GUERRA CIVIL de Alex Garland

EJERCICIO DE ESTILO

Enfocada desde el punto de vista de un francotirador que se encuentra pertrechado en las vías de un ferrocarril, cumpliendo funciones de vigilancia, el film registra minuciosamente la soledad de un hombre en una situación forzada que debe permanecer despierto durante un tiempo que se le ha designado.

La situación planteada es monótona. En ese lugar no pasa absolutamente nada ni nadie. Todo esta tan calmo como las propias vías del ferrocarril. Todo lo que hay allí es un hombre vestido de soldado. Es él, su fusil, las vías, y la tremenda soledad que le impone la orden recibida.

 El director Garland se las ingenia adecuadamente para mantener en vilo al espectador. La película juega dentro la una situación de encierro que paradójicamente, se haya al aire libre. Su personaje es un soldado que debe hacer guardia en una vía ferroviaria. No tiene otra cosa que hacer que controlar un paso a nivel en medio de una foresta en la cual no pasa nadie.

La cuestión trata del estar consigo mismo. Encontrar el temple necesario para conservar y disfrutar de la calma. Seguramente no pasará nada, pero si pasa, debe estar atento a lo que debe hacer.

Su situación de guardia tiene un principio y un fin. Responde a una cuestión de seguridad. Su puesto es un paso  en una calle en el medio de un bosque por donde pasa un tren que más tarde entra a una ciudad. Toda la película se centra en esa situación de ese hombre que espera. La tensión la atraviesa de punta a punta, porque si bien el film tiene una lógica, su resolución bastante convencional.

Wagner Moura es un productor y director brasileño que ha intentado, con cierto éxito, sobre todo en lo artístico, un producto que si bien se pasea por un género, un film de guerra de características psicológicas, logra salir de a flote siempre tratando de mantener un lenguaje cinematográfico puro, es decir, basado en la en la tensión permanente de la situación dramática que vive el personaje, una soledad total en medio de una foresta que por momentos parece vivir una pesadilla y por otros, una simple misión militar de custodia y control.

El resultado logrado es exitoso, sobre todo en lo artístico, no exento de algún convencionalismo narrativo, debilidades que  el gran público perdona en función del  entretenimiento que por otra parte, supera con gran efectividad con un final que deja atónito al espectador generando una situación impensada de dramaticidad política.

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

¿UN NUEVO NEORREALISMO?                                                

Entre al cine con bastante poco entusiasmo y salí muy contento. Algo está pasando en el cine mundial. Netflix y similares se están metiendo en la casa de cada uno de nosotros con cierto poder monopolista tratando de satisfacer de distraernos de la ansiedad que transmite la vida real con sus innumerables problemas diarios.

Ello lleva a la elección pasatista. Es como tomar una aspirina sin consultar al médico cuando duele la cabeza. Si el dolor desaparece, no hay problemas, pero si sigo con la aspirina, seguramente  no curare la enfermedad. El cine italiano ha detectado el problema antes que nadie, incluido, sobre todo, al cine americano. La caída en interés temático que evidencia este último cine es indirectamente proporcional al que pone el cine europeo, y dentro de ese bagaje de países, el cine italiano sobresale con una producción no muy numerosa pero ciertamente interesante.

Los italianos están haciendo renacer un nuevo realismo que se ha puesto a la cabeza del cine mundial con obras que hacen pensar en un renacimiento del realismo, particularmente social, que saca ventaja artística tanto del resto de los cines europeos, pero sobre todo, del americano, que niega su herencia histórica tratando de liderar con las nuevas formas ahogándose en la vulgaridad de la producción televisiva.

Nunca es Tarde … es el título con que se ha dado a conocer en Argentina “Astolfo”, un nombre que alude al  protagonista,  un profesor jubilado que debe abandonar el departamento que habita porque su dueña lo necesita. Por lo tanto, regresa a la casa de su madre en Artena, el pueblo donde nació. Ahí ese hombre es el último descendiente de la familia fundadora del pueblo y dueño de un ruinoso palacio desocupado por bastante tiempo, donde se ha instalado uno de los vecinos del pueblo. El hombre termina compartiendo la casa, donde primará un espíritu colectivista. 

Más allá del costumbrismo italiano, este título junto a otros conocidos en los últimos meses, muestran esas ganas de hacer cambiar el cine, dar un paso adelante, encontrar ese mañana que hoy busca el cambio para no quedar en la esclerosis. Acá lo colectivo juagará como factor de cambio.

Ya no están los capos cómicos. No esta Gassman, ni Manfredi, ni Tognazzi, ni Sordi ni Totó. Pero han aparecido nuevos actores, todavía no conocidos por el gran público, pero las últimas películas italianas presentadas muestran un cambio que a priori podemos catalogar como positivo.

Esta comedia de Grianni Di Gregorio cumple con su cometido. Es amable, hace reír, interesa de principio a fin, y sobre todo, entretiene al espectador contando una historia agradable.

BACK TO BLACK de Sam Taylor-Wood

SENTIMIENTO DE PENA

Toda muerte nos causa pena, pero cuando se trata de una vida joven y talentosa mujer, esa pena parece mayor. Es dificil medir la dimesion de una muerte. Este es el caso de Amy Winehouse que, en estos días, se cumplen 10 años de su muerte, y en consecuencia, el cine la recuerda con este largometraje inglés de carácter documental sobre su vida.

Amy falleció cuando tenía tan solo 27 años y se transformaba no solo en una gran cantante sino que, de alguna manera, reemplazaba y continuaba a alguna de las grandes cantantes de jazz que hemos admirado en el pasado, tipo Billie Hollyday o Dione Warwick.

Hija de un inglés de clase media, muy apegada a su padre, compartía su vida con su familia, hasta que conoce a Blake Fielder –Civil con quien contrae matrimonio, y más tarde se divorcia. Según la película, ese fracaso matrimonial, la lleva primero al alcohol y después a la muerte.

El film que la evoca  es apenas una excusa para recordarla. No es un gran film. Es más bien un conjunto de videoclips que se transforma en homenaje, a través de una muy buena recopilación de temas prolijamente editados. No aporta gran cosa respecto a lo ya conocemos de ella. Su vida fue y sigue siendo un misterio.

Desde un punto de vista cinematográfico, podríamos calificar la película como pobre. No hay nada que la distinga más allá de la buena edición de la banda de sonido donde los ingleses siempre han dado catedra al respecto.

Nacida en una familia de clase media inglesa, parece haber tenido una crianza común, con una relación familiar estrecha, en la que su padre parecía tener suficiente autoridad familiar para educar a sus hijos.

Sin embargo, su adicción a las drogas, aunque no sea desarrollado como sub tema de la película, si bien es determinante de su muerte, tampoco lo fue respecto a su carrera artística, dado que aún es recordada por la calidad de su poesía y sobretodo, por su voz, que hacia recordar a las grandes cantantes de jazz que sobresalieron en otra época, tales como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Nina Simone o Peggy Lee. 

No obstante, y más allá de lo musical, la película, si bien no brilla como obra cinematográfica, puede verse con facilidad porque está hecha con respeto y amor. Su corta vida también la vuelve icónica porque en muy poco tiempo marco un estilo.  El carácter audiovisual de la obra, y su propósito evocativo busca retrotraer al pasado con el objetivo de recordarla en una fecha tan significativa como la honrar 10 años de su muerte.

La forma de video clips que dejan constancia de su obra son las piedras angulares del este film. Dichos videos con sus canciones más conocidas dejan grabadas su poesía y su voz artísticamente privilegiada.

Desde un punto estrictamente cinematográfico el film tampoco muestra un standard superior a lo normal o ya visto. Su voz era claramente su punto fuerte. Cantaba al mejor estilo de las grandes cantantes de jazz. Lamentablemente, una personalidad bastante volátil, una vida familiar muy arraigada, un marido que paso como un capricho de su vida y sobretodo, una fuerte dependencia al alcohol apagaron su vida tempranamente.

SIEMPRE HABRÁ UN MAÑANA de Paola Cortellesi

 LA VIDA Y LOS SUEÑOS

Estamos ante un film  no solo muy personal, sino también una obra de madurez de una directora italiana que busca resucitar la famosa “comedia alla italiana” que brillo en su momento, fines de los 50 y principios de los 60, con aquellos monstruos sagrados como Vittorio Gasman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi y Nino  Manfredi.

No obstante, no estamos viajando hacia el pasado. Los monstruos mencionados del cine italiano que hemos mencionado es tan solo el recuerdo y los antecedentes que aquel cine deja como fuente de inspiración, un rastro que hoy sigue gente como esta joven directora, guionista y actriz italiana que encabeza esta comedia.  Se trata de Paola Cortellesi.

Cortellesi tiene una trayectoria de 20 años de actuación y ahora debuta como directora de una comedia  muy a la italiana que sin lugar a dudas sale adelante inspirada en el cine que aquellos monstruos  sagrados que permanecerán siempre vigentes porque fueron capaces de hacer un cine distinto y personal.

Conocida como actriz, autora, cómica, cantante,  ahora logra brillar en esta estupenda comedia estrenada esta semana en la que triplica responsabilidades dado que escribe el guion, dirige la película y actúa el papel principal.

El resultado es altamente satisfactorio. No solo logra hacer funcionar la comedia de principio a fin  durante dos horas en la que su personaje central llena con su presencia simpática a una mujer no correspondida que logra salir de su ostracismo.

Más allá de ello, Cortellesi no da puntada sin hilo. Narra con las características propia de la comedia a la italiana actualizada al mejor estilo de cine moderno, con una labor de montaje prolija e incluso prodigiosa, logra imponer un estilo de mujer liberada a pesar que el machismo que la rodea todavía no ha superado las barreras costumbristas de la época de  la época. El film transcurre a fines de la segunda guerra mundial y el feminismo aparece al final de esa época.

Su personaje, obviamente creado para sí misma, brilla durante toda la película. Ella es una mujer liberada con la excepción que todavía (los años 40), en Italia, todavía, no se habían aprobado los derechos civiles para la mujer. De hecho, el personaje ya los disfrutaba.

Escrita para sí misma, el film mantiene un equilibrio notable, donde la comedia brillante reina durante toda la película, tornando un pasatiempo en una película no solo brillante, sino también muy interesante en lo formal e incluso en lo discursivo.

Sin lugar a dudas, una película de autor. Cortellesi es guionista, actriz y directora de una película que logra todos sus adjetivos: interesante, entretenida, y muy bien actuada.

LAZOS DE VIDA de Paola Cortellesi

LAZOS DE VIDA de James Hawes

EL HUMANISMO EN ESTADO PURO

Este es un film, de marcada esencia documental pese a que en realidad es una ficción. Su virtud es recordar, sin golpes bajos ni obsecuencia, la obra de carácter humanitario que realizó Nicholas Winton, un ciudadano inglés que durante 1938 y 1939 puso a salvó a 669 niños  justo antes que las fuerzas de ocupación alemanas tomaran Checoslovaquia.

En aquellos años, Hitler anexó Austria a Alemania, y además, comenzó a expulsar a los checos de Sudeteland, donde también habitaban muchos judíos de diferentes procedencias. Particularmente, en la ciudad de Praga comenzó a refugiarse mucha gente. Los ingleses trataron de intervenir pero no tuvieron éxito. En el ida y vuelta, la situación de los refugiados empeoraba cuando de repente, apareció Nicholas Winton, un agente de bolsa inglés, que decidió asumir el riego de embarcar a 669 niños hacia el Mar del Norte, hacerlos llegar a Inglaterra, y entregarlos en adopción, salvándolos de tener que soportar la guerra.

La película es una entrevista simple, entrevistador / entrevistado,  de hora y media de duración, donde este hombre de gran corazón y  amor al prójimo, relata el porqué y el cómo de su obra, en una charla amena de dos personas, un periodista y su entrevistado, pasando revista a aquel hecho que no solo resalta por su importancia sino también por la capacidad del interlocutor, capaz  de hacer poder resaltar una obra de carácter humanista sino también por su visión, lo cual le permitió anticipar los hechos que a la postre, permitirían un suceso exitoso en su difícil empresa de salvataje.

La atención del film se concentra no tanto en lo formal sino en la dignidad humana y la capacidad de transformación de la historia y la sociedad. Hawes, asume un estilo documental puro, despojado de toda retórica, a través de una entrevista donde el personaje principal (Mr. Winton) es entrevistado, resaltando lo importante, poniendo foco en el rescate anticipado de aquellos niños.

La primera parte del film presenta al personaje en su actualidad, un anciano inglés que vive tranquilo en una típica casa inglesa rodeado de recuerdos que, rápidamente, será reporteado pasando al objetivo principal, es decir, aquella entrevista que da lugar a la película que comentamos, cuyo propósito no solo es realizar un homenaje a aquel hombre inigualable sino también a recordar aquella epopeya y una serie de encuentros que dejan constancia de la dimensión humana de un hombre extraordinario que salvó  a niños de un calvario. Si bien el film resalta aquellos hechos positivos que permitieron la supervivencia de más de seiscientos niños, cinematográficamente hablando, el film se vuelve reiterativo haciendo perder parte de su interés.

Legalmente hablando, los niños salvados quedaron bajo la custodia de una adopción temporal, lo cual permitió que fueran trasladados a un lugar seguro, el cual fue Inglaterra.  

Anthony Hopkins vuelve a brillar con su notable actuación, personificando al personaje real. Acompaña Johnny Flynn como Sir Nicholas Winton, ​

La historia es cierta, y ocurrió tal como se cuenta. 

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

FAMILIA Y RESPONSABILIDAD

Cercana al cine catástrofe pero dejando de lado su espectacularidad y concentrándose en las consecuencias de un sismo de mediana intensidad que hacen presagiar lo peor, este film del director francés sale hecho porque guarda y cuida en todo momento la situación de amenaza que provoca el fenómeno, convirtiéndolo  en un estudio sobre la responsabilidad del individuo en circunstancias extremas.

Esta película de 2021 recién estrenada esta semana en Buenos Aires, podría encajar en un tipo de cine pasajero. Sin embargo, ese no es el camino que elige su director sino la situación límite o extrema que provoca un fenómeno natural sobre las personas, desde la propia amenaza del fenómeno hasta las consecuencias familiares que trastornan a una familia francesa cuya madre trabaja para un banco francés en Tokio, en el momento en que un sismo de alta magnitud destruye en parte una central atómica

La situación provoca nerviosismo y ansiedad. La responsabilidad de la jefa de es asumida. Ella se hace cargo de todo, tanto de situaciones laborales como obviamente, las familiares. No obstante, su preocupación más cercana es si debe hacerse cargo de sus empleados de su sucursal bancaria cumpliendo con la evacuación de los mismos, y cargándolos en un avión, llevándolos a un lugar seguro regresándolos a Paris.

La decisión no es fácil. El film genera varias vueltas de tuerca mientras se dirime la decisión de “salir de Tokio o quedarse en la ciudad”. Mientras tanto, suceden escaramuzas familiares que juegan alternándose en situaciones alternativas de tensión y  distensión de la situación vivida analizando las discusiones familiares, con sus pros y contras.

Con un elenco interesante en el cual destaca Karin Viard, como la madre de familia y encumbrada funcionaria de un banco francés, el film elude las características propias del gran espectáculo encerrando al núcleo familiar en dicha situación límite. La decisión de volver a Francia con la familia o permanecer en Tokio bajo la amenaza de un nuevo sacudón de la tierra se vuelve una dicotomía difícil de dilucidar. 

El tema de la responsabilidad personal es el verdadero punto de discusión que plantea la película. La madre es la persona que más se debate entre su propio rol de madre y su obligación laboral.  Allí es donde nace un conflicto que encerrado en el departamento familiar donde habitan en Tokio. Gran parte de la película transcurre en ese lugar. En esa situación de encierro, es la madre quien tiene y siente la responsabilidad familiar. Ella es quien está a cargo de la tarea titánica que en el caos reinante debe mantener la familia unida, y a la vez, atender sus responsabilidades en el banco en el cual trabaja.

Responsable de una filmografía de cinco títulos que no he tenido oportunidad de ver, este su último trabajo, es una obra concisa y concreta donde nada sobra ni nada falta. Un trabajo de capacidad narrativa, expresado con toda claridad, que narra un momento familiar de conmoción, donde la seguridad de una familia, lejos de casa, está en juego porque la tierra tiembla.