ASTEROID CITY de Wes Anderson

 UN NUEVO MUNDO DE FANTASIA

La última película del director americano da lugar a un nuevo tipo de animación que puede verse desde diversos puntos de vista. Se trata de una obra que da lugar a una puesta en escena  donde el dibujo es reemplazado por pequeños muñecos y actores reales, contando una historia que narra la caída de un asteroide en un pueblo del desierto del Mojabe, bajo la forma del dibujo animado.

Acorde a las características personales del autor, Anderson asume la trama relatando con lineamientos tradicionales (actores, actrices  y dibujos animados) tomando algunos riesgos que pueden jugar en su contra. Su cine está basado en ello. Solo para recordar, este es el autor de Moonrise Kingdon (2012),  Gran Hotel Budapest (2014) y La Crónica Francesa (2021).

Su nueva obra no puede dejar de observar contrastes. Por un lado es una obra única, renovadora de las formas, que completa un ciclo de desarrollo narrativo que genera un estilo propio de cine que difiere con lo tradicional dado que juega con lo naif pero a su vez, no deja de observar la realidad, a la que de alguna manera, satiriza. Sin lugar a dudas, es una obra controvertida no apta para el espectador común que busca el relato lineal y pasatista, como tampoco es tan solo una película orientada al cine infantil.

Anderson es un director creativo y aquí expresa su propio universo. Un cine que parece salido de los viejos dibujos animados de la factoría Disney, pasa por Pixar / Disney, toma ideas de Barbie  y comienza a desarrollar la propia factoría, la del Anderson autor y  director, buscando y su propio desarrollo que, sin duda,  va en busca de su obra maestra,

El paso dado es gigante. Con actores reales e importantes y un proceso de animación realizado con pequeños  muñequitos que cobran vida en la pantalla con un complejo sistema de montaje cuadro por cuadro, el resultado es realmente revolucionario.

La trama del film transcurre en 1955, en un lugar en medio del desierto que lleva el nombre de la película, de características similares al Mojabe, donde se reunirán cientos de colegiales para participar de un concurso escolar, observando fenómenos astronómicos. ​Allí coexistirán resabios de la primera explosión atómica en medio de una feria de carpas tipo San Telmo en Buenos Aires.

Sin lugar a dudas se trata de un film destinado a la controversia. Para algunos, su valor estará en el paso cualitativo de animación que logra Anderson. Para otros, será simplemente, una curiosidad cinematográfica más. Lo cierto es que esos pequeños juguetes de plástico logran cobrar vida en la pantalla relatando una historia simple y compleja a la vez, con personajes claramente delineados, que deja algo desconcertados tanto a los niños como a los adultos.

No obstante ello, el experimento de Anderson tratando de satisfacer a una platea amplia de padres e hijos, puede llegar a aburrir dado que la extensión de la propuesta es demasiado larga, sobre todo para los más pequeños y poco interesante para los mayores, más allá de los logros cinematográficos (particularmente el trabajo de edición), que es extraordinario y  no admite discusión.

CONTRARELOJ de Nimrod Antal

OPERA Y CUMPLE

Liam Neeson es tal vez, el actor más ocupado de la pantalla universal. Ni hablemos de películas inglesas. Se pude decir de él que es un auténtico trabajador del cine. Ahora mismo está otra vez en nuestras pantallas. Como es lo habitual, lo hace como protagonista de un thriller que entretiene y se desarrolla prolijamente dentro de los parámetros de un género.

En esta oportunidad es un protagonista casi absoluto. Interpreta a Matt Turner, un padre de familia, que mantiene una vida matrimonial normal, y es secuestrado cuando pasa a buscar a sus niños por la escuela. Encerrado en su auto, es amenazado por alguien, con una bomba a punto de hacer explotar el vehículo que maneja, y observado desde un teléfono celular. Alguien lo quiere extorsionar a cambio de quedarse con su dinero.

La película responde a pautas convencionales del género que transita. Está muy bien escrita, muy prolija y su desarrollo tiene una lógica creíble, con lo cual el espectador se engancha y sigue con entusiasmo el desarrollo  de la misma. Obviamente, la actuación de Neeson, como siempre, es creíble dando vida a ese hombre amenazado encerrado en un auto que sabe que cualquier desafuero que haga puede ser sancionado con la muerte.

Lo cierto es que el interprete se ha transformado en un actor fetiche del cine inglés, y particularmente, prácticamente participa de casi todas las películas inglesas que se estrenan en nuestro país, y que conforman en su mayoría, una canasta de cine de acción y suspenso, más alguna otra donde no oficia como principal interprete de ese rubro tradicional que es el policial negro. Dirigida por Nimrod Antal, también adaptador del guion, un hombre con experiencia proveniente de la televisión donde dirigió, entre otros, episodios de Stranger Things.

CIELO ROJO de Christian Petzold

LA HORA DE LA MADUREZ

Es la última película del realizador alemán, que se hizo del premio mayor en la última versión del Festival de Berlín en febrero de este año. Su filmografía contiene títulos importantes tales como Bárbara (2012), Phoenix (2014) y Tránsito (2018), todas estrenadas en Argentina.

Cielo Rojo es, ante todo, por un lado, una obra de madurez, por otro,  una obra creativa del propio realizador, que lo coloca sin duda, entre los directores / autores más importantes de la década.

En este último film experimenta con una historia de crecimiento, encerrando a sus propios personajes en un momento clave de sus vidas. Estos jóvenes se encuentran repentinamente frente a la mayoría de edad sin darse cuenta. Es época de vacaciones y han ido a pasar sus días de descanso en una casa  frente al mar en una playa casi desierta, donde en búsqueda de paz y descanso, trataran de encontrarse consigo mismos asumiendo su mayoría de edad.

Esos personajes son dos adolescentes que comienzan a vivir la vida. El lugar es solitario y frente a su casa vive una única vecina, joven y bella. Rápidamente, los jóvenes entablan relación de amistad, aunque solapadamente, envueltos en el viento y el vuelo de la arena, comienzan a sentir deseos que reprimen tanto por falta de experiencia como por falta de seguridad en sí mismos.

Petzold siempre ha realizado un cine personal cuya factura ha sido más que interesante. Es un notable narrador que se toma su tiempo y expresa con imágenes lo que pretende decir y lo que hace sentir.  De igual manera describe a su personajes, logrando una perfecta relación entre la sensación bucólica que generan las vacaciones y la existencia de la joven vecina que parece ser la destinataria natural de la iniciación sexual del joven estudiante.

Petzold logra su film más equilibrado e importante de su carrera. Es un film luminoso, lleno de buenas intenciones, narrado con una gran sensibilidad, donde la insinuación es más importante que la ocurrencia. Todo está por pasar, y esa es la mayor virtud del narrador. Da entender hacia dónde va pero nunca rebela el lugar o con quién.

Consecuencia de ello, la sutileza de la narración brilla y da lugar al espectador a que saque sus propias conclusiones. El film solo relata un momento en la vida de estos jóvenes. Lo que pasará en el futuro no lo vemos pero lo intuimos. En estas consideraciones, encontramos los mayores virtudes de esta película, que a mi entender, es una obra maestra del realizador alemán.

Gran película, muy bien escrita, mejor actuada y fotografiada, es una film lleno de calidez y amor sobre el despertar de la amistad y el amor. Los rubros técnicos, más allá de las actuaciones, brilla el montaje, la música y la fotografía en color.

CORSAGE de Marie Kreutzer

 

LA EMPREATRIZ REBELDE

Marie Kreutzer es una directora de cine y guionista austríaca responsable de este notable film que realiza con un enorme trabajo de montaje ambientado a fines de la década de 1870 sobre la figura de la emperatriz Sissi, una mujer que marcó una época por su personalidad y fuerte carácter.

La película de la directora austriaca examina en términos modernos de cine la figura de esta mujer, no solo como un paradigma de una época, sino también como alguien de una fortaleza y personalidad  de notables características propias.

Esposa del Emperador Francisco José I, su papel en la historia es mantenerse joven y bella. Su marido, el emperador Francisco José, la ningunea. Y ella solo vive para mantener su belleza hasta que llega un momento que se cansa de tanta obligación que se siente humillada y se rebela. También tiene una manía. Le encantan los viajes y vive obsesionada por su belleza. No quiere engordar y menos envejecer. No es de buen comer, solo se concentra en la ingestión de caldos y chocolates. La historia la ha inmortalizado como una mujer bella e inteligente, algo egoísta, obsesionada por su belleza, y capaz de imponer un estilo propio que realmente marcó una época, aunque políticamente hablando, fue ignorada,.

El guion se concentra en el año 1878, cuando ella cumple 40 años, edad promedio de vida en aquellos años. Consecuencia de ello, comienza a sentir su senilidad. Lejos está de los asuntos de poder, por lo tanto, viaja por Europa y se divierte tratando de encontrar cosas nuevas.

La construcción visual de Kaufman es tan formal como el mundo que representa. Llena de primeros planos, enfatiza en tanto en el concepto de belleza como también en la ignorancia política. En este último aspecto, ella no deja más rastros que su preocupación por la belleza, y su desinterés por la cuestión política, y una sensación de aburrimiento que trasmite a la platea solo evitada por el gran trabajo de montaje que impone la realizadora austriaca.

Corsage es una película de época, que intenta y logra dar vida a un personaje histórico que suena a muñeca de seda. No obstante, deja rastros de la soledad y sufrimiento de esa mujer totalmente alejada de su marido y sobretodo, del poder político. El film no intenta ser una indagación histórica, sino aclarar con mayor profundidad en la vida solitaria de un personaje que la historia ha llenado de un romanticismo vacío.

Kreutzer no pretende realizar un film histórico sino analizar a una mujer ninguneada, las relativas relaciones de privilegio y el sentimiento de frustración, su buen humor y cierto tipo de idealismo femenino.

THE QUIET GIRL de Colm Bairéad

NIÑEZ Y SENTIMIENTOS

Esta vez no se trata de un director debutante. Colm Bairéad es un irlandés que tiene casi 20 años de actividad en el corto y mediometraje, y que ahora, después de su paso en Cannes, llamó mucho la atención con esta joyita que ahora vamos a comentar.

Muy apegado al cine tradicional, su película es un dechado de perfección narrativa que sigue los lineamientos tradicionales  ortodoxos, y escribe un guion basado en los afectos con un personaje central que es una pequeña niña de unos 9 años, llamada Cait.

El desarrollo de la trama se sitúa en Irlanda, en una zona rural. Cáit es una personalidad tranquila y solitaria, y se entretiene solita durante casi todo el tiempo alejada de los problemas familiares, aunque siempre está atenta a lo que pasa.

No obstante, asiste al colegio  y es buena alumna. No se caracteriza por tener dificultades de aprendizaje.  A ella le gusta la soledad, y no molesta a nadie. t Su mamá está embarazada y va a nacer un hermanito. Consecuencia de ello, es enviada a vivir con unos parientes cercanos en el campo. Allí encontrara la atención que necesita, que no es mucha, pero importante.

El cine del director irlandés destaca por su simplicidad y sobretodo, por su simplicidad narrativa que nace en primer lugar de un muy sólido guion escrito por sí mismo, como de una puesta en escena que adhiere a la misma fórmula basada en lo cinematográfico en escenas cortas, pequeñas, dirigidas fundamentalmente por un montaje tradicional con el cual marca un relato que nunca deja de avanzar remarcando el crecimiento de una niña en soledad mientras su madre ha debido guardar reposo para poder llevar adelante un embarazo complicado.

Estos méritos propios de escritura y dirección apegadas a un relato simple y conciso que es llevado al cine con la misma intención cambiando solo lo escrito por lo cinematográfico es la mayor virtud de este film que recupera el clasicismo narrando una simple historia,  que se focaliza  en los primeros años de la niñez en la cual la soledad del personaje no hace otra cosa que describir, por un lado su vulnerabilidad, pero por otro, la fortaleza que se gesta desde la más tierna infancia y se desarrolla durante toda una vida.