EL JUSTICIERO de Antoine Fuqua

TERCERA PARTE

Holywood ha aprendido, desde la creación misma del cine, que a un éxito se le debe sacar el jugo. En este caso, la dupla ganadora es Denzel Washington / Antoine Fuquea, actor y  director respectivamente, quienes supieron ver el simple negocio de crear un justiciero de los tiempos actuales y sacar de ellos historias convencionales, casi siempre atrapantes.

A diferencia de las anteriores, esta es una de pura acción. No para nunca. Nuestro justiciero se ha trasladado a Italia, donde parece haberse afincado, encontrado un lugar en el mundo, y retirado deseando tener una vida tranquila. No obstante, observando a su alrededor percibe que la injusticia está presente, donde pequeñas mafias locales se aprovechan de la gente.

El hombre no aguanta mucho la injusticia, y en la primera de cambio, y de acuerdo con su carácter, se da cuenta que no tiene más remedio que meterse en el medio, es decir, hacer justicia por mano propia. La violencia callejera de en un pequeño pueblo italiano del sur de Italia lo activa, le impide descansar y disfrutar de sus merecidas vacaciones.

El americano solitario es un viejo lobo que, además, y como la justicia no existe, el hombre pasa directamente a la acción. Busca su pistola, la enfunda y se transforma en “el justiciero”. Es un hombre que sabe hacer justicia por mano propia. Inexorablemente, eso lo llevara a enfrentarse con la mafia local, entrando en una vorágine de trompadas y tiros que hacen valer su propia idea de justicia logrando la paz de sus vecinos.

Podemos decir que la sociedad está plagada de injusticias. También que la supuesta justicia no existe, o responde a otros intereses. Pero estas disquisiciones no tienen que ver con el film cuyo propósito es solo ser un buen entretenimiento, una de acción con un personaje carismático que llena la pantalla de trompadas y tiros, hasta que el barrio recupera la paz, y contentos y felices, todos pueden volver a descansar.

Denzel Washigton es un gran actor. Con este personaje ha encontrado “la horma de su zapato” para llenar sus horas libres y poder facturar cuando tiene tiempo de sobra. No obstante, no hay duda que contribuye con su presencia a crear un personaje, un justiciero que más que impulsado por la ley parece un ser sediento de venganza, que opera y cumple sin ningún tipo de culpa ni remordimiento.

La película, obviamente, entretiene, está bien actuada, el suspenso muy logrado y las escenas de acción perfectamente coreografiadas. El barrio italiano del sur de Italia donde transcurre la acción es un pequeño paraíso en el cual, sin duda, nuestro héroe merece descansar y pasar algunas dulces noches  de sueño.

MILAGRO de Bogdan Apetri

EL CLASISIMO DEL ESTE

El cine rumano (La Noche del Señor Lazarescu, 2005, Bucares, 2006, Cuatro Meses, Dos semanas, Tres días, 2007), ha generado obras de singular importancia. El director Bogdan Apetri  contribuye a ello con su segundo film, un nuevo policial de características ortodoxas que utiliza para construir una parábola de orden moral, muy bien lograda donde sobresale un cine construido de planos de cortísima duración que conforman una cadena narrativa muy coherente siguiendo la tradición del policial ortodoxo.

La película cuenta dos historias. En la primera mitad, la de Cristina, una novicia que escapa de un convento para hacerse un chequeo médico que hace suponer un embarazo. Ella es una mujer joven y ciertamente  vulnerable. En esta parte,  el director busca describir más al personaje que a sus acciones. En la segunda mitad, va hacia lo general. Un país que formó parte del detrás de la Cortina de Hierro, y ahora  se ha se ha europeizado y comienza a mostrar las mismas características del continente que lo contiene.

Apetri parece interesarse en la despersonalización originada en la europeización del continente, la pérdida de costumbres, de la fe en la religión, de la banalización y despersonalización del individuo.

El director utiliza muchos primeros planos,  con un trabajo minucioso de montaje, tratando de retratar la vida de su principal protagonista, filmando libremente. El personaje comienza a mostrarse y aparece Cristina, quien comienza a dejar intuir que ella esconde un secreto que la conmociona y condiciona.

La película está muy bien lograda. Abreva en el cine clásico del este de Europa, narrado con claridad de conceptos, luces y sombras que destacan las acciones, y dejando cobrar vida a un personaje casi monopólico, una mujer jovencita, atractiva muy bien interpretada por la actriz rumana Iona Bugarin, que consigue interesar al espectador con una historia narrada en forma convencional pero siempre interesante por su tema, utilizando la forma del film de suspenso para narrar un acto de su vida privada reñido con las buenas costumbres y los principios morales.

Por otro lado, los aspectos técnicos del film son irreprochables. La convincente actuación de la protagonista principal, y tanto la fotografía del Oleg Mutu como del acompañamiento musical son destacables y colaboran a crear un clima de suspenso que se mantiene a lo largo del film.

El film es una pequeña joya del cine de suspenso, totalmente lograda, que se sostiene en la mano firme de un director talentoso que utiliza el montaje en forma muy expresiva, narrando una historia que adquiere la forma del suspenso para narrar un hecho intimo que le cambiará la vida.

El CONFORMISTA de Bernardo Bertolucci

A LA SOMBRA DEL FASCISMO

El conformismo es un estado mental en el cual las la personas se comportan aceptando situaciones y condiciones de vida  por el hecho de creer que no les conviene intentar un cambio. Su característica es el hombre que espera.

Clerici, el protagonista de esta película interpretado por el francés Jean Luis Trintignang, es un hombre que arrastra un trauma desde su infancia. Es profesor de filosofía, y está por casarse. Vive en Paris a fines de los años ´30. Sus ideas son fascistas y está a punto de cometer un atentado.

La película, rodada en 1970 por el director italiano Bernardo Bertolucci, es un re estreno basado en la obra literaria de Alberto Moravia que pinta un hombre común que comete un asesinato para poder integrarse a una sociedad que está a punto de hacer estallar una guerra. También tiene que ver con un episodio traumático de la infancia del personaje, un asesinato a traición en un bosque durante su infancia, en un bosque, filmado con gran destreza por el realizador italiano. 

Ese hombre es Marcello Clerici que tempranamente se une al partido fascista con el propósito de ser uno más y para demostrar su pertenencia, decide asesinar a una persona. Nunca se sabrá por qué, pero cabe suponer que de esa manera se transforma en uno más, capaz de matar sin motivo por el solo hecho de pertenecer. Un signo cruel totalmente vacío. Para ello, años antes se había unido al partido fascista de Italia. El film es una cruel parábola sobre el hombre masa y una época de extravismo.

El film opera como una metáfora de la integración, lo cual hace prevalecer la pertenencia sobre la integridad del individuo. Debemos recordar que la acción transcurre en Paris en 1938, y que durante eso años se gesta la toma de Paris por las fuerzas alemanas, lo cual da origen a una matanza superior como es el comienzo de una guerra.

La película se transforma en una gran metáfora sobre el tiempo y la época. Las dos guerras mundiales sufridas entre 1915/17 y la segunda guerra mundial (1939/45), provocan una época de violentas interferencias que incluyen la gran depresión de los años ´30 en Estados Unidos, época donde pareciera que la criatura humana no haya sido respetada o careciera de valor.  Los crímenes de guerra se volvieron moneda corriente, el respeto por la persona se minimizó.

El personaje de Jean-Louis Trintignant  personaliza a un siniestro personaje capaz de pasar desapercibido y a su vez, tener la maldad de matar impunemente y sin remordimiento alguno, tan solo porque alguien le ha dado esa orden, transformado en una máquina que responde al designo de un momento o una época donde el valor de la persona humana fue menospreciado.

La película se basa en un hecho real, inspirado primero en la novela de Alberto Moravia que a su vez recrea  un momento acaecido durante la juventud del escritor, quien describe el accionar de un cobarde y acomodaticio, que se enrola tempranamente en el fascismo y mata por encargo a un intelectual marxista, transformando la obra en una gran denuncia contra los horrores del pensamiento diferente y la devastación cultural europea generada en el periodo entre las guerras, dando a la vida un valor insignificante.

La revisión del film a casi 53 años de su estreno en medio de una cartelera  bastante anémica de buenas películas, es un hecho de festejo toda vez que es presentado en una copia nueva en la cual resaltan las virtudes cinematográficas del gran maestro Vittorio Storaro, quien tuvo la responsabilidad de fotografiar el film. Además, en la película, también brillan las actuaciones de Dominique Sanda y Stefania Sandrelli, quienes más tarde se trasformaron en dos actrices significativas de aquel cine.

EXTRAÑA FORMA DE VIDA de Pedro Almodóvar

DOS POR UNO

Almodóvar no descansa. Siempre tiene algo interesante que decir, y además suele decirlo de diferentes maneras. Su nuevo film está constituido de dos partes. La primera, es un mediometraje de unos 30 minutos. Un western clásico lleno de pasiones, determinado por la homosexualidad. El segundo, una conferencia del director que comenta cómo y porqué realizó la película.

Su cine siempre logra atrapar y entretener. Pone de su lado al espectador más desprevenido. El cortometraje inicial relata la historia de dos bandoleros durante la época de la conquista del oeste americano que tienen en común ser una pareja de homosexuales.

El film, como es habitual en el director español, plantea una tragedia familiar, que lleva a la controversia sobre un género que siempre ha hecho gala del machismo, sobre todo, porque todas las historias que transitaron el western americano siempre imprimieron la idea de que el camino hacia el oeste había sido un esfuerzo de hombres y mujeres que  eran empujadas por una idea poblacional, ello es familia enteras, que cruzaban con caravanas hacia el oeste , pretendiendo llegar a una tierra inhóspita que les permitiría alcanzar sus metas individuales de manera colectiva. Es decir, construir pueblos donde cada uno de sus habitantes pudiera desarrollar su vida y alcanzar sus objetivos.

Bajo esta esta idea paragua, el director español decide narrar una pequeña historia 30 minutos, de aquella gran cruzada hacia el oeste a través de la historia de dos hombres, homosexuales, que se han amado durante años, pero se han separado siguiendo distintos rumbos.

La segunda parte es un poco más larga y desarrolla la idea del propio Almodóvar de comentar lo que ha querido expresar. Podríamos decir que se trata de un análisis riguroso de su propia obra donde el autor y director del film explica cómo lo hizo y porqué, lo cual, termina siendo una clase de análisis de una obra que va más allá de lo meramente cinematográfico, volviéndose clase magistral de cómo mirar cine.

Es muy posible que el público en general se haya sentido sorprendido  por el carácter de la película, pero todo aquel amante del cine, encuentra  no solo una obra interesante sino también un análisis magistral de lo que hizo, un auto análisis que lleva a comprender mejor sus intenciones como realizador.

Cada escena, cada movimiento de cámara, cada corte, la dirección de los actores, es analizada por el propio director de la película con un espíritu constructivo. La película no solo entretiene sino que se eleva a una altura tal  que la ubica entre sus obras más meritorias y personales.