PRISCILLA de Sofía Coppola

¿DÓNDE ESTÁS?

El éxito de “Elvis”, la película que el año pasado ha vuelto a recordar al gran cantante que marco toda una época con baladas muy inspiradas durante la posguerra, ha generado una secuela, esta vez focalizada en la vida de su esposa.

Priscilla tenía 14 años cuando conoció a Prestley. Se casó con él en 1967, el matrimonio tuvo solo una hija, y solo duró 5 años, al fin de los cuales, se  separan en 1972, pare divorciarse definitivamente 1973.

La película se concentra en la vida de la mujer del ídolo, en la gran  soledad que siente cuando él emprende sus giras artísticas y comienza a pasar largo tiempo fuera de su casa.

La diferencia de edad entre los componentes de la pareja y sobre todo la cantidad de ausencias  hogareñas son también generadas como consecuencia de su momento de fama e idolatría, provocando una distancia adicional que con el tiempo comienza a desgastar la relación tanto íntima como de pareja y termina en el divorcio de ellos.

El film se focaliza en aquellos momentos de soledad en los que Priscilla se siente lejos de su marido, lo cual desgasta el matrimonio, pero sobre todo genera una soledad que no soporta la idolatría de la pareja al vivir solitaria por los largos periodos de tiempo que insumen dichas giras.

Algo repetitiva, a medida que pasan los minutos, comienza también a desgastar la paciencia del espectador dado que nada es peor que el aburrimiento que soporta Priscilla, la cual pasa largas horas en la cama simplemente acostada mirando el techo o dándose vueltas en la cama.

Si bien la película funciona como un caso clínico sobre la incomunicación y la depresión de la mujer de un hombre exitoso, lo cierto es que para la mayoría del público, el film es rechazado dado que no entretiene demasiado, mostrando solo las consecuencias de la vida en soledad, donde no se encuentra un equilibrio entre vida artística y privada.

No obstante ello, hay por parte de Sofía Coppola, una intención positiva de reflejar la vida tal como una pesadilla en medio del éxito, una especie de infierno que lleva a sentir un mayor aislamiento

La actuación de Cailee Spaeny es sobresaliente toda vez que transmite su angustia y desesperación ante la tristeza que despierta el éxito de su novio. La película está basada en esa melancolía, por lo tanto, poco puede agregarse del resto del elenco. Asimismo es excelente la fotografía llena de claroscuros que subrayan el sufrimiento de la protagonista.

La película refleja indirectamente el costo de la vida exitosa de un ídolo. Está bien hecha, es interesante, algo repetitiva pero sobre todas las cosas es creíble, dibuja acertada y despiadadamente la otra cara del éxito, aquella que no se paga en dólares sino con la perdida de los sentimientos más íntimos 

EL REY DE LA COMEDIA de Mario Martone

HOMENAJE AL TEATRO ITALIANO

Esta película está emparentada con Extrañeza, vista unos meses atrás durante este mismo año, donde se narraban los primeros pasos teatrales de Luigi Pirandello en su vuelta a Sicilia. Aquí se homenajea los comienzos de un actor muy popular del teatro en Italia, llamado Eduardo Scarpetta.

Toni Servillo (La mano de Dios) interpreta a un personaje popular llamado Felice Sciosciammocca, para mostrarlo entre forzados aplausos y carcajadas como la figura más importante de la comedia napolitana de principios del siglo pasado.

Este actor, interpretado por Toni Servillo, se hizo famoso actuando, pero también fue una figura pública conocida y querida por el público. Fue un mujeriego empedernido, tuvo varias mujeres con las cuales convivió siendo padre de varios hijos, de los cuales siempre se hizo cargo.

En su repertorio predomina la comedia de costumbres y particularmente, la farsa. El comediante tuvo tres familias: la de su esposa Rosa y sus hijos, la que constituyó paralelamente con la hermana de su pareja y la de su sobrina, más tarde, embarazada.

El director realiza un fresco de época utilizando el color con una iluminación que parece en blanco y negro, resalta lo nocturna, dando vida a un bohemio total. El film resalta la dualidad de la vida de un artista donde los deberes paternales cuestan encontrar un equilibrio entre la vida familiar y la vida de un artista.

Felice no tiene trato preferencial por nadie, todos lo reconocen como un genio y están dispuestos a formar parte tanto de su vida cotidiana como de su profesión artística. Él Ignora la moral  tanto como sus problemas legales.

Martone, director también de Extrañeza (2022), subraya el ser italiano haciendo que sus actores destaquen la gestualidad. Aprovecha a la Justicia para tomar partido en la tensión entre el prestigio y la popularidad, llevando hacia delante una reflexión sobre la libertad de expresión y los derechos del autor.

El film resulta una biografía nada convencional  y los alegatos judiciales del final dejan sin posibilidad de discusión dado el carácter cinematográfico de la obra que impone al ámbito legal como escenario  de un alegato que no es más que otro simple monologo.

Esta obra, como Extrañeza, también vista a mediados de este año, constituyen una dupla de películas italianas valiosas que no deben ser ignoradas dado que constituyen dos propuestas interesantes tanto en lo temático como en lo formal, y dan lugar a que sigamos recuperando lo mejor del cine italiano, aquel cine que brilló bajo el lema de “neorrealismo”. Tanto ese como estas dos nuevas películas recientemente estrenadas, constituyen una tendencia muy positiva constituyendo un cine que no solo refleja una realidad sino también posiciones estéticas que bordean una singular mirada hacia la realidad..

 VENGANZA SILENCIOSA de John Woo

LA JUSTICIA PROPIA

La justicia es la satisfacción que se toma del agravio o daño recibidos. Los países organizados creen en ella. Es uno de los poderes del Estado, ello es el poder Judicial, el cual garantiza el derecho de igualdad de los habitantes de un país.

Pero existen otras miradas, no regidas por la ley sino por los sentimientos, que consideran que el agraviado pudo haber sido lastimado en lo más íntimo, en lo más querido, y en consecuencia, la legalidad no responde al sentimiento de justicia que recibe el ofendido.

Ello genera una necesidad de justicia particular, fuera de los órganos legales, que se materializa comúnmente por el denominado uso de la mano propia. A esa manera de justicia, se le llama venganza.

John Woo, el afamado director chino de súper acción, hongkonés para ser exactos, está de vuelta con este film simple y riguroso, moderno, entretenido, un trabajo de montaje armado en una moviola, es una película que adquiere ritmo hecha corte tras corte, avance por avance, que narra una simple venganza que encierra la necesidad de hacer justicia por mano propia.

Es que no toda ofensa puede ser perdonada. La víctima de una agresión a veces, no sobrevive a la misma. Sus consecuencias son absolutamente personales, singulares.

Para poder dar paz a su vida un hombre busca venganza. A ese  alguien le han quitado lo más querido, es decir un hijo de tres años, el cual ha sido alcanzado por una bala perdida en medio de una balacera entre patotas.

La película toda se concentra en esa noche de venganza, que después de haber velado a su hijo, el hombre sale desesperado a buscar en las calles desiertas aquellos delincuentes que le han quitado la vida. La desesperación de ese hombre no tiene límites. Su decisión es vengarse. Vaga por horas durante toda la noche en la búsqueda del asesino. Hasta que por fin da con ellos.

El film huele a una de las primeras obras de Bronson, tales como  El Vengador Nocturno, en versión actualizada. En manos del maestro  hongkonés, el film se transforma en un ejercicio de estilo de un cine muy moderno que hace brillar a un policial resuelto en una moviola, donde el montaje adquiere rápidamente velocidad determinando el ritmo de la película.

El género policial se ve agradecido dado que el film adquiere un ritmo frenético que retiene al espectador en su butaca, obvia el minimalismo de la propuesta, rescata el sentido de entretenimiento, la acción no para nunca y el espectador sale del cine satisfecho porque acaba de ver un film de un gran maestro, aunque intuya el resultado desde el principio.

NAPOLEON de Ridley Scott

VIDA Y OBRA

Se hace muy difícil llegar a una conclusión sobre la película de un experimentado director inglés que además ha elegido un tema histórico y conocido por todos para desarrollar una biografía en términos cinematográficos.

No obstante, puedo decir que salgo del cine satisfecho, Lo que he visto no solo me ha interesado, sobre  todo formalmente, dado que Scott se ciñe a la historia y relata sintética y respetuosamente cada una de las vicisitudes de la vida del corso francés, describiendo metódicamente su carrera militar, su tardío casamiento, el nacimiento de su hijo, su vejez y finalmente su muerte.

El film está construido desde el punto de vista biográfico que alberga toda la vida de un hombre común que ha nacido con un destino algo más interesante que cualquier otro simple ser. Desde sus primeros pasos en el ejército hasta su muerte, con el paso del tiempo se transforma en un prócer histórico cuyas concepciones de la vida darán lugar a cambios sociales y políticos. El film está construido al compás de hechos tales como la Revolución Francesa. Se muestra a Napoleón  ocupando diversos puestos revolucionarios y militares que generarán no solo cambios culturales, sino también sociales y políticos, con reformas liberales que perduran hasta hoy en día.

Scott abarca la vida entera del héroe a través de pequeñas y significativas escenas que ilustran la vida del corso francés. Este hombre pareció tenerlo todo. Tempranamente se inició en el Liceo Militar, escaló todas las posiciones,  adquirió relevancia política, se transformó en un líder militar, manejó la República Francesa, y no obstante esos logros, fracasó en su matrimonio con una mujer que lo engañaba.

Más allá de sus casi tres horas de duración, y el conocimiento previo de la hechos conocidos enseñados en las horas de historia de nuestras escuelas, la película no solo deja verse sino que interesa y engancha al espectador, dado que el enfoque de esa vida es de una presencia constante, que abraza los diversos matices de su larga vida. Es allí donde el director encuentra al Gran Corso con una imagen que siempre está narrando una peripecia de su existencia.

Director y actor, ambos consagrados, han encontrado una fórmula perfecta donde prepondera la síntesis, logrando narrar en tres horas de película toda la vida de un hombre clave en la historia del mundo, y a la vez, radiografiar la obra contundente de un figura histórica que ha sido clave, acompañado también por un director de fotografía que hace recordar algunos cuadros de Monet.

Tal como el pintor, la película no pretende  ser una narración sino repasar una serie de grandes momentos de la historia, tratando de encontrar y retratar la vida de Napoleón. Se trata de una buena e interesante película de un director inglés siempre efectivo que entre otras, ha realizado films hoy clásicos  como Alien (1979), y Blade Runner (1982), y ha sido ganador de un Oscar  con Gladiador (2000),). Si de algo no tenemos duda es que Ridley Scott es un gran narrador, y su capacidad de síntesis es formidable.

HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

SENSIBILIDAD  Y SENTIMIENTO

Es un film sobre el encuentro y la sensibilidad que provoca el amor. Es también un film único, muy fuera de época, que causa una sensación extraña que nos lleva hacia el prójimo, a compartir, a ayudar al otro, dejándonos satisfechos y contentos, provocándonos ser, esencialmente, mejores personas.

La película es el simple encuentro de dos “perdedores”, un hombre y una mujer, dos soledades que terminan uniéndose para encontrar el amor. La acción transcurre en Helsinski.  Ella se llama Ansa. Es soltera y vive en ese lugar. Trabaja por horas durante las noches en un supermercado donde abastece estanterías de mercaderías. Como su sueldo no alcanza, también separa basura recuperando plástico reciclable. El tema es toda una alusión sobre la posibilidad de reciclarse, es decir, de volver a tener una segunda oportunidad. El tema alude a la recuperación de una vida después de una profunda caída, de un desencanto.

La narración comienza una noche, cuando casualmente, una mujer se encuentra con un hombre. Su nombre es Holapa. Él es bueno y solitario, un trabajador que sufre un vicio. Es un alcohólico que bebe para olvidar penas.

Ansa y Holapa se conocerán y comenzaran a salir juntos. Con el tiempo construirán una pareja desbalanceada por el vicio que en manos de Kaurismaki se torna una epopeya existencialista sobre la vida de dos fracasados.

El director finlandés se inspira en el cine del americano Jim Jarrmusch, uno de los más cabales constructores de films independientes, un hombre joven alejado de los estudios de Hollywood que comienza a destacarse en 1984 con una película iniciática llamada “Extraños en el Paraíso”.  Esta obra contenia enormes influencias del neorrealismo italiano, pero sobre todo de aquellos directores japoneses, como Imamura, Ozu, y Mizoguchi.

Con un tono realista e intimista, el film desarrolla la historia de una pareja donde ella es un ser no dispuesto a claudicar que encuentra en él alguien que está dispuesto a  rehabilitarse. Kaurismaki es lo suficientemente inteligente para dejar abierta una puerta creíble que deje paso al menos a la ilusión de que su protagonista puede tener rescate.

Armada como un pequeño rompecabezas, cuadro tras cuadro, la obra adquiere continuidad y el director finlandés sale airoso creando escena por escena, y movimiento tras movimiento, utilizando inteligentemente primeros planos que exigen toda una actuación de sus dos actores principales, apoyado en excelentes diálogos.

La película atrapa no solo por la inmensa actuación de sus dos actores principales (Aisea Poysti y Jussi Vatanen), sino también por la estupenda puesta en escena que realiza su director, quien mantiene el equilibrio de la historia de sus personajes dejando ver el marco de  pesadilla que conllevan las adiciones.

Hay pocas películas en cartel, pero sin lugar a dudas esta obra es merecedora de ver por derecho propio. Se trata de una gran realización finlandesa realizada con un profundo trabajo de montaje que se emparenta en lo  conceptual con otra película similar vista un mes atrás dirigida por la directora turca Ayse Polat, ambas construidas de la misma manera, donde un montaje minimalista genera un efecto de encierro que, en  este caso, dispara no solo una historia de amor sino una estructura de cine moderno y a la vez austero, creando una atmosfera de intimidad.

LO QUE NO VEMOS de Ayse Polat

SIN SALIDA

El film transcurre durante la cuestión turca en el Kurdistán, región del Asia Menor, que históricamente ha sido poblada por el pueblo kurdo. Actualmente, su territorio se encuentra repartido en cuatro estados: Turquía, Irak, Irán y Siria, y un pequeño enclave en Armenia.

Se trata de un film de carácter político que se concentra en una cuestión familiar, centralizando su accionar  en un punto de apoyo es una situación de encierro, paradójicamente dentro de una casa de una familia en medio del campo, acercándose al tradicional cine de terror, pero mucho más estilizado, dado que pone más énfasis en el suspenso que en el género..

El desarrollo de la trama comienza con un grupo de cineastas que están o una filmando un documental sobre aspectos de aquella zona, pero rápidamente, el film se transforma en una obra de carácter intimista donde la situación política y sobretodo la situación de miedo que genera, por la incertidumbre sobre lo que puede pasar, dominada tanto por la situación familiar como por  la incertidumbre tanto en lo político como en lo social.

Melek, una niña turca de 7 años, es hija de Zafer, un hombre joven que milita en una agrupación de carácter terrorista que lo coloca en una difícil encrucijada. El hombre se verá obligado a optar entre su pertenencia a la organización política  o su familia.

Consecuencia de ello, el film se transforma en una especie de obra de terror sofisticada, con una puesta moderna, donde prevalece el encierro, el de toda una familia en una situación límite, que necesita salvar sus vidas.

Dicho encierro lleva al film a un desarrollo de tipo intimista que el director maneja magistralmente desde la sala de montaje, cortando pieza por pieza, armando un rompecabezas que da profundidad a una obra gobernada por el miedo y la represalia ante la inseguridad que presenta la situación. El miedo lleva al encierro, y el encierro conduce a la alucinación y el terror.

Filmado en un set cerrado y oscuro de pequeña dimensión, cosa que dispara lo claustrofóbico, el film se transforma de una épica patriótica a otro género muy distinto, el de terror. La familia queda sola y aislada de sus vecinos, y solo ellos sabrán cómo salir de la situación.

El film resulta una de las mayores sorpresas de la temporada cinematográfica, generando, si bien un cine de género, por otro lado con una temática muy actual e interesante, pero sobre todo, con una puesta en escena que destaca especialmente por el equilibrio logrado en la sala de montaje, lo cual transforma a la película en una pequeña obra maestra de terror, aunque el terror no este en el acoso personal sino en la situación político y social a la que alude pero nunca muestra.

HIPNOSIS, ARMA INVISIBLE de Robert Rodríguez

UN BOND ARRODRIGUEZADO

Ben Affleck, en una actuación muy sólida que carga con todo el peso de la película, interpreta a un policía que es atacado mediante el secuestro de una de sus hijas. La trama, de por si complicada, se va desvaneciendo a medida que avanza. Con el propósito de recuperar la niña, el policía se sumerge en un mundo de conspiraciones mientras la película cae inexorablemente hacia la nada.

 A partir de lo narrado, aparecen otros temas: la realidad virtual, la tecnología, la lucha del poder, la capacidad de controlar al individuo, la existencia de mundos paralelos, lo cual conduce al film hacia un divague que termina por despistar al espectador.  

No hay duda que Rodríguez es un gran admirador del maestro Alfred Hithcock. Por otra parte, como autor, no se priva de nada y se da todos los gustos. En este caso, asume diferentes roles: dirige, produce, escribe, fotografía y edita su film. No obstante, queda en deuda con el público. Necesita ordenar el material que maneja.

Inspirado por el maestro del suspenso, el director desarrolla un thriller de características imprevisibles. Danny Rourke, protagonizado por Ben Affleck, es un detective que ha perdido el equilibrio emocional, afectado por la desaparición de su hija. Trata de superar el mal momento mientras investiga una serie de robos bancarios encontrando una pista que podría conectar ambos casos.

El film resulta una mezcla de drama con ciencia ficción que sumerge a su protagonista en una investigación que resulta un laberinto tornando al film confuso y de difícil seguimiento. No obstante, la cosa se complica más cuando nuestro héroe acude a una psíquica.

Allí la película pega un giro y el protagonista principal comienza a ser perseguido por un policía, el cual podría poseer la clave para encontrar a la niña. Consecuencia de ello, se sumerge en su subconsciente terminando en un estado de alteración, donde el cielo y el piso se espejan, dando al protagonista la posibilidad de cambiar la realidad, borrar los malos recuerdos y alterar la historia.  

Se trata de una fantasía que intenta ser real. En consecuencia, termina abrumando y perdiendo el interés que a priori despertaba. Y su mayor desequilibrio queda en la necesidad de explicar una historia sencilla  complicada innecesariamente.

A esta altura del relato, el film ya se ha disparado como una luz de bengala. De todas maneras, entretiene, está bien actuado y fotografiado, pero su transcurrir resulta confuso, sin ninguna necesidad de serlo. Es decir, tiene fallas narrativas que podrían haber sido subsanadas simplemente explicando mejor la presentación de los personajes principales. 

No obstante, entretiene, y si quedan dudas sobre su final, el personaje de la “hipnótica”, se encarga de explicitarle a Danny y a los espectadores, lo necesario para que nadie quede con dudas al respecto.

PUAN de Mará Alché y Benjamín Naishtat

 NUESTRA FORMA DE SER

Todo el film gira en torno a dos personajes que intentan ser una síntesis del argentino promedio. Esa duplicidad lleva a pintar la comarca a través de ellos.  El principal protagonista es Marcelo. Su contraparte es Rafael.

Marcelo, interpretado por Marcelo Subiotto, es un profesor de filosofía. Bordea los 40 años, y comienza a mostrar la decepción de un hombre carente de expectativas. Está felizmente casado, tiene dos hijos, y desarrolla una vida abúlica en la Facultad de Filosofía de la UBA, donde enseña esa materia, cuando queda vacante la catedra por fallecimiento del titular.

Su contraparte es Rafael Sujarchuck (Leonardo Sbaraglia), el típico acomodaticio que siempre está de vuelta, y lo sabe todo. Es amigo de Marcelo, han sido compañeros de facultad durante su juventud, y mantienen una amistad de casi toda la vida. Repentinamente, muere el titular de la catedra, y ambos amigos aspiraran la sustitución del cargo.

El film es una pintura muy acertada de dos argentinos típicos. Una pareja despareja, como tantas otras que ha  surcado la historia del cine, que termina siendo representativa de una divisoria del ser nacional. Sutilmente, desarrolla la idea de que la hermandad nacional está condicionada a los intereses particulares, y que “el vivo vive del sonso, y el sonso de su trabajo”.

Marcelo y Rafael son amigos pero son diferentes. Uno es entrador, canchero, extrovertido. El otro es apocado, ensimismado, dudoso. La película muestra esa dualidad desarrollando la idea que el más hábil y desenvuelto deja atrás al apocado, al ensimismado, dejando una idea de que la argentinidad premia al más hábil sobre el más preparado.

Ambos personajes son graduados en filosofía, pero son dos personalidades diametralmente opuestas. Marcelo es un padre de familia, felizmente casado, con dos hijos adolescentes. Un ser introvertido, que vive para su familia y el  trabajo. Su contraparte, Rafael, permanece soltero, es una especie de buscavidas, siempre rodeado de gente joven donde destaca sus habilidades de sociabilidad. Tiene espíritu de liderazgo.

El film describe ambos personajes logrando profundidad y sutileza, dejando que el espectador  saque sus propias conclusiones sobre dos formas de ser opuestas que conforman en gran parte el ser nacional, dando la posibilidad de explicar ciertas dicotomías que hacen que el más preparado y responsable quede atrás respecto del versero y charlatán. Una característica muy argentina, y sobretodo, porteña. El clásico nacido y criado en Buenos Aires.

En síntesis, el film resulta en una gran película sobre la argentinidad, interesante, siempre amena y divertida que pinta en forma muy concreta, real, a dos personajes contrapuestos cuyos aspectos de comportamiento conforman lo que podríamos llamar “el ser nacional”, narrado con un adecuado ritmo cinematográfico y dos grandes actuaciones que nos llevan a pasar un momento de cine muy bien logrado y agradable.

LOS ASESINOS DE LA LUNA de Martin Scorsese

 

LO QUE EL OESTE SE LLEVÓ

En 1969, mientras se desarrollaba el Festival de  Cine de Mar del Plata, tuve por primera vez la oportunidad de ver una película que me hizo pensar que algo diferente estaba ocurriendo en el cine, fuera de los modelos clásicos. Ese cambio ocurrió, fue capaz de modificar al cine que conocíamos hasta ese momento, y transformarlo en algo diferente, en otro modelo, menos apegado a las narrativas convencionales orientado por el puro gusto de remover, investigar y re orientar la forma de contar.

La película era Easy Ryder, una “road movie”, rebautizada en Argentina como “Busco Mi Destino”, un film realizado por un joven y desconocido guionista y director llamado Dennis Hooper, acompañado por un actor que se volvería estrella: Jack Nickolson. Una nueva camada de jóvenes directores que surgió después terminó por hacer el cambio, y Hollywood no solo rejuveneció el séptimo arte, sino tal vez, lo hizo renacer.

Unos años más tarde, entre esa camada de jóvenes directores, aparecería la figura de un nuevo director que abrevaba en aquella cultura. Esa persona era Martin Scorsese, un director nacido y criado en la ciudad de Nueva York, considerada por antonomasia como una meca de la televisión, pero sobretodo, vive intensamente el arte. Este trio, de jóvenes cambiará definitivamente la forma de hacer cine, y este último nombre no solo se volvería famoso, sino también un autor de culto.

El director neoyorquino lidera un cine de autor totalmente alejado de los grandes estudios pero siempre bien relacionado con Hollywood. Es la anti estrella, y es capaz de hacer un cine único y personal, violento y preciso, cálido y frio a la vez, generando una obra que con el tiempo resulta una crónica del devenir del siglo XX.  

En Los Asesinos de la Luna, se toma tres horas y media para contar un momento de la vida de un hombre  donde la historia de la conquista del oeste americano se cruza con la vida del sobrino de un rico hacendado de Arkansas. El pasado y el presente. Antes fue la búsqueda del oro negro: el carbón. Años más tarde será la hora del oro. Tío querrá convencer a sobrino. Intentará convencerlo e interesarlo en la toma de tierras Mapuches que están pobladas y explotadas agropecuariamente por las comunidades indígenas, y pero sobretodo, sobre un colchón de oro negro: Petróleo.

El nuevo tiempo no piensa en la explotación agropecuaria, en el cultivo de la tierra, sino en lo que vendrá: el latifundio a expensas del aniquilamiento de las tribus aborígenes históricamente asentados en el lugar, y  en pos de apropiarse de tierras que más tarde, resultarían en riquísimos pozos petroleros.

La inteligencia de un guion perfecto nos lleva a la reflexión de una época, a una cruzada mercenaria carente de toda humanidad en pos del enriquecimiento a cualquier precio, donde no importan los límites morales ni sus consecuencias. La capacidad de Scorsese, su infinita inteligencia cinematográfica, nos lleva a pensar y reflexionar sobre nuestro pasado y las consecuencias del presente, transformando al film  en una propuesta inagotable a través de un guion muy bien escrito, materializado en una  puesta en escena precisa, de características cinematográficas, donde el montaje juega un rol primordial.

Los Asesinos de la Luna es todo un ejemplo de una realización eminentemente cinematográfica, aquella que se manifiesta más por sus imágenes que por sus diálogos, con una labor prodigiosa de montaje cuya precisión nos hace pensar que la magia del cine vuelve a brillar.

EL JUSTICIERO de Antoine Fuqua

TERCERA PARTE

Holywood ha aprendido, desde la creación misma del cine, que a un éxito se le debe sacar el jugo. En este caso, la dupla ganadora es Denzel Washington / Antoine Fuquea, actor y  director respectivamente, quienes supieron ver el simple negocio de crear un justiciero de los tiempos actuales y sacar de ellos historias convencionales, casi siempre atrapantes.

A diferencia de las anteriores, esta es una de pura acción. No para nunca. Nuestro justiciero se ha trasladado a Italia, donde parece haberse afincado, encontrado un lugar en el mundo, y retirado deseando tener una vida tranquila. No obstante, observando a su alrededor percibe que la injusticia está presente, donde pequeñas mafias locales se aprovechan de la gente.

El hombre no aguanta mucho la injusticia, y en la primera de cambio, y de acuerdo con su carácter, se da cuenta que no tiene más remedio que meterse en el medio, es decir, hacer justicia por mano propia. La violencia callejera de en un pequeño pueblo italiano del sur de Italia lo activa, le impide descansar y disfrutar de sus merecidas vacaciones.

El americano solitario es un viejo lobo que, además, y como la justicia no existe, el hombre pasa directamente a la acción. Busca su pistola, la enfunda y se transforma en “el justiciero”. Es un hombre que sabe hacer justicia por mano propia. Inexorablemente, eso lo llevara a enfrentarse con la mafia local, entrando en una vorágine de trompadas y tiros que hacen valer su propia idea de justicia logrando la paz de sus vecinos.

Podemos decir que la sociedad está plagada de injusticias. También que la supuesta justicia no existe, o responde a otros intereses. Pero estas disquisiciones no tienen que ver con el film cuyo propósito es solo ser un buen entretenimiento, una de acción con un personaje carismático que llena la pantalla de trompadas y tiros, hasta que el barrio recupera la paz, y contentos y felices, todos pueden volver a descansar.

Denzel Washigton es un gran actor. Con este personaje ha encontrado “la horma de su zapato” para llenar sus horas libres y poder facturar cuando tiene tiempo de sobra. No obstante, no hay duda que contribuye con su presencia a crear un personaje, un justiciero que más que impulsado por la ley parece un ser sediento de venganza, que opera y cumple sin ningún tipo de culpa ni remordimiento.

La película, obviamente, entretiene, está bien actuada, el suspenso muy logrado y las escenas de acción perfectamente coreografiadas. El barrio italiano del sur de Italia donde transcurre la acción es un pequeño paraíso en el cual, sin duda, nuestro héroe merece descansar y pasar algunas dulces noches  de sueño.

MILAGRO de Bogdan Apetri

EL CLASISIMO DEL ESTE

El cine rumano (La Noche del Señor Lazarescu, 2005, Bucares, 2006, Cuatro Meses, Dos semanas, Tres días, 2007), ha generado obras de singular importancia. El director Bogdan Apetri  contribuye a ello con su segundo film, un nuevo policial de características ortodoxas que utiliza para construir una parábola de orden moral, muy bien lograda donde sobresale un cine construido de planos de cortísima duración que conforman una cadena narrativa muy coherente siguiendo la tradición del policial ortodoxo.

La película cuenta dos historias. En la primera mitad, la de Cristina, una novicia que escapa de un convento para hacerse un chequeo médico que hace suponer un embarazo. Ella es una mujer joven y ciertamente  vulnerable. En esta parte,  el director busca describir más al personaje que a sus acciones. En la segunda mitad, va hacia lo general. Un país que formó parte del detrás de la Cortina de Hierro, y ahora  se ha se ha europeizado y comienza a mostrar las mismas características del continente que lo contiene.

Apetri parece interesarse en la despersonalización originada en la europeización del continente, la pérdida de costumbres, de la fe en la religión, de la banalización y despersonalización del individuo.

El director utiliza muchos primeros planos,  con un trabajo minucioso de montaje, tratando de retratar la vida de su principal protagonista, filmando libremente. El personaje comienza a mostrarse y aparece Cristina, quien comienza a dejar intuir que ella esconde un secreto que la conmociona y condiciona.

La película está muy bien lograda. Abreva en el cine clásico del este de Europa, narrado con claridad de conceptos, luces y sombras que destacan las acciones, y dejando cobrar vida a un personaje casi monopólico, una mujer jovencita, atractiva muy bien interpretada por la actriz rumana Iona Bugarin, que consigue interesar al espectador con una historia narrada en forma convencional pero siempre interesante por su tema, utilizando la forma del film de suspenso para narrar un acto de su vida privada reñido con las buenas costumbres y los principios morales.

Por otro lado, los aspectos técnicos del film son irreprochables. La convincente actuación de la protagonista principal, y tanto la fotografía del Oleg Mutu como del acompañamiento musical son destacables y colaboran a crear un clima de suspenso que se mantiene a lo largo del film.

El film es una pequeña joya del cine de suspenso, totalmente lograda, que se sostiene en la mano firme de un director talentoso que utiliza el montaje en forma muy expresiva, narrando una historia que adquiere la forma del suspenso para narrar un hecho intimo que le cambiará la vida.

El CONFORMISTA de Bernardo Bertolucci

A LA SOMBRA DEL FASCISMO

El conformismo es un estado mental en el cual las la personas se comportan aceptando situaciones y condiciones de vida  por el hecho de creer que no les conviene intentar un cambio. Su característica es el hombre que espera.

Clerici, el protagonista de esta película interpretado por el francés Jean Luis Trintignang, es un hombre que arrastra un trauma desde su infancia. Es profesor de filosofía, y está por casarse. Vive en Paris a fines de los años ´30. Sus ideas son fascistas y está a punto de cometer un atentado.

La película, rodada en 1970 por el director italiano Bernardo Bertolucci, es un re estreno basado en la obra literaria de Alberto Moravia que pinta un hombre común que comete un asesinato para poder integrarse a una sociedad que está a punto de hacer estallar una guerra. También tiene que ver con un episodio traumático de la infancia del personaje, un asesinato a traición en un bosque durante su infancia, en un bosque, filmado con gran destreza por el realizador italiano. 

Ese hombre es Marcello Clerici que tempranamente se une al partido fascista con el propósito de ser uno más y para demostrar su pertenencia, decide asesinar a una persona. Nunca se sabrá por qué, pero cabe suponer que de esa manera se transforma en uno más, capaz de matar sin motivo por el solo hecho de pertenecer. Un signo cruel totalmente vacío. Para ello, años antes se había unido al partido fascista de Italia. El film es una cruel parábola sobre el hombre masa y una época de extravismo.

El film opera como una metáfora de la integración, lo cual hace prevalecer la pertenencia sobre la integridad del individuo. Debemos recordar que la acción transcurre en Paris en 1938, y que durante eso años se gesta la toma de Paris por las fuerzas alemanas, lo cual da origen a una matanza superior como es el comienzo de una guerra.

La película se transforma en una gran metáfora sobre el tiempo y la época. Las dos guerras mundiales sufridas entre 1915/17 y la segunda guerra mundial (1939/45), provocan una época de violentas interferencias que incluyen la gran depresión de los años ´30 en Estados Unidos, época donde pareciera que la criatura humana no haya sido respetada o careciera de valor.  Los crímenes de guerra se volvieron moneda corriente, el respeto por la persona se minimizó.

El personaje de Jean-Louis Trintignant  personaliza a un siniestro personaje capaz de pasar desapercibido y a su vez, tener la maldad de matar impunemente y sin remordimiento alguno, tan solo porque alguien le ha dado esa orden, transformado en una máquina que responde al designo de un momento o una época donde el valor de la persona humana fue menospreciado.

La película se basa en un hecho real, inspirado primero en la novela de Alberto Moravia que a su vez recrea  un momento acaecido durante la juventud del escritor, quien describe el accionar de un cobarde y acomodaticio, que se enrola tempranamente en el fascismo y mata por encargo a un intelectual marxista, transformando la obra en una gran denuncia contra los horrores del pensamiento diferente y la devastación cultural europea generada en el periodo entre las guerras, dando a la vida un valor insignificante.

La revisión del film a casi 53 años de su estreno en medio de una cartelera  bastante anémica de buenas películas, es un hecho de festejo toda vez que es presentado en una copia nueva en la cual resaltan las virtudes cinematográficas del gran maestro Vittorio Storaro, quien tuvo la responsabilidad de fotografiar el film. Además, en la película, también brillan las actuaciones de Dominique Sanda y Stefania Sandrelli, quienes más tarde se trasformaron en dos actrices significativas de aquel cine.

EXTRAÑA FORMA DE VIDA de Pedro Almodóvar

DOS POR UNO

Almodóvar no descansa. Siempre tiene algo interesante que decir, y además suele decirlo de diferentes maneras. Su nuevo film está constituido de dos partes. La primera, es un mediometraje de unos 30 minutos. Un western clásico lleno de pasiones, determinado por la homosexualidad. El segundo, una conferencia del director que comenta cómo y porqué realizó la película.

Su cine siempre logra atrapar y entretener. Pone de su lado al espectador más desprevenido. El cortometraje inicial relata la historia de dos bandoleros durante la época de la conquista del oeste americano que tienen en común ser una pareja de homosexuales.

El film, como es habitual en el director español, plantea una tragedia familiar, que lleva a la controversia sobre un género que siempre ha hecho gala del machismo, sobre todo, porque todas las historias que transitaron el western americano siempre imprimieron la idea de que el camino hacia el oeste había sido un esfuerzo de hombres y mujeres que  eran empujadas por una idea poblacional, ello es familia enteras, que cruzaban con caravanas hacia el oeste , pretendiendo llegar a una tierra inhóspita que les permitiría alcanzar sus metas individuales de manera colectiva. Es decir, construir pueblos donde cada uno de sus habitantes pudiera desarrollar su vida y alcanzar sus objetivos.

Bajo esta esta idea paragua, el director español decide narrar una pequeña historia 30 minutos, de aquella gran cruzada hacia el oeste a través de la historia de dos hombres, homosexuales, que se han amado durante años, pero se han separado siguiendo distintos rumbos.

La segunda parte es un poco más larga y desarrolla la idea del propio Almodóvar de comentar lo que ha querido expresar. Podríamos decir que se trata de un análisis riguroso de su propia obra donde el autor y director del film explica cómo lo hizo y porqué, lo cual, termina siendo una clase de análisis de una obra que va más allá de lo meramente cinematográfico, volviéndose clase magistral de cómo mirar cine.

Es muy posible que el público en general se haya sentido sorprendido  por el carácter de la película, pero todo aquel amante del cine, encuentra  no solo una obra interesante sino también un análisis magistral de lo que hizo, un auto análisis que lleva a comprender mejor sus intenciones como realizador.

Cada escena, cada movimiento de cámara, cada corte, la dirección de los actores, es analizada por el propio director de la película con un espíritu constructivo. La película no solo entretiene sino que se eleva a una altura tal  que la ubica entre sus obras más meritorias y personales.

ASTEROID CITY de Wes Anderson

 UN NUEVO MUNDO DE FANTASIA

La última película del director americano da lugar a un nuevo tipo de animación que puede verse desde diversos puntos de vista. Se trata de una obra que da lugar a una puesta en escena  donde el dibujo es reemplazado por pequeños muñecos y actores reales, contando una historia que narra la caída de un asteroide en un pueblo del desierto del Mojabe, bajo la forma del dibujo animado.

Acorde a las características personales del autor, Anderson asume la trama relatando con lineamientos tradicionales (actores, actrices  y dibujos animados) tomando algunos riesgos que pueden jugar en su contra. Su cine está basado en ello. Solo para recordar, este es el autor de Moonrise Kingdon (2012),  Gran Hotel Budapest (2014) y La Crónica Francesa (2021).

Su nueva obra no puede dejar de observar contrastes. Por un lado es una obra única, renovadora de las formas, que completa un ciclo de desarrollo narrativo que genera un estilo propio de cine que difiere con lo tradicional dado que juega con lo naif pero a su vez, no deja de observar la realidad, a la que de alguna manera, satiriza. Sin lugar a dudas, es una obra controvertida no apta para el espectador común que busca el relato lineal y pasatista, como tampoco es tan solo una película orientada al cine infantil.

Anderson es un director creativo y aquí expresa su propio universo. Un cine que parece salido de los viejos dibujos animados de la factoría Disney, pasa por Pixar / Disney, toma ideas de Barbie  y comienza a desarrollar la propia factoría, la del Anderson autor y  director, buscando y su propio desarrollo que, sin duda,  va en busca de su obra maestra,

El paso dado es gigante. Con actores reales e importantes y un proceso de animación realizado con pequeños  muñequitos que cobran vida en la pantalla con un complejo sistema de montaje cuadro por cuadro, el resultado es realmente revolucionario.

La trama del film transcurre en 1955, en un lugar en medio del desierto que lleva el nombre de la película, de características similares al Mojabe, donde se reunirán cientos de colegiales para participar de un concurso escolar, observando fenómenos astronómicos. ​Allí coexistirán resabios de la primera explosión atómica en medio de una feria de carpas tipo San Telmo en Buenos Aires.

Sin lugar a dudas se trata de un film destinado a la controversia. Para algunos, su valor estará en el paso cualitativo de animación que logra Anderson. Para otros, será simplemente, una curiosidad cinematográfica más. Lo cierto es que esos pequeños juguetes de plástico logran cobrar vida en la pantalla relatando una historia simple y compleja a la vez, con personajes claramente delineados, que deja algo desconcertados tanto a los niños como a los adultos.

No obstante ello, el experimento de Anderson tratando de satisfacer a una platea amplia de padres e hijos, puede llegar a aburrir dado que la extensión de la propuesta es demasiado larga, sobre todo para los más pequeños y poco interesante para los mayores, más allá de los logros cinematográficos (particularmente el trabajo de edición), que es extraordinario y  no admite discusión.

CONTRARELOJ de Nimrod Antal

OPERA Y CUMPLE

Liam Neeson es tal vez, el actor más ocupado de la pantalla universal. Ni hablemos de películas inglesas. Se pude decir de él que es un auténtico trabajador del cine. Ahora mismo está otra vez en nuestras pantallas. Como es lo habitual, lo hace como protagonista de un thriller que entretiene y se desarrolla prolijamente dentro de los parámetros de un género.

En esta oportunidad es un protagonista casi absoluto. Interpreta a Matt Turner, un padre de familia, que mantiene una vida matrimonial normal, y es secuestrado cuando pasa a buscar a sus niños por la escuela. Encerrado en su auto, es amenazado por alguien, con una bomba a punto de hacer explotar el vehículo que maneja, y observado desde un teléfono celular. Alguien lo quiere extorsionar a cambio de quedarse con su dinero.

La película responde a pautas convencionales del género que transita. Está muy bien escrita, muy prolija y su desarrollo tiene una lógica creíble, con lo cual el espectador se engancha y sigue con entusiasmo el desarrollo  de la misma. Obviamente, la actuación de Neeson, como siempre, es creíble dando vida a ese hombre amenazado encerrado en un auto que sabe que cualquier desafuero que haga puede ser sancionado con la muerte.

Lo cierto es que el interprete se ha transformado en un actor fetiche del cine inglés, y particularmente, prácticamente participa de casi todas las películas inglesas que se estrenan en nuestro país, y que conforman en su mayoría, una canasta de cine de acción y suspenso, más alguna otra donde no oficia como principal interprete de ese rubro tradicional que es el policial negro. Dirigida por Nimrod Antal, también adaptador del guion, un hombre con experiencia proveniente de la televisión donde dirigió, entre otros, episodios de Stranger Things.

CIELO ROJO de Christian Petzold

LA HORA DE LA MADUREZ

Es la última película del realizador alemán, que se hizo del premio mayor en la última versión del Festival de Berlín en febrero de este año. Su filmografía contiene títulos importantes tales como Bárbara (2012), Phoenix (2014) y Tránsito (2018), todas estrenadas en Argentina.

Cielo Rojo es, ante todo, por un lado, una obra de madurez, por otro,  una obra creativa del propio realizador, que lo coloca sin duda, entre los directores / autores más importantes de la década.

En este último film experimenta con una historia de crecimiento, encerrando a sus propios personajes en un momento clave de sus vidas. Estos jóvenes se encuentran repentinamente frente a la mayoría de edad sin darse cuenta. Es época de vacaciones y han ido a pasar sus días de descanso en una casa  frente al mar en una playa casi desierta, donde en búsqueda de paz y descanso, trataran de encontrarse consigo mismos asumiendo su mayoría de edad.

Esos personajes son dos adolescentes que comienzan a vivir la vida. El lugar es solitario y frente a su casa vive una única vecina, joven y bella. Rápidamente, los jóvenes entablan relación de amistad, aunque solapadamente, envueltos en el viento y el vuelo de la arena, comienzan a sentir deseos que reprimen tanto por falta de experiencia como por falta de seguridad en sí mismos.

Petzold siempre ha realizado un cine personal cuya factura ha sido más que interesante. Es un notable narrador que se toma su tiempo y expresa con imágenes lo que pretende decir y lo que hace sentir.  De igual manera describe a su personajes, logrando una perfecta relación entre la sensación bucólica que generan las vacaciones y la existencia de la joven vecina que parece ser la destinataria natural de la iniciación sexual del joven estudiante.

Petzold logra su film más equilibrado e importante de su carrera. Es un film luminoso, lleno de buenas intenciones, narrado con una gran sensibilidad, donde la insinuación es más importante que la ocurrencia. Todo está por pasar, y esa es la mayor virtud del narrador. Da entender hacia dónde va pero nunca rebela el lugar o con quién.

Consecuencia de ello, la sutileza de la narración brilla y da lugar al espectador a que saque sus propias conclusiones. El film solo relata un momento en la vida de estos jóvenes. Lo que pasará en el futuro no lo vemos pero lo intuimos. En estas consideraciones, encontramos los mayores virtudes de esta película, que a mi entender, es una obra maestra del realizador alemán.

Gran película, muy bien escrita, mejor actuada y fotografiada, es una film lleno de calidez y amor sobre el despertar de la amistad y el amor. Los rubros técnicos, más allá de las actuaciones, brilla el montaje, la música y la fotografía en color.

CORSAGE de Marie Kreutzer

 

LA EMPREATRIZ REBELDE

Marie Kreutzer es una directora de cine y guionista austríaca responsable de este notable film que realiza con un enorme trabajo de montaje ambientado a fines de la década de 1870 sobre la figura de la emperatriz Sissi, una mujer que marcó una época por su personalidad y fuerte carácter.

La película de la directora austriaca examina en términos modernos de cine la figura de esta mujer, no solo como un paradigma de una época, sino también como alguien de una fortaleza y personalidad  de notables características propias.

Esposa del Emperador Francisco José I, su papel en la historia es mantenerse joven y bella. Su marido, el emperador Francisco José, la ningunea. Y ella solo vive para mantener su belleza hasta que llega un momento que se cansa de tanta obligación que se siente humillada y se rebela. También tiene una manía. Le encantan los viajes y vive obsesionada por su belleza. No quiere engordar y menos envejecer. No es de buen comer, solo se concentra en la ingestión de caldos y chocolates. La historia la ha inmortalizado como una mujer bella e inteligente, algo egoísta, obsesionada por su belleza, y capaz de imponer un estilo propio que realmente marcó una época, aunque políticamente hablando, fue ignorada,.

El guion se concentra en el año 1878, cuando ella cumple 40 años, edad promedio de vida en aquellos años. Consecuencia de ello, comienza a sentir su senilidad. Lejos está de los asuntos de poder, por lo tanto, viaja por Europa y se divierte tratando de encontrar cosas nuevas.

La construcción visual de Kaufman es tan formal como el mundo que representa. Llena de primeros planos, enfatiza en tanto en el concepto de belleza como también en la ignorancia política. En este último aspecto, ella no deja más rastros que su preocupación por la belleza, y su desinterés por la cuestión política, y una sensación de aburrimiento que trasmite a la platea solo evitada por el gran trabajo de montaje que impone la realizadora austriaca.

Corsage es una película de época, que intenta y logra dar vida a un personaje histórico que suena a muñeca de seda. No obstante, deja rastros de la soledad y sufrimiento de esa mujer totalmente alejada de su marido y sobretodo, del poder político. El film no intenta ser una indagación histórica, sino aclarar con mayor profundidad en la vida solitaria de un personaje que la historia ha llenado de un romanticismo vacío.

Kreutzer no pretende realizar un film histórico sino analizar a una mujer ninguneada, las relativas relaciones de privilegio y el sentimiento de frustración, su buen humor y cierto tipo de idealismo femenino.

THE QUIET GIRL de Colm Bairéad

NIÑEZ Y SENTIMIENTOS

Esta vez no se trata de un director debutante. Colm Bairéad es un irlandés que tiene casi 20 años de actividad en el corto y mediometraje, y que ahora, después de su paso en Cannes, llamó mucho la atención con esta joyita que ahora vamos a comentar.

Muy apegado al cine tradicional, su película es un dechado de perfección narrativa que sigue los lineamientos tradicionales  ortodoxos, y escribe un guion basado en los afectos con un personaje central que es una pequeña niña de unos 9 años, llamada Cait.

El desarrollo de la trama se sitúa en Irlanda, en una zona rural. Cáit es una personalidad tranquila y solitaria, y se entretiene solita durante casi todo el tiempo alejada de los problemas familiares, aunque siempre está atenta a lo que pasa.

No obstante, asiste al colegio  y es buena alumna. No se caracteriza por tener dificultades de aprendizaje.  A ella le gusta la soledad, y no molesta a nadie. t Su mamá está embarazada y va a nacer un hermanito. Consecuencia de ello, es enviada a vivir con unos parientes cercanos en el campo. Allí encontrara la atención que necesita, que no es mucha, pero importante.

El cine del director irlandés destaca por su simplicidad y sobretodo, por su simplicidad narrativa que nace en primer lugar de un muy sólido guion escrito por sí mismo, como de una puesta en escena que adhiere a la misma fórmula basada en lo cinematográfico en escenas cortas, pequeñas, dirigidas fundamentalmente por un montaje tradicional con el cual marca un relato que nunca deja de avanzar remarcando el crecimiento de una niña en soledad mientras su madre ha debido guardar reposo para poder llevar adelante un embarazo complicado.

Estos méritos propios de escritura y dirección apegadas a un relato simple y conciso que es llevado al cine con la misma intención cambiando solo lo escrito por lo cinematográfico es la mayor virtud de este film que recupera el clasicismo narrando una simple historia,  que se focaliza  en los primeros años de la niñez en la cual la soledad del personaje no hace otra cosa que describir, por un lado su vulnerabilidad, pero por otro, la fortaleza que se gesta desde la más tierna infancia y se desarrolla durante toda una vida.