lunes, 26 de diciembre de 2022












LAS 12 MEJORES PELICULAS de 2022
 (Por Orden de Visión)

- LAS COSAS QUE DECIMOS, LAS COSAS QUE HACEMOS de Emmanuel Mouret (Francia)

- BELFAST de Keneth Branagh (Inglaterra/Irlanda)

- C´MON, C´MON de Mike Mills (USA)

- UN AMOR CERCA DEL PARAÍSO de Aki Kaurismaki (Finlandia)

- UNA PANADERIA EN NOTHING HILL de Eliza Schroder (Inglaterra)

- BUENA SUERTE, LEO GRANDE de Sophie Hyde (Inglaterra)

- VERTIGO (FALL) de Scott Mann (USA)

- NO ODIARAS de Mauro Mancini (Italia)

- ENNIO de Giuseppe Tornatore (Italia)

- 66 PREGUNTAS A LA LUNA de Jaqueline Lentzou (Grecia)

- EL BARDO Alejandro Gonzáalez Iñaarritu (México)

- EL DILEMA DE MR HOFFMANN de Fred Cavallé (Francia)


miércoles, 21 de diciembre de 2022

EL DILEMA DE MR. HAFFMANN de Fred Cavallé


PRINCIPIOS Y CARACTERES

Daniel Auteuil, Gilles Lelouche y Sarah Grandeau son los protagonistas absolutos de esta obra de cámara, un  encierro forzado de tres personas en Paris en 1942 como consecuencia del terror producido por la toma de Paris por parte de las fuerzas militares alemanas que habían provocado la rendición forzada de la ciudad y de país dos años antes.

La obra es una reflexión sutil sobre la miseria humana, la falta de dignidad de aquellas personas cuya capacidad de traicionar no solo aparece frente a la necesidad de salvar la propia vida, sino también en aquellas ocasiones donde aprovechar una ventaja expone a otra persona a  la muerte misma.

Basada en una obra de teatro que no elude sus propias características, el film destaca por la sobriedad de su puesta en escena, su confianza en un texto impecable que la habilidad del joven director francés logra tornar en un film apasionante sobre el exceso de confianza, y su contraparte, la miserabilidad humana.

En el texto representado es una pintura exacta de tres personajes gobernados por el miedo que la situación reinante termina reflejando. Daniel Auteuil interpreta a Mr. Haffmann, un joyero judío que decide encerrarse en el local de su negocio mientras envía a su esposa e hijos a una zona liberada, a la vez que pone su negocio a nombre de su empleado Francois (Gilles Lellouche), un hombre no judío de confianza del comerciante, quien lo terminará traicionando, y una mujer, una tercera en discordia, Blanche (Sara Girardeau), esposa del empleado  quien queda embarazada durante el cautiverio, echando una luz de esperanza en una Paris tomada.

La habilidad del director de transformar en cine una obra de teatral, logrando a la vez, una pintura exacta de un estado de situación marcado por el miedo de la persecución, pero sobre todo por la traición,  se transforma primero en un estudio de tres diferentes caracteres, con  un resultado pesimista de la condición humana, en la cual sobresalen el miedo a la opresión, la ganancia a costa de desaparecer la inocencia y la esperanza de aprovechar el momento de la oportunidad, pero sobre todo, la desaparición del futuro.

El film se convierte en ”noir”, y el retrato de la desesperanza no hace más que reflejar un estado de pérdida de valores que va más allá de los sinsabores de la guerra,  dado que los avatares vividos conllevan la un estado de disolución social.

El film es impecable en todos sus rubros y sumamente recomendable para aquellos que no solo disfrutan de buenas actuaciones, sino también de una película que deja pensando al espectador sobre lo que la misma le ha contado. Extraordinariamente actuada, muy bien fotografiada y musicalizada, es sin dudas una de las mejores vista durante este año 2022.

JUEGO PERFECTO de Russell Crowe


 UN POLICIAL A LA ANTIGUA

Jake Folley, interpretado por el propio Russell Crowe, también director de la película, es un millonario que tiene que enfrentarse a la muerte. Su problema es que sus planes son interrumpidos por ladrones de arte...

Se trata de un jugador profesional del juego de cartas, un gran jugador de póquer, adicto a la tecnología que invita y desafía a sus amigos a pasar una noche de puro juego. Las reglas las impone el dueño de casa, y la principal de ellas es que para jugar deberán confesar sus peores pecados.

Es casi obvio que el dueño de casa se transformará en una especie de Poncio Pilatos, y durante toda la película tratará de hacer justicia con su propia vara. Obviamente, no cree en la justicia divina y mucho menos en la justicia de los hombres, pero es evidente que cree en su propia justicia y su vida está colmada de enemigos.

La trama entra de lleno por el camino de la limpieza. Al dueño de casa le gustan las cosas claras y se dedica a barrer a sus enemigos y también amigos durante todo el film. Limpia y elimina todo aquello que molesta o está demás.

La película no solo entretiene sino que resulta divertida y también logra interesar con armas nobles. Va de frente. No tiene pretensiones estéticas ni morales. Su objetivo es simple y directo. Busca agradar al simple espectador y lo consigue. Sus múltiples tramas siempre van en la misma dirección: encuentran a Jake, y Crowe se toma al personaje en serio, Y eso es correcto.

Crowe se luce en sus dos papeles: actor y director. En el primer rubro, logra componer un duro de verdad que remite directamente tanto al Don Corleone de Marlon Brando como al de su hijo Michael. Es una mezcla de ambos. Un hombre que establece sus propias reglas, pero que también ejecuta sus propias sentencias. Capo de pocas palabras y de mucha acción, reaviva el rubro con una versión moderna que ocurre en nuestros días, contada en velocidad scorsesa.

En su papel de director, el film resulta difícil de criticar, no está nada mal. Por el contrario, es entretenido, coherente, bien actuado. Tiene mucha influencia de la austeridad narrativa del cine inglés, y nos hace recordar algunas viejas series policiales de los ´60. El trabajo de cámara y sobre todo el encierro que generan los primeros planos dan el nivel de intimidad que requiere una trama que recrea climas tensionados de alto voltaje.

Volviendo a la actualidad, deja rondando la falta de autoridad. La tremenda indefensión del ciudadano. La desprotección de la vida pública y sobre todo la privada. Pasa como una película de acción más, pero tiene la virtud de dejar pensándonos.

TODO SUCEDE EN TEL AVIV de Same Zoabi

Tardíamente estrenada en Argentina (es un film de 2018) cuenta una historia  sobre una posible amistad, pero especialmente, necesaria. Se trata de una amable comedia que se focaliza en la relación que establece un palestino y un guardián de un puesto fronterizo en Ramalah durante la guerra de los 7 días en 1967, uno de esos momentos clave del conflicto (victoria israelí, derrota árabe), percibida de forma polarizada por ambos bandos. 

Salam es un joven palestino que acaba de obtener su primer trabajo como escritor profesional de una popular novela de la televisión  israelí. Tiene poca experiencia como autor. Además, la censura licua todo intento de propaganda. Todo va bien hasta el momento en que los patrocinadores del programa no acuerdan como debería terminar la temporada.

El film es una típica comedia costumbrista que trata de mostrar  a través de sus dos personajes principales (el escritor y el custodia mencionados) el estilo de vida y la posibilidad de convivencia, ciertamente forzada, de la nueva clase media en Israel.

El film es también una representación de la vida de las personas atrapadas en medio de un  conflicto casi perenne, el israelí-palestino. Los dos personajes principales se destacan por sus diferencias, pero lo notable es que esas diferencias no son obstáculos para que entre ellos nazca una amistad.

Lo interesante del caso es que esa amistad se desarrolla y se transforma en fuente de inspiración del otro, lo cual salva las diferencias y los une en una amistad, que justamente se desarrolla en el puesto fronterizo, un contexto árido que no facilita las relaciones sociales aunque el desenvolvimiento de sus respectivas acciones, siempre ocurren en un lugar muy particular: la garita fronteriza.

La escritura del guion y la actuación funcionan en conjunto creando personajes primero antagónicos, luego amigos, desarrollando situaciones con los que podemos identificarnos, generando risa sin dejar de lado la profundidad del tema de la película. El film mantiene en todo momento su frescura y un tono de alegría  que lleva al positivismo, poder pensar en la posibilidad de una convivencia, ello es establecer relaciones amigables entre personas diferentes.

El film evita la parodia, aunque no deja de reconocer las diferencias. Siempre mantiene el tono de comedia, mostrando sutilmente la realidad de ciertas diferencias, aunque no discrimina metiéndose en lo político. Nunca se vuelve demasiado serio, o frívolo, o intente agradar con una idea política, un partido político en particular, como tampoco se desvía ni hacia la farsa satírica, y mucho menos, hacia lo frívolo.

En síntesis, un comedia diferente que se hace escuchar con agrado porque en su fondo no hace otra cosa que ratificar la necesidad de los pueblos de vivir en paz.

lunes, 28 de noviembre de 2022

ELLA DIJO de María Schrader

 

LA HISTORIA SE REPITE

Carey Mulligan y Zoe Kazan interpretan a Megan Twohey y Jodi Kantor, las dos jóvenes periodistas del diario americano New York Times que investigaron sobre los  tristes episodios que generaron poder llevar a la justicia  al magnate y productor cinematográfico Harvey Weinstein sobre lo que podría calificarse como trata de blancas, y ser condenado por agresión sexual.

El nombrado productor es socio fundador, junto con su hermano Bob, de la productora de cine independiente Miramax, con las que produjo filmes tales como Sex, Lies, and Videotapes, The Crying Game, Criaturas Celestiales, y Shakespeare in Love entre otras .

El film también hace recordar a otra investigación periodística de similares características que hizo historia en el periodismo americano y que también derivó en una película cinematográfica cuyo título fue Todos los Hombres del Presidente, dirigida por el famoso director Alan J. Pakula, y identificada por el trabajo del diario Washington Post.

 La nueva película aborda con cuidado y sumo respeto por las víctimas, la puesta en escena cinematográfica de la investigación realizada y se concentra en las actuaciones de las dos jóvenes actrices en los papeles de las periodistas investigadoras del New York Times.  Maria Schrader, directora del film, mantiene en todo momento una interesante narrativa con la ayuda musical de la partitura de Nicholas Britell, quien genera un ritmo de avance de la película que elimina la morosidad de toda investigación periodística.

La película no se sale de las normas establecidas para este tipo de cine. Relata con prolijidad y gran respeto por la gente involucrada, una investigación que nace casi por casualidad y termina por destapar un enorme caso sobre trata de blancas en el mundo del cine, y determina como principal sospechoso, luego declarado culpable, al susodicho Harvey Wainstein.

En este trabajo de la directora americana sobresale la minuciosa reconstrucción fílmica, un enorme trabajo de montaje que vuelve ágil al film, y que permite al espectador mantenerse interesado en lo que se le está relatando.

No obstante ello, y el interés que generan en el mundo del cine los hechos ya comentados, esta obra destaca por su rigidez conceptual y fidelidad narrativa. No es concesiva ni busca soluciones fáciles a lo que está relatando. Políticamente correcta, no es agresiva, y siempre sigue el camino de la búsqueda de una verdad, lo cual debe ser el corazón del periodismo de investigación bien intencionado.

Cinematográficamente hablando, destaca el trabajo de montaje del film, como así también su banda sonora y el trabajo de sus dos principales actrices, con un registro que da mucho vuelo a cierta tendencia a la repetición que generan los hechos reales sobre los que se basa.

EL MENÚ de Mark Mylod

COMEDIA FALLIDA

Ralph Fiennes, actor de La Lista de Schindler (1993) y Gran Hotel Budaperst (2014) vuelve a la comedia con una película interesante, aunque no tan lograda, que juguetea con el espectador, confundiéndolo particularmente en lo concerniente al género que transita la obra. Hacia el final queda claro que se trata de una farsa, pero las contradicciones del director hacen pensar que el género de terror está presente bordeándolo permanentemente. La cinta por momentos pierde el rumbo, otros vuelve a encontrarlo, logrando llegar a un final que satisface parcialmente al espectador.

Las disquisiciones entre el bien y el mal desarrolladas en forma de comedia satírica no ayudan a que el desarrollo del guion,  que si bien está dotado de buenas intenciones, llegue a buen puerto como consecuencia que el núcleo de la cuestión planteada se diluye en ciertos amaneramientos estéticos que el director impone a la actuación de los intérpretes (Ralph Fiennes, siempre correcto, Anna Taylor Joy, Nocholas Hoult y Hong Chau cumpliendo con sus roles),  no aparecen muy convencidos de los papeles que tienen en juego.

La trama presenta irregularidades que confunden al espectador y un film que aparece como renovador de un género se queda a mitad de camino entre la película de terror y la comedia satírica producto que el director Mylod no logra clarificar cuál es su producto. En consecuencia el film pierde equilibrio y el espectador se confunde con la mezcla de géneros, no llegando nunca al equilibrio deseado entre lo que es la sátira, la comedia, el suspenso o el film de terror.

El Menú termina siendo un intento de sátira política, concretamente de clase, en la que se trata de criticar a los estratos sociales más acomodados de la sociedad en base a su incompetencia, aunque trata de hacerlo de una manera divertida, con una puesta en escena vistosa, que no logra llegar a su objetivo. 

No obstante, el elenco trata de reparar con ahínco estos desniveles. Ralph Fiennes está muy bien en un papel donde destaca su ambivalencia, y Anya Taylor-Joy cumple con su personaje. Por otro lado, Nicholas Hoult, (Tyler) hace que su personaje sea patético.

La dirección de Mark Mylod no destaca y es el principal responsable de la falta de coherencia que tiene la puesta en escena del film, dado que se ha puesto más énfasis en lo visual, en lo estético que en el desarrollo de la trama. En cambio, la música de Colin Stetson es fantástica, logrando un equilibrio que ayuda la interpretación de la pelicula.

En síntesis, El Menú es una película bastante impredecible que logra llegar a puerto por las buenas actuaciones del elenco y que si bien trata de ser una sátira sobre los problemas sociales, no lo consigue totalmente porque pierde el rumbo de entrada y solo al final atisba con una escena demasiado simple y explicativa que coloca todo en su lugar pero más cercana a una resolución teatral que cinematográfica.

lunes, 14 de noviembre de 2022

EL BARDO de Alejandro González Iñarritu

 MOMENTO DE BALANCE

"Bardo" es un paseo onírico y barroco por un México a menudo caótico, a veces fantasmal.

El nuevo film del director mexicano radicado desde hace unos años en los Estados Unidos es una obra autorreferencial que tal vez marque un antes y un después en su obra cinematográfica. No obstante, no estamos frente a su mejor obra, claramente no está a la altura de trabajos tales como Amores Perros (2000) o Birdman (2014), pero El Bardo es en todo momento es una película muy interesante. Bardo, puede definirse como un término budista que alude al limbo que experimenta una persona al morir, un momento de transición antes de reencarnarse. “Es también, vivir en un territorio con 5 millones de mexicanos, con una identidad rota, fracturada”, expresa el guionista y director.

Se trata de un film muy personal que se sostiene por la fluidez narrativa que posee González Iñarritu, capaz de mantener la atención cinematográfica cuya duración alcanza las tres horas de proyección, sin aburrir y manteniendo siempre un ritmo parejo del  relato, aun cuando la película transita ciertos convencionalismos, y sobre todo, se impone como un film intimista.

Uno de los méritos principales del guionista y director es filmar dándole vida a un personaje diferente, un periodista de ficción cuyo nombre es Silverio Gacho, magníficamente interpretado por el actor mexicano Daniel Giménez Cacho, quien juega el papel del alter ego del director. Él nos transmite la angustia de ese momento en el cual un hombre decide realizar un balance de su propia vida.

En ese sentido de búsqueda de la transcendencia es donde destaca el film, llevando adelante el momento de pasar revista a una existencia donde un hombre adulto y con experiencia decide poner un freno porque seguramente ha llegado el momento de su verdad.

González Iñarritu se toma tres horas para describir este momento en la vida de su personaje. Y sin lugar a dudas, destaca como uno de sus logros, mantener la atención permanente del espectador en una película que cuyo formato es el de una obra de cámara, es decir, de encierro e intimidad. 

El film narra el retorno a su país de un periodista mexicano y su familia, después de haber vivido años de exilio en los Estados Unidos. En esa transición de lo que debía ser un viaje breve para recibir un premio, su vida se convierte en una crisis existencial.

Parte de los méritos del film es la actuación de Daniel Giménez Cacho, quien compone el personaje principal. El actor lo pone todo y da carnadura siempre creíble a su personaje. Su actuación es monumental. Está presente durante toda la película y transmite el estado de crisis interior que está viviendo su personaje.

El otro gran artífice es el propio director en su rol de fotógrafo del film. El manejo de la cámara en sus manos se vuelve literalmente una estilográfica. Por otro lado, no solo dirige al gran actor sino que logra captar sus más pequeños momentos como así también tics, movimientos de manos, expresiones corporales, y sobre todo, el de sus ojos. Los ojos claros del actor remarcan cada escena, la significancia de cada momento.

Si bien la obra del director siempre pasó por su mirada social, esta vez nos remite a un yo interior, a un film muy personal, que se concentra en un hombre que ya ha transitado la parte más activa de su vida y ahora siente la necesidad de hacer un balance cuyo resultado lo deja en deuda consigo mismo.

Obra muy personal del autor, muy bien apoyada por la actuación de su actor principal, no es tal vez su obra más transcendental pero si es una obra de carácter intimista que deja pensando más allá de su metraje, y que destaca en la cartelera de cine porteña.

 

lunes, 31 de octubre de 2022

NO ODIARAS de Mauro Mancini

ETICA Y MORAL

El doctor Segre es un médico cirujano de ascendencia judía y su vida transcurre en forma pacífica en Trieste, en el norte de Italia. Es un solitario que vive en una amplia y hermosa casona. Es un hombre soltero que no tiene apuros económicos. Su hobby es el remo. No parece tener una filiación política. Su padre, ha sido un sobreviviente de los campos de concentración nazi.

No odiaras se convierte en el registro de los diferentes ejercicios de reflexión que el personaje debe realizar para entender su propio odio y enmendar el daño irreparable que ese sentimiento ha causado,

La película presenta dos dilemas. Uno de carácter ético y otro de tipo moral. Lo primero está relacionado con lo que el protagonista hace: deja morir a una persona porque cuando trata de ayudarla encuentra tatuado en su brazo una cruz esvástica nazi. Por otro lado, la cuestión moral que se relaciona con la culpa que siente.

El film comienza una tarde, cuando él viene de remar y va a buscar su auto para volver a la ciudad. En la ruta se ha producido un accidente donde un hombre ha quedado gravemente herido. Como médico, trata de socorrerlo. Desprende su camisa y ve el tatuaje en el brazo del accidentado. Instantáneamente, reacciona alejándose del herido y lo deja morir. Tiempo después, contrata a una joven mucama para que lo ayude en la limpieza de la casa, sabiendo que los familiares de la misma son nazis en actividad.

Mauro Mancini maneja este material como un típico film  de suspenso. Su personaje se encuentra literalmente encerrado en una casa enorme, pero en su interior, es corroído por la tristeza que le provoca el duelo de su padre. No obstante, asoma en su vida una cierta felicidad que lo saca del ostracismo. Una relación extraña comienza a crecer entre él y su mucama.

El film habla de los prejuicios étnicos y religiosos, del ser diferente, y particularmente del odio racial, el que se lleva a cabo motorizado por la simple maldad. El personaje principal interpretado con exactitud por Alessandro Gassman (hijo de Vittorio), se constituye en una víctima exponente de una violencia inútil engendrada en idearios políticos que se basan en la segregación racial, resabios resultantes del nazismo de la Segunda Guerra Mundial, donde células extremistas aún conservan las raíces de aquel odio que llevo a la masacre a miles de judíos europeos solo por practicar una religión diferente.

El personaje principal aún resulta más interesante ya que la vida pacífica de un médico, termina complicándose en una vorágine de violencia gratuita al observar que la familia de su mucama está relacionada también con una célula extremista.

Film sobre los prejuicios raciales y sus consecuencias, la película funciona notablemente como film de suspenso. Es notable la capacidad de los guionistas Davide Lisino y Mauro Mancini para evocar desgraciados sucesos del pasado con proyección al presente. Plantearlos como vigentes, nos dejan pensando sobre el horror de esta posibilidad.

La película inteligentemente nos retrotrae al pasado para obligarnos a pensar en el presente, particularmente en las ideas totalitarias y falsamente nacionalistas. Por otra parte, tiene la virtud de encerrar una temática dentro de un género, para narrarnos la historia de un hombre, un médico, que sorpresivamente se ve envuelto en un torbellino enraizada en una trama de características políticas y sociales que en lo individual lo interpela sobre su propia capacidad de quedar envuelto en un grave conflicto.

domingo, 30 de octubre de 2022

MRS. HARRIS

UN SUEÑO HECHO REALIDAD

“Sueña el rico en su riqueza,  que más cuidados le ofrece; sueña el pobre que padece su miseria y su pobreza; sueña el que a medrar empieza, sueña el que afana y pretende, sueña el que agravia y ofende, y en el mundo, en conclusión, todos sueñan lo que son, aunque ninguno lo entiende”. Pedro Calderón de la BarcaLa vida es sueño (1635).

Basada en la novela de Paul Gallico, y editada a principios de los años 50, Mrs Harris Go to Paris  es un libro que se ha leído en muchos colegios durante la escuela secundaria y que nos habla de la fuerza que tienen nuestros sueños para que podamos volverlos realidad.

En la película, Mrs. Harris es interpretada por Leslie Manville quien brilla con una actuación descollante en el papel principal, dándole no solo vida al personaje sino componiéndolo con una gama muy amplia de matices.

Mrs. Harris es una mujer viuda que no ha tenido hijos, vive sola en un pequeño departamento en los barrios bajos de Londres, y sueña con tener un vestido del modisto Christian Dior. No obstante, ella es una persona muy consciente de sus limitaciones. Ha enviudado, trabaja por horas como mucama en casas de familia y acepta mansamente la vida que le ha tocado en suerte.

El inteligente guión de Carroll Cartwright y Antothony Fabian no se queda en la simple descripción del personaje sino que primero lo pinta en base a sus valores, tales como la feminidad, la honestidad, la adaptabilidad, su ubicuidad, su humor, y sobre todo, su sentido común. Luego, acciona. Típicamente, una señora mayor inglesa.

Un día cualquiera por la tarde, mientras realiza la limpieza de una casa, ve un vestido que “la vuelve loca”.  Instantáneamente, quiere ese vestido. Lo desea, pero el vestido no está en Londres sino en otra ciudad, ello es Paris, Francia.

Un espíritu aventurero aparece en ella de manera que con toda decisión comienza a ahorrar dinero de a poco con el propósito de viajar a aquella ciudad para poder comprar el vestido.

La película se convierte en la transformación de una mujer simple y común en otra impulsada por un deseo. Desaparece de ella una vida sin expectativas para dar lugar a una oportunidad para realizar un sueño. La transformación será total. Una mujer simple, una mucama sin esperanzas se transformará en una mujer con un objetivo que parece inalcanzable para su condición.

Pero ella no carece de valores ni fortalezas. No tiene medios económicos pero no le sobra  tenacidad y perseverancia. Además, posee un sentido de la disciplina económica financiera, ella es capaz de ahorrar, libra tras libra, para poder comprar un pasaje de ida y vuelta a Paris y comprar el vestido de sus sueños.

La película se convierte en una especie de lección de buenos valores, por otra parte muy didáctica tales como la paciencia, la perseverancia, el esfuerzo, la honradez, la visión de futuro, pero también afloran aspectos personales como su carisma, su respeto hacia los demás, conocer su objetivo, saber lo que quiere, y mostrar firmeza, entre otros.

Con este film, el cine ingles recupera, entre otras cualidades, algunas de las formalidades del free cinema, un cine que recuperaba la pintura del personaje a la vez de exponer con naturalidad las pasiones como sus comportamientos, tan abiertamente como sus ansiedades, deseos, sufrimientos y desencuentros.

Mrs. Harris es una muy grata sorpresa que avizora un nuevo camino del cine ingles despojado de sus viejas formalidades que la vez, conserva un sentido del humor y una factura lineal muy prolija que destaca que el camino puede estar cargado de piedras pero la voluntad, y sobre todo, el deseo de alcanzar un sueño lo puede todo. El film es simple y didáctico, pero la firmeza del personaje y su claridad de objetivos, lo convierten en una obra importante del nuevo cine inglés.

jueves, 27 de octubre de 2022

EL FOTÓGRAFO DE MINAMATA de Andrew Levitas

EN POS DE UNA VIDA NATURAL

W. Eugene Smith fue un fotógrafo profesional que trabajó durante mucho tiempo para la revista Times volviéndolo famoso. La película lo encuentra en 1971 en Nueva York, ya cansado de su trabajo aunque acepta tras una larga discusión con su Jefe, viajar a Japón para  documentar los efectos del envenenamiento por mercurio en la población de las costas de Minamata.

Johnny Depp encarna en la ficción al famoso fotógrafo componiendo quizás la mejor actuación de su carrera, donde se muestra como un hombre con un tesón y una paciencia a toda prueba para obtener la fotografía que solo aquella revista podía publicar.

La película es prácticamente una sucesión de primeros planos del actor donde expresa su conocimiento para lograr una fotografía que no solo está destinada a pasear por todo el mundo sino también a transformarse en un icono de época.

Con un riguroso y bien armado guion, el film va adquiriendo interés no solo porque la descripción del fotógrafo es extraordinaria sino porque logra la atención del espectador respecto del tema ambientalista con ideas genuinas pero sobre todo por aquello de saber hacer un trabajo con honestidad y estoicismo

En ese aspecto, destaca su sentido de oportunidad, como también, su capacidad para trabajar con la gente que lo rodea, no solo su jefe de redacción en Nueva York sino también las relaciones que desarrolla en su vida cotidiana con la gente del pueblo de Minamata.

La película avanza de a poco con paso lento pero firme como un documento sobre algo que está por suceder. El fotógrafo sabe de su trabajo. Ello es estar allí, para dar fe y registrar lo ocurrido.

Simple y concisa, logra interesar en el plano ambientalista, pero sobretodo, sale airosa como una película donde sobresalen virtudes que hacen a la persona, ello es la calma, la subordinación, la disciplina, la tenacidad y la decencia que permite sobresalir en un trabajo.

martes, 25 de octubre de 2022

66 PREGUNTAS A LA LUNA de Jacqueline Lentzou

UNA HENDIJA EN LA INTIMIDAD

De vez en cuando, el cine remonta a sus origines y recuerda la idea del montaje cinematográfico. Creo, después de haber visto mucho cine, que el montaje es una de las claves más importantes en la realización cinematográfica y que, en este caso, constituye la parte principal de la puesta en escena de este film.

Se trata de una ópera prima, la de la griega Jacqueline Lentzou, que se mete de lleno en el melodrama a través de una trama que enfoca la difícil relación entre un padre y una hija,  donde en el medio existe una tercera parte que si bien ni calla ni otorga, deja establecido a un tercero en  discordia. No obstante, en su esencia, busca la siempre vigente pregunta sobre de dónde venimos, cómo vivimos y cuál es nuestro destino.

Lo notable del caso es que la obra, esencialmente teatral, no es resuelta de esa manera sino todo lo contrario. 66 Preguntas es una gran lección de cine.

La narración encierra prácticamente a sus personajes en un pequeño pasillo y en una habitación. En ese ámbito hay tan solo tres personas. Un enfermo, su hija y un tercero que casi no participa de la conversación. Es un momento dramático. Queda claro que hay cierta incomodidad. Algo de aquello de lo que no se habla y que es aquello que encierra las 66 preguntas del título.

La gran virtud de esta joven directora griega es que logra resolver la puesta en escena escapando de lo teatral y resolviendo la película en términos absolutamente visuales, ello es, a través del montaje. Pocas veces en el cine es el  montajista quien se lleva los laureles. En este caso, lo es. Sin lugar a dudas, Smaro Papaevangelou es quien ha realizado una labor suprema logrando montar la película siguiendo los diálogos, una obra de cámara que destaca como una puesta teatral a través de medios totalmente cinematográficos, ello es la conjugación de la imagen, el sonido, y sobre todo, montaje.

Debe quedar en claro que la película no constituye un cuestionario de 66 preguntas, sino en una sola. Incluso, sea obvia. Pero la mano inteligente de la joven directora nunca lo da a conocer y lo mantiene como un gancho que atrapa al espectador sabiendo que la intriga no es la cuestión de la película sino el descubrimiento tardío de que la relación padre-hija es posible.

La película atrapa al espectador con estrictas armas cinematográficas, montaje de primeros planos, actuación notable de los actores, sobre todo por la dicción, ritmo y entonación de las palabras, y el desarrollo de una trama que alude a un tiempo perdido, a un descubrimiento del otro, a la imposibilidad de futuro.

 En síntesis, una película muy interesante que enfoca un encuentro familiar entre un padre y su hija en una situación límite cuando ya no hay tiempo para reparar los hechos aunque siempre existe la posibilidad de la reconciliación.

lunes, 10 de octubre de 2022

ENNIO, EL MAESTRO de Giuseppe Tornatore

EL HOMENAJE DEL ALUMNO

Ante todo, es un film homenaje que Tornatore dirige con la sensibilidad propia de un alumno destacado que ha sufrido la dolorosa perdida de un gran maestro, un músico talentoso, Ennio Morricone, compositor y director de orquestra, capaz, no solo de subrayar la música de una película sino también de ganar un lugar entre los grandes músicos de cine del mundo generando un estilo propio.

Hijo de un trompetista de una orquesta de jazz, eligió también el camino de la música, y se volvió famoso como compositor y director de orquesta destacándose en el mundo cinematográfico en oportunidad de ser convocado para musicalizar las escenas de un espagueti western, genero italiano por excelencia, que satirizaba al western americano tradicional, dirigida por su amigo de la infancia Sergio Leone.

La película es un documental que recrea la obra del músico a través de las películas más famosas en las que participó desde 1955, primero como arreglador musical de otros autores y más tarde debutando en 1961 en una serie de televisión.  Fue reconocido tres años después componiendo la banda sonora de Por un Puñado de Dólares. Cabe agregar que como compositor y director de orquesta Tornatore trabajó ininterrumpidamente hasta 2020, año en el que falleció a los 91 años, subrayando musicalmente cerca de 500 películas.

Tornatore realiza “Ennio”, como un gran homenaje a su maestro musical, dado que todas menos su opera prima, llevaron la música de este autor, entre ellas, algunas inolvidables como Cinema Paradiso (1987), Stanno Tutti Bene (1990),  La Sconosciuta (2006), entre otras.

La película resulta muy entretenida evocando una época muy especial del cine italiano, un momento de cambio, donde la rebeldía de una época de transición se hacía escuchar con la protesta que el cine reflejaba  con estilos nuevos que buscaban dejar atrás los convencionalismos de la época. Era hora de algo nuevo. Los arreglos musicales influenciados por la música clásica pedían un cambio. Y ese cambio llegó de Italia y por el maestro Morricone, cuya experiencia era escasa pero su capacidad de cambio era notable.

El método era muy simple. Se basaba en sonidos básicos que uniéndolos musicalmente  generaban una banda sonora que subrayaba las imágenes del film dándole un ritmo diferente, seco y contundente, como un enojo o creando una atmosfera que determinaba el estallido de la acción.

Su música nacía del tarareo, al cual trasladaba a la composición, y de allí a la musicalización cinematográfica. Un dechado de sentido común, simpleza y capacidad de innovación que enfatizaba la capacidad de transmisión de la propia imagen.

Tornatore dirige el film con la misma simpleza de su maestro, buscando material de archivo donde encuentra registros notables que nos van dando pistas a través de escenas sumamente ingeniosas y elocuentes, a la vez que la banda de sonido muestra como una idea musical, tal como un silbido, se va convirtiendo lentamente en un acompañamiento de una orquesta. Gran trabajo didáctico del director.


miércoles, 5 de octubre de 2022

ARGENTINA 1985 de Santiago Mitre



UN ACTOR DESCOMUNAL

Todos conocemos la historia argentina de los últimos años pero no todos la hemos vivido. No obstante, cada uno tiene su punto de vista.  La experiencia vivida nos facilita sacar conclusiones. Aun así, todos tenemos una opinión sobre lo que se ha vivido y lo que ha pasado.

La película de Santiago Mitre se concentra en el trabajo de un fiscal y su equipo que buscan pruebas contundentes para poder enjuiciar a las Juntas Militares que gobernaron el país para desarrollar la acusación correspondiente, llevar a cabo los juicios y lograr una sentencia definitiva sobre el accionar de las Juntas Militares durante los años ´70 y parte de los´80.

Hacer justicia implica la revisión de lo actuado por  dichas Juntas. Para ello, la justicia cuenta con los fiscales del Estado cuya actuación radicaba en la investigación de los hechos para determinar los abusos cometidos. Uno de sus  protagonistas principales en esta historia del siglo XX ha sido el abogado Julio Strassera, un fiscal del Estado que con su equipo de abogados e investigadores, participaron buscando todas las pruebas necesarias para poder enviar a Juicio y determinar sobre las responsabilidades y abusos de las juntas militares que dirigieron el país durante esa década.

La película se concentra en la actuación de este fiscal durante los juicios llevados a cabo, y quien asume el papel de Strassera es un gran actor argentino, Ricardo Darin, cuya actuación es descomunal dando vida a un hombre que cree en la justicia, y cuyo apego a la ley ha sido total.  Su compenetración con el papel, apoyado en el buen guion  del propio director, crea un personaje de ficción que cobra vida de una manera tan natural que quienes no conocimos al fiscal en vida no dudaríamos ni un instante en creer que el propio Strassera estaba allí presente frente a las cámaras cinematográficas.

Darin es un gran actor y sus películas, generalmente, fueron acompañadas por el éxito de público, tanto en la pantalla grande como también en televisión y teatro. Su actuación en esta película es un dechado de naturalidad frente a las cámaras que crea una realidad que supera la ficción de la actuación, haciéndonos creer permanentemente que estamos ante el propio fiscal de estado.

Ni Darin ni nosotros hemos conocido personalmente al fiscal, pero el actor nos convence que ese personaje extraído de una realidad y que ha sido protagonista de un hecho histórico es quien está frente a nosotros más allá de la ficción.

También se deben destacar dos aspectos que conciernen al director y guionista Santiago Mitre. Su guion no solo se ciñe a la verdad, sino también mérito de su excelente dirección, logra rescatar el interés histórico de la obra a la vez de entretener al público durante todo el metraje de la película.

Acompaña a Darin el actor Peter Lanzani en el papel del fiscal Moreno Ocampo, y en un papel menor pero inolvidable, Norman Briski como un fiscal y viejo amigo, un guía de ruta en la peregrinación de la búsqueda de la verdad.

Esta película argentina nos llena de orgullo no solo porque rescata un hecho de la historia reciente de nuestro país, sino porque lo hace desde un punto de vista totalmente cinematográfico, un cine honesto y justo que no permite remitirnos al pasado ni a tomar una posición política sino solo evocar un recuerdo, la de un fiscal de estado cuyo compromiso es llegar a la verdad para que su recuerdo evoque una mirada crítica que rescata la necesidad de establecer la vedad de los hecho y no permita el olvido. 

jueves, 29 de septiembre de 2022

PEQUEÑOS MOMENTOS DE FELICIDAD de Daniele Luchetti

UN FELIZ RESURGIMIENTO

Recién estrenada en Buenos Aires aunque originalmente realizada en 2019, es una producción italiana dirigida por Daniele Luchetti, sobre un guión propio basado en la novela de Francesco Piccolo, que narra la historia de un hombre muy ocupado, que siempre anda corriendo y que un día comete una distracción en una hora pico de transito que le cuesta la vida.

Con un humor muy italiano, Luchetti nos cuenta una historia sobrenatural en la que Pif (el protagonista de la historia), logra negociar con Dios una hora de vida adicional para poder despedirse de todos su seres queridos, incluidas sus amantes, tratando de encontrar el sentido de su vida.

La película no solo deja verse sino reverdece la famosa comedia a la italiana, toda vez que un hecho grave y dramático es narrado desde un humor convencional que consigue lograr el interés del espectador en un relato donde lo que sobresale es la pintura de la época que vivimos.

Muy fiel a sus orígenes, el film de Luchetti abreva en el cine de los ´80, más precisamente en los films  de  Nanni Moretti y sobretodo de Ettore Scola, donde nada parece extraordinario sino tan solo ocurrente, seres pintados con una trocha gruesa que parece remarcar que tanto virtudes como defectos son características humanas que van más allá del ser italiano.

No es casual que Pif sea un exponente cabal de esta época, un hombre común que debe esforzarse diariamente trabajando todo el día haciendo horas extras para dar de comer a su familia, su mujer y sus hijos, y alguna amante para poder escapar de una realidad que lo fagocita.

La película, ligera, amable y entretenida, expone con total naturalidad y fluidez ese día negociado con Dios, pintando un día de un hombre común con todas sus angustias, sus obligaciones y licencias.

NO TE PREOCUPES de Olivia Wilde

UN NUEVO SUEÑO AMERICANO?

Con una puesta en escena muy moderna, el inicio de la película nos hace pensar que estamos ante una nueva película americana que pre anuncia una resurrección de un cine sesentista llena de buenas intenciones, con muchas ansias de cambiar las formas y desarrollar un discurso que parece recuperar una renovación de las formas y el lenguaje de un nuevo cine americano (Kubrick parecería alumbrar el film).

El film nos habla de una pareja joven, Alice y Jack,  aparentemente feliz durante la década del ¨50, que viven una ciudad en medio del desierto en California, en una casa cuyo alquiler es pagado por la empresa donde trabaja Jack. Al principio todo luce perfecto, pero poco a poco, Alice comienza a preguntarse qué hace su marido no encontrando respuesta alguna, a la vez que en la ciudad comienzan a generarse raros disturbios.

Al principio, el film, parecería plantear una renovación de las formas narrativas con pretensiones de indagación en el fracaso del famoso sueño americano, aquel que se centra en los ideales de prosperidad y éxito personal, generando una superación de las clases sociales, dando oportunidades a cada uno de los ciudadanos en función de su capacidad y su esfuerzo.

Lejos de ello, el film se vuelve reiterativo, y lo que parecían nuevas formas narrativas, se transforma lentamente en repeticiones inconducentes que no hacen más que complicar la narrativa, dejando de lado todo hecho revolucionario para afincarse en la comodidad de lo establecido, pero lo que es peor, olvidando el discurso y diluyendo toda posibilidad de crítica social y cambio.

Obviamente, más allá de su lujosa presentación, la película se va volviendo anodina, prácticamente aburrida, su discurso se diluye a medida que avanza el metraje, para terminar desconcertando al espectador. La idea de libertad que persiguen los protagonistas se esfuma  prontamente al encontrarse viviendo en una sociedad que los encierra y sofoca, lejos de la búsqueda de sus objetivos.

Estamos ante un film cuya  fotografía (Matthew Libatique) brilla por los cuatro costados de la pantalla, acompañada por un montaje perfecto pero que en su interior no se encuentra nada, es decir, una cascara carente de contenido. Al comienzo genera expectativas de un desarrollo  de cine de carácter social que se diluye rápidamente dentro de una cinematografía donde solo destaca lejos la calidad fotográfica como envoltorio de una serie de ideas que no conducen a nada, acompañada por un par de buenas actuaciones de parte de sus protagonistas principales.

La película queda en deuda con el espectador, toda vez que, como exponente del cine del Este americano, concretamente de Nueva York, las expectativas despertadas siempre fueron satisfechas en la gran pantalla. Ahora solo nos queda una gran decepción.

PASAJE AL PARAISO de Ol Parker

 

UNA COMEDIA PASATISTA

La idea de juntar a George Clooney con Julia Roberts parecía una idea genial, la resurrección de la comedia americana después de años de ostracismo. Pero Pasaje al Paraíso no satisface las expectativas generadas sino más bien genera un “opera y cumple” que solo mantiene la simpatía de sus protagonistas durante todo el metraje pero que no logra superar la medianía actual del cine americano post pandémico.

La base argumental, más que convencional, junta a un cincuentón buen mozo de unos 50 años con su ex esposa para asistir al casamiento de su hija en Bali, una de las islas del Archipiélago Malayo, frente a la costa de Australia, dado que la muchacha se ha enamorado de un joven de aquel lugar y ha decidido contraer matrimonio.

No obstante ello, el verdadero núcleo argumental no es el casamiento, sino el re encuentro de la pareja protagónica,  los padres de la novia, un par de divorciados que obviamente, como es esperable, continúan atrayéndose más allá de su estado civil.

El film intenta ser una comedia pasatista que trata de emular a las viejas películas del Hollywood de los años ´40, pero su convencionalidad es tan grande que pierde toda capacidad de mantener atrapado al espectador dado que el 95 por ciento del metraje está ocupado por la famosa pareja, en un juego verbal de directas e indirectas que vuelve al film totalmente previsible.

Clooney y Roberts destacan por su simpatía y ambos disfrutan de los roles que interpretan. El resto lo pone el hermoso paisaje de la isla. Pero el film, como comedia romántica que es, no termina de levantar nunca vuelo y salir de sus convencionalidades que la vuelven totalmente previsible e incluso insustancial, con un final que está cantado a los 10 minutos de su comienzo, sin tener ninguna capacidad de sorprender con algún tipo giro interesante  al espectador.

En síntesis, un film pasatista que solo nos deja el recuerdo de hermosos días de playa. 

martes, 13 de septiembre de 2022

EL BRINDIS de Laurent Tirard

 EL CINE EN PRIMERA PERSONA

Se trata un unipersonal cinematográfico, es decir, el relato del protagonista que a sus 40 años nos cuenta un día en su vida. Narrado desde un único punto de vista, el de su relator es la historia de un hombre joven que, durante un mismo día le suceden tres cosas que lo superan: Por la mañana, se entera que su novia quiere romper el noviazgo y comienza por no  contestarle  sus llamadas telefónicas. Al mediodía, es invitado a una cena familiar, idea que le resulta aburrida, y al atardecer, su futuro cuñado le pide que pronuncie un discurso el día de su boda. 

Adrián, el personaje que interpreta el actor Benjamin Lavernhe, es una persona  que se siente contrariado y perseguido. Necesita paz y sosiego. Además, tiende a la soledad. No le gusta el gentío ni ser el protagonista principal. El film lo muestra y lo describe como un buen tipo, bastante tímido, que se siente sobrepasado por todo lo que pretenden de él.

 La película describe ese momento complicado en su vida.  Todo girará en torno suyo. La comedia avanza al ritmo de un unipersonal que no solo logra pintar la personalidad de su protagonista sino también echar una mirada sumamente crítica que trata de entender el mundo moderno que le toca vivir, sobre todo, la atmosfera familiar que lo hace sentir encerrado y condicionado.

Basada en un “comic” del francés Fabrice Caro, logra mostrar  durante un corto periodo de tiempo al hombre de nuestra época, de unos 40 años, algo neurótico, dando lugar a la fantasía de un tema universal como “el ser uno mismo”, sin dejar de establecer relaciones con la familia, y poder encontrar su lugar en el mundo.

Para colmo de males, Sonia, su novia, acaba de abandonarlo cansada de su apatía. En consecuencia, Adrián entra en crisis, se siente abandonado y cuenta los días, las horas y los minutos que lleva sin ella. La relación entre ambos era normal, pero imprevistamente, hubo un roce, una discusión y ella lo abandonó condenándolo a la soledad. 

El Brindis es una comedia situacional de características teatrales, desarrollada a lo largo de un día en tres momentos diferentes de un día (mediodía, tarde y anochecer), en un mismo escenario, donde su protagonista nos contará su relación con el resto del mundo: sus aburridos familiares, su mala vinculación amorosa,  y su distante vida laboral, lo cual describe en detalle con mucho humor lleno de ironía. 

Con varios monólogos recitados directamente a cámara, conversaciones telefónicas y una voz en off, los flashbacks y las proyecciones psicológicas del personaje se intercalan de forma fluida para transmitir su caótico estado mental.  La película de Laurent Tirard, avanza al ritmo del flujo de conciencia de su protagonista, poniendo en escena la soledad del protagonista y sus dificultades para desarrollar relaciones tanto familiares como amorosas o laborales en estos tiempos de soledad, donde la carencia de tiempo nos llevan a andar a las corridas a costa de la vida familiar tanto como de  pareja, mostrándonos lo difícil que resulta encontrar nuestro lugar en el mundo.