PRISCILLA de Sofía Coppola

¿DÓNDE ESTÁS?

El éxito de “Elvis”, la película que el año pasado ha vuelto a recordar al gran cantante que marco toda una época con baladas muy inspiradas durante la posguerra, ha generado una secuela, esta vez focalizada en la vida de su esposa.

Priscilla tenía 14 años cuando conoció a Prestley. Se casó con él en 1967, el matrimonio tuvo solo una hija, y solo duró 5 años, al fin de los cuales, se  separan en 1972, pare divorciarse definitivamente 1973.

La película se concentra en la vida de la mujer del ídolo, en la gran  soledad que siente cuando él emprende sus giras artísticas y comienza a pasar largo tiempo fuera de su casa.

La diferencia de edad entre los componentes de la pareja y sobre todo la cantidad de ausencias  hogareñas son también generadas como consecuencia de su momento de fama e idolatría, provocando una distancia adicional que con el tiempo comienza a desgastar la relación tanto íntima como de pareja y termina en el divorcio de ellos.

El film se focaliza en aquellos momentos de soledad en los que Priscilla se siente lejos de su marido, lo cual desgasta el matrimonio, pero sobre todo genera una soledad que no soporta la idolatría de la pareja al vivir solitaria por los largos periodos de tiempo que insumen dichas giras.

Algo repetitiva, a medida que pasan los minutos, comienza también a desgastar la paciencia del espectador dado que nada es peor que el aburrimiento que soporta Priscilla, la cual pasa largas horas en la cama simplemente acostada mirando el techo o dándose vueltas en la cama.

Si bien la película funciona como un caso clínico sobre la incomunicación y la depresión de la mujer de un hombre exitoso, lo cierto es que para la mayoría del público, el film es rechazado dado que no entretiene demasiado, mostrando solo las consecuencias de la vida en soledad, donde no se encuentra un equilibrio entre vida artística y privada.

No obstante ello, hay por parte de Sofía Coppola, una intención positiva de reflejar la vida tal como una pesadilla en medio del éxito, una especie de infierno que lleva a sentir un mayor aislamiento

La actuación de Cailee Spaeny es sobresaliente toda vez que transmite su angustia y desesperación ante la tristeza que despierta el éxito de su novio. La película está basada en esa melancolía, por lo tanto, poco puede agregarse del resto del elenco. Asimismo es excelente la fotografía llena de claroscuros que subrayan el sufrimiento de la protagonista.

La película refleja indirectamente el costo de la vida exitosa de un ídolo. Está bien hecha, es interesante, algo repetitiva pero sobre todas las cosas es creíble, dibuja acertada y despiadadamente la otra cara del éxito, aquella que no se paga en dólares sino con la perdida de los sentimientos más íntimos 

EL REY DE LA COMEDIA de Mario Martone

HOMENAJE AL TEATRO ITALIANO

Esta película está emparentada con Extrañeza, vista unos meses atrás durante este mismo año, donde se narraban los primeros pasos teatrales de Luigi Pirandello en su vuelta a Sicilia. Aquí se homenajea los comienzos de un actor muy popular del teatro en Italia, llamado Eduardo Scarpetta.

Toni Servillo (La mano de Dios) interpreta a un personaje popular llamado Felice Sciosciammocca, para mostrarlo entre forzados aplausos y carcajadas como la figura más importante de la comedia napolitana de principios del siglo pasado.

Este actor, interpretado por Toni Servillo, se hizo famoso actuando, pero también fue una figura pública conocida y querida por el público. Fue un mujeriego empedernido, tuvo varias mujeres con las cuales convivió siendo padre de varios hijos, de los cuales siempre se hizo cargo.

En su repertorio predomina la comedia de costumbres y particularmente, la farsa. El comediante tuvo tres familias: la de su esposa Rosa y sus hijos, la que constituyó paralelamente con la hermana de su pareja y la de su sobrina, más tarde, embarazada.

El director realiza un fresco de época utilizando el color con una iluminación que parece en blanco y negro, resalta lo nocturna, dando vida a un bohemio total. El film resalta la dualidad de la vida de un artista donde los deberes paternales cuestan encontrar un equilibrio entre la vida familiar y la vida de un artista.

Felice no tiene trato preferencial por nadie, todos lo reconocen como un genio y están dispuestos a formar parte tanto de su vida cotidiana como de su profesión artística. Él Ignora la moral  tanto como sus problemas legales.

Martone, director también de Extrañeza (2022), subraya el ser italiano haciendo que sus actores destaquen la gestualidad. Aprovecha a la Justicia para tomar partido en la tensión entre el prestigio y la popularidad, llevando hacia delante una reflexión sobre la libertad de expresión y los derechos del autor.

El film resulta una biografía nada convencional  y los alegatos judiciales del final dejan sin posibilidad de discusión dado el carácter cinematográfico de la obra que impone al ámbito legal como escenario  de un alegato que no es más que otro simple monologo.

Esta obra, como Extrañeza, también vista a mediados de este año, constituyen una dupla de películas italianas valiosas que no deben ser ignoradas dado que constituyen dos propuestas interesantes tanto en lo temático como en lo formal, y dan lugar a que sigamos recuperando lo mejor del cine italiano, aquel cine que brilló bajo el lema de “neorrealismo”. Tanto ese como estas dos nuevas películas recientemente estrenadas, constituyen una tendencia muy positiva constituyendo un cine que no solo refleja una realidad sino también posiciones estéticas que bordean una singular mirada hacia la realidad..

 VENGANZA SILENCIOSA de John Woo

LA JUSTICIA PROPIA

La justicia es la satisfacción que se toma del agravio o daño recibidos. Los países organizados creen en ella. Es uno de los poderes del Estado, ello es el poder Judicial, el cual garantiza el derecho de igualdad de los habitantes de un país.

Pero existen otras miradas, no regidas por la ley sino por los sentimientos, que consideran que el agraviado pudo haber sido lastimado en lo más íntimo, en lo más querido, y en consecuencia, la legalidad no responde al sentimiento de justicia que recibe el ofendido.

Ello genera una necesidad de justicia particular, fuera de los órganos legales, que se materializa comúnmente por el denominado uso de la mano propia. A esa manera de justicia, se le llama venganza.

John Woo, el afamado director chino de súper acción, hongkonés para ser exactos, está de vuelta con este film simple y riguroso, moderno, entretenido, un trabajo de montaje armado en una moviola, es una película que adquiere ritmo hecha corte tras corte, avance por avance, que narra una simple venganza que encierra la necesidad de hacer justicia por mano propia.

Es que no toda ofensa puede ser perdonada. La víctima de una agresión a veces, no sobrevive a la misma. Sus consecuencias son absolutamente personales, singulares.

Para poder dar paz a su vida un hombre busca venganza. A ese  alguien le han quitado lo más querido, es decir un hijo de tres años, el cual ha sido alcanzado por una bala perdida en medio de una balacera entre patotas.

La película toda se concentra en esa noche de venganza, que después de haber velado a su hijo, el hombre sale desesperado a buscar en las calles desiertas aquellos delincuentes que le han quitado la vida. La desesperación de ese hombre no tiene límites. Su decisión es vengarse. Vaga por horas durante toda la noche en la búsqueda del asesino. Hasta que por fin da con ellos.

El film huele a una de las primeras obras de Bronson, tales como  El Vengador Nocturno, en versión actualizada. En manos del maestro  hongkonés, el film se transforma en un ejercicio de estilo de un cine muy moderno que hace brillar a un policial resuelto en una moviola, donde el montaje adquiere rápidamente velocidad determinando el ritmo de la película.

El género policial se ve agradecido dado que el film adquiere un ritmo frenético que retiene al espectador en su butaca, obvia el minimalismo de la propuesta, rescata el sentido de entretenimiento, la acción no para nunca y el espectador sale del cine satisfecho porque acaba de ver un film de un gran maestro, aunque intuya el resultado desde el principio.

NAPOLEON de Ridley Scott

VIDA Y OBRA

Se hace muy difícil llegar a una conclusión sobre la película de un experimentado director inglés que además ha elegido un tema histórico y conocido por todos para desarrollar una biografía en términos cinematográficos.

No obstante, puedo decir que salgo del cine satisfecho, Lo que he visto no solo me ha interesado, sobre  todo formalmente, dado que Scott se ciñe a la historia y relata sintética y respetuosamente cada una de las vicisitudes de la vida del corso francés, describiendo metódicamente su carrera militar, su tardío casamiento, el nacimiento de su hijo, su vejez y finalmente su muerte.

El film está construido desde el punto de vista biográfico que alberga toda la vida de un hombre común que ha nacido con un destino algo más interesante que cualquier otro simple ser. Desde sus primeros pasos en el ejército hasta su muerte, con el paso del tiempo se transforma en un prócer histórico cuyas concepciones de la vida darán lugar a cambios sociales y políticos. El film está construido al compás de hechos tales como la Revolución Francesa. Se muestra a Napoleón  ocupando diversos puestos revolucionarios y militares que generarán no solo cambios culturales, sino también sociales y políticos, con reformas liberales que perduran hasta hoy en día.

Scott abarca la vida entera del héroe a través de pequeñas y significativas escenas que ilustran la vida del corso francés. Este hombre pareció tenerlo todo. Tempranamente se inició en el Liceo Militar, escaló todas las posiciones,  adquirió relevancia política, se transformó en un líder militar, manejó la República Francesa, y no obstante esos logros, fracasó en su matrimonio con una mujer que lo engañaba.

Más allá de sus casi tres horas de duración, y el conocimiento previo de la hechos conocidos enseñados en las horas de historia de nuestras escuelas, la película no solo deja verse sino que interesa y engancha al espectador, dado que el enfoque de esa vida es de una presencia constante, que abraza los diversos matices de su larga vida. Es allí donde el director encuentra al Gran Corso con una imagen que siempre está narrando una peripecia de su existencia.

Director y actor, ambos consagrados, han encontrado una fórmula perfecta donde prepondera la síntesis, logrando narrar en tres horas de película toda la vida de un hombre clave en la historia del mundo, y a la vez, radiografiar la obra contundente de un figura histórica que ha sido clave, acompañado también por un director de fotografía que hace recordar algunos cuadros de Monet.

Tal como el pintor, la película no pretende  ser una narración sino repasar una serie de grandes momentos de la historia, tratando de encontrar y retratar la vida de Napoleón. Se trata de una buena e interesante película de un director inglés siempre efectivo que entre otras, ha realizado films hoy clásicos  como Alien (1979), y Blade Runner (1982), y ha sido ganador de un Oscar  con Gladiador (2000),). Si de algo no tenemos duda es que Ridley Scott es un gran narrador, y su capacidad de síntesis es formidable.

HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

SENSIBILIDAD  Y SENTIMIENTO

Es un film sobre el encuentro y la sensibilidad que provoca el amor. Es también un film único, muy fuera de época, que causa una sensación extraña que nos lleva hacia el prójimo, a compartir, a ayudar al otro, dejándonos satisfechos y contentos, provocándonos ser, esencialmente, mejores personas.

La película es el simple encuentro de dos “perdedores”, un hombre y una mujer, dos soledades que terminan uniéndose para encontrar el amor. La acción transcurre en Helsinski.  Ella se llama Ansa. Es soltera y vive en ese lugar. Trabaja por horas durante las noches en un supermercado donde abastece estanterías de mercaderías. Como su sueldo no alcanza, también separa basura recuperando plástico reciclable. El tema es toda una alusión sobre la posibilidad de reciclarse, es decir, de volver a tener una segunda oportunidad. El tema alude a la recuperación de una vida después de una profunda caída, de un desencanto.

La narración comienza una noche, cuando casualmente, una mujer se encuentra con un hombre. Su nombre es Holapa. Él es bueno y solitario, un trabajador que sufre un vicio. Es un alcohólico que bebe para olvidar penas.

Ansa y Holapa se conocerán y comenzaran a salir juntos. Con el tiempo construirán una pareja desbalanceada por el vicio que en manos de Kaurismaki se torna una epopeya existencialista sobre la vida de dos fracasados.

El director finlandés se inspira en el cine del americano Jim Jarrmusch, uno de los más cabales constructores de films independientes, un hombre joven alejado de los estudios de Hollywood que comienza a destacarse en 1984 con una película iniciática llamada “Extraños en el Paraíso”.  Esta obra contenia enormes influencias del neorrealismo italiano, pero sobre todo de aquellos directores japoneses, como Imamura, Ozu, y Mizoguchi.

Con un tono realista e intimista, el film desarrolla la historia de una pareja donde ella es un ser no dispuesto a claudicar que encuentra en él alguien que está dispuesto a  rehabilitarse. Kaurismaki es lo suficientemente inteligente para dejar abierta una puerta creíble que deje paso al menos a la ilusión de que su protagonista puede tener rescate.

Armada como un pequeño rompecabezas, cuadro tras cuadro, la obra adquiere continuidad y el director finlandés sale airoso creando escena por escena, y movimiento tras movimiento, utilizando inteligentemente primeros planos que exigen toda una actuación de sus dos actores principales, apoyado en excelentes diálogos.

La película atrapa no solo por la inmensa actuación de sus dos actores principales (Aisea Poysti y Jussi Vatanen), sino también por la estupenda puesta en escena que realiza su director, quien mantiene el equilibrio de la historia de sus personajes dejando ver el marco de  pesadilla que conllevan las adiciones.

Hay pocas películas en cartel, pero sin lugar a dudas esta obra es merecedora de ver por derecho propio. Se trata de una gran realización finlandesa realizada con un profundo trabajo de montaje que se emparenta en lo  conceptual con otra película similar vista un mes atrás dirigida por la directora turca Ayse Polat, ambas construidas de la misma manera, donde un montaje minimalista genera un efecto de encierro que, en  este caso, dispara no solo una historia de amor sino una estructura de cine moderno y a la vez austero, creando una atmosfera de intimidad.