The Hurt Locker puede verse como una película de guerra donde la cuestión está
puesta en el suspenso, en esta nueva incursión de la directora en el cine de
acción la cuestión es la persecución a muerte del delincuente más buscado. Y
dado que el suspenso no puede operar como factor de desarrollo del film toda
vez que éste se basa en hechos reales y bien conocidos por todos, aquí reina la
acción permanente que genera la búsqueda, la persecución y la muerte del
delincuente más buscado.
No hay
duda que estamos ante otra gran obra de una directora que desde el cine de
acción da permanentemente cátedra de CINE, así con mayúsculas, tomando como
fondo de sus historias la más cruda realidad que atraviesan los Estados Unidos
de América.
21.02.2013
"AMOUR" de Michael Haneke – Francia
"AMOUR" de Michael Haneke – Francia
En
“Amour” nos adentramos en el amor más profundo de la mano de un maestro, el
alemán Michael Haneke, un cineasta que se ha caracterizado por su profundidad
de análisis social, que en esta oportunidad
se interna en el drama de la
vejez y la muerte cuando la enfermedad irrumpe con fuerza destructora en la
integridad física y moral de la persona. El film relata la historia de Georges
y Anne, una pareja de profesores de música jubilados (maestros de piano) que
disfrutan de la vida en sus ochenta años, cuando de repente, Anne sufre un
derrame cerebral y sus vidas ya nunca volverán a ser las mismas.
Estamos
ante un film muy duro que describe el declive físico y mental de una mujer
brillante (Anne), otrora concertista, ahora una profesora de música, acompañada
y cuidada por Georges, su marido, quien intenta mantenerla en su casa. La
película se transforma en una cruzada por la dignidad humana mientras describe el
proceso de deterioro en una lucha desigual entre la voluntad y la fuerza, incluso
cuando su hija Eva intenta ayudar haciéndose cargo de la situación.
En
“Amour” no estamos ante una historia de amor convencional sino frente a un
drama que describe como la vida arrasa impunemente contra esa pareja que ha
construido durante años una historia de amor que no es otra cosa que esa unión
visceral que ambos han desarrollado durante su vida en común, y que les ha
permitido vivir juntos hasta los 80 años.
El
maestro austríaco cuestiona el destino de una pareja con un absoluto realismo que
genera una incomodidad para el espectador pero que paradójicamente logra conmover
toda vez que antepone lo emocional por sobre cualquier intento de respuesta
racional. Hanecke hace palpable lo desconocido y materializa el peligro a
medida que avanza la película en medio de un confortable departamento de estilo
típicamente francés cuyas dimensiones aumentan la sensación claustrofóbica del
miedo.
"Amour"
cuenta con las grandes actuaciones de Emmanuelle Riva, Jean-Louis Trintignant e
Isabelle Huppert. El film se desarrolla a un ritmo lento, casi teatral, y describe
el proceso irremediable de la vejez y de la perdida de la dignidad como
consecuencia de una enfermedad que avasalla al cuerpo generando tanto problemas
físicos como mentales.
14.03.2013
"ELENA" de Andrey Zvyagintsev – Rusia
"ELENA" de Andrey Zvyagintsev – Rusia
Elena y Vladimir son una pareja mayor con diferentes orígenes. Vladimir es un hombre rico y frío, Elena proviene de un ambiente modesto y es una esposa dócil. Se han conocido en el atardecer de la vida y cada uno tiene hijos de matrimonios anteriores. El hijo de Elena está desempleado, y su madre es su sostén. La hija de Vladimir tiene una relación distante con su padre. Un ataque al corazón pone a Vladimir en el hospital, donde se da cuenta de que su tiempo es limitado que lo lleva a tomar una decisión: su hija será la única heredera. Cuando se lo cuenta a Elena, ella siente que desaparecen sus posibilidades de ayudar a su hijo. Entonces comienza a tramar un plan de subsistencia.
Andrey Zvyagintsev nos había maravillado con El Regreso (2003). En su haber también está The Banishment (2007), que no se estrenó en Argentina. Ahora con Elena llega a su tercer largometraje, una aguda reflexión sobre la aparición después de la caída del socialismo, de una nueva lucha de clases entre la burguesía contemporánea de Moscú y las clases más humildes.
Esta es una visión social de la Nueva Rusia, con algunos pocos nuevos ricos, y el mantenimiento de muchos pobres. La tierra de la falsa igualdad convertida en una sociedad de asombrosa disparidad en la que siguen conviviendo la falta de piedad y la carencia de conciencia que reinó durante el comunismo. Una lucha que siempre ha sido sobre dinero y poder.
La puesta de Zvyagintsev es notable. Partiendo de la idea que él es un hombre rico y ella una pobre enfermera de hospital coloca en escena las diferencias de clase entre ambos. No hay referencias en cómo se estableció el vínculo entre ambos. Él se pudo acercar a ella tanto por amor, como por compasión o agradecimiento. Ahora han transcurrido 10 años de convivencia y la relación se ha gastado. Estamos ante un matrimonio que se mantiene por pura formalidad.
Las diferencias de clase aparecen cuando Elena sale de su casa. Ella no ha dejado de ser una mujer humilde que viaja en colectivo, subtes o trenes. Está claro que su hijo depende de ella para mantener a su familia. Por el otro lado, Katya, la hija de Vladimir, también depende absolutamente del dinero de su padre. La falta de acercamiento entre ambos es total. Y la buena relación que el padre mantiene con su hija es mediante las transferencias bancarias que siempre llegan en tiempo y en forma.
Con un ritmo deliberadamente lento, largas tomas y una paleta de colores apagada, Zvyagintsev trabaja esta visión de realismo social de la nueva vida rusa. Toma convenciones del melodrama y las reconfigura en forma austera. De esa manera pinta un cuadro social basado en una división cultural de alcances universales.
13.06.2013
"LA CACERIA" de Tomás Vinterberg – Dinamarca
Lucas es
un maestro de jardín de infantes. Klara, una de sus pequeñas alumnas, inventa desafortunadamente
una mentira sobre él. Antes de que Lucas sea capaz de entender las
consecuencias de lo sucedido, se ve convertido en el paria de la ciudad.
La
historia apunta a realizar un profundo análisis sobre los prejuicios. Basada en
hechos reales, sin lugar a dudas conmueve al espectador. La película refiere al
peligro de la histeria colectiva, la ignorancia y el poder masificación de la
gente. Muestra la importancia de medir y considerar la difamación sensacionalista
ante la ignorancia general y los medios amarillentos que nos informan
diariamente tratando de influir nuestro propio discernimiento..
Lucas es un
hombre solitario amenazado cuya soledad no será respetada ni entendida por los
habitantes del pueblo. La actuación moderada de Mads Mikkelsen es notable y es
fundamental para que La Cacería se vuelva una experiencia inquietante y
memorable.
La
destreza de la puesta en escena de Vinterberg enfatiza en la utilización de la
luz natural para igualar la altura y la profundidad de las emociones de los
niños en el jardín de infantes. La idea de inocencia se refleja en la intensidad
de la luz. Cuando los niños están rodeados de amor, la luz brilla. La paleta de
colores es cálida y acogedora. A medida que el miedo aumenta, aparecen las
sombras. En consecuencia, a medida que la película avanza, el cuadro que pinta se
vuelve cada vez más oscuro acompañando la narración.
Largas
tomas silenciosas, sin diálogo, dan lugar a que hablen los ojos. El enfoque de
las caras es muy expresivo. A su vez, la fotografía de Charlotte Bruus
Christensen permite que el paisaje de la campiña danesa genere una sensación de
paz que contrasta con la agitación que hay en el pueblo. Lo que está ocurriendo
es una pesadilla de la vida real, no el producto de la imaginación de un
escritor.
La Caza es
una película interesante, muy bien hecha y con una actuación consagratoria de
Mads Mikklesen. Es, además, una de las mejores películas del año. Otra muestra
de la importancia creciente del cine dinamarqués.
10.10.2013
"GRAVITY" de Alfonso Cuarón
"GRAVITY" de Alfonso Cuarón
La Dra.
Ryan Stone (Sandra Bullock), una ingeniera médica en su primera misión, y el
veterano astronauta Matt Kowalski (George Clooney) al mando de su último vuelo
antes de retirarse, deben realizar una caminata espacial ante un desperfecto de
rutina. La cosa se complica y ocurre un desastre. La lanzadera se rompe y Stone
y Kowalsky quedan aislados en el espacio, atados a la nave, orbitando alrededor
de la tierra.
Desde un
punto de vista formal la película tiene dos aspectos. Por un lado, la historia
que cuenta. Por otro, unos efectos especiales maravillosamente logrados. En el
primer caso, la historia es convencional y podríamos decir que pasada la
primera hora de la película, rutinaria. Pero por otro, estamos ante una
película visualmente deslumbrante. Los efectos especiales hacen empalidecer incluso
a aquellos de Stanley Kubrick en 2001, Odisea del Espacio.
No obstante, asumiendo que
estamos en el reino de la fantasía, y si bien sabemos que los astronautas no
tienen ninguna chance de alcanzar la Estación Espacial internacional, Gravity
nos pide entrar en el juego y creer que esto puede ocurrir. Entonces, más allá
de todo convencionalismo, nos encontramos ante una película llena de
situaciones intensas y de gran suspenso como si en realidad se tratara tan solo
de un excelente ejercicio estilístico que obligan al espectador a permanecer con
cinturón de seguridad atado a su butaca.
Gravity contiene 90 minutos de
notable belleza visual, pero algunos de esos minutos pueden resultar demás dado
lo apuntado en el párrafo anterior. No obstante el director Alfonso Cuarón merece
el aplauso dado que logra una película visualmente deslumbrante merced a la asombrosa
fotografía de Emmanuel Lubezki, un fotógrafo mexicano que es un mago de la steadycam.
Su coherencia visual, su lógica y razonabilidad son inalterables aun cuando
está contado una historia increíble. El plano secuencia inicial es absolutamente
memorable, al igual que la escena donde Bullock queda girando sobre el cielo
estrellado.
La cámara se acerca y comienza a girar hasta que el giro es el mismo que e del personaje.
Continúa acercándose, penetra el casco, enfrenta el rostro de la actriz, y se instala en uno de sus ojos. Entonces Lubezki realiza un swing de ángulo amplio y quedamos viendo un universo giratorio a la vez que escuchamos la respiración de la astronauta llena de pánico. Realmente un prodigio. Todo en una sola toma sin montaje.
La cámara se acerca y comienza a girar hasta que el giro es el mismo que e del personaje.
Continúa acercándose, penetra el casco, enfrenta el rostro de la actriz, y se instala en uno de sus ojos. Entonces Lubezki realiza un swing de ángulo amplio y quedamos viendo un universo giratorio a la vez que escuchamos la respiración de la astronauta llena de pánico. Realmente un prodigio. Todo en una sola toma sin montaje.
Sandra Bullock es el personaje
principal, lejos de los papeles que suele interpretar, se transforma en una
heroína que hace recordar a algunos personajes que interpretó al principio de
su carrera actoral. George Clooney es tan solo su coprotagonista que también destaca
interpretando al astronauta experimentado.
Estamos ante una obra llena de suspenso e intensidad emocional, interpretada por un par de estrellas que tienen un carisma indudable. Lejos de 2001, cercana a Kubrick en los resultados visuales, el film busca el entretenimiento más puro sin ningún tipo de intenciones metafísicas ni religiosas. Simplemente cuenta una historia donde la cuestión que se plantea es la supervivencia.
TIEMPO DE BALANCES
LAS PELICULAS QUE MAS ME GUSTARON EN 2012
1. El Puerto (Le Havre), Finlandia, 2011, Ali Kaurismaki
2. La Separación, Irán, 2011, Asghar Farhadi
3. J. Edgar, USA, 2011, Clint Eastwood
4. Shame, Inglaterra, 2011, Steve Mc Queen
5. Los Descendientes, USA, 2011, Alexander Payne
6. Le Gamín Au Veló, 2011, Belgica, Jean Pierre y Luc Dardenne
7. Drive, USA, 2011, Nicolas Winding Refn
8. Angele et Tony, Francia, 2010, Alix Delaporte
9. Batman 3. The Dark Knight Rises, 2012, Chistopher Nolan
10. Skyfall, Inglaterra, 2012, Sam Mendes
En DVD
1. Poetry, Corea del Sur, 2009, Lee Chang Dong
2. Night and the City, Inglaterra, 1950, Jules Dassin.
3. Yo la conocía bien, Italia, 1965, Antonio Pietrangeli
4. The Woman in the Window, USA, 1944, Fritz Lang
5. They Live by Night, USA, 1949, Nicholas Ray
6. Damage, Francia, 1992, Louis Malle
7. Five Fingers, USA, 1952, Joseph L. Mankiewicz
26 de noviembre de 2012
SKYFALL de Sam Mendes
FOR KING AND COUNTRY
No es descabellado afirmar que Skyfall puede llegar a ser la mejor película de la serie Bond. Al menos, es el film más denso y complicado de todas ellas en cuanto argumento, es el más pretencioso en términos estéticos y estilísticos, y es el más ambicioso en términos de producción.
Vayamos por partes. Bond, el personaje, esta vez, más allá del superhéroe, está tratado como un ser humano. Es cierto que Bond es un Agente Secreto al Servicio de su Majestad, que es un Doble Cero, o sea, que cuenta con licencia para matar, y obviamente, también es cierto que será el héroe del nuevo film, pero esta vez, la búsqueda no estará concentrada solamente en la detección o el aniquilamiento del villano, sino en el encuentro de la madre.
Porque Skyfall es una película sobre la orfandad. Sobre la anarquía de los tiempos presentes, sobre la violencia ejercida por las organizaciones terroristas contra un orden establecido precario y fugaz. Sobre la falta de estadistas mundiales que asuman verdaderos liderazgos y sobre la confusión general reinante. “Pronto tu pasado será tan inexistente como tu futuro.” Le dice M a Silva, el villano de la película.
Desde el inicio mismo, Bond aparecerá desde un foco de luz enceguecedora, y su silueta se moverá de manera amorfa a través de un tenebroso pasillo, mientras la cámara se detendrá en un primer plano de sus ojos que no verán otra cosa que la escena del crimen en un cuarto oscuro, donde está terminando de morir un agente británico. El asesino no se ve, no se percibe, acaso se mueve como un fantasma. La amenaza está en estado latente, nunca a la vista.
Más adelante, M afirmará: - “Supongo que yo veo el mundo distinto. Y la verdad es que lo que veo, me atemoriza. Me atemoriza porque nuestros enemigos son desconocidos. Ellos no existen en el mapa. No son naciones... Son individuos. Vean alrededor, a quién le temen? A un rostro, un uniforme, una bandera? Nuestro mundo ya no es más transparente, ahora es opaco. Está en las sombras, ahí debemos pelear.”
Bond y su villano: Tiago Rodríguez, alias Silva, un estupendo trabajo de Javier Braden, son las dos caras de una misma moneda. Dos huérfanos en busca de una madre (M) que los ha abandonado porque siempre ha entendido que un valor superior (los intereses de la madre patria) se ha superpuesto sobre sus derroteros individuales al servicio secreto de su majestad. Pero si en Bond prevalece la responsabilidad del deber, en Silva prevalece el odio del abandono y la necesidad de venganza. Silva parece una versión bondiana de un Joker escapado de Ciudad Gótica.
Cuando Bond encuentra a Silva, éste le relata un cuento acerca de la isla desierta donde habita: Mi abuela tenía una isla. Un verano fuimos a visitarla y descubrimos que estaba infestada de ratas. Llegaron en un bote y se alimentaron de cocos. Cómo sacas a las ratas de una isla? Mi abuelo me mostró cómo. Enterramos un bidón y levantamos la tapa. Le pusimos coco a la tapa. Las ratas se precipitaban por los cocos y... caían en el bidón y después de un mes atrapamos a todas las ratas. Pero luego que haces? Lanzas el bidón al océano? Lo quemas? No, … las dejas vivir. Entonces les da hambre... y una por una... se devoran entre sí, hasta que solo quedan dos al final. Dos sobrevivientes. Y luego qué, las sacrificas? No... las tomas y las liberas en la isla. Pero ahora el coco no será su alimento, ellas solo comerán ratas. Les cambias su naturaleza. Dos sobrevivientes, eso es lo que nos hizo.
M, Bond y Silva serán esos sobrevivientes de un mundo en descomposición, y obviamente, irán a buscar su final en el pasado, allí en el único lugar donde pueden sentirse seguros porque allí existen las certezas. “A donde vamos?”, le pregunta M a Bond. “Al pasado” le responde Bond: “Allí podremos tener ventaja.”
Estéticamente el film es moderno y vuelve a las formas más clásicas del relato de las primeras películas donde la trama importaba más que la acción. Apoyada en las tomas de un fotógrafo excepcional que es Roger Deakins, colaborador habitual de los Hermanos Coen, la fotografía resalta por los contraste permanentes que transforman a Skyfall en un mundo alternativo de luces quemantes y sombras tenebrosas.
Pero el film es, además, una película aniversario (50 años) y decide rendir tributos. Por eso, hay algunos auto homenajes. Skyfall es el lugar donde nació Bond. Ese lugar es Escocia, y escoses es Sean Connery, el primer Bond. La vuelta al pasado la emprenderán en el viejo Aston Martín que Bond menajó en Goldfinger (a los efectos de evitar el moderno rastreo satelital). El villano Silva no solo le debe parte de su maldad al Joker de Ciudad Gotica sino también al Zorín de Chistopher Walker de ”A View To Kill”. La belleza de Berenice Marlohe recuerda a la Dominó de “Thunderbolt” y Naomí Harris a la Jinx de Halle Berri. Reaparece, además, Miss Moneypenny.
Sin embago, los tributos no se terminan allí. La franquicia, tal vez los nuevos guionistas, o el mismísimo Sam Mendes, el excelente director de Belleza Americana, también homenajea a Orson Welles, inspirándose en “La Dama de Shangai” en la escena que justamente ocurre en Shangai donde los espejos de antaño se transforman ahora en las luces de neón en la noche de los rascacielos de la ciudad asiática, y en el final, la operística llegada de Silva a Skyfall es sobre un helicóptero que sobrevuela las brumas de los Highlands al compas de un tema de los Rolllings como emulando al Capitán Kilgore en Apocalipsis Now de Francis Ford Coppola. Entonces, la locura se ha apoderado de la apacible Skyfall. Y ya nada volverá a ser igual.
Skyfall es una película sobre la pérdida de referencias, de valores tradicionales, en un mundo violento y cambiante.
DE CARAVANA de Rosendo Ruiz, Córodoba
Anoche vi una película fellinesca en el mejor sentido de la palabra. Producción cordobesa con apoyo del INCAA, no solo se remite a Fellini en su contexto sino que también tiene mucho de Tarantino en sus dialogos y hasta de aquel excelente "After Hours" del maestro Martín Scorsese o el subrealismo de David Lynch de "Lost Highway". Muy bien actuada por desconocidos que pertenecen la troupe teatral de Ruiz en Córdoba, "DE CARAVANA", sumerge a Juan Cruz, su personaje principal, un fotografo con intenciones de armar una exposición, en un recital de la Mona Gimenez, y sorpresivamente, de la mano de un levante ocasional, se sumergirá en un submundo caotico de narcotráfico, prostitución, drama de celos y peleas violentas. La película va engachando de a poco. Lo hace alejada del drama social llevada por un paso de comedia costumbrista y sale airosa en base a talento, el del director y de los actores, que no se dejan atrapar por el mero pintorequismo cordobes sino por cierto subrealismo que abre una mirada crítica sobre la cuestión social y la diversidad en que vivimos.
30 de octubre de 2012
ARGO de Ben Affleck
ALGUNOS APUNTES SOBRE "ARGO"No es la primera película de Ben Affleck como director. Anteriormente dirigió “Desapareció una Noche” (2007) sobre la novela de Dennis Lehane (Mistic River) y la también excelente “The Town” (2010). ARGO lo confirma como uno de los potenciales mejores directores de las próximas 2 décadas, a la par que recupera la mejor tradición del cine americano, aquellas virtudes narrativas que hicieron de Hollywood una marca registrada en los 40 y 50.
Tributario de los legendarios John Ford y Howard Hawks, y más recientemente, de Steven Spielberg, James Cameron y sobre todo Clint Eastwood, Ben Affleck (actor y director) realizó un film clásico en su forma y en su apego a los géneros (no es más que una película de fugas), pero muy actualizada en la cantidad y calidad de recursos narrativos utilizados (ilustraciones, tapas de diarios, noticiosos de época, narración en off, comics, etc.) que lejos de transformar al film en un aquelarre visual o sonoro generan una síntesis informativa valiosa que le permite al film transitar hacia el género sin tropiezos de ninguna índole. En consecuencia, el punto más alto de ARGO es la capacidad del director para mantener un único eje narrativo a partir del cual los acontecimientos narrados van desarrollándose sin que se pierda ese eje conductor del relato. Basada en hechos reales (la toma de rehenes en la Embajada Americana en Teherán, Irán en 1979) el film es una denuncia sobre los totalitarismos fundamentalistas pero sobre todo es la historia de una odisea humana, donde el héroe es un ser anónimo e individualista (un agente secreto americano). Película polémica por naturaleza (se trata de una operación encubierta de la CIA para rescatar a los rehenes) nunca pierde de vista el objetivo humanista del mensaje y permanentemente pone énfasis en que las decisiones individuales y la toma del riesgo individual, es la llave que lleva al logro de objetivos superiores más allá de los aparatos estatales y las buenas voluntades gubernamentales.
13 de octubre de 2012
CASABLANCA de Michael Curtiz
CASABLANCA de Michael Curtiz
A PROPÓSITO DE CASABLANCASábado, 3 de la tarde de un hermoso día de primavera. Llego al Abasto en punto. Entro por las escalinatas de Aguero. Cruzó el patio central del shopping. Encaró directamente hacia los Hoyts del fondo. Me hago el distraído para no encontrarme con nadie. Entro al hall del cine, comienzo a subir escaleras mecánicas, hago una pequeña y rápida cola, alguien lee mi QR y me entrega la entrada, sigo subiendo escaleras, salgo a un pasillo largo. Lo recorro de punta a punta. Finalmente: Sala 12. Me siento a un costado. Así, puedo ver película y público. Se bajan las luces. Comienzan los cortos. Se hace la oscuridad total. Aparece el viejo logo de la Warner en blanco y negro. La fiesta ha comenzado.
Me encantó volver a ver Casablanca en el cine. La había visto de adolescente en una versión coloreada que era irreal, y después varias veces en video y DVD. La buena calidad de esta copia digital, incluído el sonido, permiten volver a apreciar todos los logros artísticos de esta película donde la historia sigue atrapando como antes y la química de los actores sigue intacta. Un acierto total el reestreno, especialmente para los cinéfilos como yo. En el cine, había más gente grande que joven. Me pregunté: Será este tipo de evento solo para nostálgicos?
Apuntes sobre la película. Si bien no es un film noir, tiene muchos elementos que la marcan como un precedente de ese género, especialmente, el melodrama de la historia y un blanco y negro cargado de brumas. Tampoco es un film bélico. Si bien podría tomarse como tal dado su carácter propagandístico (USA acababa de entra en la guerra cuando la película se comenzó a filmar). Hoy luce como una gran historia de amor y sobretodo un canto a la libertad.
Los personajes son robustos. Se debaten entre en bien y el mal en medio de un ambiente (Casablanca) que pretende ser neutral. Rick (Bogart) es un aventurero de guerras (ha estado también en la Civil Española). Ahora maneja un night club en Casablanca. Parece estar de vuelta de todo, pero no podrá dejar de meterse en nada. Es un personaje casi shakesperiano. Duda, decide y pasa a la acción.
Ingrid Bergman es Ilsa, un antiguo amor que conoció en Paris.
Algunas frases o diálogos inolvidables de la película:
- "El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos".
Ilsa es la clásica "femme fatal" del film noir pero al servicio de una noble causa. Esta casada y su marido (Victor Laszlo), que es un lider de la resistencia francesa, es admirado por todos.
" - Todo el mundo conoce a Rick en Casablanca, y a Victor Laszlo en todas partes."
Cuando ambos llegan a Casablanca, una ciudad tomada por los franceses de Vichy que coquetean permanentemente con los alemanes, estalla el drama. Ilsa reencuentra a Rick y Rick comienza a dudar de la honestidad de su antiguo amor.
"- De todos los cafés que hay en el mundo, se le ocurre venir al mio".
Rick tendrá que optar por el amor o por la libertad. Eso significa escapar con ella o permitir que su marido se salve (y con él la Resistencia toda) tomando un avión a Portugal. Rick tomará la decisión de un hombre de bien.
En el final, conversando con el ambivalente comandante francés de Casablanca, en medio de la noche brumosa, intuirá que no se ha quedado solo y que puede haber encontrado un amigo en el enemigo.
"- Louis, creo que este es el comienzo de una bella amistad."
2 de octubre de 2012
ACERCA DE ALFRED HITCHCOCK, UN MAESTRO DEL CINE
Creo que la mayoria de nosotros hemos comenzado a ver cine con el Maestro Alfred Hitchcock. Mis primeros recuerdos se remontan a "Alfred Hitchcock Presenta", una serie de misterio presentada en TV en los años sesenta, y ya de adolescente, vi sus últimas gandes peliculas que me llenaron de admiración y respeto, entre ellas, particularmente, Frenzy.
Afortunadamente, la aparición del video me ha permtido ver su obra completa y comprobar por mi mismo el Gran Maestro que sin lugar a dudas, era. Psicosis, Los Pájaros y mi preferida Vértigo, son para mi, obras cumbres del séptimo arte. Pero lo más notable es que toda su obra permanece vigente a pesar de que la mayoria de sus peliculas ya tienen más de 60 años.
Para Hitchcock la construcción del guión primaba sobre todo. Para ello, se rodeaba de los mejores guionistas de la época. Y aunque el guión fuera producto de una adaptación, lo que más importaba era generar una estructura estrictamente cinematográfica. Él les llamaba las leyes el "suspense". Lo demás consistía en elegir a los actores adecuados y lograr la credibilidad de cada truco utilizado.
Para aquellos que están interesados en saber un poquito más en materia de cine, les voy a copiar una parte de un artículo que escribió Gustavo Noriega en La Nación el domingo pasado. Alli Noriega, resume algunos de los logros del Maestro, que han pasado a ser métodologías habituales en el cine moderno, como así también fuente de inspiración de innumerables cineastas (Claude Chabrol, Henri Georges Clouzot, Jules Dassin, Brian de Palma, John Carpenter, Martín Scorsese, Steven Spielberg y muchos más).
Noriega dice: "La obra de Hitchcock funciona como un gran manual de cine. Si se quieren conocer los secretos del montaje, no es hay más que ver la escena de la ducha de Psicosis (1960). Si se quiere reflexionar sobre el uso del color, ahí está Vértigo (1958), considerada en la última votación del British Film Institute como la mejor película de la historia. Si se quiere experimentar el plano secuencia, es ineludible La soga (1948). Si se quiere apreciar el uso de la música como elemento dramático, basta escuchar cualquiera de las películas en las que participó Bernard Herrmann, especialmente, la ya mencionada Vértigo . Si se quiere saber cómo una película de terror puede ser efectiva renunciando explícitamente al uso de la música (algo que el 90 por ciento de los exponentes contemporáneos del género serían incapaces de hacer), basta con ver Los pájaros (1963). Si lo que interesa es el argumento de la película y resulta atractiva la idea de una persona ordinaria arrastrada a situaciones extraordinarias que no comprende, cualquiera de las películas de Hitchcock
califica."
28 de setiembre de 2012
INFANCIA CLANDESTINA de Benjamín Ávila
Vi "Infancia Clandestina", la pelicula argentina de Bejamín Avila con Natalia Oreiro y Ernesto Alterio. La pelicula está bien hecha, tiene buen ritmo, y alcanza nivel de pelicula industrial. Además, está coproducida con España, y en la parte argentina participan Luis Puenzo y la TV Pública. Es la gran apuesta del año del cine nac and pop (nacional y popular).La pelicula podría haber sido una oda al movimiento montonero. No lo es. Enfocada desde un punto de vista humanista, contada a través de las vivencias de un chico de unos 12 años, relata los aciagos días de la segunda contraofensiva montonera contra el regimen militar allá por 1979. Pero al relatarse desde el punto de vista del chico, poco a poco se va transformando en el martirio de un chico que quiere vivir los despertares de su edad condicionado permanentemente por la clandestinidad de sus padres. Obviamente, la pelicula va a terminar mal. Sus padres moriran, su hermana menor desaparecerá y él, afortunandamente, será abandonado una noche en la puerta de la casa de su abuela. Lo notable del caso es que esta sucesión de golpes bajos orientados a que el espectador empatice con las victimas de la represión, logra lo contrario, es decir, mostrar el horror que aquéllos niños han vivido, sometidos a los deseos y rígidos puntos de vista ideológicos de sus padres. Es decir, todo lo contrario, hijos victimas de la cerrazón e inoportunidad de sus padres más que de la terrible represión.
20 de septiembre de 2012
TOURNEE de Mathieu Amalric
Hoy se estrena "Tournee", una gran película que vi en el BAFICI dos años atrás. Dirigida por Mathieu Amalric, ese gran actor (Reyes y Reinas y Un Cuento de Noé) y director francés. Es una film duro y hermoso, que derrocha humanismo contando la historia de un grupo de cuarentonas vedettes americanas que recorren los pueblos costeros del norte de Francia tratando de llegar a Paris de la mano de un representante que nos es otro que Amalric. Homenaje a Fellini, a Bob Fosse (es un All That Jazz a la francesa), nos habla de la ilusión del sueño imposible, de la dura realidad del trotamundos, de la dificultad de ganarse la vida trabajando en el teatro itinerante y de la soledad de estar lejos. Almas sensibles, no se la pierdan. Va a durar poco en cartel, está lejos de ser un blockbuster....
9 de agosto de 2012
EL PUERTO de Aki Kaurimaski
EN LA CORRIENTE HUMANISTA
Es una de esas películas pequeñas e imperdibles que pasan rápido por la cartelera y después uno nunca se perdona de no haberla visto en el cine. Pero ahora ya es tarde y si el día fue duro y lo que prevalece en ti es bronca, pasa por el video club y alquilate "El puerto" o en su original "Le Havre" del finlandes Aki Kaurismaki, uno de los maestros del cine moderno. Un humanista en la más exacta definición de la palabra. La peli es una joyita que pasó raudamente hace un par de meses atrás por los cines de arte. Es para reconciliarse con la vida. De lo mejor que se vio este año. Una verdadera obra maestra, cumbre de un humanismo como hacía mucho tiempo que no veía en el cine. Un film muy chiquito, hecho con muy bajo presupuesto pero con un talento infinito, que cuenta una anécdota mínima que trata sobre el milagro y la capacidad de hacer el bien sin mirar a quien. En el fondo está el tema de la inmigración ilegal en el norte de Francia. En los extremos la historia de un viejo que está a punto de quedar viudo y un niño de raza negra de nacionalidad senegalesa que quiere llegar a Londres. Una maravilla para ver, sentir y disfrutar del mejor cine.
2012-12-10
QUÉ VOY A HACER CON MI
MARIDO? (HOPE SPRINGS) de David Frankel
Una
comedia bastante interesante que trata sobre la crisis matrimonial a los 50. El
problema de la película es que es un drama contado con paso de comedia pero que
no logra hacer reír mucho. Uno la ve con una sonrisa porque en muchos aspectos
se ve reflejado en los personajes, pero.... claramente es un drama, aquel de la
mediana edad, la de aquel momento en el cual los hijos vuelan y el matrimonio
se queda solo. Esta película trata sobre las cosas que no se dicen, de aquello
que nos deja expuesto y vulnerable frente al otro. Expresa las dificultades de
comunicación de una pareja. Tommy Lee Jones es el marido que entiende
perfectamente que su matrimonio se ha desgastado y pese a ello intenta seguir
delante. Meryl Streep es su mujer que siente que el romanticismo se ha ido y no
se siente ni atractiva ni apreciada como antes. Desea salir de su encierro.
Steve Carrell es un psicólogo que trata de unir las partes rotas para que
vuelvan a ser felices.
CACERÍA IMPLACABLE de Morten
Tyldum
Un Thriller noruego con un
título poco preciso para una traducción que alude al "Headhunter", es
decir al tipo que se encarga de reclutar gente para un trabajo. Y eso es lo que
es la película, la historia de un headhunter que además es ladrón de cuadros y se
ve metido en una trama infernal de la noche a la mañana. La película no da
respiro. Tiene mucha acción y es muy entretenida. Forma parte del nuevo
cine nórdico. Antes, los suecos hicieron de la introversión, su cine. De la
mano del famoso Ingmar Bergman, el director de "Persona", vimos "El Septimo
Sello", "Un verano con Mónica", "Fanny y Alexander", por nombrar solo las mas famosas.
Ahora se han direccionado hacia lo comercial, y particularmente hacia el
thriller, estilo “Imsonnia”, con Al Pacino. Esa película americana era una
remake de una noruega. Ahora los americanos también copiaron "La Chica del
Dragón Rojo" que es una copia de "Los Hombre que no Amaban a las
Mujeres". Todos thrillers de primerísima calidad.
2012-07-27
A ROMA CON AMOR de Woody
Allen
El tour de Woody expresando
su amor por Europa continúa. Próxima parada: Roma. Dado que no puedo eludir mi
fanatismo por Woody Allen, tengo que admitir que esta película me gustó como
siempre me gustan todas sus películas. En virtud de ello, ldebo admitir que
estoy escribiendo esta nota con cierta falta de objetividad. Pero si me pongo a
hilar fino, con un ojo más crítico, es claro que no es la mejor película de
Allen ni mucho menos. Toca los temas de siempre, el amor, el sexo, la eternidad
de una ciudad versus la fugacidad de la fama y del éxito, pero sobre todo se
detiene en la fantasía que la gente elabora para poder vivir. Es decir, la
necesidad que cada uno necesita de armarse un sueño, vivir la vida de otro. El
personaje de Roberto Begnini expresa: “Es mejor ser una celebridad que ser un
desconocido”. Y eso define en gran medida el discurso de Allen en Roma. Es como
si los diversos personajes tuvieran una doble personalidad, o una doble vida a
la cual esconden o protegen porque es como un reaseguro diario de poder vivir
cada día y seguir hacia el día siguiente. Es aquello que trata de no ser
siempre racionales sino seguir el instinto y los impulsos del corazón. Entretenida,
bien actuada, le falta “algo” que la volviera trascendente, un algo incierto e
imponderable que tienen las grandes obras de arte y que es muy difícil descubrir.
TRES de Pablo Stoll
Una joyita del cine uruguayo.
Una película chiquita, sobre una familia muy disfuncional en Montevideo, un
matrimonio separado, un marido muy alejado y negador de la realidad, una esposa
hastiada cuidando una tía enferma en estado terminal, y una hija adolescente en
plena ebullición de sus feromonas. Película de escenas, de atmosferas más que
de relato, muestra un collage de una sociedad en cambio, con muchos problemas
de adaptación siempre con un humor fino y elegante.
EL MUCHACHO DE LA BICICLETA
de Luc y Jean Pierre Dardenne
Los hermanos Dardenne son dos
belgas que constituyen un fenómeno en el cine mundial. Guionistas y directores,
grandes ganadores del Festival de Cannes en dos o tres oportunidades, que
haciendo películas de muy bajo presupuesto pero de una calidad fílmica impar,
se han dedicado a retratar la nueva sociedad pos industrial europea siempre
desde personajes adolescentes.
Cyril vive en un orfanato
tratando de escaparse para ver a su padre, no queriendo entender que su padre
lo ha abandonado. Paralelamente, es dado al cuidado de Samanta, una peluquera de barrio, lo cual
origina que el eje de la relación que busca Cyril cambie una persona siempre
ausente a una madre sustituta siempre presente. Mientras Cyril se transforma en
un adolescente que expresa sus rebeldías contra su madre sustituta, Samanta
trata de convertirse en la madre que nunca pudo ser. Hay una lucha silenciosa
que expresa la necesidad de la propia Samanta de convertirse ella misma en la
madre que tal vez nunca tuvo. Es ella, una chica de la calle, tratando de sacar
a un hijo adoptivo de la misma.
Película dura, muy bien
hecha, que no solo relata la marginalidad a que somete la disfuncionalidad
familiar sino también la violencia que genera una sociedad en cambio, cuyo
derrotero implica la pérdida de valores morales.
2012-06-18
PROMETEO de Ridley Scott
El mismo director del
primer Alíen, cuenta una historia similar, podría decirse una precuela de
Alíen, y la mezcla con temas de otra de sus películas, Blade Ranner. Como todo
híbrido, la película no es ni chicha ni limonada pero se deja ver, donde lo
mejor está en el mantenimiento del suspenso y en la puesta en escena. Es lo que
podría llamarse un terror gótico futurista, y sobretodo, muy pesimista.
MI SEMANA CON MARYLIN de
Simon Curtis
Es un film muy agradable
que cuenta sobre la semana en que Marylin Monroe fue a Londres a filmar una
película con Lawrence Olivier (El Príncipe y la Corista) y conoce a un
muchacho que se enamora de ella y que pretende hacer carrera en el cine
trabajando como asistente de dirección, Pero esa trama es tan solo un
disparador que nos introduce a la misteriosa personalidad de ella, una mujer
que en esa época parecía tenerlo todo pero que en realidad, no tenía nada.
Alguien que parecía ser una gran diva del cine pero solo pretendía ser y hacer una
persona común. Alguien que amaba la fama pero quería la discreción. Alguien que
era una estrella de Hollywood pero que quería ser tan solo una actriz. Todo una
serie de dicotomías que hacen de la película algo más interesante que la inicial
propuesta de la historia de un amor imposible entre un chico de 20 años y una
mujer de 30. Esboza un retrato de una gran soledad que años más tarde
conoceremos canalizaría a través del alcohol y las drogas encontrando la
muerte.
ABRIR PUERTAS Y VENTANAS
de Milagros Mumenthaler
Es una película argentina realmente
notable por su delicadeza y equilibrio narrativo que trata sobre el pasaje
forzado de 3 adolescentes mujeres a la madurez, a raíz de la muerte de la
abuela de las mismas.
2012-05-16
LA SEPARACIÓN de Asghar Farhadi
Es la película iraní que
gano el Oscar a la Mejor Película Extranjera en la última entrega de premios en
Hollywood.
El film trata de una pareja
que tiene una hija de 12 años a quien quieren darle un mejor porvenir viajando
a un país extranjero. Dado que el marido tiene un padre enfermo de Alzheimer,
está imposibilitado de abandonar el país. En consecuencia, encuentran en el
divorcio una forma de solucionar el conflicto suscitado.
Obviamente el film se
concentra en dicho proceso y relata con minuciosidad las distintas alternativas
del mismo en aquel país. La película es casi teatral, pero con grandes diálogos
y una capacidad enorme para reflexionar sobre la condición de la mujer en aquel
país, y sobre todo, sus conflictos sociales, la existencia de etnias
diferentes, la dificultad de abandonar el país, etc.
Farhadi nos pone en el lugar
del Juez. Los argumentos de unos y de otros son igualmente racionales y
escuchables. Cada uno tiene a su modo la razón. Nadie es claramente culpable
sino más bien todos son víctimas. Es un film que nos empuja a ponernos en la
posición del otro. Es como si Farhadi no quisiera que realizáramos un juicio de
valor sino que tomáramos consciencia de una situación.
Es una película enorme, un
film muy inteligente siendo una película muy humilde, especialmente al lado de
los tanques americanos que se ven semanalmente. Pero sobre todo es una película
humana, bien escrita, y muy reflexiva.
EL ÜLTIMO ELVIS de Armando
Bo
Es una correcta película
argentina que va perdiendo su interés a medida que avanza su metraje. El final
es lo más flojo por lo disparatado. Si bien la película desarrolla un tono
realista durante gran parte de su metraje, hacia el final, el director pierde
la brújula, el film se dispara y pierde verosimilitud.
Muy bien filmada, asumiendo las formas de un thriller de acción con golpes de humor y violencia, desarrolla una gran ternura por sus personajes simples y cotidianos. Lejos de Bronson y Valhalla Rising, sus film anteriores filmados en Europa, Driver hace recordar a Bullitt y French Connection, y más recientemente al cine de Michael Mann, aunque estéticamente en Mann prevalecen los colores fríos y en esta incursión de Refn los tonos calientes. No obstante, la violencia irrumpe en la pantalla alternando con momentos de ternura que se diluyen lentamente. Las imágenes nocturnas capturan toda la gama de luces y sombras llevándote hacia el mundo emocional de los protagonistas. Es igualmente solido es el nivel técnico del audio.
El talento creativo de Alexander Payne, el director de El Sr. Schmidt y de Entre Copas vuelve aparecer llevando al espectador a una geografía de una gran belleza natural, haciendo encajar a los personajes en ese entorno, y logrando que la realidad se revele para ellos. Hawái opera en el film como una especie de mundo del revés, donde el país de las maravillas en lugar de hacer reales los sueños solo muestra una realidad a la que los protagonistas han estado dando la espalda para intentar ser felices. El film es una vuelta de tuerca sobre la verdad, aquella que indica que es la única realidad.
Por otra parte, Payne es un gran director de actores. En consecuencia, en busca y consigue en las actuaciones el clima perfecto de tragicomedia que su guión le requiere. Por otra parte, desecha la banda sonora, dejando de lado los subrayados, lo cual obliga a los actores a expresar todo el drama y todo aire de comedia. En este aspecto, Clooney logra una de sus mejores protagónicos para el cine, y Shailene Woodley interpretando a su hija mayor está soberbia.
Alexander Payne no había hecho una película desde el 2004 (Entre Copas) Siete años más tarde regresa con este poema a la vida que es Los Descendientes, una película que es tanto hilarante como devastadora. Deja que el drama se desarrolle tanto como le sea posible, manteniendo a la película al borde de un estallido que nunca llega. Al igual que en otras películas lo acompañan el en guión Nat Faxon y Jim Rash.
Lo interesante de “Los descendientes” es que es capaz de bordear muchos temas y de esencia superficial y sentimental sin caer en la tragedia o el melodrama y es capaz de guardar en equilibrio exacto entre lo cómico y o dramático, transitando la ambivalencia con suma comodidad.
2012-02-03
26-04-2012
Shame, Inglaterra, 2011, Steve Mc Queen
Brandon (Michael Fassbender) es un hombre de 30 y tantos años que
vive en Nueva York y que no puede manejar su vida sexual. Después de que su
díscola hermana menor Sissy (Carey Mulligan) se muda a su apartamento, Brandon
pierde el control. La vergüenza se sumerge en la vida de un hombre con una
adicción al sexo.
El film examina la naturaleza de la necesidad, cómo encaramos
nuestras vidas y cómo nos transforman en quien verdaderamente somos. Shame es
más un retrato de un hombre luchando con sus demonios que una toma de
conciencia. Un descarado, un desinhibido que desafía las convenciones.
McQueen no rehúye las verdades ni intenta ocultar la naturaleza de
los actos sexuales. Muestra a sus protagonistas tal como son, con virtudes y
defectos, y lo acompaña tanto en la búsqueda de satisfacción como cuando busca
reprimirse. Ubica a la audiencia en la posición de un “mirón”. Utiliza tomas
largas para construir un ambiente sombrío que da lugar a la intimidad que
relata. También hace una adecuada utilización de la música incidental para
crear la atmosfera de suspenso que transita como género. E incluye una versión
de New York, New York, el clásico de Liza Minnelli por Carey Mulligan que
contribuye enormemente al clima de tristeza que atraviesa al film.
Brandon es un personaje trágico. Su única conexión con las
personas está relacionada con el sexo. Sabe que si la gente descubriera su adicción,
sería condenado. También sabe que necesita ayuda y no la tiene.
Sissy es un ser rebelde, dependiente y amoroso. Ella solo quiere encontrar
a alguien que la cuide. Va a la casa de su hermano en buscar de protección,
incluso de un hogar. Se siente sola y está al borde de una crisis personal.
Fassbender, quien también apareció en Hunger del propio McQueen
ofrece una actuación fascinante. La Mulligan lisa y llanamente, brilla en la
pantalla.
01-03-2012
Drive, USA, 2011, Nicolas Winding Refn
Un conductor de la mafia y corredor de careras parece estar
intentando escapar de su sombrío pasado mientras se enamora de su vecina, una
madre con un hijo pequeño cuyo marido está en la cárcel. Mientras tanto, su
mecánico trata de preparar un auto utilizando el dinero de la mafia. Drive
reúne la rara condición de ser simultáneamente un film de acción, suspenso y amor.
Y lo logra en forma armoniosa.
El driver es Ryan
Gosling, un personaje que en la búsqueda de protección vuelve secundarias tanto
la razón lógica como la auto preservación. Es que en el cine de Refn el hombre
es un primate, un ser primitivo cargado de violencia. Muy bien filmada, asumiendo las formas de un thriller de acción con golpes de humor y violencia, desarrolla una gran ternura por sus personajes simples y cotidianos. Lejos de Bronson y Valhalla Rising, sus film anteriores filmados en Europa, Driver hace recordar a Bullitt y French Connection, y más recientemente al cine de Michael Mann, aunque estéticamente en Mann prevalecen los colores fríos y en esta incursión de Refn los tonos calientes. No obstante, la violencia irrumpe en la pantalla alternando con momentos de ternura que se diluyen lentamente. Las imágenes nocturnas capturan toda la gama de luces y sombras llevándote hacia el mundo emocional de los protagonistas. Es igualmente solido es el nivel técnico del audio.
Nicolas Winding Refn ha creado un thriller neo-noir estilizado que
impresiona positivamente al espectador. Contrasta imágenes violentas con
escenas amorosas. Utiliza la banda sonora para reflejar los estados de ánimo de
los protagonistas, al mismo tiempo que intenta mantener un equilibrio entre una
historia de amor y un relato lleno de acción y violencia volviendo a Drive una
pieza única que cautiva con su mezcla de estéticas. No obstante, estamos ante un
thriller elegante y tenso que entretiene de principio a fin. Una obra maestra
moderna que realmente redefine al género noir.
Refn ha logrado equilibrar el cine arte con el género de una
manera extraña pero a su vez atrapante. Hay en driver un tono de diversión que
lo abarca todo. Apoyado en la gran actuación de Gosling, el dibujo irónico de
los gánsters, y los clichés de la mafia, logra un film lleno de gracia, humor y
violencia que reconcilia con el cine.
CARNAGE de Román Polanski
Es la representación de una obra teatral llamada “Un Dios Salvaje”. Se trata de teatro bien filmado, es decir, cine. Una obra con un buen crescendo y sobretodo muy bien actuada. El tema, la alienación en que nos sumerge la vida moderna y la pérdida del sentido común de los adultos frente a un conflicto de violencia adolescente en el ámbito escolar. Buena.
03-02-2012
Los Descendientes, USA, 2011, Alexander Payne
La familia de Matt King (George Clooney) es oriunda de Hawái y
poseen grandes extensiones de tierra en la isla. No obstante, Matt nunca vivió
de ello. Ha preferido ganarse la vida como abogado trabajando en Honolulu. Sin
embargo, no ha podido ser un hombre feliz. Entregado a su trabajo y alejado de su familia,
casi desconoce la vida de sus hijas y por supuesto la de su esposa. Ha tenido problemas en su
matrimonio. Ahora mismo, su esposa ha sufrido un grave accidente, y su hija
adolescente también ha sido internada por problemas de conducta. Tendrá que
rehacer esas relaciones antes que su familia entre en una ruptura irreparable.
Matt siempre ha
sido una persona que pospone, y nunca ha encontrado tiempo para sus hijos. Ahora
está frente a una urgencia. Su esposa está en coma y su hija internada por
trastornos psíquicos. La tragedia lo
empuja a la aventura para descubrir una verdad que prefiere ignorar. Mientras tanto,
comienza a encontrarse a sí mismo.El talento creativo de Alexander Payne, el director de El Sr. Schmidt y de Entre Copas vuelve aparecer llevando al espectador a una geografía de una gran belleza natural, haciendo encajar a los personajes en ese entorno, y logrando que la realidad se revele para ellos. Hawái opera en el film como una especie de mundo del revés, donde el país de las maravillas en lugar de hacer reales los sueños solo muestra una realidad a la que los protagonistas han estado dando la espalda para intentar ser felices. El film es una vuelta de tuerca sobre la verdad, aquella que indica que es la única realidad.
Por otra parte, Payne es un gran director de actores. En consecuencia, en busca y consigue en las actuaciones el clima perfecto de tragicomedia que su guión le requiere. Por otra parte, desecha la banda sonora, dejando de lado los subrayados, lo cual obliga a los actores a expresar todo el drama y todo aire de comedia. En este aspecto, Clooney logra una de sus mejores protagónicos para el cine, y Shailene Woodley interpretando a su hija mayor está soberbia.
Alexander Payne no había hecho una película desde el 2004 (Entre Copas) Siete años más tarde regresa con este poema a la vida que es Los Descendientes, una película que es tanto hilarante como devastadora. Deja que el drama se desarrolle tanto como le sea posible, manteniendo a la película al borde de un estallido que nunca llega. Al igual que en otras películas lo acompañan el en guión Nat Faxon y Jim Rash.
Lo interesante de “Los descendientes” es que es capaz de bordear muchos temas y de esencia superficial y sentimental sin caer en la tragedia o el melodrama y es capaz de guardar en equilibrio exacto entre lo cómico y o dramático, transitando la ambivalencia con suma comodidad.
2012-02-03
SECRETOS DE ESTADO, de y con George Clooney
Es un film decepcionante. Un thriller político que podría haber sido más interesante aunque tiene la virtud de entretener.
J. EDGAR de Clint Eastwood
Es un estupendo film sobre sobre la vida de J. Edgar Hoover, quien fuera el director del FBI por 46 años en USA, con Leonardo di Caprio en el papel principal. Aquí estamos en presencia de una de las mejores películas de Eastwood, muy bien dirigida, con una puesta en escena soberbia, y muy interesante. Es una aguda reflexión sobre el paso del tiempo y sobre el fin de la privacidad, el avance de la intromisión del Estado sobre la vida privada de las personas, la construcción de los mitos, las dualidades y ambivalencias de algunas personalidades. Es la historia de un hombre que tiene el poder absoluto, quizás mayor que el del propio presidente de los Estados unidos, la capacidad de espiar la vida de todos los demás, a la vez de resguardar y esconder su propia vida en función de ese poder que bloquea a todos los demás. Basándose en un perfecto guión de Dustin Lance Black (“Harvey Milk” con Sean Penn), Eastwood no solo ilustra la vida política de este hombre (en 50 años de trabajo su vida dejó sus huellas en todos los problemas derivados de las luchas por los derechos civiles de los negros, la guerra fría, el terror nuclear, los asesinato de Martin Luther King, JFK y BK) sino que se introduce en su intimidad desnudando su escondida homosexualidad a través del análisis de la platónica relación con su madre (Judi Dench) y su secreto amorío con su mano derecha en el FBI, Clyde Thompson (Armie Hammer), un hombre de su más absoluta confianza. Es uno de esos films que no termina con la palabra fin sino que da lugar a su discusión en la charla de café.
26-01-2012
Angéle et Tony,
Francia, 2010, Alix Delaporte
Angéle es una joven que acaba de salir de la cárcel e
intenta trabajar en un puerto de Normandía, donde encuentra a Tony, un pescador,
que se siente atraído por ella. Tony la contrata como vendedora de pescado, la
aloja y le enseña los trucos del oficio.
Alix Delaporte, siguiendo el camino de los Hermanos
Dardenne, realiza esta pequeña joya de un cine naturalista, de alto contenido
social, no pudiendo negar que viene del periodismo y del cine documental.
Rodada íntegramente en Port-en-Bessin (una pequeña ciudad
junto al mar) "Angèle et Tony" retrata las dificultades de un pueblo
de pescadores en Francia y su lucha por sobrevivir, a través de un minucioso
trabajo documental basado en descripciones, conversaciones y confrontaciones que
incluyen la relación real entre los protagonista. Angèle, Tony, la madre de
Tony son personas del lugar y el film muestra su vida cotidiana.Las relaciones
entre los personajes son ciertas. Se enfrentan y se confrontan usando palabras
cotidianas comunes, en estrecha relación con su entorno inmediato.
Angèle es una mujer joven tratando de renovar un contrato
con la vida después de purgar una condena en la cárcel. Busca una nueva oportunidad
en la que prevalecerá buscar y educar a su pequeño hijo. Para Tony, el pescador,
será una oportunidad para rehacer toda su vida. Tanto Angèle como Tony están
cerrados como las almejas que se venden en el puerto. Las almejas operan como
una metáfora de la opresión en que viven.
El director no pretende ir para atrás sino mostrar los
personajes y las relaciones que nacen entre ellos. El verdadero objetivo es seguir
a éstos como estos extraños, que aparentemente no tienen nada en común, pero se
abrirán el uno al otro (como las almejas) e intentarán existir como pareja,
convirtiéndose en mejores seres humanos durante el proceso.
2 0 1 1
MIS MEJORES 10 PELICULAS DEL 2011
MIS MEJORES 10 PELICULAS DEL 2011
2011-11-16
LA PIEL QUE HABITO de Pedro
Almodóvar con Antonio Banderas, y LA PRIMA COSA BELLA de Paolo Virzi, una
tragicomedia italiana. Ambas de lo mejorcito que vi en el año.
2011-09-13
BALADA TRISTE DE TROMPETA de
Alex de la Iglesia es una amarga reflexión sobre guerra civil española y
la España franquista contada a través de dos payasos de un circo que viven
peleándose hasta la muerte por el amor de una mujer, la
equilibrista del circo. Film grotesco, violento y desaforado, filmado como los
dioses, con momentos cinematográficos casi sublimes, que a mí me encantó pero
no se la recomiendo a nadie.
ANOTHER YEAR de Mike Leigh,
me gustó mucho y la recomiendo, aunque prevengo que es un film triste y melancólico,
que trata sobre el comienzo de la vejez, de la soledad, de los sueños no
cumplidos, de lo dificil que es mantener la convivencia y encontrar en ella
momentos de felicidad. Estupenda.
EL ESTUDIANTE de Santiago
Mitre. Realmente es una joyita que muy pocos verán porque no es un estreno
comercial. Se da en la Cinemateca del Teatro San Martin y es una película del
guionista de Carancho. Acá relata la historia de un muchacho del interior que
vuelve por tercera vez a Buenos Aires a tratar de engancharse en la universidad.
Ahora estudia Sociales, y se termina metiendo en política en el Centro de
Estudiantes. La película es una reflexión profunda sobre la política toda,
sobre la suciedad que encierra, y sobre la utilización de la gente que se hace
a través de ella.
HABEMUS PAPA de Nanni
Moretti, una nueva comedia del director italiano que en los 90 me deslumbró con
una película chiquita que se llama “Caro Diario”. “Habemus…” es una película
despareja donde coexisten dos tramas. Una, la de un Papa recién electo que no
se siente capaz de asumir como tal. Y en consecuencia, se escapa del Vaticano y
divaga por media Roma en busca de sí mismo. Esa parte, es estupenda. La otra,
la encarna el propio Moretti, que también es actor, y que hace de un psicoanalista que
es llamado al vaticano para ayudar al Papa, pero como el Papa se escapó,
queda como prisionero de todo el concilio ecuménico, justo él que es un agnóstico,
generando algunas situaciones graciosas pero no del todo interesantes, aunque
la película, integrada como un todo, es una buena reflexión sobre el poder
y la necesidad de que el ejercicio de ese poder sea realizado con respeto y con
honestidad. Lo más interesante es la humanización de la figura papal, viendo a
ese viejito vagando por Roma en busca de sus raíces, y de respuestas a sus
dudas más profundas, que no son otras que la de cualquier ser humano.
2011-07-04
RABBIT HOLE de John Cameron
Mitchell es un drama con Nicole Kidman y trata sobre el duelo que hace un
matrimonio de manera muy disímil después de perder a su hijo de 4 años. Muy
buena, sin goles bajos, muy psicológica.
8 MINUTOS ANTES DE MORIR
(SOURCE CODE) de Duncan Jones con Jake Gillenhall, es un muy buen thriller
mezcla dos conceptos, el del viaje en el tiempo, y el de las realidades
paralelas, ambas con el propósito de cambiar el destino. Tiene mucho en común
con “Los Agentes del Destino”, pero este thriller está mejor hecho, es más
convincente.
MEDIANOCHE EN PARIS de Woody
Allen me gustó mucho. También toca el tema de los viajes en el tiempo, pero
esta vez con el propósito de reflexionar sobre la idea de que todo tiempo
pasado no fue mejor, sino que no siempre disfrutamos del presente como debemos.
Un joyita.
ABALLAY de Fernando Spiner me pareció una
buena película. Es un western bien hecho, con algunos problemas de guion, pero
se deja ver y es técnicamente irreprochable. Tiene una buena fotografía, lo mismo
se puede decir de la música y del sonido. En Aballay Y hay mucho de homenaje a
los western clásicos tanto americanos como a los italianos.
2011-06-21
HANNA de Joe Wright, es la
historia de una niña criada por un agente secreto para que ella se desarrolle
como una asesina profesional. Es un film interesante más que nada formalmente,
es decir, es un thriller que atrapa por su forma narrativa aunque no cuenta
nada nuevo.
BLUE VALENTINE de Derek
Cianfrance es la historia de amor de un matrimonio que se cae a pedazos. El un
film interesante y muy bien contado. El relato tiene dos líneas. Una, en la
actualidad, que pinta una situación matrimonial poco sustentable. Y la otra,
que es un largo flashback, que cuenta como se conocieron. Lo más interesante de
la película es la descripción de los personajes, muy realista, que a su término
parece haber estado con tus vecinos del barrio a los que has conocido durante toda
la vida.
2011-05-31
INCENDIES de Dennis
Villeneuve es una película canadiense que estuvo candidata a los Oscar a la Mejor
Película Extranjera. Es un drama, casi una tragedia griega moderna, que ocurre
en un país desconocido asolado por las guerras que bien podría ser Palestina.
En mi opinión, todo en la película resulta muy forzado en pos de una idea, que
es básicamente, la necesidad de asumir el perdón como única forma de lograr la
paz.
POTICHE de Francois Ozón con
Catherine Deneuve, es un verdadero "Festival Deneuve". En castellano
se llama “Mujeres al Poder", y es una comedia pasatista.
AGUA PARA ELEFANTES de
Francis Lawrence es un melodrama bastante entretenido con una correcta actuación
de Reese Whitherspoon.
PODER QUE MATA (FAIR GAME)
de Doug Liman, es una película con Sean Penn y Noemí Watts, muy interesante,
donde ella es una agente encubierta de la CIA durante el gobierno de Busch, y
él es un ex embajador en el África durante el gobierno de Clinton. A él le
piden a él que regrese a África para verificar si Nigeria le está
vendiendo combustible nuclear a Irak. Él va y vuelve con el informe, diciendo
que es imposible que ello ocurra. Entonces el gobierno de Busch, la desenmascara
a ella, y e ignora el informe de él, para poder iniciar la invasión a Irak con
el argumento de la búsqueda de armamento nuclear y químico. Está basada en
hechos reales que ocurrieron en 2003 y 2004 después de los atentados en las
torres gemelas.
2011-05-04
UN CUENTO CHINO de Alejandro
Borensztein, con Ricardo Darín, es una buena película como casi todas las del
Darín, aunque le sobra una media hora. Yo no hubiera explicado tanto al
personaje de Darín, un tipo muy cerrado, malhumorado, pero en el fondo bueno y
solidario, que arrastra el trauma de Malvinas. La película transita un cierto
humor absurdo y entrar en ese tema no le hace bien.
LOS MARZIANO de Ana Katz con
Guillermo Francella y Arturo Puig, parte de una situación absurda para transitar
el camino de la tragicomedia: el re encuentro de dos hermanos peleados desde
hace años. Nada importante.
EL GATO DESAPARECE de Carlos
Sorín, es una película de suspenso y misterio con Luis Luquez, que te mantiene
expectante todo el tiempo. Muy redondita e interesante. Un profesor de la
Facultad debe ser internado por una agresión a un compañero de trabajo. Cuando
sale del nosocomio, la mujer comienza a desconfiar de él, y el espectador no
sabe si el loco es él o es la mujer que se está volviendo loca.
2011-03-21
LIBANO de Samuel Maoz
LIBANO de Samuel Maoz
Vi una de esas joyas que a veces da el cine pero
que no es para públicos masivos. Se trata de LIBANO, una película israelí que
trata sobre el absurdo de la guerra, y transcurre íntegramente dentro de un
tanque de guerra, que soporta las acciones de un grupo comando israelí que
intenta abandonar Líbano en 1982 y alcanzar la frontera del estado judío. Es
notable la rigurosidad de la película. Son 4 tipos adentro de un tanque que en
el fondo de su pensamiento, no saben por qué diablos están allí. El quinto personaje
es otro milico que los manda desde afuera, y el sexto personaje aparece al
promediar la película y es un sirio que toman prisionero, que se da cuenta que
se han desviado su camino y en lugar de estar en Líbano están en Siria. Todo es
muy absurdo, claustrofóbico, desesperante y desesperanzante. Gran película.
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MIS MEJORES PELICULAS DEL 2010
1.
VINCERE de Marco Bellocchio
Seis años
después de Buenos Días, Noche, donde recreó con espíritu crítico el secuestro y
la muerte de líder demócrata cristiano Aldo Moros, Marco Bellocchio regresa con
otra historia real, la de Ida Dalser (una notable Giovanna Mezzogiorno), una
mujer joven que en su juventud se enamoró de Benito Mussolini, quien años más
tarde se convertiría en líder del fascismo italiano.
La
película narra el derrotero trágico de Ida y su hijo una vez acabada la pasión
de su romance con un Mussolini, quien comenzó primero a ser perseguida y luego
internada en un manicomio donde el ahora Duce del fascismo italiano le hace la
vida imposible para que termine muriendo en el encierro y poder casarse con
Clara Petacci.
“Vincere”
es representativa de toda la distorsión provocada por el fascismo en la vida y
la historia italiana, y combina hábilmente imágenes de archivo con
recreaciones, tanto en blanco y negro como en color en los que prevalecen los
rojos encendidos y los frices cenicientos que dan una idea cabal de la pasión
vivida de una época a la vez de la tremada decadencia en que cae la Italia
vencida por la guerra.
Vincere
es una mezcla apasionante de tumulto público con tormento privado
extraordinariamente dirigido por la maestría de Bellocchio. Llena de pasajes
operísticos, cargada de luces y sombras, lluvias y tormentas, deja en claro que
la locura no está en Ida sino en el Duce y en un país que se ha vuelto loco
detrás de un líder insano.
La escena
más inquietante muestra un discurso real de Mussolini en la cima de su poder en
el que sus gestos y contorsiones faciales no son solo extraños y amenazantes,
sino inequívocamente los de un loco peligroso.
Visualmente
exuberante y llena de claroscuros, será sin duda una de las más grandes
películas de toda su filmografía.
2. COPIA
CERTIFICADA de Abbas Kiarostami
James
Miller (interpretado por William Shimell) es un autor británico en una gira por
la Toscana, donde presenta una conferencia sobre la originalidad en el arte. Elle
(Juliette Binoche) es una curadora de arte que organiza la charla. Al final de
la misma discutirán sobre el tema presentado.
Al día
siguiente, en una escena típicamente kiarostámica, subirán a un auto y
recorrerán la Toscana mientras hablan y discuten sobre arte observando el campo,
y conociendo algunos otros personajes del camino.
Uno de
esos personajes confunde a la pareja con una pareja casada. Lo que comienza
como un juego de roles, desencadenado por el malentendido, adquiere cada vez
más aspecto de realidad hasta que la confusión entre realidad y fisión de esa
realidad se confunden totalmente.
Llegarán
a un hotel, harán el amor, y se preguntarán si están viviendo la realidad o es
simplemente una fantasía.
Presentados
los personajes, el espectador se pregunta en qué medida la relación entre los
dos personajes centrales del film es real, o es una imitación de lo que alguna
vez fue real. Y lleva a comparar la vida con el arte. En consecuencia, se
pregunta si acaso un cuadro autentico es mejor que una copia certificada para
llegarse a preguntar qué es lo real, lo auténtico.
Toda la
película es una construcción de este concepto. Kiarostami juega con las
diferencias entre la idea de realidad y la de imitación. Todo comienza a girar
en torno a la representación o la originalidad frente a la imitación. Los reflejos
en los vidrios de ventanas y espejos constituyen un símbolo y un recurso
expresivo que profundiza aquellos conceptos.
Como todo
su cine, sus personajes siempre están en movimiento, un devenir permanente que
los puede estar llevando a alguna parte o a ningún lado. Tampoco se tiene
certeza de que vivan una realidad o una simple fantasía. Asi en el cine como en
la vida.
3.
CARANCHO de Pablo Trapero
El
carancho es un pájaro de nuestras pampas que se alimenta de carroña o animales
heridos. Así también se les llama a los abogados que pululan por hospitales de
conurbano bonaerense en busca de heridos en accidentes de tránsito con el
propósito de iniciar juicios contra las compañías de seguros, cobrar los mismos
y estafar a las víctimas.
Sosa
(Ricardo Darín) es un abogado que ha perdido su licencia y ahora es uno de esos
caranchos del título. Luján es una médica de guardias en uno de esos hospitales
que atienden a estas clases de víctimas. Su romance será inevitable, pero en el
mientras tanto, Trapero realizará una radiografía certera de una forma de
ganarse la vida y del decadente estado de situación en que transcurre la vida
suburbana en Argentina.
La
película transcurre mayormente de noche. Es un film nocturno y abismal que se
sumerge en un mundo violento donde todo se maneja por izquierda. Todo es
deprimente. Poco hay para rescatar de ese submundo que tan bien describe el
director salvo ese romance incipiente entre el abogado y la doctora.
No
obstante ello, la pintura realista y el rescate de esa historia de amor hacen
de esta película un film duro que se conecta con una realidad de pesadilla que
se encuentra simplemente al otro lado de la gran metrópoli argentina. Contada
con nervio y abierta con un estilete que llega hasta el propio hueso, se
transforma en un documento de una realidad incontrastable que será muy difícil
de modificar y llevará mucho tiempo para eliminarla.
No solo es
una de las mejores películas de Pablo Trapero sino también un modelo de cine
que le sienta bien al propio cine argentino. Un buen argumento, pleno de
interés y acción, con un tema actual que hace foco en la situación social. Una
excelente realización por parte de su director, un nivel expositivo que nunca
niega la realidad sino la confirma, un nivel homogéneo de excelencia en la
actuación. Sin lugar a dudas deja huella y muestra un camino.
4. LA
PIBELLINA de Tizza Covi y Rinner Frimmel
Basada en
un caso real, relata la historia de dos marginales que rescatan a una pequeña
niña en los suburbios de la ciudad de Roma.
La pareja
Covi/Frimmel lo hace a través de una cámara inquieta que comienza siguiendo a una mujer que busca a su
perro en un parque de la ciudad. De pronto ve una niña, vestida con un traje de
baño color rosa, que se columpia en los juegos. La niña está sola y
desamparada. La mujer la lleva consigo y le da de comer.
El film
apunta directo al corazón pero jamás pega un golpe bajo. Nos habla de la vida
de dos artistas trashumantes que trabajan en un pequeño circo con el cual
recorren toda Italia y se ganan la vida. Tienen poco para compartir pero un
corazón muy grande. Rescatan a esta pequeña niña, le dan de comer, le bridan
todo su amor y comienzan a criarla como su fuera una hija.
La
película se detiene detallando la relación que se desarrolla entre ellos como
pareja, y de cada uno de ellos con la niña generando un sentimiento de
paternidad interesante y creíble. Sin grandes ambiciones pero con grandes
influencias del neorrealismo, y del espíritu moderno de los hermanos Dardenne,
el film se transforma en un gran fresco social.
El film
impone la idea del compartir que se impone con fuerza dado que sus personajes
son dos desposeídos que tienen que trabajar cada día de su vida para poder
comer, y que sin embargo, ante ese ser abandonado, no solo lo rescatan sino que
lo alimentan y lo comienzan a educar en un notable acto de amor y
desprendimiento. Además, lo hacen de manera simple y lineal como si ese acto en
cuestión hubiera sido iluminado por una luz divina.
Ese acto,
además, los hace nobles y virtuosos. Su
compasión es evidente a lo largo de toda la película y eso hace que el film sea
muy conmovedor.
Los
actores y el estupendo guión basado en notables diálogos transforman a este
pequeño film en una gran película. La película avanza lenta pero constante y
segura de sí misma. Los personajes se vuelven creíbles y todo encaja
perfectamente. Al final, el espectador solo puede sentir admiración por la
pareja y desear lo mejor para esa pequeña niña que los ha iluminado. Es una
película que hace sentir bien al espectador llevándolo de lo que pudo ser un
drama a lo que podríamos llamar una comedia de la vida.
5.
INVICTUS de Clint Eastwood
Clint
Eastwood ha hecho una película notable e inspiradora. No solo ha recreado un
episodio de la historia real de un país (Sudáfrica) sino también ha podido
reflejar una situación social y pintar a un líder pacifista de raza negra como
Nelson Mandela sacándolo del pedestal y volviéndolo un ser humano con una
trayectoria política que lo ha transformado en un auténtico padre de la patria.
En un
país atrapado por segregación racial, la violencia y la pobreza después de años
de Apartheid, la idea de Mandela era organizar un campeonato mundial de Rugby
donde el equipo nacional vislumbrara una esperanza, una idea para unir al
pueblo. Mandela asumió todo un desafío: se atrevió a nombrar a un blanco como
capitán del equipo (Francois Pienaar interpretado por Matt Damon) en un equipo
en el cual no faltaban los negros. El objetivo de Mandela era poner las
diferencias a un lado y trabajar en unidad.
Morgan
Freeman brilla interpretando a Nelson Mandela como presidente de un país pero
sobre todo, como un líder nato que predicó el perdón y buscó la unión cuando
fue elegido presidente. No solo en su acento y en su prodigioso tono de voz,
sino que aporta una verdadera dimensión del líder. En su actuación podemos encontrar
un Mandela diplomático tomando té con Francois, otro muy ameno y humano
hablando con su familia y otro eminentemente político haciendo un discurso.
Los
grandes temas del perdón, la unidad y la determinación de un pueblo se hacen carne
en la confrontación deportiva. El equipo de Rugby llega a la comunidad yendo a
los barrios marginales y enseñando a jugar a los niños. La visita de Pienaar a
la celda de prisión de Mandela para comprender el coraje del hombre es otro
momento maravilloso del film. La búsqueda de respaldo al equipo de rugby no es
otra cosa que la búsqueda de la unión del pueblo, sobre todo considerando que
los Sprinboks se habían constituido en un símbolo del Apartheid para la mayoría
blanca. Gran Film de Eastwood.
6.
POLICIA, ADJETIVO de Cornelio Porumboiu
Ganador
del premio del jurado Un Certain Regard en el Festival de Cannes de 2009, Policía,
Adjetivo es el segundo largometraje del director rumano Cornelio Porumboiu
quien había debutado con una comedia negra llamada 12:08, Al Este de Bucarest
con la cual ganó la Cámara de Oro en Cannes en 2006.
Esta es
una película sobre un policía y una cuestión de moral respecto de una denuncia policial
sobre un supuesto caso de suministro de marihuana. Un policía, Cristi, es
presionado por su superior para que el traficante vaya preso. El problema de
Cristi es que no entiende la ley ni a su superior, además no le importa. En
consecuencia, no sabe aplicarla. El film es una reflexión sobre la toma de conciencia.
Cristi (Dragos
Bucur) es un policía taciturno, vestido de civil que ha desarrollado conciencia
sobre la importancia legal que tiene un arresto en una sociedad aún burocrática
y poscomunista, donde la ley se aplica con rigidez independientemente de su
lógica. Cristi es un policía común, un hombre joven perteneciente a la clase
trabajadora que viste todos los días igual y hace su trabajo de manera mecánica
y emocionalmente inexpresiva.
Porumboiu
pinta ambientes decadentes donde se observan casas viejas y mal mantenidas, armarios
oxidados, buzones rotos y computadoras antiguas. Su cine está compuesto de largas
tomas, mayormente fijas, con lo cual deliberadamente aumenta el tedio que
describe. Dedica largos tramos de la película siguiendo a Cristi haciendo su
rutina. Por órdenes de su superior, sigue a Alex, un adolescente de escuela
secundaria sospechoso de comprar marihuana y venderlo a sus compañeros, siguiéndolo
diariamente de casa en casa y en la escuela con la esperanza de descubrir la
fuente de las drogas.
En el curso
de su investigación, Cristi se da cuenta de que Alex es solo un niño y no es
una amenaza para la sociedad. Tomando notas detalladas, Cristi evita reunirse
con su jefe, esperando averiguar el origen de la droga antes de hacer un
movimiento, sabiendo que arrestar a un chico de dieciséis años por fumar
significará un período de prisión de al menos tres años y posiblemente siete.
Finalmente, cuando se le ordena hacer un informe completo y tomar medidas,
Cristi se niega a seguir órdenes, aduciendo una cuestión de conciencia. Su
Capitán trae un diccionario y le pide que busque las palabras
"conciencia", "ley", "moral" y
"policía", para aclararle que un oficial de policía debe obedecer la
ley, y no imponer su propia moral a una situación. La escena es fría, eficiente
y persuasiva.
La
principal fortaleza de esta película está en su claridad conceptual y en la
precisa dirección de Cornelio Porumboiu. Largos planos estáticos, creando
tensiones internas reprimidas, escenas de espera insoportables, cielos plomizos
que encierran las acciones, un ritmo sostenido, esta todo dotado de significado
y produce en el espectador el impacto donde implícitamente se reconoce que en
Rumania algo ha cambiado, pero aún no ha cambiado todo. Resacas del viejo
comunismo tales como el autoritarismo aún siguen presentes en la sociedad.
7. THE
TOWN de Ben Affleck
Si le
pasa algo a ella, los mato a los dos. Esa línea de dialogo define la película,
y Ben Affleck la dirige con tanta garra y tanto tacto que la transforma en una
obra para el recuerdo. Esta es su segunda película, sin lugar a dudas, la que
lo transforma en un gran director. Tres años atrás había realizado Despareció
una Noche, donde ya había mostrado sus indudables capacidades narrativas, pero
The Town las confirma.
Narrada
desde el punto de vista de los ladrones, es decir, los fuera de la ley, el
énfasis esta puesto en la lucha por la supervivencia y el deseo de pertenencia.
Los Affleck mismos se han nacido y criado en los barrios bajos de Boston y
conocen de las pequeñas mafias del lugar. Ese conocimiento hace que la mirada
del director sea tan realista como creíble, dado que su personalidad y sensibilidad
de artista se impone sobre la narración que tiene entre manos transformando una
buena historia en una gran película.
Por eso
mismo no es una simple película de gánsters o de persecuciones sin fin sino una
obra llena de un profundo humanismo producto de alguien que conoce y ha
recorrido esas calles. La acción transcurre en Charleston, un barrio de Boston
que suele conocerse como el Centro Mundial de Ladrones de Bancos. El director
lo recrea con conocimiento de causa.
Affleck
escribe, dirige y actúa sobre la base de
la novela de Denis Lehane, el mismo de Mistic River, un novelista catalogado ya
como best seller y que tiene varias novelas que suelen transcurrir en el Este
más olvidado y salvaje de los Estados Unidos. Su mirada y su narración nos dejan
al borde de la butaca esperando siempre que lo peor suceda, como si todo el
film estuviera imbuido de un halo trágico que la sitúa en un medio donde el
miedo es el factor común.
Con este
film Ben Affleck, además, rinde tributo a los grandes narradores americanos. Se
podría decir que su film es de una ortodoxia notable donde no se puede dejar de
lado las influencias de los grandes directores del pasado como Ford y Hawks
hasta los más actuales como Eastwood y Zemeckis. Sin lugar a dudas debería
comenzar a reconocérselo como uno de los grandes narradores americanos de
nuestro tiempo.
8.
SERAPHINE de Martín Provost
Corre
1914. Un coleccionista de arte alemán se instala en un pueblo cerca de Paris
con el propósito de escribir sobre su vida. Como necesita una ayuda para la
limpieza, contrata a una mujer de unos 40 años quien lo sorprende con su
capacidad pictórica.
Provost,
un hombre que ha concentrado su cine en el retrato de mujeres (hizo también
Violette y Dos Mujeres) es un director sensible e inteligente que ubica sus
historias en medio de dificultades sociales y políticas que condicionan el
desarrollo de la vida de una mujer que tiene aspiraciones a superarse a sí
misma y a su entorno. Son heroínas son casi silenciosas, poco conocidas, pero se
transforman en grandes luchadoras para ocupar un lugar, que por más pequeño que
sea, es de significancia para ellas al permitirles el reconocimiento público y
la trascendencia de su obra.
La
historia de Seraphine Louis es corta y pequeña pero está llena de amor por la
vida. El director la retrata con cariño, primero cuando es joven y se desempeña
como ama de llaves en la casa de un intelectual, y más tarde cuando comienza su
obra pictórica que desarrolla con gran talento en sus horas libres logrando cuadros
de gran simpleza y belleza.
El estilo
de Seraphine es precursor de la pintura hoy conocida como naif. La actuación de
Yolande Moreau es lo suficientemente sensible para dar vida a esta mujer simple
y taciturna que gozaba de retratar la naturaleza en sus más mínimas expresiones
como era pintar una flor en una maceta.
La
actuación de Moreau, que es realmente notable, y la sensibilidad puesta en la
narración de la historia de un ser absolutamente querible por su sencillez, su
candor y su talento, hacen de esta película uno de los sucesos del cine francés
de esta temporada.
9. EL
ORIGEN de Christopher Nolan
Don Cobb
(Leonardo Di Caprio) es un ladrón. Pero no es un ladrón común, sino uno que
roba secretos ocultos en el subconsciente de importantes empresarios. Su
habilidad lo ha llevado a ser alguien en el espionaje corporativo, pero también
lo ha transformado en un fugitivo. Ahora tiene una oportunidad. Un último
trabajo que podría liberarlo. En lugar de un robo, Cobb y su equipo deberían
hacer lo contrario: plantar una idea en el cerebro de alguien.
Christopher
Nolan con esta película no solo escribe uno de sus guiones más brillantes sino
que como director muestra una destreza y un perfeccionamiento que lo
transforman en una de las más grandes figuras de su generación.
El Origen
es un film de una imaginación sin límites a la vez que desde un punto de vista
puramente cinematográfico es una obra inteligente y trascendente dado que
siendo un relato de gran complejidad narrativa está llevado a la pantalla con
un simpleza que seguramente será objeto de imitación en el futuro.
Estamos
al mismo tiempo ante una superproducción de Hollywood y un film muy personal,
muy bien escrito, lleno de ideas cinematográficas que se traducen en imágenes
inolvidables. Obviamente, no estamos ante una película carente de riesgo. Lo
que propone Nolan es básicamente un rompecabezas que el espectador deberá
terminar de armar una vez finalizada la película. Algo así como el cine después
del cine. O sea, pretende que el film permanezca en la mente del espectador
como un rompecabezas que debe armar una vez finalizada la función.
El Origen
es un film consagratorio para Nolan y lo ubica a Leo Di Caprio como uno de los
actores más interesantes de su generación dado que su ductilidad le permite
participar tanto de películas orientadas al gran público como aquellas otras
cuyas pretensiones intelectuales buscan un público más reducido pero que prefiere
un cine más comprometido, intelectual y personal. El Origen consigue el raro
privilegio de oscilar entre ambas posiciones manteniendo un infrecuente
equilibrio.
10. LA CINTA BLANCA de Michael Hanecke
Unos años
antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial se producen algunos raros
sucesos en un pueblo de Alemania. Algunos pueden ser catalogados como
accidentes. Otros más macabros, como crímenes. Dios está en el cielo, pero en
la Tierra no todo guarda su equilibrio. ¿Acaso estamos ante la presencia del
Mal?
En La
Cinta Blanca, Hanecke se pregunta acerca del origen del mal. Su discurso parece
girar en torno a una dicotomía. Por un lado, el mal parece estar enraizado en
el ser humano. Por otro, sería la misma sociedad la que lo provoca. Los niños
parecen ser la clave. Ocultando algo,
comienzan a mirar fijamente a la autoridad a los ojos y practicar lo que se ha
predicado (una idea de fascismo y terror). El bien y el mal caen en estricto
blanco y negro (dos colores extremos), cada acción tiene una reacción, y un
castigo para poner las cosas en su lugar. Además, el castigado deberá usar una
cinta blanca para mostrar sus transgresiones y la necesidad de recuperar el
derecho a ser libre. El director llena la película de pequeños detalles,
creando conspiraciones y misterios sin resolver, lo que nos lleva a creer en
pistas falsas que necesitan ser refutadas. Los habitantes de este pueblo,
jóvenes y viejos, se deslizan por la ladera resbaladiza del declive moral.
Hanecke
ignora deliberadamente la relación entre motivo y culpa para enfocar el
problema en un lugar y un tiempo en el que todo parece trastocarse, ello es
Alemania durante los primeros 25 años del Siglo XX. Durante este periodo de
tiempo parece haberse encontrado con un protestantismo reprimido que da lugar
al maltrato y opresión de la mujer, al abuso de niños, la generación de un
fetichismo de los valores masculinos, y marcada división social entre ricos y
pobres, lo cual genera un fenómeno de aislamiento y desintegración social. El
doctor, el sacerdote, el barón y el maestro son personajes claves de la
película, tranquilos en la superficie pero profundamente atormentados por un
trasfondo de brutalidad, envidia, malicia y apatía.
Si los
adultos no se enfrentan a la verdad, y esta verdad puede estar en contra de sus
convicciones, ¿quién se levantará y se hará cargo de la situación? Acaso el
fascismo no es racismo y genera la ira popular a la vez de dar una respuesta
fácil y corrupta a las injusticias sociales. La mirada de Hanecke es
esencialmente moral. Observa las raíces psicológicas, educativas y religiosas
del nazismo, dejando los aspectos económicos en un segundo plano.
En el
film el pueblo oficia como un microcosmos que intenta reflejar a Alemania en su
conjunto. Pareciera que Hanecke afirmara con su diagnóstico que los tristes
sucesos que le ocurren a la sociedad alemana en los años previos a la segunda
guerra son simplemente un anuncio del mal que vendrá después. Los niños de esta
película se convertirán en adultos jóvenes cuando Hitler asuma el poder. El
pueblo es una incubadora de maldad cuya crueldad dañara a víctimas inocentes.
Sus circunstancias son tales que sin darse cuenta se están preparando para
llevar a cabo las atrocidades que años más tarde ocurrirán en la Alemania Nazi.
La Cinta Blanca, entonces, puede apreciarse como una precuela del ascenso del
Tercer Reich.
11.
INCENDIES de Dennis Villeneuve
Basado en
la obra de teatro Scorched de Wajdi Mouawad, Incendies sigue una trama no
lineal que abarca dos generaciones, y su adaptación parece realizada desde una
obra literaria. Nawal, la madre de Jeanne y Simón, ha determinado en su
testamento que sus hijos deben enviar un sobre a un hermano que vive en el
Líbano. Recién después de ello, sus hijos podrán dar a Nawal una sepultura
digna. Jeanne se siente obligada a llevar la carta y emprende viaje a Medio
Oriente, sin saber que va a descubrir secretos que involucran a su madre.
Villeneuve resuelve con una serie de flashbacks los momentos clave en la vida
de su madre, revelando a un director muy hábil en la narración cinematográfica.
Estamos
ante un misterio que se irá revelando lentamente a través de acciones
aparentemente dispares. Villeneuve divide la narrativa del film en dos líneas
de tiempo diferentes, un tiempo presente en el cual transcurre el viaje de los
hermanos, a la vez que se retrotrae en el tiempo cada vez que aparece un
recuerdo de su madre, en donde aparecen vestigios de un ambiente hostil que
involucra el honor familiar, así como el fanatismo religioso y militancia
política.
Incendies
es un film sobre el odio, la venganza y el perdón que pone su mirada y se apoya
en las complejas emociones sentidas por todos los personajes involucrados. La
película reflexiona sobre la ironía del destino, la fugacidad de la paz y de la
guerra, los sentimientos del amor y del odio, la necesidad de venganza y el
perdón posterior, de los santos y los pecadores.
Entre las
dos historias, tal vez sea descubrir el doloroso viaje de Nawal sea la parte
más interesante del film. La otra mitad referencia al viaje de Jeanne y Simon
para hurgar en leyes no escritas y encontrarse con comunidades que prefieren
mantener el statu quo y no detenerse en reabrir heridas de un pasado vergonzoso.
La combinación del film de misterio con el drama de investigación hace de
Incendies un film muy particular a la vez que pone en la palestra a un director
muy interesante.
12. EL
HOMBRRE DE AL LADO de Mariano Cohn y Gasstón Duplat
Esta es la cuarta película de Mariano Cohn y Gastón Duprat.
Se trata de un estudio lleno de ironía sobre la inseguridad burguesa en la que
las simpatías del espectador cambian gradualmente del protagonista a su
aparente enemigo: un vecino grosero que rompe su calma haciendo un agujero en la
pared medianera. Detrás de esa pared, vive un vendedor de autos usados, Víctor
(Daniel Aráoz), un vecino molesto que está remodelando porque quiere un poco más
de luz.
El film reflexiona sobre las relaciones sociales entre las
diferentes clases, y va tornándose en un relato de humor negro que desenmascara
nuestros estándares morales, las posiciones acomodaticias que no responden a un
criterio en particular sino simplemente a la conveniencia de cada momento.
La película desarrolla una historia real y creíble que
logra despertar el interés del espectador toda vez que lo que narra es un
conflicto cotidiano que se puede referir a cualquiera de los miles de
conflictos que se desarrollan en los consorcios de una ciudad como Buenos
Aires. Bien filmada, con personajes muy
bien perfilados y que rápidamente empatizan con el espectador, con una historia
ágil e interesante que es lo suficientemente oscura como para atrapar el
interés, pero lo suficientemente real como para hacer sentir que estás ante
personajes que representan personas lidiando con su vida cotidiana. La historia
que narra es simple e inteligente, lejos de Hollywood, El hombre de al Lado es
una película independiente donde prevalece una historia muy bien contada con
una mínima producción y sin efectos especiales.
2010-11-14 AMAR, COMER, REZAR Y VILLA AMALIA
"Amar, comer,
rezar" y "Villa Amalia" son películas que se asemejan Ambas
tienen como protagonistas a dos mujeres en una etapa crítica de sus vidas
producida por la infidelidad de sus respectivos maridos. Pero son
diametralmente opuestas en la narrativa. Una responde al típico modelo
americano. Una narración clara, clásica, con un principio, un durante, y un
después. La francesa que vi ayer, con Isabelle Huppert, una de las más grandes
actrices francesas de todos los tiempos, es un viaje absolutamente interior de
una mujer que no solo quiere, sino que necesita romper con su pasado a partir
de este mismo hecho. No es una historia sobre la ruptura sino sobre la
mutación, de la transformación en otra. Me pareció muy interesante aunque no me
gustó del todo el final.
2010-11-7 AGORA de Alejandro Amenábar
Ágora es una gran
superproducción donde participan capitales españoles, ingleses y americanos que
hace recordar a películas que veíamos cuando éramos chicos. La película me
resulto entretenida pero no me gustó mucho, aunque al final me resultó más
interesante que al principio. Transcurre justo en los años de la caída del
imperio romano en Alejandría. Allí vive Aphatia, una astrónoma y profesora que
es hija del director de la famosa biblioteca. Aphatia es una mujer joven e
intelectual en medio de un mundo de cambios manejados por hombres violentos.
Mientras Aphatia se acerca con sus ideas a Galileo y a Kepler, el cristianismo
avanza a paso redoblado, primero somete al judaísmo, luego va por los paganos,
y finalmente va por el Imperio. O sea, la peli se transforma en un alegato
contra la intolerancia religiosa y termina por justificar las dos horas que uno
perdió en ella.
2010-11-5 WALL STREET 2 de Oliver Stone
Vi Wall Street 2, como
también había visto la WS 1 hace 23 años atrás. Lo que más me gustó es la forma
didáctica con que explica la crisis económica. La película, aunque en forma
crítica, explica la reciente crisis económica en forma simple y sencilla, y lo
más importante es que le da un marco adecuado a toda la trama que pinta. Pareciera
que los personajes de la película viven vidas vacías. Pero, ¿qué es una vida
llena, completa? ¿Por qué la vida que muestra el film nos parece vacía? ¿Acaso esos
personajes no tienen hijos, maridos, esposas? ¿No sufren por amor? ¿Es que todo
pasa por el dinero?
Wall Street es una película
que critica los abusos del sistema. Pero, pienso, que sus protagonistas son
males necesarios para el sistema. Dentro de un sistema capitalista como el que
vivimos, el especulador cumple un rol para poder asegurar la existencia del
productor. Este pensamiento es muy raro pero perfectamente racional a la hora
de estudiar economía. Sino por qué la gente compra seguros. Alguna vez llegaste
a pensar que una empresa de seguros es una empresa especulativa? En una
transacción siempre hay dos puntas. Cuando se trata de operaciones a futuro, el
que vende a futuro trata de asegurar un precio, pero el que compra especula con
que compra a un precio a futuro será inferior al presente. Fíjate que esta
contraparte “especulativa”, es necesaria para el desenvolvimiento de los
negocios.
De eso habla Wall Street. De
ese pensamiento se nutre un personaje como Gordon Gekko. No entender estas
cuestiones es básico para poder entender el problema. Wall Street 2 lo explica
en forma simple y contundente.
2010-10-30 AMERRIKA de Cherien Dabis
Una muy buena película de
una directora de origen jordano, afincada en USA, que narra la historia de una
mujer y su hijo que emigran de Cisjordania a Illinois, y básicamente,
experimentan la xenofobia de los americanos para con el mundo árabe. Es una
película muy interesante, porque sobre todo, te das cuenta que ellos no pueden
vivir en ningún lugar en paz. Además, muestra lo difícil de las relaciones
familiares (padres separados y ausentes) y los problemas de adaptación al nuevo
medio. La película comienza en Belen, donde nació Jesus.
2010-10-1 LA FAMILIA (The
Kids Are All Right) de Lisa Cholodenko
Una película americana bastante interesante
que en inglés, más apropiadamente, lleva el título "The Kids are all
right". Se trata de una familia compuesta por dos mujeres lesbianas con
dos hijos adolescentes (niña de 18 y varón de 15), a los cuales comienza a
picarles el bichito de la curiosidad por saber quién es el padre. La película
adopta el tono de comedia, con lo cual, se hace muy digerible. Lamentablemente,
en lo social, se hace la distraída respecto del tema matrimonial y lo acepta
como un hecho, pero lo bueno que tiene, es que refleja muy bien la cuestión
generacional de padres e hijos en una época, en que para mí, el viejo
patriarcado ha desaparecido, cierto autoritarismo ha tornado en democracia
directa, y en consecuencia se han agudizado los conflictos entre padres e hijos.
Todo ello muy light y muy bien actuado.
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