F E S T I V A L E S

PREMIOS DE LA 34 EDICIÓN 

La 34ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tuvo como ganadora del Astor de Oro a la Mejor película de la Competencia Internacional, O Que Arde de Oliver Laxe.

Mejor Director (Compartido) Pedro Costa, por Vitalina Varela, y Ángela Shanelec, por I Was At Home, But.

Mejor Actor: Ventura por Vitalina Varela

Mejor Actriz: Liliana Juárez, por Planta Permanente de Ezequiel Radusky.

Mejor guion: Oliver Laxe y Santiago Fillol, por O Que Arde.

Distinción a la trayectoria para el crítico y programador Luciano Monteagudo.

Premio del público: A Vida Invisível de Karim Aïnouz.

Competencia Latinoamericana

Mejor Película: (Compartido) A Febre de Maya Da-Rin.

Menciónes Especial del Jurado:

Nunca subí El Provincia, de Ignacio Agüero, y.

Vendrá la Muerte y Tendrá tus Ojos, de José Luis Torres Leiva.

Mejor cortometraje: Plano Controle de Juliana Antunes

Competencia Argentina

Mejor largometraje: Angélica, de Delfina Castagnino,

Mención Especial del Jurado: Hogar de Maura Delpero,

Mejor cortometraje: Playback, Ensayo de una Despedida, de Agustina Comedi.

Premio José Martínez Suárez Mejor Director Competencia Argentina:

Laura Citarella y Mercedes Halfon, por Las poetas visitan a Juana Bignozzi.

Sección competitiva Estados Alterados: L'île aux Oiseaux, de Maya Kosa y Sergio Da Costa.

Mención especial: Longa Noite, de Eloy Enciso.

Sección Banda de Sonido Original: Satori Sur, de Federico Rotstein.

Mención de Honor: Radio Olmos, de Gustavo Mosquera34 

LAS PELICULAS VISTAS

34 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE MAR DEL PLATA

1   SCATTERED NIGHT de Lee Jihyoung

Domingo 10 - 19:00; COMP INTERNACIONAL Teatro Auditórium

Opera prima de la directora coreana, nos habla de las relaciones liquidas de estos tiempos. Una pareja joven de mediana edad con dos hijos en edad escolar decide divorciarse. Relata el momento de la transición que viven mientras los niños deciden con cuál de los padres quieren vivir. Es un fil duro, homogéneo, bien actuado y dirigido, con aire claustrofóbico que deja observar el difícil momento que la pareja está viviendo. Pero lo interesante es que el foco no está puesto en la pareja sino en los niños. Es en ellos donde los padres están dejando el momento de decisión. El film solo muestra el mientras tanto.

2.   LO QUE ARDE (FIRE WILL COME) de Oliver Laxe 

 Lunes 11 - 17:00 - COMP INTERNACIONAL Teatro Auditorium

Entre el documental (el incendio de bosques) y la ficción (un pobre piro maníaco que acaba de salir de la cárcel y que va en busca de su madre) ocurre este drama en la Galicia más profunda en las sierras cercanas del límite con Portugal. El film es una cruel parábola sobre la culpabilidad de un individuo que es acusado por su pueblo por la sola existencia de sus antecedentes policiales. El film es visualmente deslumbrante pero encuentra sus costados más débiles en su faz narrativa, descuidando la historia de su protagonista.

3.  LOS NIÑOS DE ISADORA (LES ENFANTS D'ISADORA) de Damien Manivel      

Lunes 11 - 19:30 - COMP INTERNAcionaL - Teatro Auditórium

Una adolescente lee un libro que recuerda el accidente mortal ocurrido en Paris en la década del 30 donde perdieron la vida los hijos de Isadora Duncan, la extraordinaria bailarina clásica.

La película provoca o inspira tres miradas diferentes. En la primera, la propia lectora, también bailarina, comienza a ensayar unos pasos con la intención de crear una coreografía alusiva a lo que ha leído. En la segunda, una maestra y una niña con síntomas de Down, ensayan la obra para llevarla a la escena. En la tercera, una mujer negra asiste a la función de esa coreografía y disfruta de su puesta en escena. Este notable film del francés Damien Manivel nos habla de cómo la realidad conduce a la ficción.  Un hecho que provoca la inspiración que, a su vez, conduce a la creación y esa creación, ante su visión, sensibiliza al espectador convocando a su emoción, aquella del hecho artístico. Un film muy interesante.

4. DISSLUTION de Nina Menkes

Martes 12 – 17.00 – RETROSPECTIVA NINA MENKES Cinema 2 – Los Gallegos

Inspirada en Crimen y Castigo de Fyodor Dostoievski, desarrolla la degradación moral de un individuo en un barrio árabe de Tel Aviv. Filmada en blanco y negro, donde luce el uso criterioso de la steadycam, Nina Menkes narra una historia donde subraya el estado de violencia que se vive en Israel, donde la vida comienza a perder valor, y la convivencia se vuelve imposible porque la desconfianza reina en la vecindad. El film de Menkes es austero, preciso, y muestra un devenir que parece no tener fin. Luce el trabajo de Didi Fire, un actor no profesional, que interpreta el rol protagónico.

El personaje principal deambula deprimido. No tiene nombre, hundido en la soledad total siente un encierro sin rejas. Carece de relaciones, se siente deprimido. Es como un perro salvaje que roba para comer y pasa sus tardes en boliches de mala muerte.

Un trabaja impecable de Nina Menkes.

5.   I WAS AT HOME, BUT de Angela Schanelec 

Martes 12 - 19:00 COMP INTERNACIONAL Teatro Auditórium

Ángela Schanelec es una directora perteneciente a la Escuela de Berlín. Amante del cine de Bresson, las escenas iniciales de su película no solo le brindan su homenaje sino también establecen el tipo de cine que vamos a ver.

La película de Schanelec resulta algo caótica pero sin lugar a dudas es un film sustancial. Requiere paciencia y análisis por parte del espectador. Después de un prólogo muy bressoniano, comienza el verdadero desarrollo del film en el cual una mujer, madre de dos hijos adolescentes, es abandonada por su marido y debe hacerse cargo de todo el ámbito familiar. Su crisis existencial es inocultable y comienza a cuestionarse todo lo que la rodea, lo que la coloca incluso al borde del ataque de nervios. Su carácter se vuelve inestable y explosivo.

Film irregular pero muy interesante, descuella Maren Eggert como Astrid, la madre de los niños que, con su despliegue de recursos actorales, vuelve muy convincente esa crisis familiar de la que se hace cargo su personaje. Las escenas iniciales y finales del film muestran también un estado de vida salvaje que se traslada a la vida misma de las personas transformando al film como una metáfora del circulo de la vida.

 6.   EL CUIDADO DE LOS OTROS de MARIANO GONZÁLEZ  

Miércoles 13 - 17:00 - COMP INTERN - Teatro Auditórium

Un film honesto, bien escrito y bien realizado por Mariano Gonzalez y convincentemente actuado por Sofía Gala Castiglione.

El tema de la responsabilidad individual y el sentido de la culpa son desarrollados a través de un argumento creíble, con una pintura exacta de los personajes y en particular del marco social en que se desenvuelven.

El mérito mayor de Gonzalez en no caer en los lugares comunes. Su film es un derroche de sentido común, con una exposición clara de los problemas y un desarrollo creíble de los acontecimientos.

El personaje central asume su responsabilidad sobre lo ocurrido. No obstante, sabe que cometió un error y el sentido de la culpa la persigue.

Muy sutilmente el argumento facilita un delineamiento de los personajes y describe con claridad la pertenencia de clase social de cada uno. Ello deja lugar para que, sin falsas moralinas, cada uno de ellos sepa que la movilidad social está ligado con las posibilidades laborales, y que de su cuidado y mantenimiento depende en gran medida la inclusión social.

7.   MASACRE de Nina Menkes

Miércoles 13 – 20.00 – Cinema 2 Los Gallegos Shopping

Se trata de 6 entrevistas realizadas por encargo cuyo trabajo de edición finalizó la propia directora, que de acuerdo a su dialogo con el público reconoció que no consideraba un film de su total autoría, dado que lo había hecho por encargo, y que las entrevistas realizadas no le resultaban muy creíbles dada la personalidad de los entrevistados, todos ellos participantes de la guerra civil en el Líbano durante la noches del 16 al 18 de setiembre de 1982, en la que se masacraron cerca de 3000 civiles palestinos, entre ellos mujeres y niños.

El film resulta reiterativo y un muestrario de las atrocidades de la guerra, nunca mostradas pero si contadas por sus protagonistas.

Un film que nada agrega a la filmografía de la destacada documentalista.

8. EL HOMBRE DEL FUTURO de Felipe Ríos

Jueves 14 – 17.00 Cinema 2 – Los Gallegos Shopping

Es una película que te atrapa por su sinceridad narrativa. Es difícil de escapar a la atracción que propone ese posible encuentro de una hija con su padre, al que ha perdido por desavenencias con su madre.

Película del camino, una road movie al mejor estilo americano pero con una fuerte impronta localista, la película de Ríos, se concentra en los sentimientos, en la necesidad del encuentro y del perdón. Pero el film pierde su equilibrio narrativo al desarrollar dos líneas diferentes con una misma temática. Es la historia de dos adolescentes ya casi mujeres cuyos padres son camioneros, hombres del camino que alguna vez han tenido un amorío con sus madres. Ríos trabaja la primera línea, con un cierto sentido del humor, que prevalece en la primera mitad de la película, y otra, la principal, plantea un caso de abandono que desarrolla con sentido dramático.

Consecuencia, de ello, la narración principal va y viene de una línea a otra, lo cual hace ágil el relato, pero pierde equilibrio en la intensidad de lo que narra, que solo recupera hacia el final no sin darnos algún golpe bajo.

El desbalance de las historias narradas son el principal problema del film que sale a flote por las notables actuaciones de un elenco homogéneo y un director de fotografía que aprovecha el paisaje montañoso y nevado que llena todo de blancos y grises dando a la historia una adecuada ambientación y sobretodo, una profundidad dramática muy interesante. No obstante ello, el film se rescata en virtud de su honestidad.

9 – A FEBRE de Maya Da-Rin

COMPETENCIA LATINOAMERICNA – JUEVES 14 – 20:00 Cinema 2

Un film de un enorme contenido social. La directora brasileña observa con mucha sagacidad e inteligencia la adaptación de un grupo familiar indígena en su emigración hacia la ciudad de Manaos, donde el jefe de hogar, viudo y padre de dos hijos, una mujer y un varón, se desempeñará como guardia de seguridad en un depósito de mercaderías en el puerto de dicha ciudad.

Maya Da-Rin sigue a Justino, en forma minuciosa dando una pintura muy creíble a su personaje principal, un hombre de aproximadamente unos 50 años padre de familia  que se desdobla en dos personalidades diferentes, la del guardia de seguridad, un hombre retraído y poco sociable que hace su trabajo con honestidad y sentido de la obediencia, y el jefe de familia, que aún conserva costumbres indígenas, como la de dormir en una hamaca o hablar con los espíritus, y que suele soñar con una extraña criatura que deambula por las noches.

El film muestra esa dualidad en el proceso de integración como parte integrante de una sociedad mixta donde conviven dos culturas, la de las comunidades indígenas originarias de aquellas tierras, y la impuesta por la colonización europea, realizada por las tropas imperiales portuguesas. De la confrontación de las dos corrientes nace el ser brasileño actual, donde puede observarse que los herederos de las comunidades indígenas aún mantienen ritos y costumbres de antaño en el proceso de integración del nuevo ser.

La fiebre del título de la película alude a un síntoma que aqueja a Justino, el protagonista, que no logra saber que enfermedad lo aqueja pero sin lugar a dudas es debida a una resistencia de su cuerpo respecto a su necesaria adaptación a una nueva cultura impuesta desde los tiempos de la conquista europea.

No obstante ello, en esa dualidad que el film plantea, los hijos de aquellos pueblos indígenas no solo parecen estar comenzando la adaptación al nuevo medio sino también que ese lento proceso de sociabilización los lleva a ocupar puestos de menor envergadura y valor agregado.

El film deja prendida una luz de esperanza en el personaje de la hija de Justino, que acaba de cumplir con el ciclo secundario, y que ha tomado la decisión de emigrar a la ciudad de Brasilia para estudiar medicina. La terminación de esos estudios darían lugar a la esperanza de que un circulo virtuoso se cierre en torno a dichas comunidades.

10 – VITALINA VARELA de Pedro Costa 

COMPETENCIA INTERNACIONAL - Viernes 15 - 15:00 - Teatro Auditórium

Dueño de un preciosismo formal extraordinario, Vitalina Varela, su nueva obra vuelve a dar fe de su cine comprometido con una realidad preocupante donde los países que aún permanecen en situación de subdesarrollo expulsan literalmente mano de obra desocupada hacia países como Portugal, en plena comunidad europea, que tampoco tienen capacidad de absorberlos.

El destino inexorable de esos migrantes no es otra que ir a parar a una miserable villa de emergencia en la que ni siquiera pueden ser atendidos en sus necesidades mínimas como es comer y tener atención médica.

El título del film honra a la propia Vitalina Varela, una mujer del sur africano, más precisamente de Cabo Verde, que se interpreta a sí misma en este extraordinario trabajo del director portugués. Podría decirse de este film que se trata de una subtrama que aparece en su film anterior Cavallo Dinero.

En Vitalina Varela, Costa se concentra en el drama de Vitalina contando primero la llegada de su marido, y poco después la suya. Un drama existencial que provoca y desafía al espectador en una confrontación en la que el imperio de la injusticia no solo cuestiona la labor de los sacerdotes villeros sino también la propia existencia del ser divino.

Manejando el color con una materia inusual, la película se llena de rojo sangre y negros profundos con una puesta absolutamente despojada, casi al punto de lo teatral, no obstante ello, dando una clase magistral de cine.

El film conduce al espectador hacia un abismo cuya profundidad se desconoce dejando un mensaje, mejor dicho un alerta de una situación que se va profundizando y que no encuentra solución, y que ya ha hecho carne en los países de la periferia europea.

11 – PLANTA PERMANENTE DE Ezequiel Radusky 

COMPETENCIA INTERNACIONAL - Viernes 15 - 19:00 - Teatro Auditórium

Una película argentina, prácticamente tucumana, dado que se filmó en aquella provincia con un elenco local, que ahonda, tirando por elevación, en el ser argentino.

Se trata de una tragicomedia de tipo costumbrista que describe los perjuicios típicos que producen los cambios de gobierno al alterar la continuidad de las políticas y sobre todo de las personas que trabajan para el Estado, sea municipal, provincial o nacional.

Pero no solamente ello, sino hace incapie en los problemas laborales que genera la falta de continuidad laboral, dando lugar al armado de pequeños negocios como gestorías o pequeños servicios relacionados con los controles propios del Estado, que generan curros de diferente índole.

El film, que esta notablemente actuado, describe una serie de situaciones comunes que terminarán perjudicando a aquellos que obraron honestamente aun cuando operaron por su cuenta y sin considerar límite alguno del Estado, solo confiando en la buena fe de las personas.

Bien actuada, con un ritmo de dirección sostenido, el film tucumano entretiene pero deja sabor a poco, a cierta inocencia que parece decirnos esto es solo una pequeña muestra de lo que es la realidad,

12 – JUGUETES de María Luisa Bemberg y El NEGOCIÓN de Simón Feldman

TRAYECTORIAS – Sábado 16 – 12:30 hs – Colón

“Juguetes” es un cortometraje de 10 minutos de duración que María Luisa Bemberg filmó en 1978 con una clara visión del feminismo donde básicamente la directora muestra como a través del juego y de los juguetes se perfila no solo la identidad sexual del niño dejándolo sin alternativa alguna a ser diferente, sino también apunta a una educación discriminatoria que en aquella época relegaba posibilidades laborales de la mujer.

 “El Negoción” de Simón Feldman es un film de características costumbristas, que pareciera tener alguna influencia de la comedia a la italiana que en lo actoral popularizaron Sordi, Gassman y Mastroianni desde principios de los 50.

Hoy, cuando la vemos a 60 años de su filmación, se impone como una comedia realmente anticipatoria de una sociedad que pareciera basarse en aquel dicho popular que dice que el vivo vive del sonso, y el sonso de su trabajo. Pero sobre todo El Negoción apunta al desarrollo de esa posición monopólica donde por ley se obliga al uso de un bien o servicio que está dado por una sola parte, la cual prácticamente goza de todos los beneficios sin estar obligado a sus responsabilidades.

Indirectamente, Feldman también avizora y apunta las situaciones de privilegio que darán lugar más tarde a actos de corrupción, impidiendo el normal desarrollo de los negocios y sobretodo del bienestar general.

Ha sido un gran acierto que el Festival de Mar del Plata recuperara estas dos películas totalmente anticipatorias que de diferente manera han obrado sobre el pueblo argentino y su forma de ser.

13 – SOUTH MOUNTAIN de Hilary Brougher

COMPETENCIA INTERNACIONAL – Sábado 16 – 19:00 – Teatro Auditórium

 Ha resultado un momento de gran felicidad encontrar en la competencia internacional esta película americana del cine independiente que rescata a Hilary Brougher, una directora neoyorquina independiente que ya participó tiempo atrás del festival de Mar del Plata.

South Mountain es una película muy bien escrita por la propia directora, y más tarde llevada al cine acompañada de un elenco brillante que da lugar a que una obra de características teatrales (básicamente transcurre en una casa de verano en las afueras de Nueva York) en la que se describe una crisis matrimonial originada en la infidelidad de una de las partes.

El film no solo trata de ese momento de crisis sino también de una generación que ha formado parte de una liberación sexual en la que los componentes de la pareja muchas veces no comparten los mismos limites que se imponen después del casamiento y como consecuencia de ello, cometen transgresiones a los acuerdos matrimoniales que terminan por arruinar el mismo matrimonio.

La directora del film maneja con habilidad las diferentes instancias del relato con escenas bien planteadas, con una cámara ágil que trabaja con medios planos muy interesantes que permiten permear la piel de los personajes, y un montaje preciso que da lugar a una narración sin baches que obstaculicen el entendimiento de la trama.

Estamos ante una película del cine independiente americano pero realizado con recursos de primera línea y una gran honestidad narrativa donde brilla la comedia costumbrista rozando los bordes del drama. Es un exponente notable del cine neoyorkino moderno, que comparte la inteligencia, la lucidez y el concepto de entretenimiento que impera tanto en el cine de Woody Allen como de directores más modernos tales como Noah Baumbach e incluso Keneth Lonergan.

VENECIA 2019

COMPETENCIA OFICIAL

- León de Oro: Guasón, de Todd Phillips

- Gran Premio del Jurado: J'Acusse, de Roman Polanski

- León de Plata a Mejor Dirección: Roy Andersson, por Om det oändliga

- Copa Volpi a la Mejor Actriz: Ariane Ascaride, por Gloria Mundi

- Copa Volpi al Mejor Actor: Luca Marinelli, por Martin Eden

- Mejor Guión : No. 7 Cherry Lane, Yonfan

- Premio Especial del Jurado: La mafia non è più quella di una volta, Franco Maresco

- Premio Marcello Mastroianni: Toby Wallace, por Babyteeth

COMPETENCIA HORIZONTES

- Mejor Película: Atlantis, de Valentyn Vasyanovy ch

- Mejor Director: Théo Court, por White on White

- Premio Especial del Jurado: Verdict, de Raymund Ribas Gutierrez

- Mejor Actriz: Marta Nieto, por Madre

- Mejor Actor: Sami Bouajila, por Bik Eneich: Un Fils

- Mejor Guion: Revenir, de Jessica Palud, Philippe Lioret and Diastème

- Mejor Cortometraje: Darling, de Salim Salif

LEÓN DEL FUTURO

- Premio Luigi de Laurentiis a la Mejor Opera Prima: You Will Die at 20, de Amjad Abu Alala

VENECIA CLÁSICOS

- Mejor Película Restaurada: Ecstasy, de Gustav Machatý

- Mejor Documental en Cine: Babenco - Alguém Tem Que Ouvir O Coração E Dizer: Parou, de Bárbara Paz

CANNES 2019

Durante doce días, este 72º Festival de Cannes ha homenajeado a artistas y películas de todo tipo, convirtiendo el cine en una fiesta de descubrimientos y reencuentros compartidos en todos los rincones del planeta. Esta noche, sobre el escenario del Grand Théâtre Lumière, el maestro de ceremonias, Edouard Baer, ha recibido al jurado de los largometrajes, presidido por Alejandro González Iñárritu, para anunciar el palmarés de 2019.

LARGOMETRAJES 

PALME D'OR

GISAENGCHUNG (Parasite), dirigida por BONG Joon-Ho

La Palme d'or ha sido entregada por Catherine Deneuve y Alejandro González Iñárritu.

Bong Joon Ho ha declarado: "Siento no haber preparado mi discurso en francés pero no esperaba llevarme la Palme d'or. Me siento muy honrado. Siempre me ha inspirado el cine francés. Quiero dar las gracias a dos directores: Henri-Georges Clouzot y Claude Chabrol. La aventura de Gisaengchung (Parasite) ha sido muy peculiar. Quiero dar las gracias a todo el equipo de la película y a su sociedad de producción, con sede en Corea del Sur. Esta película no habría existido sin mis actores, que estuvieron increíbles. Era un chico de solo doce años, fanático del cine, cuando decidí que sería director. Estoy asombrado de poder tocar este premio, que significa algo muy importante para mí. Gracias".

GRAND PRIX

ATLANTIQUE (Atlantics), dirigida por Mati DIOP

El Grand Prix ha sido entregado por Sylvester Stallone.

La directora francosenegalesa rindió homenaje a su equipo, entre Francia y Dakar. «Creo que eso es lo que llaman la aventura del cine. Hace un año, terminaba esta película en Dakar. Esta película también es una declaración a esta ciudad, a las calles de Dakar. Estoy aquí pero también estoy allí».

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR

LE JEUNE AHMED (Young Ahmed), dirigida por Jean-Pierre y Luc DARDENNE

El premio al mejor director ha sido entregado por Viggo Mortensen.

Jean-Pierre y Luc Dardenne han declarado: "Gracias al jurado por esta recompensa, por una película que hemos querido que fuera una oda a la vida. Hemos filmado a un joven fanático religioso en estos tiempos difíciles. Al filmar esta historia, hemos querido filmar una llamada a la vida, al extranjero, a la diferencia. Esa es también la vocación del cine. Queremos dar las gracias al joven Idir, que ha interpretado tan bien a Ahmed".

PREMIO DEL JURADO EX-ÆQUO

Los premios del jurado han sido entregados por Michael Moore.

LES MISÉRABLES, dirigida por Ladj LY

Ladj Ly ha declarado: "Gracias a Thierry Frémaux por haber tenido la audacia de elegir esta película. Estoy muy emocionado... El único enemigo común entre los habitantes y los policías de los suburbios es la miseria. Quiero dedicar este premio a todos los Miserables de Francia".

BACURAU, dirigida por Kleber MENDONÇA FILHO y Juliano DORNELLES

Kleber Mendonça Filho: "Es mi vigésimo año en el Festival. En los inicios, era crítico de cine y descubrí muchas películas. Resulta extraño recibir este premio y encontrarme en el lado opuesto. Gracias". 

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Antonio BANDERAS por DOLOR Y GLORIA (Pain and Glory), dirigida por Pedro ALMODÓVAR

El premio a la mejor interpretación masculina ha sido entregado por Zhang Ziyi.

Antonio Banderas ha declarado: "Cuando he subido las escaleras, me han preguntado cuánto tiempo había tardado en llegar hasta aquí. Y he respondido: 40 años... Es un premio por el que me siento muy agradecido, tanto como actor como también por mi personaje. No es un secreto para nadie que este personaje es Pedro Almodóvar. Hemos rodado ocho películas juntos. Le quiero, le respeto, es mi mentor. Tengo que dedicarle esta recompensa. Detrás de la profesión de actor, conocemos mucho dolor pero también hay noches de gloria y esta es mi noche de gloria. Lo mejor está por llegar".

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Emily BEECHAM por LITTLE JOE, dirigida por Jessica HAUSNER

El premio a la mejor interpretación femenina ha sido entregado por Reda Kateb.

Emily Beecham ha dado las gracias a Jessica HAUSNER por haberla escogido: «Es una película magnífica».

PREMIO AL MEJOR GUION

Céline SCIAMMA por PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU (Portrait of a lady on fire)

El premio al mejor guion ha sido entregado por Gael García Bernal.

Céline Sciamma ha declarado: «Yo que iba a abandonar mi carrera como guionista… este premio me lleva a mi soledad inicial, que resultó no ser tal como me demostró la continuación de esta aventura. Permítanme hablar de aquellos que dieron vida a esta película, a todo mi equipo. Les debo un agradecimiento eterno».

MENCIÓN ESPECIAL

A Elia SULEIMAN por IT MUST BE HEAVEN

La mención especial ha sido entregada por la actriz Chiara Mastroianni.

Elia Suleiman ha declarado: "Muchas gracias a los productores que han contribuido y trabajado en esta película. Muchas gracias al Instituto, sin el cual la película jamás habría visto la luz".

CORTOMETRAJES

PALME D'OR

THE DISTANCE BETWEEN US AND THE SKY, dirigida por Vasilis KEKATOS

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

MONSTRUO DIOS (Monster God), dirigida por Agustina SAN MARTÍN

La Palme d'or y la mención especial del jurado para los cortometrajes han sido entregadas por la presidenta del jurado de los cortometrajes y de la Cinéfondation, Claire Denis, y por Nadine Labaki, presidenta del jurado de la sección Un Certain Regard.

 

UN CERTAIN REGARD

PREMIO UN CERTAIN REGARD

A VIDA INVISÍVEL DE EURÍDICE GUSMÃO (The invisible life of Eurídice Gusmão), dirigida por Karim AÏNOUZ

PREMIO DEL JURADO

O QUE ARDE (Fire will come), dirigida por Oliver LAXE

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN

CHIARA MASTROIANNI por CHAMBRE 212 (On a magical night), dirigida por Christophe HONORÉ

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR

KANTEMIR BALAGOV por BEANPOLE
 

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO

LIBERTÉ, dirigida por Albert SERRA

COUP DE COEUR DEL JURADO EX-ÆQUO

LA FEMME DE MON FRÈRE (A brother's love), dirigida por Monia CHOKRI

THE CLIMB, dirigida por Michael Angelo COVINO

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

JEANNE (Joan of Arc), dirigida por Bruno DUMONT

 

CAMÉRA D’OR

NUESTRAS MADRES (Our Mothers), dirigida por César DÍAZ, presentada en el marco de LA SEMAINE DE LA CRITIQUE.

El premio de la Caméra d'or ha sido entregado por el presidente del jurado de la Caméra d'or, Rithy Panh, y por la actriz Valeria Bruni-Tedeschi.

César Diaz ha declarado: "Gracias al Festival de Cannes, al jurado y a la Semaine de la Critique por haberme invitado. Quisiera dedicar este premio a las 250.000 víctimas guatemaltecas y a estas mujeres que siguen aguantando".

BAFICI 21

Se dieron a conocer los ganadores de los premios oficiales de la 21° edición del BAFICI.

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Mejor Película: THE UNICORN, de Isabelle Dupuis y Tim Geraghty (USA)

Mejor Director: Louis Garrel por L’HOMME FIDÈLE.

Mejor Actriz: Ella Smith por Ray & Liz, de Richard Billingham (Reino Unido).

Mejor Actor: Keita Ninomiya por We Are Little Zombies, de Makoto Nagahisa (Japón).

Mejor Música Original: Mica Levi por Monos, de Alejandro Landes (Argentina / Colombia / Holanda / Alemania / Uruguay / Dinamarca / Suecia / Suiza / Estados Unidos)

Premio especial del Jurado: Los tiburones, de Lucía Garibaldi (Uruguay / Argentina / España).

Jurado estuvo integrado por Brigitta Burger-Utzer, Christina Lindberg, Isabel Ruth, Sergio Wolf y Estrella Araiza.

COMPETENCIA ARGENTINA

Mejor Película: FIN DE SIGLO, de Lucio Castro,

Mejor Dirección: Eloísa Solaas por LAS FACULTADES.

Jurado estuvo integrado por Deragh Campbell, Diego Lerer, Fanny Ostojic, Mimi Plauche y Elad Samorzik

COMPETENCIA OFICIAL LATINOAMERICANA

Mejor Película: LA FUNDICIÓN DEL TIEMPO, de Juan Álvarez Neme (Uruguay).

Mejor Director: Peri Azar por GRAN ORQUESTA (Argentina).

Mención especial: Tomás Raimondi por su actuación en Cartero, de Emiliano Serra (Argentina).

El jurado estuvo integrado por Christian Font, Pilar Gamboa y Esther Rots. 

NOMINADOS Y PREMIADOS AL OSCAR 2019

MEJOR PELÍCULA: Green Book 

Nominados: BlacKkKlansman; Black Panther; Bohemian Rhapsody; The Favourite; Roma; A Star Is Born; Vice

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: Roma (México) 

Nominados: Capernaum (Líbano); Cold War (Polonia); Never Look Away (Alemania); Shoplifters (Japón)

MEJOR DIRECTOR: Alfonso Cuaron (Roma)

Nominados:Yorgos Lanthimos (The Favourite); Spike Lee (BlacKkKlansman); Adam McKay (Vice); Pawel Pawlikowski (Cold War)

MEJOR ACTRIZ: Olivia Colman (The Favourite)

Nominados:Yalitza Aparicio (Roma); Glenn Close (The Wife); Lady Gaga (A Star Is Born); Melissa McCarthy (Can You Ever Forgive Me?)

MEJOR ACTOR: Rami Malek (Bohemian Rhapsody)

Nominados:Christian Bale (Vice); Bradley Cooper (A Star Is Born); Willem Dafoe (At Eternity's Gate); Viggo Mortensen (Green Book)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: Regina King (If Beale Street Could Talk

Nominados: Amy Adams (Vice); Marina de Tavira (Roma); Emma Stone (The Favourite); Rachel Weisz (The Favourite)

MEJOR ACTOR DE REPARTO: Mahershala Ali (Green Book)

Nominados: Adam Driver (BlacKkKlansman); Sam Elliott (A Star Is Born); Richard E. Grant (Can You Ever Forgive Me?): Sam Rockwell (Vice)

MEJOR GUION ORIGINAL: Green Book (Brian Hayes Currie, Peter Farrelly y Nick Vallelonga) 

Nominados:The Favourite (Deborah Davis u Tony McNamara); First Reformed (Paul Schrader); Roma (Alfonso Cuaron); Vice (Adam McKay)

MEJOR GUION ADAPTADO: BlacKkKlansman (Spike Lee, David Rabinowitz, Charlie Wachtel Y Kevin Willmott)

Nominados: A Star Is Born (Bradley Cooper, Will Fetters u Eric Roth); The Ballad of Buster Scruggs (Joel Coen u Ethan Coen); If Beale Street Could Talk (Barry Jenkins); Can You Ever Forgive Me? (Nicole Holofcener y Jeff Whitty)

MEJOR CINEMATOGRAFÍA: Roma (Alfonso Cuaron) – GANADORA;

Nominados: The Favourite (Robbie Ryan); Never Look Away (Caleb Deschanel); A Star Is Born (Matty Libatique); Cold War (Lukasz Zal)

MEJOR SONIDO: Bohemian Rhapsody

Nominados: Black Panther; First Man; Roma; A Star Is Born

MEJOR EDICIÓN: Bohemian Rhapsody (John Ottman)

Nominados: BlacKkKlansman (Barry Alexander Brown); The Favourite (Yorgos Mavropsaridis); Green Book (Patrick J. Don Vito); Vice (Hank Corwin)

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL: "Shallow" (A Star Is Born, compuesta por Lady Gaga, Mark Ronson, Anthony Rossomando y Andrew Wyatt, y cantada por Bradley Cooper y Lady Gaga)

Nominados: "All the Stars" (Black Panther, compuesta por Kendrick Lamar, Al Shux, Sounwave, SZA and Anthony Tiffith, y cantada por Kendrick Lamar y SZA); "I'll Fight" (RBG, compuesta por Diane Warren y cantada por Jennifer Hudson); "The Place Where Lost Things Go" (Mary Poppins Returns, compuesta por Marc Shaiman y Scott Wittman, y cantanda por Emily Blunt); "When a Cowboy Trades His Spurs for Wings" (The Ballad of Buster Scruggs, compuesta por Dave Rawlings y Gillian Welch, y cantada por Tim Blake Nelson y Willie Watson)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: Black Panther (Ludwig Goransson)

Nominados: BlacKkKlansman (Terence Blanchard); If Beale Street Could Talk (Nicholas Britell); Isle of Dogs (Alexandre Desplat); Mary Poppins Returns (Marc Shaiman)

MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO: Black Panther (Ruth E. Carter)

Nominados: The Ballad of Buster Scruggs (Mary Zophres); The Favourite (Sandy Powell); Mary Poppins Returns (Sandy Powell); Mary Queen of Scots (Alexandra Byrne)

MEJOR DOCUMENTAL: Free Solo

Nominados: Hale County This Morning, This Evening; Minding the Gap of Fathers and Sons; RBG

MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Spider-Man: Into the Spider-Verse

Nominados: Incredibles 2; Isle of Dogs; Mirai; Ralph Breaks the Internet;

LAS PELÍCULAS CON MÁS NOMINACIONES AL OSCAR 2019

The Favourite - 10 

Roma - 10

A Star Is Born - 8 

Vice - 8

Black Panther - 7 

BlacKkKlansman - 6 

Bohemian Rhapsody - 5 

Green Book - 5

First Man - 4 

El regreso de Mary Poppins - 4  

La balada de Buster Scruggs - 3 

Cold War - 3

Can You Ever Forgive Me? - 3

If Beale Street Could Talk - 3

Isla de perros - 2

​Mary Queen of Scots - 2

Never Look Away - 2

RBG - 2

EL CASO "ROMA"

"Roma", de Alfonso Cuarón, hizo historia al convertirse en la primera obra en español que consigue la nominación al Oscar como mejor película. En total, la cinta sumó diez candidaturas, el mismo número que "La favorita", de Yorgos Lanthimos.

Las candidaturas de "Roma" son a mejor película (Cuarón figura como productor), mejor director (Cuarón), mejor actriz (Yalitza Aparicio), mejor actriz de reparto (Marina de Tavira), mejor película de habla no inglesa, mejor fotografía (Cuarón), mejor guion (Cuarón), mejor diseño de producción, mejor edición de sonido y mejor mezcla de sonido.

"Roma" es la décima película de habla no inglesa que obtiene la nominación en la principal categoría. Las anteriores fueron "Grand Illusion", "Z", "The Emigrants", "Cries and Whispers", "The Postman (Il Postino)", "Life Is Beautiful"; "Crouching Tiger, Hidden Dragon", "Letters from Iwo Jima" y "Amour".

El triunfo de "Roma" también pasa por ser la primera obra de Netflix que se lleva la nominación como mejor película. Otro título de la compañía, "The Ballad of Buster Scruggs", de los hermanos Joel y Ethan Coen, se hizo con tres candidaturas más.

BERLIN 2019

El jurado internacional de la Berlinale, presidido por la francesa Juliette Binoche, entregó los premios oficiales de la 69 edición del Festival de Cine de Berlín entre las 16 películas incluidas en su sección competitiva. "Synonymes", del israelí Nadav Lapid, se llevó el Oso de Oro, a mejor película.

Todos los ganadores del certamen:

Oso de Oro a la mejor película:"Synonymes", de Nadav Lapid (Francia, Alemania)

Oso de Plata – Gran Premio del Jurado: Grâce à Dieu", de François Ozon

Oso de Plata – Premio Alfred Bauer: "Systemsprenger" ("System crasher"), de Nora Fingscheidt (Alemania)

Oso de Plata a la mejor dirección: Angela Schenelec, por "Ich war zu Hause, aber" ("I was at home, but") (Alemania)

Oso de Plata a la mejor actriz: Yong Mei ("Di jiu tian chang", "So long, my son" (China).

Oso de Plata al mejor actor: Wang Jingchun ("Di jiu tian chang", "So long, my son" (China).

Premio a la mejor ópera prima: "Oray", de Mehmet Akif Bükükatalay (Alemania)

Oso de Plata al mejor guión: "La paranza dei bambini", de Claudio Giovannesi (Italia)

Oso de Plata a la mejor aportación artística: Ut og stjæle hester" ("Out stealing horses"), de Hans Petter Moland (Noruega, Suecia, Dinamarca).

Oso de Oro al mejor cortometraje: "Umbra", de Florian Fischer (Alemania)

Oso de Plata al mejor cortometraje: "Blue Boy", de Manuel Abramovich (Argentina, Alemania)

Premio al Mejor Documental: "Talking about trees", de Suhaib Gasmelbari (Francia, Sudán, Alemania)

Oso de Oro de Honor: Charlotte Rampling

Premio Audio al mejor cortometraje: "Rise", de Barbara Wagner y Benjamin de Burca (Brasil, Canadá, EEUU)

Mar del Plata, sábado 17 de noviembre de 2018

El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata anunció hoy a los ganadores de la 33° edición. “Entre dos aguas”, de Isaki Lacuesta, ganó el premio a la Mejor Película de la Competencia Internacional.

El jurado integrado por María Alché, María Bonsanti, Valèrie Massadian, Lluis Miñarro y Andrei Ujica, eligió una historia en la que el documental y la ficción se resiginifican en una experiencia física y conmovedora. Además su protagonista, Israel Gomes Romero, fue elegido como Mejor Actor de la Competencia Internacional por “Entre dos aguas”.
En la misma competencia, Judy Hill fue reconocida como Mejor Actriz por “What You Gonna Do When the World's on Fire?”, quien fue ovacionada y agradeció todo el apoyo del público. Hill celebró, además, la premiación de su director, Roberto Minervini, quien se llevó la estatuilla a Mejor Dirección. Mientras que el Mejor Guión fue para “Belmonte” de Federico Veiroj.

El premio especial del jurado fue compartido por “Chuva é cantoria na aldeia dos mortos”de João Salaviza y Renée Nader Messora, y “Vendrán lluvias suaves” de  Iván Fund.
El jurado de la Competencia Latinoamericana, integrado por Adam Cook, Camila Donoso y Lee Sang-yong reconoció a “Fausto” de Andrea Bussmann con el premio a la Mejor Película; mención especial del jurado al largometraje “Las cruces” de Teresa Arredondo Lugon, Carlos Vásquez Méndez. El premio a Mejor Cortometraje fue para “El cementerio se alumbra” de Luis Alejandro Yero.

En la Competencia Argentina, “El árbol negro” de Máximo Ciambella y Damián Coluccio fue elegida como Mejor Película; en tanto que los cortos “Aquel verano sin hogar” de Santiago Reale y “Mientras las olas” de Delfina Gavalda y Carmen Rivoira compartieron el premio a Mejor Cortometraje. La mención especial del jurado fue para “Julia y el zorro” de Inés Barrionuevo. El jurado estuvo integrado por Andy Starke, Violeta Kovacsics y José Luis Torres Leiva. Mientras que en la Competencia Work In Progress, los miembros del jurado: Chiara Marañon, Nico Marzano y  Hernán Musaluppi premiaron como mejor proyecto a“Los conductos” de Camilo Restrepo.

Estados Alterados, la nueva categoría incorporada a los premios oficiales de esta edición, contó con los jurados Laura Huertas Millán, Natalia Marín, Mark Peranson, quienes eligieron a “Chaos” de Sara Fattahi y “Casanovagen” de Louis Donschen en la categoría Mejor Película. A su vez el Premio del Público fue para “If beale street could talk” de Barry Jenkins. 

Además, en la Competencia Banda Sonora Original, la película ganadora fue “Los knacks: déjame en el pasado” de Mariano y Gabriel Nesci. Por su parte Crítica Joven premió a la mejor ópera prima internacional a la película “Terra franca” de Leonor Tales. Y CINE.AReligió a “Mientras las olas” como Mejor Cortometraje. 

El 33° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata tuvo  a Francia como País Invitado de Honor, de la mano de Jean Pierre Léaud, Léos Carax y Pierre Richard, que presentaron títulos icónicos de sus filmografías. Junto a ellos, Mark Berger, Lucrecia Martel, Laura Huertas Millán, Fran Healy, Valeria Sarmiento, Don McKellar, Želimir Žilnik y Patricia Mazuy fueron los protagonistas de la edición 33º del evento cinematográfico más importante del año. 

Por primera vez en la historia del Festival, tuvo un espacio para deliberar en torno a las desigualdades en el cine entre mujeres del sector. Actrices, directoras y productoras fueron parte del primer Foro de Cine y Perspectiva de Género en Tronador Concert. Entre las actividades especiales del 33° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata destacó “Phonurgia”, la masterclass de Lucrecia Martel sobre el tiempo y el espacio desde el sonido también en el Concert y, allí mismo, las “Charlas con maestras”, donde las directoras Valeria Sarmiento y Patricia Mazuy dialogaron sobre los cambios dentro de la industria y la necesidad de miradas femeninas en el cine. 

El público también pudo participar de la masterclass de Mark Berger en Cine Los Gallegos, y vio en pantalla grande el paso a paso de la creación del “Partenón de los libros prohibidos de Marta Minujín”.

El Festival de Mar del Plata es un símbolo cultural indiscutido en el que, cada año, más de 130 mil espectadores acompañan su programación. Organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), promueve la actividad cinematográfica de diversas formas; se exhiben películas de diversos orígenes, temática y estilos.
Con 64 años de historia, el festival se encuentra entre los quince de clase A en todo el mundo, categoría que comparte, entre otros, con Cannes, Toronto y San Sebastián, además de ser el único en Latinoamérica con esa distinción. Este año, más de 20 críticos y programadores de todo el mundo viajaron a Mar del Plata para conocer y evaluar las películas en competencia. 

75 Festival de Venecia 2018 (29 agosto - 8 sept.)

PRINCIPALES PREMIOS

 León de Oro - Mejor película: Roma

León de Plata - Mejor director: Jacques Audiard

Premio Especial del Jurado: The Nightingale

 Gran Premio del Jurado: The Favourite

·         Copa Volpi - Mejor actor: Willem Dafoe

·         Copa Volpi - Mejor actriz: Olivia Colman

·         Mejor guión: Joel Coen, Ethan Coen

·         Mejor joven actor o actriz emergente: Baykali Ganambarr

·         FIPRESCI - Jurado de la Crítica Internacional:Sunset

71º FESTIVAL DE CANNES

Kore-eda ganó la Palma de Oro en Cannes 2018. El cineasta japonés ganó con la película Shoplifters. El Gran Premio del Jurado fue para Spike Lee por BlacKkKlansman y el Premio Especial del Jurado para a Jean-Luc Godard

Shoplifters, del japonés Hirolazu Kore-eda ganó la Palma de Oro, el premio más importante que otorga el Festival de Cannes. Su nuevo retrato de una familia unida por los afectos sin considerar los lazos de sangre, y un estilo cinematográfico donde impera la bondad, y el amor y la protección de la familia son los elementos que unen más allá de la relación del parentesco.

Habitual concurrente de los festivales, gran admiración del maestro Yasujiro Ozu, había ganado anteriormente el Premio del Jurado en 2013 con De Tal Tadre, Tal Hijo. Su estilo clásico y pausado haciendo siempre foco en los sentimientos, es la consagración definitiva como Gran Maestro del cineasta japonés que fue el primer ganador de nuestro primer BAFICI en 1999 con La Vida Después de la Muerte (After Life).

El premio especial del jurado tuvo como propósito reconocer "a un artista que hace avanzar el cine". La Palma de Oro especial fue para Jean-Luc Godard por El libro de la Imagen, una película que generó mucho debate tras su proyección.

El Gran Premio del Jurado fue para Spike Lee por BlacKkKlansman, una llamada de atención contra el racismo y el presidente de los Estados Unidos, Donald Trump. El Jurado también otorgó un premio especial para la película libanesa Cafarnáun de NadineLabaki.

El polaco Pawel Pawlikowski fue premiado como mejor director por Cold War, un film de corte clásico, en el que narra una historia de amor basada en la relación de sus propios padres. Al igual que Ida, su film anterior, Cold War esta filmada en blanco y negro.

La actriz kazaja Samal Yeslyamova, se llevó el premio de mejor actriz por la película rusa Ayka, donde interpreta a una inmigrante luchando por sobrevivir en una ciudad como Moscú, en medio de un frio invierno y una gran corrupción.

El mejor actor fue el italiano Marcello Fonte, protagonista de Dogman, de Matteo Garrone.

El premio a mejor guion fue compartido por la película italiana Lazzaro Felice de Alice Rohrwacher, y la iraní Tres Caras de Jafar Panahi.

Para Cannes, este fue un año de transición, con algunos cambios sin importancia y el problema con Netflix sin resolver. El nivel cinematográfico de esta edición mejoró sustancialmente respecto del año anterior, donde pudo observarse el nuevo cine de directores no consagrados como autores pero con películas que resultaron más que interesantes. La ausencia más llamativa fue la del cine de Hollywood, de cuya procedencia se vio Solo: una historia de Star Wars, 

EL PALMARÉS COMPLETO

Palma de Oro: Shoplifters de Hirokazu Kore-eda (Japón).

Gran Premio del Jurado: BlacKkKlansman de Spike Lee (USA).

Premio del Jurado: Cafarnaúm de Nadine Labaki (Líbano).

Palma de Oro especial: Jean-Luc Godard por El libro de la Imagen (Francia).

Mejor dirección: Pawel Pawlikowski por Cold War (Polonia).

Mejor actriz: Samal Yeslyamova por Ayka de Sergey Dvortsevoy (Rusia)

Mejor actor: Marcello Fonte por Dogman de Matteo Garrone (Italia).

Mejor guion: ex-aequo para Alice Rohrwacher por Lazzaro Felice (Italia), y Jafar Panahi por Tres Faces (Irán).

Mejor cortometraje: All These Creatures de Charles Williams (USA).

Cámara de Oro: Girl de Lukas Dhont (Bélgica).

Premio Fipresci de la competición: Burning, de Lee Chang-dong (Corea del Sur)

Mejor película de Una Cierta Mirada: Gräns (Border), de Ali Abbasi (Irán).

Mejor película de la Quincena de Realizadores: Climax, de Gaspar Noé (Francia).

Mejor película de la Semana de la Crítica: Diamantino, de Gabriel Abrantes y Daniel Schmidt (USA).

El premio mayor fue para La Flor, el film de Mariano Llinás que se cataloga como la película más larga del cine argentino. Con una duración de catorce horas, proyectada en tres partes. La Flor dio que hablar desde antes de iniciado el festival y se convirtió en la ganadora de la Competencia Internacional, siendo la tercera película nacional que se lleva el mayor galardón en sus veinte ediciones (Parapalos, 2014 y La larga noche de Francisco Sanctis, 2016 fueron los ganadores anteriores). El film también destacó en la categoría a Mejor actriz, en el que salieron premiadas sus cuatro actrices: Pilar Gamboa, Elisa Carricajo, Laura Paredes y Valeria Correa. El premio a Mejor actor lo mereció Anders Juul por su labor en A Horrible Woman de Christian Tafdrup.

El Premio especial del Jurado fue para la japonesa Violence Voyager de Ujicha y la Mejor dirección otorgada al brasilero Tiago Melo por su film Azougue Nazaré.

En lo que a la competencia nacional respecta, salió triunfante otro de los films más comentados y controversiales de esta edición de BAFICI: Las Hijas del Fuego de Albertina Carri, que desde un erotismo irreverente y feminista dio que hablar durante toda la competencia, mientras que la artista Lola Arias fue premiada a Mejor Director por su ópera prima Teatro de Guerra, película donde reflexiona sobre la representación de la Guerra de Malvinas, entrevistando tanto a veteranos argentinos como británicos.

La competencia Latinoamericana otorgó su premio a Mejor Película al film boliviano Averno de Marcos Loayza.

En la categoría Vanguardia y Género, el Gran Premio se lo llevó The Image You Missed de Donal Foreman, una coproducción entre Irlanda, Francia y Estados Unidos mientras que la competencia de Derechos Humanos premió Meteors de Gürcan Keltek, una producción entre Turquía y Países Bajos con mención especial para la cordobesa El silencio es un cuerpo que cae de Agustina Comedi.

El Premio del público Cinecolor a la Mejor película argentina fue para Foto Estudio Luisita de Sol Miraglia y Hugo Manso.

LO QUE YO VI …Lo mejor de lo que vi en este Bafici que alcanzó las 20 ediciones.

JEUME FEMME de Leonor Serraille

Es la ópera prima de esta directora francesa presentada en el último Festival de Cannes. Trata de la separación de una mujer con ciertas inestabilidades psicológicas. La cámara de Serraille acompaña en todo momento a la protagonista generando un relato en primera persona de gran rigurosidad formal. Muchos de los méritos de este retrato de mujer casi al borde de un estado de nervios se deben a la estupenda actuación que logra Laetitia Dosch en el papel de Paula. El film no solo se hace fuerte en la descripción de su protagonista, una mujer sola con un gato a cuestas, sino también en la pintura de una situación casi marginal, un continuo vagabundeo por las calles de Paris en busca de un refugio, el enorme esfuerzo por lograr una reinserción laboral en medio de una gran soledad de una ciudad que le sienta como ajena. Se encuentra entre los mejor que vi en el Festival.

ERASE AND FORGET de Andrea Luka Zimmerman

Estamos ante un curioso documental que evoca la vida de Bo Gritz, un veterano de Vietnam que supuestamente fue el inspirador del personaje Rambo. La película oscila ente la historia real del personaje y del mito del héroe al que dio vida. Los resultados obtenidos son bastantes desparejos en ambas cuestiones.  Por un lado, no aporta mucha más información sobre la guerra de Vietnam que la que ya conocemos, y por otro, las películas de Rambo han resultado más entretenidas e incluso críticas respecto de aquella guerra que esta misma. Olvidable.

A ESTACIÓN VIOLENTA de Anxos Fázans

Esta película, opera prima de la directora gallega Anxos Fázans, está llena de virtudes cinematográficas porque logra un realizar fresco sobre la falta de expectativas de una juventud que ya esta vieja antes de cumplir los 30 años. Es un gran fresco sobre la decepción. Jóvenes que se sienten agredidos por el paso del tiempo, incapaces de reaccionar a tiempo, ganados por la abulia, perdiendo el tiempo lastimosamente sin siquiera apreciar o buscar alguna satisfacción en lo poco que hacen. Antón Fázans es una mujer muy joven de 25 años y realmente su película es un gran fresco sobre su propia generación. Sabe de lo que habla. Lo está viviendo y lo retrata en este notable film lleno de amargura y pesimismo sobre el futuro pero que a su vez se siente absolutamente honesto y libre de cualquier pose intelectual. Muy interesante.

LE SEMEUR de Marine Francen

Estamos ante un film maravilloso que recuerda las viejas novelas inglesas de la época victoriana como Cumbres Borrascosas (1847) de Emily Brontë; Jane Eyre (1848) de Charlotte Brontë; ó Tess de Thomas Hardy (1891). En este caso es una novela de la escritora francesa Violeta Alhaud, quien publicó El Hombre Semen en 1919, una historia autobiográfica, que transcurre durante las guerras napoleónicas en épocas de la caída de la 2da Republica. La acción tiene lugar en un poblado al pie de Los Alpes. Los hombres se han ido a la guerra y no han vuelto. Las mujeres temen que hayan muerto o en el mejor de los casos, tomados prisioneros. Conservando el buen humor, proceden con las labores de labranza y cosecha, y conversan entre ellas que harían si de repente aparece un hombre en el pueblo. La conversación de la hipótesis se hace realidad, y de pronto, el idílico clima pastoril se convierte en un infierno de envidias, celos, habladurías y demás maldades. Marine Francen debuta en la dirección cinematográfica con este solido film, estupendamente logrado, en el cual se destaca el clima de incertidumbre y las preocupaciones relacionadas con lo que va a pasar, por lo que está por venir, como así también, una extraordinaria descripción de los deseos reprimidos de esas mujeres durante la soledad que produce la guerra. Primero aparece la preocupación por la amenaza que genera la falta de reproducción, como si la especie estuviera en una posición de jaque. Pero ante la aparición del macho, un hombre joven y apuesto, rápidamente se pasa a la disputa del mismo, y finalmente, a su compartimiento generando una regresión de índole social y moral. El mérito de Francen es el equilibrio y la solidez de su narración, llena de suspenso por un lado, y de interés social por otro. Estamos ante un film que vale la pena tener en cuenta en caso que se estrene.

METEORS de Gürkan Keltek

Es un documental, con algunas escenas de ciencia ficción y otras parecidas a las de National Geografic que intenta analizar el problema entre turcos y kurdos en las alturas del este de Turquía con suerte muy desigual. Como documental político resulta una obra fallida toda vez que las imágenes por si mismas no terminan de explicar ni aclarar el problema político. Si, en cambio, vemos al film como una reflexión sobre el poder devastador de la guerra, como un conflicto humano provocado entre hombres cuyo salvajismo no tiene límite, entonces la obra alcanza otras dimensiones al comparar el belicismo de los hombres con la forma que los machos cabríos defienden su territorios en aquellas mismas alturas donde tiene lugar los acontecimientos bélicos, o como la súbita y misteriosa de un meteorito, o sea un fenómeno de la naturaleza, provoca tanto daño material y humano como los daños que provocan la misma guerra. Bellamente filmada en blanco y negro, alerta sobre un conflicto que no aparece en las noticias y es producto de censura en Turquía no obstante ocurrir con la misma fuerza salvaje de la naturaleza.

FLORA NO ES UN CANTO A LA VIDA de Iair Said

Notable film del debutante director argentino. Con mínimos recursos cinematográficos, a través de una serie de entrevistas su Tía Flora, no solo logra una película típicamente de humor judío sino también un retrato de su Tía Abuela un par de años antes de su fallecimiento. El film de Said es un canto a la vida de una mujer anciana y solitaria, muy inteligente y lucida que sabe el porqué del acercamiento de su sobrino pero no obstante ello, se abre en busca de su afecto para paliar su soledad. El cine de Said, desarrollado con mínimos recursos materiales, hace recordar a los primeros films de Woody Allen, plagados de un humor absurdo pero manteniendo una línea narrativa que no solo le permite pintar un gran personaje sino también desarrollar una película a modo de comedia situacional.

DRY MARTINA de Che Sandoval

No conocía el cine de che Sandoval, por lo tanto, este fue mi primer encuentro y el resultado ha sido ampliamente positivo. Filmada en Buenos Aires y Santiago, como una coproducción entre Argentina y Chile, Sandoval logra una comedia pasatista muy entretenida, con algunas escenas de soft porno derivadas de los problemas sexuales de su protagonista casi absoluta, una cantante de boleros enamoradiza con problemas de sexualidad que derivan en una especie de vodevil. Ello hace que el film se meta de lleno en una comedia de enredos con ribetes familiares, extremadamente alocada, que remite al cine americano de los años 80, aquellos donde Goldie Hawn reinaba en el género. Hay que reconocer en Sandoval sus notable aptitudes para la comedia como así también la factura técnica del film, especialmente a lo que se refiere a sonido, es de una calidad infrecuente en nuestro cine.

HEREDERA DEL VIENTO de Gloria Carrión Fonseca

Este es un documental lacerante que no solo revive la época de la revolución sandinista en Nicaragua, sino fundamentalmente, la experiencia de vida de su directora, hija de dos combatientes revolucionarios. Ivette y Carlos fueron dirigentes importantes de la revolución, conocieron las cárceles somocistas, se enamoraron, se casaron, tuvieron hijos y más tarde se divorciaron. El film, narrado en tiempo presente, es el encuentro de Gloria con sus padres para evocar aquel momento de ilusión y sueño por una patria mejor que justificaba la lucha contra un dictador sangriento, el momento del triunfo de la revolución y la toma del poder, y más tarde la decepción del cambio ante la imposibilidad de neutralizar la aparición de “los contras” y poder lograr una sociedad igualitaria y en paz. Pero es también la visión humanista de Gloria Carrión Fonseca, quien se pone en un punto equidistante de sus padres, para admitir por un lado, la derrota de la revolución que no ha podido ser ni más ni menos que un intento de cubanización del país, cayendo primero en la guerra civil y luego dando lugar que a través del tiempo se hayan perpetuado gobiernos corruptos que nunca han podido sacar a Nicaragua de la pobreza, y por otro, su propio sufrimiento, el de una hija de revolucionarios con sus padres lejos, ausentes, y separados ya sea porque estaban en el frente, en la cárcel o cargo de tareas de gobierno, pero siempre lejos y distantes. Un documento que habla desde un corazón sufrido pero con la mente fría de la objetividad.

L´ EQUILIBRIO de Vincenzo Marra

Este notable nuevo film de Vincenzo Marra nos habla de la dificultad de mantener el equilibrio entre la predica de la palabra de Jesus y una realidad dominada por bandas callejeras de adolescentes que lejos de buscar construir un porvenir viven el día a día ya sea drogándose en las calles o bien vendiendo la droga para el consumo diario.

El Padre Giuseppe trabaja en el Vaticano y pide ser trasladado para poder estar cerca de la gente. Es enviado a un pueblo de Italia donde debe reemplazar a Don Antonio, un cura que ha sabido mantener el equilibrio.  Pero el Padre Giuseppe prontamente comienza a darse cuenta que el pueblo está más cerca del infierno que del cielo. La droga es moneda corriente en las calles, como así también, los desechos químicos de las fábricas que van a parar los cursos de agua que circundan la ciudad envenenan las mismas y provocando canceres en la población.

Marra relata con suma destreza la complicada situación en que se mete el Padre Giuseppe, quien queriendo hacer el bien termina generando el mal, y la pérdida de su propio equilibrio personal, al querer el estado material de las cosas abandonando el aspecto espiritual de su rebaño de fieles. Pero la destreza de Marra también hace hincapié en la hipocresia existente tanto en las autoridades civiles como eclesiásticas que por una u otra razón prefieren mirar para otro lado, especialmente estas últimas bajo la premisa de que un cura debe ocuparse de las cuestiones divinas pero no de las materiales.

TRUFFAUT AT PRESENT de Axelle Ropert

Este cortometraje precede la exhibición del film que se comenta a continuación. Ambos dirigidos por Axelle Ropert son un sentido homenaje al cine de Francois Truffaut. En este primer corto, Ropert entrevista actores, es decir, realiza un casting con 5 parejas de actores con la intención de filmar una película imitando la manera en que lo hacia Truffaut.

TIREZ LA LANGUE, MADEMOISELLE de Axelle Ropert

Esta es una típica comedia de enredos en la que dos hermanos médicos se enamoran de una misma mujer, una vecina del barrio que tiene un hijo al cual atienden. Aquí también el espíritu de Truffaut está latente. Ese humanismo desbordante en el cual los personajes son capaces de sacrificar sus apetencias personales en pos de no traicionar al otro, sea ese otro su pareja o su hermano, haciendo recordar film como Jules y Jim, La Piel Dulce y Las Dos Inglesas.

OSCAR 2018

MEJOR PELÍCULA: La Forma del Agua

Nominados: Call Me By Your Name; El instante más oscuro; Dunkerque; Déjame salir; Lady Bird; El hilo invisible; Los archivos del Pentágono; Tres anuncios en las afueras

MEJOR DIRECCIÓN: Guillermo del Toro, por La forma del agua;

Nomimnados: Christopher Nolan, por Dunkerque; Jordan Peele, por Déjame salir; Greta Gerwig, por Lady Bird; Paul Thomas Anderson, por El hilo invisible

MEJOR ACTRIZ: Frances McDormand, por Tres anuncios en las afueras

Nominados: Sally Hawkins, por La forma del agua; Margot Robbie, por Yo, Tonya; Saoirse Ronan, por Lady Bird; Meryl Streep, por Los archivos del Pentágono

MEJOR ACTOR: Gary Oldman, por El instante más oscuro

Nominados: Timothée Chalamet, por Call Me By Your Name; Daniel Day-Lewis, por El hilo invisible: Daniel Kaluuya, por Déjame salir; Denzel Washington, por Roman J. Israel, Esq

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Allison Janney, por Yo, Tonya

Nominados: Mary J. Blige, por Mudbound; Lesley Manville, por El hilo invisible: Laurie Metcalf, por Lady Bird; Octavia Spencer, por La forma del agua

MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Sam Rockwell, por Tres anuncios en las afueras

Nominados: Willem Dafoe, por The Florida Project; Woody Harrelson, por Tres anuncios en las afueras; Richard Jenkins, por La forma del agua; Christopher Plummer, por Todo el dinero del mundo

MEJOR GUION ADAPTADO: Call Me By Your Name, de James Ivory

Nominados: The Disaster Artist, de Scott Neustadter e Michael H. Weber; Molly's Game, de Aaron Sorkin; Logan, de Scott Frank, James Mangold e Michael Green; Mudbound, de Virgil Williams and Dee Rees

MEJOR GUION ORIGINAL: Déjame salir, de Jordan Peele

Nominados: La enfermedad del amor (The Big Sick), de Emily V. Gordon e Kumail Nanjiani; La forma del agua, de Guillermo Del Toro; Lady Bird, de Greta Gerwig; Tres anuncios en las afueras, de Martin McDonagh

MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: Una mujer fantástica (Chile)

Nominados: El insulto (Líbano); Sin amor (Rusia); En cuerpo y alma (Hungría); The Square (Suecia)

MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Coco, de Lee Unkrich, Darla K. Anderson

Nominados:  El bebé jefazo, de Tom McGrath, Ramsey Ann Naito; Ferdinand, de Carlos Saldanha; Loving Vincent, de Dorota Kobiela, Hugh Welchman, Sean Bobbitt, Ivan Mactaggart, Hugh Welchman; The Breadwinner, de Nora Twomey, Anthony Leo

MEJOR FOTOGRAFÍA: Blade Runner 2049, de Roger Deakins

Nominados: El instante más oscuro, de Bruno Delbonnel; Dunkerque, de Hoyte van Hoytema; Mudbound, de Rachel Morrison; La forma del agua, de Dan Laustsen

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN: La forma del agua, de Paul D. Austerberry, Jeffrey A. Melvin, Shane Vieau

Nominados: La Bella y la Bestia, de Sarah Greenwood; Katie Spencer; Blade Runner 2049, de Dennis Gassner, Alessandra Querzola; El instante más oscuro, de Sarah Greenwood, Katie Spencer; Dunkerque, de Nathan Crowley, Gary Fettis

MEJOR VESTUARIO: El hilo invisible, de Mark Bridges

Nominados: La Bella y la Bestia, de Jacqueline Durran; El instante más oscuro, de Jacqueline Durran; La forma del agua, de Luis Sequeira; La reina Victoria y Abdul, de Consolata Boyle

MEJOR MONTAJE: Dunkerque, de Lee Smith

Nominados: Baby Driver; La forma del agua, de Sidney Wolinsky; Yo, Tonya, de Tatiana S. Riegel; Tres anuncios en las afueras, de Jon Gregory

MEJORES EFECTOS ESPECIALES: Blade Runner 2049, de John Nelson, Paul Lambert, Richard R. Hoover, Gerd Nefzer

Nominados: Guardianes de la galaxia Vol. 2, de Christopher Townsend, Guy Williams, Jonathan Fawkner, Dan Sudick; Kong: La isla calavera, de Stephen Rosenbaum, Jeff White, Scott Benza, Mike Meinardus; Star Wars: Los últimos Jedi, de Ben Morris, Mike Mulholland, Chris Corbould, Neal Scanlon; La guerra del planeta de los simios, de Joe Letteri, Dan Lemmon, Daniel Barrett, Joel Whist

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: El instante más oscuro, de Kazuhiro Tsuji, David Malinowski, Lucy Sibbick

Nominados: La reina Victoria y Abdul, de Daniel Phillips and Lou Sheppard; Wonder, de Arjen Tuiten

MEJOR MONTAJE DE SONIDO: Dunkerque, de Alex Gibson, Richard King

Nominados: Baby Driver, de Julian Slater; Blade Runner 2049, de Mark Mangini, Theo Green; La forma del agua, de Nathan Robitaille, Nelson Ferreira; Star Wars: Los últimos Jedi, de Ren Klyce, Matthew Wood

MEJOR MEZCLA DE SONIDO: Dunkerque, de Mark Weingarten, Gregg Landaker, Gary A. Rizzo

Nominados: Baby Driver, de Mary H. Ellis, Julian Slater, Tim Cavagin; Blade Runner 2049, de Mac Ruth, Ron Bartlett, Doug Hephill; La forma del agua, de Glen Gauthier, Christian Cooke, Brad Zoern; Star Wars: Los últimos Jedi, de Stuart Wilson, Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick

MEJOR BANDA SONORA: La forma del agua, de Alexandre Desplat

Nominados: Dunkerque, de Hans Zimmer; Star Wars: Los últimos Jedi, de John Williams; El hilo invisible, de Jonny Greenwood; Tres anuncios en las afueras, de Carter Burwell

MEJOR CANCIÓN: Remember Me, en Coco, de Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez

Nominados: Mighty River, en Mudbound, de Mary J. Blige; Stand up for something, en Marshall, de Diane Warren, Common; This is me, en El gran showman, de Benj Pasek, Justin Paul

MEJOR DOCUMENTAL: Icarus, de Bryan Fogel, Dan Cogan

Nominados: Abacus: Small Enough to Jail, de Steve James, Mark Mitten, Julie Goldman; Faces Places, de JR, Agnès Varda, Rosalie Varda; Last Men in Aleppo, de Feras Fayyad, Kareem Abeed, Soren Steen Jepersen; Strong Island, de Yance Ford, Joslyn Barnes

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: Heaven is a Traffic Jam on the 405, de Frank Stiefel

Nominados: Edith+Eddie, de Laura Checkoway, Thomas Lee Wright; Heroin(e), de Elaine McMillion Sheldon, Kerrin Sheldon; Knife Skills, de Thomas Lennon; Traffic Stop, de Kate Davis, David Heilbroner

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN: The Silent Child, de Chris Overton, Rachel Shenton

Nominados: DeKalb Elementary, de Reed Van Dyk; The Eleven o'clock, de Derin Seale, Josh Lawson; Wate Wote/All of US, de Katja Benrath, Tobias Rosen; My nephew Emmett, de Kevin Wilson, Jr.

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO: Dear Basketball, de Glen Keane, Kobe Bryant

Nomiandos: Garden Party, de Victor Caire, Gabriel Grapperon; The Silent Child, de Chris Overton, Rachel Shenton; Lou, Dave Mullins, de Dana Murray; Negative Space, de Max Porter, Ru Kuwahata; Revolting Rhymes, de Jakob Schuh, Jan Lachauer

25 - 02- 2018 - Palmarés completo

- Oso de Oro a la mejor película: 'Touch me not', de Adina Pintilie.
- Oso de Plata, Gran Premio del Jurado: 'Mug', de Malgorzata Szumowska.
- Oso de Plata, Premio Alfred Bauer: 'Las herederas', de Marcelo Martinessi
- Oso de Plata a la mejor dirección: Wes Anderson, por 'Isla de perros'.
- Oso de Plata a la mejor actriz: Ana Brun, por 'Las herederas'.
- Oso de Plata al mejor actor: Anthony Bajon, por 'La prière'.
- Premio a la mejor ópera prima: 'Touch me not', de Adina Pintilie.
- Oso de Plata al mejor guión: 'Museo', de Alonso Ruizpalacios.
- Oso de Plata a la mejor aportación artística: 'Dovlatov', de Alexey German.
- Oso de Oro al mejor cortometraje: 'The Men Behind the Wall', de Ines Moldavsky.

- Premio del Público de la sección documental de Panorama: El Silencio de los Otros.

FESTIVAL DEL CINE DE MAR DEL PLATA 2017

El presente es un resumen de las películas que vi este año en el Festival y un detalle de los premios otorgados en la competencia oficial.

El presente es un resumen de las películas que vi este año en el Festival y un detalle de los premios otorgados en la competencia oficial.

THELMA de Joachim Triers

Este interesante film noruego no acaba consolidarse enredado en las diferentes líneas narrativas que desarrolla. En primer lugar, la descripción costumbrista de una adolescente que se traslada a Oslo a vivir sola con el propósito de comenzar sus estudios universitarios dejando atrás, su casa y su familia y su acomodada vida de hija única. En segundo lugar, la fuerte influencia religiosa recibida en un entorno extremadamente puritano. En tercer lugar la aparición de ciertos poderes extrasensoriales que otorgan a la narración un tono fantástico.

Como consecuencia de ello, su comportamiento se ve afectado sufriendo trastornos diversos que simultáneamente afectan y perturban su personalidad como poderes extrasensoriales e incluso, inclinaciones hacia la homosexualidad.

La película podría verse como los cambios y transformaciones que se presentan en el pasaje de la adolescencia a la adultez, pero la premura de Triers por lucirse en el manejo de los distintos registros cinematográficos hacen que Thelma se transforme en un popurrí de estilos, una muestra de la capacidad narrativa del director que termina impidiendo que la película se consolide en una línea narrativa y coherentemente, pueda transmitir su mensaje.

WESTERN de Valeska Grisebach

Inspirándose libremente en el formato del western, la directora y guionista introduce a seis obreros alemanes de la construcción en un pueblito de Bulgaria donde van a construir un acueducto. Los contrastes entre los buenos y los malos se reducen a que los alemanes, quienes supuestamente traen el progreso, con tal de llevar su obra delante, traspasan cualquier principio. Y los buenos de turno, los paisanos de los dos pueblos vecinos, se ven sometidos los mandatos de la constructora donde el recurso hídrico, o sea, el agua, se vuelve critico tanto para la vida en los pueblos como para la construcción de la obra. La situación planteada siempre se encuentra al borde del estallido, y la directora alemana trabaja el material con cautela, tirando y aflojando las tensiones tratando de lograr personajes humanos que superen los estereotipos de costumbre.

EL SILENCIO DE LOS FUSILES de Natalia Orozco

Notable documental de la directora colombiana que narra el proceso de paz desarrollado en Colombia entre el gobierno de ese país presidido por Juan Manuel Santos y los principales dirigentes de las FARC (Fuerzas Armadas Revolucionarias Colombianas) llevado a cabo entre 2012 y 2016, sus instancias definitorias en La Habana, Cuba, con Raúl Castro como anfitrión de las negociaciones y Hugo Chávez como asesor de la paz.  

Circunscribiéndose a la actuación de ambas partes y dejando deliberadamente de lado las consecuencias que la guerra tuvo durante casi 50 años de lucha, resume las negociaciones mostrando objetivamente las posiciones de las partes en cada instancia de la negociación, haciendo hincapié en los avances y los retrocesos que la misma tuvo durante aquellos 4 años, originado un fresco de dimensiones políticas extraordinarias toda vez que el resultado obtenido fue la paz.

Es de destacar la objetividad lograda por la directora que nunca deja traslucir sus propias ideas políticas sino que enfatiza como bien supremo a obtener por las partes la ansiada paz que el pueblo colombiano se merecía más allá de toda discusión o posición tomada. Es significativa la comprensión que el proceso derivaría en un abandono de la lucha armada por parte de las FARC para integrarse a la vida política colombiana como un partido representante de la izquierda que mantiene intactas sus ideas básicas.

LA FABRICA DE NADA de Pedro Pinto

En esta ensalada de Pedro Pinto hay de todo. Es lo que podríamos llamar una ensalada completa. Comienza como una película dramática, continua como una comedia familiar, por momentos se convierte en musical, más tarde adhiere al fin de denuncia, al final aparece con una idea vencida proveniente de Argentina como el de las compañías auto gestionadas, y termina aceptando la triste realidad que dice que los tiempos cambian y si no te adaptas a ellos, los cambios te llevan puesto.

Tres horas se toma Pinto para hacer un film de tesis que podría durar 30 minutos. No sé, incluso después de ver el film, si al espectador le quedará claro que estamos ante un proceso de transformación social donde definitivamente la sociedad industrial está despareciendo para dar lugar a una nueva sociedad de servicios. Este proceso de cambio es inevitable e inherente a la propia condición humana.  Ocurrió hace más de 200 años atrás cuando apareció la maquina a vapor transformando la sociedad agraria en industrial y provocando una mudanza del hombre del campo a la ciudad.

El film de Pinto peca de ingenuidad al sumergirse en su confusión narrativa y estilística. No quedan claros cuáles son sus propósitos finales, Si el film es una crítica social o si es un llamado de alerta acerca de un cambio social que será inexorable.

LAS OLAS de Adrían Biniez

Muy flojo film argentino / uruguayo sobre la evocación de un verano en la playa en el que prevalece el tedio y el hastío, retratando ese tiempo de vacaciones donde la nada se impone.

CHARLAS CON MAESTROS: VANESSA REDGRAVE

Lejos de la Clase Magistral, la señora Redgrave aprovecho al máximo la idea de charla en la que prevaleció la dispersión dejando de lado la maestría, aunque en el final dio una pequeña clase de actuación recordando la primera actuación de su vida a los 4 años, que por otra parte, fue los mejor de la charla.

De cine se habló poco y nada. Una simple mención a Michelángelo Antonioni, a quien definió como un hombre excepcional (la dirigió en Blow Up), y una interesante anécdota sobre la filmación de Julia en la que recordó la instrucciones que recibió de Fred Zinneman para armar su personaje, básicamente a través de un recorte de diario publicado en 1934 en Viena en el cual se informaba de la primera razzia nazista que había tenido lugar en barrio trabajador de aquella ciudad dando inicio a las persecuciones de judíos en Europa antes de la Segunda Guerra.

El resto de la charla se concentró en el tema derechos humanos, un poco relacionados con el film Sea Sorrow (Mar de Penas) que presentará mañana en el Festival, que realizó junto a su hijo Carlo Nero, quien se encargó de la producción.

El resto de la charla se centró en la participación de varias personas que expusieron sus problemas de falta de respuesta por parte del Estado Argentino ante el hecho de la desaparición de sus hijos durante la última dictadura que gobernó la Argentina.

LUMIÉRE de Thierry Frémaux

Estuve anoche viendo la maravillosa película que hizo Frémaux a partir del material de los Lumiére. Me pareció extraordinaria. Una de las mayores lecciones sobre técnica de cine que vi en mi vida. La película se explica por si sola, y tanto los comentarios de Frémaux como la música que acompaña las imágenes, no solo agregan puntos de vista muy interesantes sino que aportan un humor muy especial al ritmo del film. Es una joya que debe verse. Ojalá se pueda estrenar comercialmente.

SEA SORROW (MAR DE PENAS) de Vanessa Redgrave

Interesante film de Vanessa Redgrave sobre la situación de los refugiados en Europa, de la desatención existentes sobre la cuestión de derechos humanos, declaración firmada por la mayoría de los países del mundo en la Organización de las Naciones Unidas, que en la práctica ha sido desatendida por los propios firmantes, ente ellos, el gobiernos del Reino Unido de Gran Bretaña, es decir, su propio país.

Con imágenes realistas, lacerantes y de plena actualidad, la directora genera un fresco actual y una reflexión personal sobre del estado de situación que vive la gente alojada en los vivacs y campos destinados al efecto. El film se concentra principalmente en el estado de los niños alojados en ellos, de las innumerables crisis migratorias producto de guerras civiles y persecuciones políticas, religiosas y étnicas para terminar poéticamente recitando al Shakespeare de La Tempestad cuando aparece Ralph Fiennes protagonizando a Prospero cuando relata a Miranda cuánta tristeza ve en el mar, exiliados ellos mismos en una isla remota, muy lejos de Milán. La situación de los personajes shakespearianos no es otra que la misma situación a la que ella, como directora, ha pasado revista en su intensa película sobre los refugiados.

No obstante los valores morales y la firme actitud de defensa de los derechos humanos, el film adolece de una visión más amplia y abarcativa que pueda explicar mejor los problemas que asimismo afectan a los países de Europa, tanto en el plano político como en lo social y en lo económico que están soportando fenómenos de profunda situación de desempleo y violencia terrorista.

THE FIRST LAP (LA PRIMERA VUELTA) de Kim Dae-hwan

Muy interesante trabajo del joven director coreano que estuvo presente en la muestra, aunque lamentablemente no se abrió a comentarios una vez finalizada la función.

Su film es un relato en tres tiempos, prácticamente tres actos de algo muy parecido a una obra teatral que con suma inteligencia Dae-hwan airea y da ritmo de comedia cinematográfica.

Esos tres encuentros: una charla de pareja en su departamento, una visita a los padres de ella, y un encuentro con los padres de el para festejar un cumpleaños son como parte de un testeo de una situación de pareja que va sufriendo un desgaste después de 7 años de convivencia y requiere una renovación que pareciera ser la posibilidad de un casamiento y el advenimiento de los hijos.

Kim Dae –hwan es autor total de la obra. La escribió y la dirigió generando un fresco muy interesante sobre la juventud de su país, una Corea del Sur, que a pesar de continuar con ciertas costumbres muy arraigadas, ha adoptado un estilo de vida absolutamente occidental. Los problemas que platea: una cierta adolescencia tardía de los protagonistas, la demorada búsqueda de encontrar el camino hacia la realización personal, la visión del desgaste matrimonial de los padres, la falta de convicción en el modelo son aspectos que el muy buen guión del director son llevados a la pantalla con buen ritmo narrativo y un grupo de excelentes actores.

Tal vez esta película coreana, por su actualidad, su poder de síntesis, su capacidad para plantear un problema contemporáneo sea lo mejor de este Festival.

THE DEAD NATION de Radu Jude

Este documental realizado a partir de un álbum fotográfico es parte de un debate aún abierto en Rumania sobre el papel y la responsabilidad de sus líderes y sus ciudadanos durante el Holocausto.

Es parte de un álbum muy especial hecho por un fotógrafo profesional de la época. Es decir, es una mirada parcial, absolutamente personal, que encierra a un tipo de evento que no se puede juzgar solo desde la perspectiva de la película, sino que debemos mirarla desde una perspectiva más amplia que explique también la situación histórica y política del país.

Si bien el cine es imagen en movimiento a las que se le agregan sonidos, cabe preguntarse si este film experimental del rumano Rade Jude es cine documental. Es sabido que el director rumano es afecto a jugar con las formas y las búsquedas estilísticas. No hay duda que esta es una película osada y ciertamente polémica. También es cierto que la descripción del fenómeno social que describe es minuciosa. Pero visto el film, queda una idea de trabajo inacabado, como si el relato fuera potencialmente más poderoso que las fotografías que acompaña.

ZELIMINR ZILNIK

Dentro de la sección Retrospectivas, este año el Festival presentó a uno de los más osados, intransigentes e independientes directores del cine europeo. Zelnik es un yugoslavo, hoy serbio, un rebelde en estado puro, una especie de trotskista cinematográfico que solo cree en la revolución permanente. En la década del 60 sacudió el statu quo con películas muy críticas tanto hacia el Mariscal Tito como a la sociedad reprimida de aquella época. Su cine respiraba un aire nuevo, que por vía de la sátira expresaba un dsiconformismo absoluto.

De Zilnik se vieron en el Festival dos películas: THE WAY STEEL WAS TEMPERED (1988) y THE OLD SCHOOOL OF CAPITALISM (2009).

THE WAY STEEL WAS TEMPERED es una gran farsa políticamente incorrecta que describe la corrupción de un sistema socialista donde la corrupción de los que mandan permite generar la holgura del modo de vida de la clase dirigente mientras que mira de reojo las licencias de la clase trabajadora, que lejos de llevar un vida recatada y sometida se toma toda clase de licencias, mostrando un panorama de inevitable decadencia e ineficiencia social.

THE OLD SCHOOL OF CAPITALIM es un falso documental donde, después de las guerras de los Balcanes y en plena transición hacia el capitalismo, estalla la gran crisis financiera de Wall Street en 2008. Las consecuencias para un país como Serbia son inevitables. En el centro de Europa y con todo por hacer, con una cultura completamente diferente a la libertad económica, estallan los paros, las protestas y las huelgas con una cierta añoranza del pasado paraíso perdido, sin que el nuevo capitalismo en marcha pueda originar ninguna clase de mejora en la calidad de vida.

Tanto en The Way Steel como en The Old School en inconformismo de Zilnik es evidente. Su cine no se parece a ningún otro. Es de un ritmo vertiginoso donde la prolijidad formal no existe. Sus imágenes, literalmente, estallan en la pantalla con violencia inusitada, y sus personajes no tienen miedo de caer en el ridículo porque saben que son representativos de un mundo que no guarda ningún tipo de equilibrio y que está gobernado por el exceso. Zilnik se toma toda clase de licencias narrativas, y honestamente, creo que no reconoce paternidad alguna. Pienso que el cine de Kusturica podría acercársele en su visión caótica del mundo. Pero Zilnik carece de poesía. Es explosión pura. Tal vez su cine sea una visión bufa de la “comedia alla italiana”, aquella que supieron transitar Ugo Tognazzi, Lando Buzanca,  Mariangela Melato y sobre todo, la gran señora Lina Wertmuller.

FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA 2017 - PREMIACIÓN

MEJOR PELICULA: Wajib de Annemarie Jacir (Palestina)

MEJOR DIRECCION:  Valeska Grisebach por Western (Alemania)

MEJOR GUIÓN: Kim Dae-hwan por The Firs Lap (Corea del Sur)

MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA: Mohamed Bakri por Wajib (Palestina)

MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA: Eli Harboe  por Thelma (Noruega)  

PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: Kariana Nuñez Santaliz por El Silencio del Viento de Álvaro Aponte Centeno (Puerto Rico)

COMPETENCIA ARGENTINA: El Azote de José Celestino Campusano

PREMIO DEL PÚBLICO: Primas de Laura Bari.

    

 VENEZIA 74 - SETIEMBRE 2017

Guillermo del Toro se adjudicó el León de Oro al Mejor Film con “The Shape of Water”

PREMIOS DE LA COMPETENCIA OFICIAL

-LEON DE ORO: THE SHAPE OF WATER / LA FORMA DEL AGUA, de Guillermo del Toro (EE.UU.)

-LEON DE PLATA - GRAN PREMIO DEL JURADO: FOXTROT, de Samuel Maoz (Israel, Alemania, Francia, Suiza)

-LEON DE PLATA – MEJOR DIRECCIÓN: Xavier Legrand por JUSQU’À LA GARDE (Francia)

-COPPA VOLPI – MEJOR ACTRIZ: Charlotte Rampling por HANNAH, de Andrea Pallaoro (Italia, Bélgica, Francia)

-COPPA VOLPI – MEJOR ACTOR: Kamel El Basha por THE INSULT, de Ziad Doueiri (Líbano, Francia)

-MEJOR GUIÓN: Martin McDonagh por THREE BILLBOARDS OUTSIDE EBBING, MISSOURI, de Martin McDonagh (Gran Bretaña)

-PREMIO ESPECIAL DEL JURADO: SWEET COUNTRY, de Warwick Thornton (Australia)

-PREMIO MARCELLO MASTROIANNI (ACTOR O ACTRIZ REVELACIÓN): Charlie Plummer por LEAN ON PETE, de Andrew Haigh (Gran Bretaña)

CANNES 70 - MAYO 2017

LOS GANADORES

Palma de Oro: "The Square", de Ruben Östlund.

Gran Premio del Jurado: "120 Battements Par Minute", de Robin Campillo.

Premio Especial del 70 Festival de Cannes: Nicole Kidman.

Dirección: Sofia Coppola, por "El Seductor".

Mejor Actriz: Diane Kruger, por "In the Fade".

Mejor Actor: Joaquin Phoenix, por "You Were Never Really Here".

Premio del Jurado: "Nelyubov" (Loveless"), de Andrey Zvyagintsev.

Premio de Guion "ex aequo": Yorgos Lanthimos, por "The Killing of a Sacred Deer", y Lynne Ramsay, por "You Were Never Really Here".

Palma de Oro al Mejor Cortometraje: "Xiao cheng er Yue" ("A Gentle Night"), de Qiu Yang.

Mención Especial: "Katto" ("The Ceiling"), de Teppo Airaksinen.

Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima: "Jeune Femme", de Léonor Serraille. 28 de mayo de 2017

FESTIVAL DEL CINE NEOZELANDES

BOY de Taika Waititi (2010) 

Corre 1984. Boy es un niño de unos 11 años, fanático de Michael Jackson,  que vive en una granja en el campo con su abuela y su hermano. Su madre ha muerto y su padre, ladronzuelo de poca monta, está pagando unos años de cárcel.  La película es un retrato del fin de la niñez de Boy durante una semana en que su abuela se va a la casa de la otra hija y casualmente aparece su padre acompañado de otros dos delincuentes que se han escapado de la cárcel.

El film describe con un humor los esfuerzos de Boy por hacerse hombre y tratar de escapar de los malos ejemplos de su padre a la vez que deja entrever la marginalidad de las tribus originarias de ese país. Boy es una película agradable, contada desde la inocencia de un niño, pero que se atreve a denunciar las desigualdades sociales de una Nueva Zelanda que presenta grandes contrastes sociales pese a la opulencia y la pujanza que tiene el país como miembro de la comunidad británica.

EL RENACER DE UN CAMPEON (THE DARK HORSE) de James Napier Robinson (2014)

Narra la historia real de un jugador de ajedrez con problemas mentales (Genesis Potini) que después de ser dado de alta en el nosocomio donde está internado, decide volver a su pueblo en busca de su hermano. La recepción no será la mejor pero encuentra a un amigo que le cuenta que está preparando a un grupo de niños de la calle para participar en una olimpiada juvenil de ajedrez en Oakland y le pide que se una a su cruzada.

La película es una historia de superación personal, donde Génesis, por un lado se convierte en una especie de sostén moral de su sobrino, ayudándolo a encontrar su lugar en el mundo, y por otro, logra enseñar a competir seria y sanamente a un grupo de niños socialmente abandonados.

NACIDO PARA BAILAR de Tammy Davis (2015)

Se trata de un “Bailando” de los barrios bajos de Auckland, que al igual que la película antes comentada, narra una historia ya no de superación personal, sino más bien del encuentro de una vocación. Tu, tal es el nombre del protagonista, es hijo de un militar y solo parece tener la oportunidad de entrar al ejército.  Pero para Tu, esa no es una opción. Su pasión es el baile y quiere convertirse en un bailarín de hip hop.

La habilidad del director Tammy Davis hace que esta historia convencional se vuelva verdaderamente interesante a través de una trama con muchas vueltas, muy bien narrada que no solo muestra la esforzada vida y disciplina a la que se ven sometidos los bailarines sino también se constituye en un verdadero fresco social toda vez que sus protagonistas son jóvenes de pueblos vecinos a la ciudad de Auckland, donde las oportunidades de trabajo escasean y poder seguir la vocación artística es un gran premio.

EN SINTESIS

Las 3 películas comentadas tienen en común es que su trama tiene y gira en torno a un personaje principal, casi monolítico, alrededor del cual se gesta una historia de superación personal.

Por otro lado, cada una de las vidas que retratan estas películas está condicionada fuertemente por el marco social en que se desenvuelve. Los problemas sociales en la periferia de las grandes ciudades (Wellington y Auckland), si bien no son mencionados son mostrados con agudeza. Es indudable que en Nueva Zelanda los problemas sociales existentes son los comunes al resto del mundo. La falta de trabajo, la desocupación, está derivando hacia la necesidad de reemplazar parte de las tecnicaturas y profesiones conocidas por otras nuevas. No es casual que los protagonistas de estas historias sean un niño que idolatra a un showman, un ajedrecista que enseña su profesión y una aspirante a bailarín de hip hop, todas ellas  actividades no convencionales. Es muy probable que este tipo de actividades sean algunas de las fuentes de trabajo del futuro. Un trabajo que permita vivir con la dignidad de alcanzar un nivel de bienestar social adecuado.

El Festival de Cine de Nueva Zelanda tuvo lugar en Cinemark Palermo, Buenos Aires, del 11 al 17 de mayo de 2017, presentándose nueve films contemporáneos en su programación. Los  films presentados fueron:

“Jinete de ballenas” (2002), de Niki Caro

“BOY” (2010),  de Taika Waititi

“Mentiras blancas” (2013), de Dana Rotberg

“Tierra de guerreros” (2014), de Toa Fraser

“El renacer de un campeón” (2014), de James Napier Robinson

“Hip Hop de la tercera edad” (2014), un documental del director Bryn Evans

“El terreno ganado” (2015), de Christopher Pryor

“Nacido para bailar” (2015), de Tammy Davis y

“Mahana” (2016), de Lee Tamahori

BAFICI 2017: “Niñato” y “La vendedora de fósforos” fueron las principales ganadoras

Competencia Internacional

-Mejor Película: Niñato, de Adrián Orr (España)

-Premio especial del Jurado: Viejo Calavera, de Kiro Russo (Bolivia-Qatar

-Mejor Dirección: Carla Simón por Estiu 1993 (España)

-Mejor Actuación individual: Daniela Castillo por Reinos, de Pelayo Lira (Chile)

-Mejor Actuación de elenco: Hoy partido a las 3, de Clarisa Navas (Argentina-Paraguay)

-Mención Especial: Arábia, de Affonso Uchôa y João Dumans (Brasil)

LO QUE YO VI

PALMILYA ORDINARYO de Eduardo W. Roy

No podría haber cerrado de mejor manera este festival que viendo esta película de un casi desconocido director filipino. Su film es una mezcla de documental ficcionado en el que narra las desventuras de una pareja de adolescentes que viven en la calles de Manila y que acaban de tener un niño que, al borde de cumplir 30 días de vida, les es secuestrado por un travesti del lugar donde deambulan.

El film de Roy se impone por su veracidad y su extraordinario nervio narrativo. Todo el film transcurre en las calles. Estos niños viven del arrebato, del asalto y del hurto. Pero a su vez, mantienen entre si ciertos códigos de convivencia e integridad familiar.

Si bien los personajes del film son claramente marginales, y toda la película está narrada desde su punto de visto, es interesante la forma en que la solidaridad social se acerca a ellos. Por un lado, están los propios vecinos que tratan de ayudar a la madre desposeída de su bebe. Por otra parte, las instituciones donde la policía está ausente, y cuando se recurre a ella, el tratamiento que les da es parecido al de un delincuente más que al de una víctima. Algo parecido sucede cuando se les ofrece pasar por la radio y la televisión. Para la radio, el suceso no es que una noticia dentro de un servicio vecinal que carece de toda importancia comercial. En la televisión, la visión es aún más desalmada. La triste historia de los niños padres solo interesa para ser convertida en novela televisiva. Es decir, ni radio ni televisión cumplen un verdadero rol social en la recuperación del niño. La noticia solo sirve para nutrir su propio rating.

No obstante, en medio del abandono social que parece prevalecer en las calles y los barrios bajos de Manila, hay dos cuestiones morales a rescatar, sobre todo en la niña.  Una es el desarrollo de su instinto maternal fuera de todo ámbito familiar. Y la otra es el respeto y honestidad que tiene por la maternidad. Ella no quiere otro hijo que no sea el suyo.

Film de muy bajo presupuesto pero de una gran calidad formal y expositiva, se destaca  por su notable mensaje de humanismo, por la gran naturalidad de sus actores, y por la destreza narrativa de su director. Toda una sorpresa que pese a mostrar una realidad deprimente de sectores marginales que viven claramente por debajo de la línea de pobreza, no obstante, rescata valores humanos en medio de una sociedad que pareciera que todo lo comercia.

LO IMPORTANTE ES AMAR de Andrzej  Zulawski

Historia sobre un triángulo amoroso, con guión adaptado por Zulawski y Christopher Frank sobre una novela de este último, narra la historia de un fotógrafo, Sirváis (Fabio Testi) que entre sus trabajos también transita la pornografía donde encuentra y se enamora de Nadine (Romy Schneider), una actriz que quiere abandonar el porno para dedicarse al teatro isabelino y participar del montaje de Ricardo III. Pero ella está casada con Jacques (Jacques Dutronc) y automáticamente genera un conflicto amoroso que Zulawski desarrolla con el ritmo desaforado de aquellos policiales de los 70 con Delon, Ventura y Gabín.

Film potente y poco estimado en su época, expresa que el amor es dolor, y ese dolor se encuentra y estalla en el triángulo que generan los protagonistas. Jacques sufre con Nadine ese amor loco que no puede explicarse. Pero Nadine, con una educación convencional y desarrollando su carrera profesional en un medio que no le interesa, siente que debe a su marido una fidelidad que no puede mantener. El triángulo amoroso se desarrolla y explota regida por las leyes del deseo.

Después de 40 años de filmado, uno vuelve a ver Lo Importante es Amar como un film desaforado, un film desparejo que no obstante, despierta nuevamente su interés debido al enorme talento y honestidad del director consigo mismo. Zulawski falleció el año pasado y el BAFICI le rinde un merecido homenaje a su independencia artística con la proyección de este film.

LES BEAUX JOURS D´ARANJUEZ de Win Wenders

Es difícil es establecer porqué esta película fue filmada en 3D. Dado que estamos frente a lo que podría llamarse un texto teatral, imagino que el 3D  aporta una visión de una primera fila. Por lo demás, poco que decir. Hay un escritor ante la famosa página en blanco en su máquina de escribir. Un momento de inspiración y un dialogo que comienza a desarrollarse entre dos personajes, un hombre y una mujer sentados en la pérgola de un jardín que es interrogada sobre su primera experiencia sexual. Un respiro y un segundo acto. Ahora la conversación versa sobre los recuerdos de la niñez. Y así, sucesivamente, tendrán un par de conversaciones más donde, de  pronto, estallará el sonido brutal de las turbinas de un avión que pasa, la naturaleza hará oír el silbido del viento, el follaje su susurro y el momento de solaz, paz, conversación filosófica y evocación de recuerdos se interrumpirá abruptamente. Una canción de Nick Cave volverá todo a la calma y el escritor seguirá escribiendo su obra. De cine, muy poco. De texto, poco interesante. Muy poco para un Winders.

ARABIA de Joao Dumans y Affonso Uchoa

El esquematismo de la historia, el abuso del relato en off que se superpone a las imágenes del film que ya lo están diciendo todo, la toma de posición política que se pone en conflicto con la mirada meramente humanista del problema que presenta la película, arruinan este film cuya mirada podría no solo abarcar a Brasil sino extenderse sobre Latino América toda, y la vuelven un film localista y pasado de moda aún antes de su estreno.

Una larga introducción subrayada por una balada en inglés que los directores aclararon proponía darle un espíritu universalista al tema, una película del camino que no pierde nunca su aire rural que parece filmada hace 50 años atrás y no en el presente como  verdaderamente ocurre, parece querer universalizar un problema que tal vez sea solamente puntual.

Ofrece la falsa visión de un Brasil sumergido en la pobreza y la incapacidad de progreso cuando la realidad lo ubica  como la octava potencia industrial del mundo con mejoramiento de casi todos sus índices sociales. Una lamentable tergiversación de la realidad.

PORTO de Gabe Klinger

Es una historia de amor. Pero no de cualquier amor, sino de un amor loco y fugaz, aquel amor imposible de olvidar, especialmente transitado por el cine francés, cuyos exponentes podemos encontrarlos en Pierrot, el Loco de Jean Luc Goddard, Mi Noche con Maud de Pierre Rohmer, El Amor Loco de Jacques Rivette o la reciente Mor Roi de Maiween, Dividida en 3 capítulos: Jake, Mati y Mati y Jake, cada personaje cuenta su propia historia para desembocar en la historia conjunta.  

El film de Klinger se concentra en explicar ese momento. Lo hace de manera sutil, haciendo hincapié en lo casual, en lo imprevisto, en lo que queda fuera de toda norma. Incluso elige una ciudad puerto, un lugar desde donde se sale y se entra permanentemente, un lugar como que refiere al tránsito, a la fugacidad. Una especie de no lugar porque lo que allí sucederá será único e inusual. Algo parecido a un sueño pero real.

Varias tomas de la Estación de Sao Bento también ponen énfasis en gente que viene y gente que va. En trenes que entran y trenes que salen. También enfoca mucho el puerto sobre el Rio Duero. Porto, una ciudad sobre el río muy cerca del mar. Es como que el río que corre finalmente se diluirá en el mar, remarcando la idea de una ciudad de tránsito. O sea, fugaz.

El carácter border de los personajes profundiza la importancia del encuentro y su misterio. Jake, de 26 años, hijo de un diplomático americano, está haciendo una experiencia de vida. Mati es una arqueóloga francesa que tiene problemas psíquicos, separada, con un hijo, esta circunstancialmente en Porto. Se encuentran una noche en un bar. Son como dos aparecidos repentinos, que así como aparecieron, desparecerán, pero en ellos quedará un recuerdo inolvidable y una marca inviolable para toda la vida de un momento fugaz.

En la producción del film aparece Jim Jarmusch, y su influencia en el film  es incuestionable. El film lleva su sello. Sin duda es un film jarmuschiano.

DARK NIGHT de Tim Sutton

El film está inspirado libremente en la masacre de Aurora, Colorado, Estados Unidos, en 2012 donde una persona disparó contra una platea de cine colmada de gente matando a 12 personas e hiriendo a otras 59.

Pero la obra de Hutton no es la crónica de dicha masacre sino una meditación de las causas de la misma. Se concentra en la vida de 6 personajes, todos jóvenes adolescentes, uno de los cuales es el presunto agresor, en el supuesto día del atentado.

Indirecta consecuencia de la sucesión de guerras en Oriente (Afganistán, Irak) el film nos sumerge en la abulia, la indiferencia, falta de objetivos, desinterés, vacío existencial de toda una juventud pueblerina que ve pasar sus años jóvenes sin mayores problemas económicos viviendo en barrios cerrados de típica clase media, donde la ausencia paternal se destaca, y el no hacer nada y el no saber qué hacer van de la mano, y donde de repente la violencia reprimida de una sociedad estallará en el lugar menos pensado.

El cine de Sutton es un cine reflexivo, prolijo en su exposición, lleno de pausas (cielos cargados de nubes, tomas aéreas sobre volando los barrios que serán objeto de la tragedia, una entrevista a un adolescente acompañado de su madre,  niñas  nadando o jugando en el remanso del rio, el calor del verano sobre la ruta en el medio oeste americano) que dan lugar al pensamiento, al análisis que exige el director ante la visión de su obra. Todo es un cuadro bucólico que no obstante, presagia la explosión de la tragedia.

Obra importante en sus intenciones. Provocadora. Bien narrada. Algo cerrada. Está programada en la Competencia Oficial del Festival.

BELLA DE NOCHE de María José Cuevas

Toda una revelación la de esta novel directora mexicana que sorprende con esta ópera prima de carácter documental. Trata de 5 mujeres (Olga Breskin, Lyn May,Rossy Mendoza, Wanda Seux y Princesa Yamal) que fueron las reinas del streep-tease en el México de los 70 y los 80. 

Construida como un collage con viejas filmaciones de aquella época, donde se destacaban en night clubs, televisión y alguna de ellas hasta en el cine, las encuentra el hoy bastante avejentadas, habiéndose gastado todo el dinero ganado en aquellos años dorados.

El film acompaña el crecimiento profesional de estas jóvenes, más tarde su momento de apogeo para finalmente detenerse en el hoy, la actualidad de sus vidas, en que las sorprende la vejez tratando de vivir dignamente. 

El film describe estas vidas con gran sensibilidad y las acompaña con respeto y cierta admiración. Todas ellas nacidas de hogares pobres, han tenido una época de ascenso, otra de esplendor y finalmente, un ocaso, en el que su vida de estrellas de la noche se apagó para que ellas volvieran a ser sí mismas. Son cinco personalidades distintas que han encarado esta nueva etapa de la vida en forma diferente. Pero lo que tienen en común es una necesidad de darse, de expresarse, de compartir problemas de su comunidad, de encontrar a Dios, de ayudar a los demás, educar a sus hijos, asumir el papel de abuelas, o mantener una familia de perros.  

Película amable y positiva tiene la virtud de reflejar la dureza de la vida pero también la capacidad del ser humano de superar la adversidad.

SIERRANEVADA de Cristi Puiu

El Nuevo film de Puiu, el mismo de La Larga Noche del Señor Lazarescu (2005), es una nueva visión, y mucho más desesperanzada que la anterior, sobre la calidad de la vida en Rumania después de la caída del muro de Berlín, y sus consecuencias, tales como la caída y muerte de Nicolae Ceasescu y su régimen autoritario.

Si en “La Larga Noche…”, Puiu se adentraba en el horror de un sistema burocrático que en lugar de atender a un enfermo, por el contrario facilitaba su muerte, y desde allí generalizaba hacia el estado caótico de la herencia recibida, en su nuevo film es el miedo y el terror a vivir, la incapacidad de construir una sociedad mejor, el que se apodera de los miembros de esta familia, llevándolos a la inoperancia.

Si bien en La Larga Noche… la trama se organizaba en torno de un drama individual, y ello remitía a una cuestión social, en Sierranevada, la trama es un fresco colectivo concentrado, al borde de la teatralidad, que nos lleva a una reunión familiar (se cumplen 40 días del fallecimiento del padre y se organiza una ceremonia religiosa seguida de una cena) con la asistencia de todos los miembros de la familia en un departamento de no más de 60 metros cuadrados.

Los miedos surgidos a partir del ataque a las Torres Gemelas en Nueva York en 2001, las consecuencias de las guerras, la irrupción terrorista del Estado Islámico en toda Europa, son tema de conversación de los hombres. Las necesidades culinarias, el efecto de las drogas en los jóvenes, los engaños amorosos de los maridos, la necesidad del mantenimiento de las costumbres religiosas, es el de las mujeres en la cocina.

Los méritos de Puiu son varios. No solo la película está muy bien escrita y los temas desarrollados resultan de interés general sino que en primer lugar, esos temas van más allá de la pura discusión para adentrarnos en el clima de miedo social que se vive en toda Europa. Pero lo notable es que deja vislumbrar que detrás de ello hay un enorme fracaso que no es otro que el de la desocupación provocada por los procesos de automatización industrial dejando a millones de personas fuera del modelo de la sociedad de consumo.

Por otro lado, están los detalles de la puesta. Los cortes son pocos, casi respetando el estilo de una obra de características casi teatrales. Pero es la labor de la cámara, fija por momentos, virando hacia sus lados, yendo a primeros planos o planos medios, es donde el trabajo de puesta en escena de Puiu como director es realmente brillante. Para ello obviamente ha contado con un grupo formidable de grandes actores. El film tiene un ritmo intenso que logra mantener el interés durante las tres horas de su proyección a la vez de proveer un entretenimiento (muy clásico en el cine rumano). En este nuevo film Puiu parece decirnos que la lamentablemente la revolución ha fracasado.

CHARLA CON STEPHANE BRIZÉ

BAFICI 19 – DOMINGO 23 DE ABRIL DE 2019 – Recoleta 8

Stéphane Brizé, a los 50 años, es uno de los realizadores más talentosos e innovadores en el lenguaje cinematográfico en el cine actual. En nuestro país se han conocido solo tres de sus siete obras, ellas son: Mademoiselle Chambon (2009), Algunas horas de primavera (2012), y El Precio del Poder (2015). Ahora en el BAFICI 19 se verá Une vie (2016), basada en un clásico de Guy de Maupassant, que transcurre en el siglo XIX pero es una película de época atípica, filmada con un montaje rápido,  y en una pantalla cuadrada que asemeja cuadros de aquella época. Narra con gran sensibilidad la vida de una joven de la nobleza sumamente arraigada a las buenas costumbres sociales y de la Iglesia.

En charla abierta con su auditorio, el director comenta sobre sus puntos de vista y convicciones cinematográficas. Por mandato familiar, soy un ingeniero industrial. Mis padres, una familia de clase trabajadora, solo querían que yo tuviera un título universitario. Nunca me había interesado en el cine. Simplemente por rebeldía juvenil, me metí en el teatro después de terminar la Universidad. Comencé a escribir y descubrí el cine. En mi filmografía hay dos periodos. Uno que va desde mis inicios hasta Algunas horas de primavera y otro a partir de El precio de un hombre (2015). Antes, a mis personajes los unía una sensación de ilegitimidad, de incomodidad en la vida. En cambio, a partir de El Precio de un Hombre, mis personajes comienzan a tener claro cuál es su lugar en la vida, aunque sigan sintiéndose confrontados por la realidad.

Esos cambios tienen que ver con la reflexión que hacemos sobre nuestra propia historia, y los directores de cine, como los pintores, tenemos periodos en los que expresamos con ciertas formas, colores, formatos.

Yo no creo hacer películas con intención de crítica social. Por el contrario, trato de reflexionar sobre el mundo en que vivo y cómo influye ese mundo sobre nosotros, sobre nuestros pensamientos y nuestras acciones. Creo que estamos viviendo una época que representa el fin de las ilusiones. Y me interesa ver cómo eso influye en nuestra personalidad, y en lo que hacemos. Los protagonistas de esas dos películas experimentan esa sensación.

En Une Vie elijo las elipsis porque quiero evitar las sobre explicaciones, como ocurre naturalmente en la televisión. En este medio, si queda alguna duda, se subraya también con la música. Pero cuando eso ocurre el cine se vuelve sobre explicado, y eso es algo que detesto.

En Francia, la relación entre el cine y la televisión más que conflictiva es rara. El cine es financiado por la televisión. La pantalla grande necesita de la pantalla chica. Pero a la vez, la televisión quiere financiar películas que puedan verse en el prime time. Es un trueque raro.

Los festivales son el único lugar para el cine de autor. Esto es casi una tragedia. El Estado financia películas de autor como para tener la conciencia tranquila, pero se financia más el cine comercial porque se necesita que la gente no piense, se la quiere mantener en un estado de chatura. Hay una ideología a la que no le conviene que la gente reflexione.

                                                                                                          HAVE A NICE DAY de Liu Jian

Estéticamente, muy lejos de Disney, más cerca de Simpson, con líneas de dibujos donde se respeta la figura humana pero con un estilo caricaturesco, estos dibujitos chinos  cuentan una historia de gánsters para adultos. Con mucha ironía, muy cerca del cinismo, donde la hipocresia de todos los personajes deja translucir un mundo absolutamente desangelado en el cual no hay lugar ni para buenos ni para malos sino simplemente un sálvese quien pueda en un medio cargado de violencia. Bien narrada, con un correcto ritmo cinematográfico, con imágenes siempre acompañadas de una música disco que pareciera querer disimular la atmosfera de cine negro que prevalece en el film, es una interesante aproximación a un mundo socialista que en algunos aspectos no diferencia en nada al más salvaje de los capitalismos. 

THE ASSIGMENT de Walter Hill

Walter Hill es uno de los más importantes guionistas, productores y directores de la historia del cine americano. Lo ha sido desde 1975 hasta la fecha, y en este BAFICI 19 tenemos la suerte de ver su opus 25.  A los 78 años realiza The Assigment, una de esas pequeñas obras maestras  que aparecen de tanto en tanto. Tremendo homenaje al comic, es un film exquisitamente escrito (no en vano se cita en el film a Shakespeare y a Poe) y rigurosamente filmado por Hill. Pero Hill no estuvo solo. Tanto en el guión como en la actuación lo acompañaron socios de lujo. Denis Hammil, alguien poco conocido en el cine pero con mucho periodismo de calle co-firma el guión. Hammil es actualmente columnista del New York Daily News. Además de ello, a su lado tuvo dos actrices claves que dan 100% con el psique du rol de la trama: Michelle Rodriguez y Sigourney Weaver, todo un ícono cinematográfico.

La trama gira en torno a una médica especialista en cambio de sexo, acusada por ejercer la medicina en forma ilegal, que usa dicho procedimiento para vengar la muerte de un hermano. Obviamente, se trata de un policial “muy negro” que tiene el desenfado de algunas obras maestras de aquella época de oro que caracterizó a Hollywood por la creatividad de su mejor cine.  The Assigment abreva tanto en el film noir americano como en obras más recientes tipo Face Off de John Woo, pero su ritmo está definitivamente ligado al de sus primeras inolvidables obras como Driver (1978), The Warriors (1979), 48 Horas (1982) y Calles de Fuego (1984). (20-04-2017

UNE VIE de Stéphane Brizé

Brizé se interna en el melodrama para relatar una historia sobre el empobrecimiento de una familia acaudalada francesa en Normandía a lo largo del siglo 19, convirtiendo al film en una gran metáfora sobre el destino del capitalismo cuando el mismo se concentra en lo financiero en lugar de lo productivo. Lo hace de manera refinada, basándose libremente en la novela de Guy de Maupassant, enfocando su narración en el punto de vista excluyente del personaje principal Jeanne Le Perthuis des Vaus, magníficamente interpretada por Judith Chemla. Brizé narra en primera persona basándose en una enorme cantidad de primeros planos que hacen sentir los cambios físicos y de situación de la familia a través de los años. Jeanne es pintada por Brizé como una heroína clásica, hija única de un matrimonio cuyos padres y abuelos ha trabajado la tierra durante generaciones, llegando a ser ricos propietarios de varias granjas. A Jeanne se le viene el mundo encima cuando después de muchos años se da cuenta que solo le quedan deudas. El film es una gran parábola sobre la movilidad social en la Francia pos revolucionaria, donde aparecerá su ex mucama, viuda de un hombre afortunado, a ofrecerle su ayuda. Brizé narra todo este folletín con mano firme, haciendo un fiel retrato de los cambios sociales en la Francia del Siglo 19, a la vez de pintar el retrato de la soledad de una heroína arrasada por los cambios sociales y económicos de la época. (22-04-2017)

A MARRIAGE STORY (2017) de Helena Tresikova

Es un muy interesante film de esta documentalista checa que sigue la trayectoria de una familia durante 35 años desde el momento que los novios deciden casarse hasta el presente. Más allá de los acontecimientos íntimos como sus propias graduaciones universitarias, los cambios de casas, el nacimiento de 5 hijos, la preocupación por el destino de cada uno de sus hijos, algún problema de drogas, sus casamientos y la llegada de los nietos, el film destaca el esfuerzo por una vida mejor, las dificultades de mantener unida a la familia, el tratar de lograr que los niños estudien y encuentren sus vocaciones. La directora concentra su visión en las cuestiones particulares dejando de lado la cuestión social, el marco donde se desenvuelve la vida de los protagonistas. No obstante ello, dicho aspecto se intuye delicadamente a través del derrotero de sus vidas pero nunca aparece como un condicionante de los logros o de los sinsabores de esas vidas. Muy interesante. (20-04-2017)

10 PREGUNTAS A NANNI MORETTI EN EL BAFICI 19

Actor, guionista y director de sus propios filmes, además de distribuidor, productor y gerenciador de una sala cinematográfica en Roma, Moretti de 63 años, logró convertirse en una de las lúcidas miradas del cine italiano de las últimas décadas a través de una filmografía que supo combinar rasgos autobiográficos con una ácida mirada sobre la situación contemporánea y de su país. Su cine es un cine de actores, que despreció la grandilocuencia y construyó sus mejores retratos con el humor y la lucidez de un espectador de una realidad que lo compromete y, al mismo tiempo, parece dejarlo fuera. 

"Soy de otra época y quiero seguir viviendo de la misma forma", dice Nanni Moretti, estrella del festival.

1) -¿De qué manera cree que sus películas lograron resistir el paso del tiempo?

-Lo que pasó con ellas de ayer a hoy, si perduraron o no, deben decirlo los demás. No me corresponde hacerlo. En lo que a mí respecta, luego de 40 años de carrera no soy la misma persona. He cambiado, como le ocurre a cualquiera. Pero también mis personajes han cambiado, porque no soy el mismo de aquel tiempo. Ojo, me refiero a lo poco que puede cambiar una persona entre los tres y los 90 años. Más que un crecimiento profesional como cineasta, si se observa algún cambio o, mejor dicho, alguna evolución en mis películas, es porque cambié yo mismo. Primero viene lo humano y después lo profesional. Eso poco que he cambiado me llevó a modificar el perfil de los personajes que escribo, dirijo e interpreto.

2) -¿Se animaría a definirse como artista?
-Diría que mi obra fílmica consiste en narrar varios capítulos sucesivos de una sola y única novela, incluso en aquellas ocasiones en las que mis películas no son estrictamente autobiográficas. Cada una de ellas cuenta los sentimientos que tuve en cada momento de mi vida a partir de la relación con la sociedad y con mis semejantes. Al mismo tiempo, como espectador y director, estoy muy conectado con la experiencia del cine de autor de los años 60 en Italia y en Europa. Los primeros films de Bellocchio, Bertolucci, Pasolini, Ferreri, Olmi, los Taviani, el free cinema inglés, Polanski, Skolimowski. Esos años fueron muy fértiles y fecundos. Estoy muy conectado con ese cine de autor.

3) -Muchos de ellos, como usted, siguen activos. ¿Continúa identificado con esa tradición o hay algo actual que lo atraiga de igual modo?
-Creo que hay lugar para todos. Para los clásicos y los nuevos directores. En Italia aparecieron directores muy interesantes, como Alicia Rohrwacher y Leonardo Di Costanzo. Pero lo importante es que aparezcan también nuevos guionistas y productores. El director no es el único artífice de una película.

4) -Hoy la televisión convoca a muchos autores prestigiosos del cine. ¿Lo atrae esa posibilidad?
-¿Por qué no? La única diferencia con el cine pasa por los tiempos. En TV todo es más frenético, sobre todo en lo que respecta a los tiempos de rodaje. Yo soy una persona más bien lenta, que se toma todo su tiempo para filmar. La televisión me interesa, pero maneja tiempos demasiado veloces para lo que estoy acostumbrado.

Nanni Moretti: "Nunca creí que el cine podía cambiar el mundo" “Mis emociones como espectador han influido en mis elecciones como realizador”.

5) -Usted ha señalado la importancia de haber sido espectador para su desarrollo como realizador, ¿podría contarnos cuál ha sido el cine que más lo ha marcado a usted e influido en su trabajo como director?

-Yo como espectador y como realizador estoy muy vinculado al cine de autor de los años 60, porque era un cine que refutaba tanto el cine como la sociedad que había heredado y cada uno con su propia personalidad y su propio estilo imaginaba un nuevo cine y una nueva sociedad. Ya fuera a través del realismo, la fábula, la crueldad, ellos eran un grupo de cineastas que buscaban hacer cine de una manera nueva e imaginaban al mismo tiempo un nuevo modo de vida y de trabajo. Eran directores que no eran exitosos pero que dejaron plantadas las semillas para que el cine de autor pudiera con los años volverse popular. Respecto de Italia, estoy hablando de las primeras películas de Bellochio, Bertolucci, Passolini, Ferreri, Olmi, Taviani; la nouvelle vague en Francia, el free cinema en Inglaterra, los primeros filmes de Polansky en Polonia, era una época fecunda en todo el mundo.

6) -¿Cómo es el proceso de escritura de una película de Nanni Moretti?
-En el período de la escritura no soy metódico sino que acumulo lentamente, principalmente un nuevo sentimiento en relación conmigo, con los otros, con la sociedad y después de esto van naciendo escenas, diálogos, personajes; a veces, incluso, aparecen trozos del guión cuando todavía no está definido ni siquiera el tema de la película.

7) -¿Qué consejo le daría a un realizador que comienza?
-En principio que todo es útil, ver películas, aún ver malas películas, leer buena literatura, trabajar de asistente de dirección, estudiar en una escuela y más que nada probar, experimentar. El consejo que doy es que forme un espíritu crítico, para un realizador que empieza no es tan importante saber qué quiere sino saber qué es lo que no quiere; qué cosas no quiere de la actuación de un actor, de un director de fotografía, de un escenógrafo o un vestuarista. A veces los productores a los realizadores nuevos los rodean con técnicos experimentados pero esto en general no es bueno porque los profesionales de experiencia suelen sugerir resoluciones convencionales. Otra cuestión es que trabaje con otros, que no se aísle, que busque gente interesada en escribir, en actuar, en fotografiar, que forme un buen equipo. Y después hacer, hacer y hacer, no agarrárselas con el sistema ni sentirse incomprendido, la victimización es algo insoportable.

8) -¿Nos puede contar sobre su trabajo con los actores?
-El trabajo con los actores es uno de los mayores placeres del cine para mí, empezando por la elección de los actores. Después no me gusta mucho pasar letra en una mesa con los actores porque creo que así se consume una película antes de empezar a filmarla. Ya en el set soy muy, muy, muy exigente, sé qué tipo de actuación no me gusta. Aunque a veces son muy exitosas no me gustan las actuaciones en donde el actor se anula en la interpretación del personaje, cuando se mete tan profundamente que ya no existe como persona. De hecho en la película “Mia Madre”, me tomo el pelo en el personaje de Margherita Buy que es una realizadora que tiene muchas de mis características y dice siempre a los actores: “quiero ver a los personajes pero también a las personas”, y eso es algo que yo creo pero en el filme lo digo en tono irónico riéndome de mis propias creencias. Yo en el rodaje no le digo al actor deberías hacer esto así o asá sino que directamente actúo lo que quiero ver en los actores.

9) -¿Qué podemos esperar de Moretti próximamente?
-Hace muchos años yo pensaba que era natural que yo tuviera que escribir, dirigir y actuar una película mientras que hoy no pienso lo mismo. Quizás en los próximos años no actúe en mis propias películas o quizás yo dirija un filme escrito por otro, cosa que antes me parecía impensable.

10) -¿Qué tiene que tener un guión de otro para que usted pudiera convertirlo en una película propia?
-Primero sorprenderme, que es en definitiva lo que me impulsa para salir de mi casa e ir a ver una película al cine, ser sorprendido, ya sea con un personaje, con un estilo, con un tono. A veces pienso que hay directores que se conforman con tener un tema fuerte y se olvidan de hacer una buena película, es como si chantajearan al espectador, así como tampoco coincido con los realizadores que con sus filmes pretenden cambiar el modo de pensar del público y nunca creí que el cine pudiera cambiar el mundo, sino contarle emociones al espectador y que puedan seguir trabajando dentro de él; a mí como espectador me gustan las películas que siguen viviendo dentro de mí varios días después de haberlas visto.

FUENTE DEL REPORTAJE: DIARIO LA NACION Y AGENCIA TELAM - 20-04-2017

OSCAR 2017

La ceremonia de los Oscars, a diferencia de otros años donde prevaleció el orden, el glamour y la corrección política, este año estuvo signada por el absurdo de los hechos y el desconformismo político.

Tres hechos caracterizaron la  ceremonia de la entrega realizada anoche en Los Angeles: 1) un alto contenido político, 2) la tendencia marcada en la determinación de los premios,  y 3) un momento de gran confusión.

La ceremonia se enfrascó en un alto contenido político toda vez que los chistes de presentador y muchos de los discursos emitidos refirieron al nuevo presidente de los Estados Unidos y sus ideas segregacionistas. Asimismo, los premios otorgados mostraron un gran triunfo del cine de los realizadores de raza negra marcando toda una posición contra cualquier manifestación del Presidente que también se refleja en la entrega del Oscar a la Mejor Película Extranjera, donde se eligió a una película iraní, uno de los países que están en la lista de los 8 países musulmanes que sufrieron cancelación de visas por parte de los Estados Unidos, generando a ausencia de Asghar Farhadi, director de la película ganadora. La persona que recibió el premio leyó una carta enviada por el director fuertemente contraria a la política instaurada por el presidente americano y obviamente defensora de los derechos humanos.

La tendencia marcada se sintetiza en el triunfo del cine de origen de raza negra. El premio principal, como así también los premios a la mejora adaptación cinematográfica, y mejor actor y la actriz secundaria fueron hacia personas de raza negra. Así mismo, el premio a la mejor película extranjera, fue otorgado a la película Iraní “The Salesman” de Asghar Farhadi.

Al final de la ceremonia, un error tragicómico en la entrega del premio principal hundió a la premiación en la incertidumbre al confundirse los sobre con los ganadores y darse por vencedor de la noche a “La, La, Land" cuando había sido premiada "Luz de Luna". Un hecho penoso en el que involuntariamente se vieron involucrados dos vieja glorias de Hollywood como lo son Faye Dunaway y Warren Beaty, quienes eran responsables de anunciar el premio principal.

Listado de los principales ganadores

Mejor película: 🏆 "Luz de luna"

Nominados: "La llegada"; "Fences"; "Hasta el último hombre"; "Sin nada que perder"; "Talentos ocultos"; "La La Land"; "Un camino a casa": "Manchester junto al mar"

Mejor director: 🏆 Damien Chazelle por "La La Land"

Nominados: Denis Villeneuve por "La llegada"; Mel Gibson por "Hasta el último hombre"; Kenneth Lonergan por "Manchester junto al mar"; Barry Jenkins por "Luz de luna"

Mejor actor protagónico: 🏆 Casey Affleck ("Manchester junto al mar")

Nominados: Andrew Garfield ("Hasta el último hombre"); Ryan Gosling ("La La Land"); Viggo Mortensen ("Capitán Fantástico"): Denzel Washington ("Fences")

Mejor actriz protagónica: 🏆 Emma Stone ("La La Land")

Nominados: Isabelle Huppert ("Elle"); Ruth Negga ("Loving"); Natalie Portman ("Jackie"); Meryl Streep ("Florence: la mejor peor de todas")

Mejor actor secundario: 🏆Mahershala Ali ("Luz de luna")

Nominados: Jeff Bridges ("Sin nada que perder"); Lucas Hedges ("Manchester junto al mar"); Dev Patel ("Un camino a casa"); Michael Shannon ("Animales nocturnos")

Mejor actriz secundaria: 🏆 Viola Davis ("Fences")

Nominados: Naomi Harris ("Luz de luna"); Nicole Kidman ("Un camino a casa"); Octavia Spencer ("Talentos ocultos"); Michelle Williams ("Manchester junto al mar")

Mejor película de habla no inglesa: 🏆 "El viajante" (Irán)

Nominados: "Land of mine" (Dinamarca); "A Man Called Ove" (Suecia); "Tanna" (Australia); "Toni Erdmann" (Alemania)

Mejor guión original: 🏆 Kenneth Lonergan por "Manchester junto al mar"

Nominados: Taylor Sheridan por "Sin nada que perder"; Damien Chazelle por "La La Land": Yorgos Lanthimos y Efthimis Filippou por "The Lobster"; Mike Mills por "20th Century Women"

Mejor guión adaptado: 🏆 Barry Jenkins y Tarell Alvin McCraney por "Luz de luna"

Nominados: Eric Heisserer por "La llegada"; August Wilson por "Fences"; Allison Schroeder y Theodore Melfi por "Talentos ocultos"; Luke Davies por "Un camino a casa".

Mejor fotografía: 🏆 Linus Sandgren por "La La Land"

Nominados: Bradford Young por "La llegada"; Greig Fraser por "Un camino a casa"; James Laxton por "Luz de luna"; Rodrigo Prieto por "Silencio"

Mejor documental largo: 🏆 "O.J.: Made in America"

Nominados: "Fire at Sea"; "I Am Not Your Negro"; "Life, Animated";"13th"

Mejor montaje: 🏆 John Gilbert por "Hasta el último hombre"

Nominados: Joe Walker por "La llegada"; Jake Roberts por "Sin nada que perder"; Tom Cross por "La La Land"; Nat Sanders y Joi McMillon por "Luz de luna"

Mejor banda sonora: 🏆 Justin Hurwitz por "La La Land"

Nominados: Mica Levi por "Jackie"; Dustin O'Halloran y Hauschka por "Un camino a casa"; Nicholas Britell por "Luz de luna"; Thomas Newman por "Pasajeros"

Mejor canción original: 🏆 "City Of Stars" de "La La Land"
Música de Justin Hurwitz, letra de Benj Pasek y Justin Paul

Nominadas:"Audition (The Fools Who Dream)" de "La La Land"

Música de Justin Hurwitz, letra de Benj Pasek y Justin Paul; "Can’t Stop The Feeling" de "Trolls", Música y letra de Justin Timberlake, Max Martin y Karl Johan Schuster; "The Empty Chair" de "Jim: The James Foley Story", Música y letra de J. Ralph y Sting; "How Far I’ll Go" de "Moana", Música y letra de Lin-Manuel Miranda

BERLIN 2017El jurado integrado por Paul Verhoeven (presidente), Dora Bouchoucha Fourati, Olafur Eliasson, Maggie Gyllenhaal, Julia Jentsch, Diego Luna y Wang Quan’an otorgaron los siguientes premios:

-Oso de Oro: Testről és lélekről (On Body and Soul), de Ildikó Enyedi

-Gran Premio del Jurado: Félicité, de Alain Gomis

-Mejor Dirección: Aki Kaurismäki por Toivon tuolla puolen (The Other Side of Hope)

-Mejor Actriz: Kim Jinyoung por Bamui haebyun-eoseo honja (On the Beach at Night Alone), de Hong Sang-soo

-Mejor Actor. Georg Friedrich por Helle Nächte (Bright Nights), de Thomas Arslan

-Mejor Guión: Sebastián Lelio y Gonzalo Maza por Una mujer fantástica (A Fantastic Woman), de Sebastián Lelio

-Premio Alfred Bauer: Pokot (Spoor), de Agnieszka Holland

-Contribución Artística: Dana Bunescu por la edición de Ana, mon amour, de Călin Peter Netzer

Otros galardones-Oso de Oro al mejor corto: Cidade Pequena, de Diogo Costa Amarante
-Mejor Opera Prima: Estiu 1993, de Carla Simón
-Mejor Documental: Istiyad Ashbah, de Raed Andoni
-Premios FIPRESCI. Competencia: On Body and Soul (Testről és lélekről), de Ildikó Enyedi / Panorama: Pendular, de Julia Murat / Forum: Shu'our akbar min el hob, de Mary Jirmanus Saba
-Premio Ecuménico: On Body and Soul / Testről és lélekről, de Ildikó Enyedi. Mención: Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio
-Premio Teddy: Una mujer fantástica, de Sebastián Lelio
-Premio Amnesty: La libertad del diablo, de Everardo González

 31 FESTIVAL INTERNACIONAL DEL CINE DE MAR DEL PLATA - NOV 2016

EAT THAT QUESTION: FRANK ZAPPA IN HIS OWN WORKS de Thursten Schütte

Un documental notable del alemán Schütte que armó a partir de una intensa búsqueda de entrevistas televisivas archivadas durante 3 décadas por canales de televisión de todo el mundo que pintan al músico como una de la figuras más controvertidas y contestatarias de la era del rock. Zappa no solo fue un gran músico que finalmente llegó a incursionar en el rock sinfónico, sino que fue un auténtico “anti sistema”. Un rebelde iconoclasta que embistió contra lo establecido, no dio nada por bueno, y emprendió desafío tras desafío hasta ocupar un lugar absolutamente solitario e inclasificable en el mundo de la música. Igualmente trascendió su mirada del mundo, sus ataques al orden establecido, sus críticas a la nueva sociedad de pos guerra, su concepción totalmente rebelde sobre la composición y los conceptos de armonía, más allá de su temprana muerte a los 52 años. Sus ideas absolutamente liberales y libertarias lo colocan  como un ícono que adelantaba aún en una época de cambios como la vivió.

DAVID LYNCH: THE ART OF LIFE de Johm Nguyen y Olivia Neergaard –Holm

Es otro gran documental sobre el director cinematográfico David Lynch, el hombre que debutó con Cabeza Borradora (1977) y se consagró con films como El Hombre elefante, Terciopelo Azul y Corazón Salvaje (Gran Premio de Cannes 1990). El film de Nuguyen y Neergard-Holm narra la vida de Lynch desde su nacimiento en Missolula, concentrándose en su pasaje por la universidad de Arte en Boston y más tarde su estadía en Filadelfia donde logra encontrarse consigo mismo, desarrollar una carrera como pintor y descubrir su vocación por el cine. La película es narrada por el propio Lynch en una especie de confesión reflexiva sobre su vida en la que desentraña el extraño mundo de sus films a partir de una minuciosa descripción de su búsqueda pictórica que no solo abreva en el descubrimiento de una enorme vida interior sino que trasunta una búsqueda permanente de la formas.  En esos primeros años logra ser reconocido como pintor, y encuentra su punto culminante cuando su pintura  vira hacia un tipo de instalación donde dentro de un mismo cuadro encierra la idea de lo pictórico conviviendo con la idea del movimiento. En ese punto de quiebre, Lynch logra encontrar su verdadera vocación cinematográfica que comienza a desarrollarse en oportunidad de ganar una beca  del American Film Institute en Nueva York y más tarde otra que lo coloca en Los Angeles ante la posibilidad de filmar Cabeza Borradora.

THE DREAMED PATH de Angela Schanelec

The Dreamed Path es una película fracturada que comienza en Gracia antes de la caída del muro de Berlín y termina en una actualidad muy cercana. Es la historia de una pareja hippie que recorre Grecia cantando a la gorra, y que una llamada telefónica los separa irremediablemente y los lleva por caminos separados hasta encontrarlos nuevamente en una Berlín unificada muchos años después donde cada uno ha elegido un camino diferente y ya significan nada uno para el otro. Es un film extraño donde la soledad de hombre es reflejada a través de las dificultades para sostener relaciones duraderas , donde desfilan diferentes personajes que no terminan de integrarse a la trama, generando cierta perplejidad y dificultad de seguimiento en la visión de la película. Una obra que despierta interés pero no se concreta en un film recordable.

EL SONIDO DE LAS COSAS de Ariel Escalante

Una gran primera película de este cineasta costarricense formado en la Escuela de San Antonio de los Baños en Cuba. Narra la historia de Claudia, una enfermera de un hospital en Costa Rica que está afectada a cuidados intensivos. Claudia sufre un acontecimiento en su vida que la pone al límite de una gran depresión. La película narra las relaciones familiares y laborales de Claudia con gran precisión y va describiendo y encerrando a su personaje en una ambiente de enfermizo. La rigurosidad del guión y la precisión del relato, como así también el afecto y el realismo con que Escalante describe a su personaje, le permiten narrar su historia sin perder nunca el punto de vista, elevando la película a un nivel de excelencia pocas veces vista en una ópera prima. El Sonido de las Cosas es una pequeña gran película con una dirección de Escalante y una actuación de la joven  Liliana Biamonte realmente descollantes.

 26/11/2016

PREMIOS DE LA 31 EDICIÓN DEL FESTIVAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

Astor de Oro a la Mejor Película: "People That Are Not Me", de Hadas Ben Aroya, Israel.
Astor de Plata al Mejor Director: Radu Jude, Rumania,  por "Scarred Hearts"

Astor de Plata a la Mejor Actriz: Sonia Braga, Brasil, por Aquarius", de Kleber Mendonça Filho, película que también ganó el Premio del Público.

Astor de Plata al Mejor Actor: Mahershala Alí, USA, por "Moonlight", de Barry Jenkins.
Premio Mejor Guión: Andrei Konchalovsky, Rusia, por “Paradise”.
Mención Especial: Leo Histin, Francia, director de fotografía de "Nocturama", de Bertrand Bonello.
Premio Especial del Jurado: "Martirio", dirigido por Vincent Carelli, Ernesto de Carvalho y Tatiana Almeida.

"Aire quemado", del mexicano Yamil Quintana, ganó en la competición de cortometrajes.

En la competencia exclusiva para largometrajes argentinos fue elegido como Mejor Filme la opera prima de Tomás de Leone "El aprendiz" y el premio al Mejor Director fue para Lukas Valenta por su filme "Los decentes", mientras que como Mejor Cortometraje ganó "Murciélagos" de Felipe Ramírez Vilchez y como Mejor Director de Cortometraje Mariano Cócolo por "Al silencio".

VENECIA 2016

LEÓN DE ORO: THE WOMAN WHO LEFT, DE LAV DIAZ.

Gran Premio del Jurado: Nocturnal Animals, de Tom Ford.
León de Plata al mejor director: ex aequo, Amat Escalante, por La región salvaje y Andréi Konchalovski por Paradise.

Copa Volpi a la mejor actriz: Emma Stone, por La La Land.

Copa Volpi al mejor actor: Óscar Martínez, por El ciudadano ilustre.

Mejor guion: Noah Oppenheim, por Jackie.

Premio especial del Jurado: The Bad Batch, de Ana Lily Amirpour.

Premio Marcello Mastroianni al intérprete revelación: Paula Beer, por Frantz, de François Ozon.

Premio a la mejor ópera prima: The Last of Us, de Ala Eddine Sli

Cannes 2016 

- 23-05-2016 -

-Palma de Oro: I, Daniel Blake, de Ken Loach (Reino Unido)

-Gran Premio del Jurado: Juste la fin du monde, de Xavier Dolan (Canadá-Francia)

-Dirección (compartido): Olivier Assayas por Personal Shopper (Francia) y Cristian Mungiu por Graduation(Rumania)

-Actor: Shahab Hosseini por The Salesman (Irán)

-Actriz: Jaclyn Jose por Ma'Rosa (Filipinas)

-Premio del Jurado: American Honey, de Andrea Arnold (Reino Unido-EE.UU.)

-Guión: Asghar Farhadi por The Salesman (Irán)

-Palma de Oro a la trayectoria: Jean-Pierre Léaud

-Cámara de Oro: Divines (Houda Benyamina, Francia-Qatar), presentada en la Quincena de Realizadores

-Palma de Oro al Mejor Cortometraje: Timecode (Juanjo Jimenez, España) / Mención: The Girl Who Danced With the Devil (Joao Paulo Miranda Maria, Brasil)

Otros films preesentados:
Toni Erdmann, de la alemana Maren Ade con Sandra Huller

Elle, del holandés Paul Verhoeven  con Isabelle hupert

Aquarius, del brasileño Kleber Mendonça Filho con Sonia Braga

Sieranevada, del rumano Cristi Puiu

Rester vertical, del francés Alain Guiraudie

Paterson, del estadounidense Jim Jarmusch

Jurado Oficial -George Miller (presidente), Arnaud Desplechin, Kirsten Dunst, Valeria Golino, Mads Mikkelsen, László Nemes, Vanessa Paradis, Katayoon Shahabi y Donald Sutherland

Otros films
Gimme Danger de Jim Jarmusch

El buen amigo gigante  de Steven Spielberg  

Café Society  de Woody Allen

El maestro del dinero  de Jodie Foster

Hell or High Water de David Mackenzie;

Captain Fantastic de Matt Ross.

Animación: Ma vie de courgette, de Claude Barras.La tortue rouge, de Michael Dudok De Wit

Spotlight Steve Golin, Michael Sugar, Blye Pagon Faust, ...	Mejor Película
Leonardo DiCaprio El Renacido	Mejor Actor
Brie Larson La habitación	Mejor Actriz
Alejandro González Iñárritu El Renacido	Mejor Director
Mark Rylance El puente de los espías	Mejor Actor de Reparto
Alicia Vikander La chica danesa	Mejor Actriz de Reparto
El hijo de Saúl László Nemes	Mejor Película Extranjera
Writing's on the Wall Sam Smith, Jimmy Napes	Mejor Canción Original
Spotlight Thomas McCarthy, Josh Singer	Mejor Guión Original
Emmanuel Lubezki El Renacido	Mejor Fotografía
La gran apuesta Adam McKay, Charles Randolph	Mejor Guión Adaptado
Ex machina Andrew Whitehurst, Sara Bennett, Paul Norris, ...	Mejores Efectos Visuales
David White Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Edición de Sonido
Mark Mangini Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Edición de Sonido
Margaret Sixel Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Montaje
Intensa-Mente Pete Docter, Jonas Rivera	Mejor Película de Animación
Jenny Beavan Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Diseño de Vestuario
Historia de un oso Gabriel Osorio, Pato Escala	Mejor Cortometraje Animado
Gregg Rudloff Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Sonido
Chris Jenkins Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Sonido
Ben Osmo Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Sonido
Lisa Thompson Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Diseño de Producción
Colin Gibson Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Diseño de Producción
Los odiosos ocho Ennio Morricone	Mejor Banda Sonora
Lesley Vanderwalt Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Maquillaje y Peinado
Damien Martin Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Maquillaje y Peinado
Elka Wardega Mad Max: Fury Road (2015) - Box Office	Mejor Maquillaje y Peinado

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BERLIN 2016

Oso de Oro: Fuocoammare, del italiano Gianfranco Rosi.

Oso de Plata: Muerte en Sarajevo, del bosnio Danis Tanovic.

Premio Alfred Bauer: A lullaby to the sorrowful mistery, del filipino Lav Diaz.

Mejor dirección para la francesa Mia Hansen-Løve por L’avenir.

Mejor actriz para la danesa Trine Dyrholm por La comuna.

Mejor actor para el tunecino Majid Mastura por Inhebbek Hedi!

Mejor guion para el polaco Tomasz Wasilewski por Zjednoczone stany milosci Dyrholm.

Mejor contribución artística para Mark Lee Ping-Bing por la fotografía en Chang Jiang Tu.

Mejor cortometraje para Balada de um Batráquio, de la portuguesa Leonor Teles.

Mejor primera película para la tunecina Inhebbek Hedi!, de Mohamed Ben Attia.

Premio FIPRESCI (Crítica internacional) para Muerte en Sarajevo, de Danid Tanovic.

Oso de Cristal para la mejor película de la sección GenerationPlus para la india Ottaal, de Jayaraj Rajasekharan Nair.

Premio del público a la mejor película de ficción en la sección Panorama para la israelí Junction 48, de Udi Aloni.

Premio del público al mejor documental en la sección Panorama para el israelí Who's gonna love me now? de Barak Heymann y Tomer Heymann.

BAFICI 2015

COURT  de Chaitanya Tanhane

Este es tal vez el mejor film que vi hasta ahora. Situado en Mumbai, India, hablada en 4 idiomas diferente, muestra el conglomerado de etnias y culturas existentes en la India moderna, donde conviven millones de personas reglando sus vidas con códigos legales supervivientes de la época colonial. La trama de la película se centra en el drama de un cantante de protesta, detenido en forma arbitraria por una supuesta incitación a la violencia contra el gobierno, que debe enfrentarse con un sistema no solamente atrasado e injusto sino absolutamente parcial. Allí la norma es que todo aquel que llega al tribunal es considerado culpable hasta que muestra su inocencia. La película se desarrolla muy fluidamente entre escenas de juicio y la descripción de la vida del músico acusado, su abogado defensor, la fiscal que mantiene la acusación y el propio Juez que preside la Corte. Sus diferentes clases sociales, formas de vida, la importancia de la familia son descritas de manera amena y van dejando en claro las contradicciones de un país que hoy se encuentra entre los más grandes y poderosos del mundo y su paupérrimo sistema de vida.

"VICINO AL COLOSSEO… C´E MONTI", obra póstuma de Mario y "MONICELLI, LA VERSIONE DI MARIO", de Varios Directores. 
La primera es un documental corto y un agradable paseo por los alrededores del Coliseo, barrio donde vivía Monicelli. La segunda, es un "capo laboro" de un grupo de directores que comenzaron el film en vida del propio Monicelli, finalizándolo su esposa, Chiara Rapaccini, presente en el Festival. La Versione di Mario pasa revista a su vida a partir de los años 30 y con tremenda lucidez retrata a este "self made man" que contribuyó al mejor cine italiano de todos los tiempos, guionó y filmó mas de 100 películas, la mayoria de las cuales co-guionó con su amigo e inseparable Steno. A Monicelli se lo puede llamar el "padre de la tragicomedia italiana" y en su pico creativo dejó 5 obras maestras recordadas por todo el mundo: "Los Desconocidos de Siempre" (1958), "La Gran Guerra" (1959), "Los Compañeros" (1963), "La Armada Brancaleone" (1967), y "Un Burgues Pequeño" (1977). El documental no le rinde homenaje a través de la admiración sino a través del reconocimiento de su figura, un hombre que más que un artista era un trabajador del cine, al cual había llegado casi por descarte. Su convencimiento de que el cine era acción pura, le permitía pensar e ir más allá del hecho teatral, pero a su vez le exigía ir con una estructura solida de drama y comedia, tal cual él concebía la vida. "La Versione de Mario" pinta a un laburante que conocía como pocos su trabajo y que después de 100 películas sabía muy bien lo que tenía que hacer aunque seguía ignorando las razones del éxito.

"DOS DISPAROS" de Martín Rejtman
Un muy buen film argentino que transita por la cornisa del absurdo para retratar la abulia de una familia disfuncional que comienza con el intento de suicidio del hijo menor y termina en algún momento de ese retrato donde el absurdo parece apropiarse del relato. Lo interesante del film es que de repente nos damos cuenta que solo hemos estado viendo un momento de la vida cotidiana de una familia de clase media de los suburbios de Buenos Aires acosada por esta locura colectiva de cada día que nos condiciona y abruma y de la cual somos tan incapaces de escapar como de superar. Muy interesante trabajo de Rejtman.

"QUEEN AND COUNTRY" de John Boorman
Un agridulce film con características autobiográficas sobre el entrenamiento militar de un par de jóvenes ingleses en Inglaterra durante la época de la Guerra de Corea. Boorman es un director octogenario que tiene en su haber obras maestras como "Black Point" y "Excalibur". Ésta que comentamos, su última película, pareciera estar relacionada, por lo menos en cuanto a evocación de época, intención autobiográfica  y forma estilística, a su anterior "Hope and Glory" de 1987, aunque esta última estaba contada desde los ojos de un niño que descubría el mundo de los adultos en medio de una guerra después del bombardeo de Londres.

Si en "Hope and Glory"  el crecimiento acelerado del niño se generaba a la par del relajamiento de costumbres provocado por la guerra, en "Queen and Country" los personajes cuestionan la rigidez de la institución militar como el de la propia educación victoriana y el sinsentido de ir a pelear una guerra que no les pertenece, como lo es la de Corea, cuando todavía siquiera han descubierto la adultez.

"Queen and Country" no alcanza la intensidad de "Hope and Glory", pero desarrolla un muy interesante tono de tragicomedia "a la inglesa", alineándose en ese cine tan británico que ha desarrollado en los últimos años Ken Loach.

"THE CUT" de Fatih Akin
Un melodrama mayúsculo que narra la historia de un herrero, padre de familia, que en una noche de abril de 1915 es detenido junto a otros miembros de la comunidad  armenia por las autoridades turcas con el pretexto de ser convocados al ejército para ir a la guerra, pero con el propósito final de ser masacrados en lo que es el comienzo del denominado "Holocausto Armenio", persecución ordenada por el Imperio Otomano contra los miembros de esa comunidad durante  8 años hasta 1923.

El personaje central, Nazareth Manojian, no sólo sobrevirá a la masacre sino al holocausto mismo, logrará escapar, sufrirá en su derrotero todo tipo de vejaciones, hasta que finalmente, se enterará que sus hijas también han sobrevivido, por lo cual iniciará una búsqueda que lo llevará a recorrer buena parte del imperio hasta embarcase primero hacia Cuba y más tarde hacia los Estados Unidos, donde en un final abierto, perderemos su figura en medio de un paisaje nevado y desértico, y agradeceremos la llegada del fin de la película porque ya estamos hartos de tanto sufrimiento.

No se pueda negar la destreza narrativa que tiene Akin, por otro lado, ya demostrada en películas muy superiores a ésta como "Contra la Pared, 2004" y "Al Otro Lado, 2007". Pero lo que no se puede tolerar es la arbitrariedad en las vicisitudes que desde el guión se le hace vivir a su personaje principal, al que lo transforma en actor de una odisea imposible de creer.

REVIVRE de Im Kwon-taek

El cine coreano sorprende no solo por su capacidad técnica que muestra en todos los rubros sin excepción, sino también por la diversidad de géneros que abarca. Tenemos aquí un melodrama tratado con un delicado equilibrio. Un hombre de unos 50 años pierde a su esposa como consecuencia de un cáncer cerebral. Empresario exitoso, directivo de primer nivel en una compañía internacional de cosméticos, contrata como gerente de marketing a una joven que se parece mucho a su esposa y rápidamente, se estable una rara atracción entre ellos. Pero lo notable es la puesta de Im Iwon-taek en su concentración en el personaje central. Todo está narrado desde su lugar. El sufrimiento de su esposa es el suyo propio. La aparición de la nueva empleada no es más que la re encarnación del recuerdo de su esposa cuando era joven. Su propio devenir es simultáneamente su duelo, su enfermedad (lo aqueja un problema de vejiga), su entrada en una edad más que madura, y la soledad que deja el hueco de la muerte de su ser más querido que lejos está de poder ser llenado por el amor de los propios hijos. En la descripción de la abnegación del sufrimiento  y en el equilibrio del manejo de la pasiones que demuestra el director, están los mayores méritos de esta película que conmueve por su nobleza.

"ESTO ES LO QUE HAY" de Léa Rinaldi

Muy interesante documental de Léa Rinaldi, una francesa que viaja a Cuba a hacer unos reportajes sobre la troba cubana para un canal francés y de repente se topa con gente que le recomienda ver a Los Aldeanos, un grupo de Rap contestatario totalmente enfrentado con el gobierno castrista. El documental es el seguimiento de este grupo durante los últimos 6 años y la paradójica y paralela "glasnost" que se produce en el régimen castrista. Realizado con gran soltura, la cámara sigue a su integrantes, los entrevista, participa de sus giras y recitales, y deja traslucir el libertario espíritu del grupo, a la vez del fuerte sentimiento patriótico y compromiso con su pueblo.

"SONGS FROM THE NORTH" de Soon-Mi Yoo

Documental de estilo casero que parece muy simple, primitivo e inocente pero,  bien documentado, se transforma en un fuerte alegato a favor de la libertad. Muestra como con el propósito de la unión, Corea del Norte,  comandada por un régimen de tipo fascista por Kim Il Sung desde 1948 hasta su muerte en  1994, y después por su hijo Kim Jong-Il hasta el presente, inicia una carrera armamentística que alcanza capacidad nuclear que se transforma en una amenaza, primero para  Corea del Sur y después para todo Occidente. Lo notable del caso es que mientras una Corea se erige en potencia nuclear con un bajo desarrollo social, la otra Corea (del Sur) se transforma en un milagro de desarrollo económico bajo un gobierno liberal capitalista.

BAFICI 2015

Vuelve el festival del cine independiente!! Qué es el cine independiente? Es aquel que se desarrolla por afuera de los grandes estudios y de los grandes productores que imponen reglas, cambios de guiones, actores y filman con el ojo puesto únicamente en la boletería. Por eso, el cine independiente se caracteriza porque la mayoría de sus obras se enrolan en una libertad absoluta de expresión, haciendo un uso de las formas y los estilos totalmente diferente.

El BAFICI, durante 14 años, tuvo su sede central en los cines Hoyts del Shopping del Abasto.  Desde su edición número 15, no sé porqué, el centro de actividades paso a ser el Village de la Recoleta. El cambio no fue neutro. El Festival perdió ese aire festivalero que el Abasto contribuía a crear con su enorme hall plaza que permitía desarrollar desde su centro de atención y la distribución  del periódico del festival, hasta las reuniones de cientos de jóvenes que cada día se juntaban allí para charlar sobre las películas vistas y a esperar las siguiente función de cada día. Eso ya no parece ocurrir en el Village, con un hall mucho más chico y oscuro, poco propicio para el encuentro.

LES AVANT PREMIERES CINE FRANCES 2015


EL CUARTO AZUL de Mathieu Amalric

Amalric ya ha demostrado ser un gran actor en esa maravilla que fue "La Escafandra y la Mariposa" de Juían Schnabel, también ha logrado ser un gran director en esa otra maravilla sobre la soledad que fue "Tournee". Ahora demuestra ser una gran guionista en esta adaptación de la novela corta de Georges Simenon denominada "El Cuarto Azul".

El Cuarto Azul es una habitación de un hotel frente a una estacón de trenes donde se encuentran dos amantes que se conocen desde niños en la escuela primaria. Cada uno de ellos, respectivamente casados, no pueden reprimir la pasión que sienten por el otro. Pero "El Cuarto Azul no es un film sobre la pasión sino más bien sobre el "amor loco", aquel que va más allá de la pasión, el que los surrealistas definieron como un amor producto del azar, encuentro a la vez fausto e infausto, que une el vértigo y el estrago.  Y ese vértigo y ese estrago, esta causado por la incomunicación, no solo de sus clandestinos protagonistas sino de la ambigüedad que generan las palabras. No hay ambigüedad en los hechos, solo la hay en los relatos. Los protagonistas se deslizaran de la pasión al amor más puro y de allí a su condena porque básicamente hablan un "idioma diferente", porque los seres humanos no dialogamos, hablamos pero no nos escuchamos. El malentendido conducirá a la tragedia, la que mágicamente eternizará aquel amor que ya no será  carnalizado.

Pequeño pero gran film de Amalric que vuelve a sumar en su ya basta filmografía.

UN CASTILLO EN ITALIA de Valeria Bruni Tedeschi

Valeria Bruni Tedeschi, conocida como actriz de más de 80 películas, ha comenzado  ha concretar también una interesante carrera como guionista y directora de cine. Sus films tienen una clara connotación autobiográfica y sus principales personajes son caracteres femeninos interpretados por ella misma. En esta última trata de analizar la conflictiva pero siempre cariñosa relación de una familia italiana venida a menos que vive en Paris que no se quiere desprender de un castillo que poseen en Italia heredado de su fallecido padre,  y al que ahora ya no pueden mantener y, para colmo de males, también se ven acosado por el fisco.

Narrada con mucha soltura, con un ojo puesto en la gran comedia americana de los 50 y otro en la italiana de los 60, "Un Castillo en Italia" se eleva por la sobre la medianía introduciéndose en la tragicomedia,  donde desde el humor nos cuenta el decadente lucha de dicha familia, pintándonos un cuadro de soledades y frustraciones que pasan no solo por los problemas económicos sino también por los distintos  azotes que pasan sus protagonistas, desde la infelicidad que provoca la infertilidad al deterioro físico y mental del sida. Pero Bruni Tedeschi es consciente que eligió la tragicomedia para expresarse, con Marilyn Monroe cantando "My Hearts Belongs to Daddy " y Rita Pavone  su "Viva la Papa con Pomodoro" desde la banda sonora y un grupo de estupendos actores muy bien dotados para transitar este género consigue darle el tono justo para lograr ese equilibrio tan dificultoso que exige la tragicomedia.

OSCAR 2015

MEJOR PELÍCULA
Birdman

MEJOR ACTOR
Eddie Redmayne, La teoría del todo

MEJOR ACTRIZ
Julianne Moore, Siempre Alicia

MEJOR ACTOR DE REPARTO
J.K. Simmons, Whiplash

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
Patricia Arquette, Boyhood

MEJOR DIRECTOR
Alejandro González Iñárritu, Birdman

MEJOR GUIÓN
Birdman

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
The Imitation Game

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
Glory, Selma

MEJOR BANDA SONORA ORIGINAL
El Gran Hotel Budapest

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO INGLESA
Ida (Polonia)

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
Big Hero 6

VESTUARIO
El gran hotel Budapest, Milena Canonero

MEJOR DOCUMENTAL
Citizenfour

MEJOR CORTOMETRAJE
The Phone Call

MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN
Feast

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Crisis hotline: veteran press

MEJOR FOTOGRAFÍA
Birdman

MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA
El gran hotel Budapest

MEJOR MONTAJE
Whiplash

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
El gran hotel Budapest

MEJOR EDICIÓN DE SONIDO
El Francotirador

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
Whiplash

MEJORES EFECTOS VISUALES
Interstellar

29 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

- Pobre, pocos nombres conocidos y la clásica sección Panorama que habitualmente refleja lo mejor de Berlin, Cannes y Venezia, casi no trajo nada.
- Lo mejor, el corto institucional de Esteban Sapir, aplaudido en todas las funciones.
- Lo peor, las aplaudidoras oficiales del Teatro Auditorium, que se hacían escuchar cada vez que salia el spot de la Presidencia de la Nación como auspiciante del Festival.

- El Festival adquirió un perfil absolutamente latino americanista, aunque triunfo una película turca.

- Dejándome llevar por la tendencia, lo poco que vi fue de ese origen  y no me defraudo.

- La Revelación fue el cine colombiano. "Ella" de Libia Estellla Gomez Dîaz, que no solo es un homenaje al Buñuel de "Los Olvidados", sino también un excelente película, fue lo que más me gustó.

- La sorpresa fue la venezolana "Solo", de Jose Novoa. Su tema es la corrupción y la desintegración familiar en Venezuela. Pelicula correcta aunque los más interesante fue la conferencia de su actor. Hablo fundamentalmente de la censura en aquel país. Algunos marplatenses  que habían aplaudido la película, comenzaron a levantarse e irse al comenzar a entender que el filme venezolano no solo hablaba de un militar corrupto sino, por elevación, de un regimen y una sociedad en estado de descomposición social. El Chavismo también parece ser incorregible.

- Otra buena pelicula fue "No Todo es Vigilia", del español Hermes Parallelo, una mirada compasiva pero llena de encanto sobre sus abuelos, viejos, bastante enfermos pero todavía vivos y con ganas de seguir viviendo.

Por otro lado, asistí a 3 Master Classes.

- Paul Schrader, guionista de Scorsese en 4 películas. Hablo sobre el futuro del cine. Sera todo digital y morirán las queridas salas.

- Claire Danes, Hablo sobre el presente, sobre su cine, y como lo hace. Un gusto.

- Osvaldo Bayer. Hablo sobre el pasado. No solo del cine, sino de aquel pasado que no sabemos superar. Esto merece un post aparte. Ya hablare de ello.

BAFICI 2013

Con cambio de cabecera, (este año El Abasto fue sustituido por el Village de la Recoleta), comenzó el BAFICI. En cuanto a lo que vi, este festival no estuvo a la altura de otras ediciones.

 Me concentré en ver el nuevo cine alemán, donde hay un movimiento que se llama la escuela de Berlín, en el cual han aparecido jóvenes realizadores muy interesantes, cuyas películas reconocen influencias del cine negro americano, y de la novelle vague francesa. De ellos, vi dos trilogías: 1) Dreileben y 2) Paradis.

Dreileben (que fue hecha para televisión), son 3 películas de 88 minutos cada una, dirigida por 3 directores diferentes: Dominik Graf, Christof Hochhauser, y Christian Petzold. Trata de un asesinato que ha ocurrido en un pueblo cercano a la Selva Negra. Hace recordar a "Twin Peaks" de David Lynch, una miniserie americana de los 80. El asesinato es solo un hilo conductor, lo que importa es lo que pasa con los personajes en cada una de esas tres partes. Las dos primeras exponen problemas de triángulos amorosos, y la tercera, se enfoca en la cuestión perseguidor- perseguido, siguiendo las vicisitudes del asesino escondido en los bosques de Dreileben, y el policía enfermo que intuye estar detrás del hombre equivocado. Muy interesante.

La otra trilogía se llama Paradís y la dirige Ulrich Seidel. Sus partes son 1) Amor, 2) Fe y 3) Esperanza. Aquí también los personajes de cada parte están relacionados. Ello son: Una madre con su hija adolescente, y su hermana. En Amor, la madre se va de vacaciones al África con el propósito de hacer turismo sexual, encontrando solamente soledad. En la segunda, Fe,  la hermana, es una fanática catequista que quiere redimir a través de la religión a gente desesperada económicamente. Y lo único que consigue es sumirse en su propia crisis religiosa cayendo prácticamente en la locura (es la mejor de las tres). En la tercera, Esperanza, la hija adolescente tiene problemas de sobrepeso y se interna en una clínica de adelgazamiento donde se enamora de su médico y tiene su primer engaño amoroso. Un tríptico que retrata la soledad y la alienación de la sociedad moderna, sobre preocupada por aspectos banales de la vida en lugar de vivir la vida con equilibrio y solidaridad.

Like Someone in Love, del iraní Abbas Kiarostami, una película fascinante donde Kiarostami (un director iraní) vuelve a su tema de siempre, pero en Japón.  El cine de Kiarostami es una permanente reflexión sobre la realidad y la imposibilidad de dejarla registrada. Y sus historias giran siempre en torno de ellos. Ceo que los grandes directores, más tarde o más temprano, desarrollan un gran tema. Acá se trata  sobre el fingir la realidad. La historia es casi mínima. Dura tan solo un día. Comienza  una noche con una discusión entre un chico y una chica por celular. Ella es una estudiante  que llega a Tokio desde el interior, y se gana la vida como acompañante de hombres. Esa noche, no tiene ganas de trabajar y le toca ir a la casa de un viejo profesor a cenar con él. A partir de allí, se darán una serie de sustituciones, donde el profesor pasará por su abuelo, ella por su nieta, y su novio, un mecánico de autos, se convertirá en un joven molesto y amenazante. La película toda es una aguda reflexión sobre los roles que asumimos para llevar adelante nuestras vidas, preguntándonos a cada paso quiénes somos.

Vi, además, dos documentales sobre el tema Palestino que me aportaron una realidad diferente a la que yo conocía. Y ahora, más que antes, me he convencido que es un tema que la humanidad debe tener en cuenta y prestarle la debida atención aunque su solución parece lejana y compleja.

Y finalmente, otro documental sobre el movimiento de los Indignados en Madrid, que me pareció estupendo, donde se muestran simulacros de democracia directa, un pueblo en asamblea permanente, discusiones, puntos de vista, realmente interesantísimo. Se llama "Vers Madrid".

2011-04-11

BAFICI 2011.

Mi querido festival comenzó con todo.

COPIA CERTIFICADA del iraní Abbas Kiarostami, filmada en la Toscana italiana, con Juliette Binoche en el protagónico que me pareció muy, pero muy buena. El film comienza con la presentación de un libro sobre arte que lleva el mismo título de la película y que es un ensayo sobre lo que es la copia en el arte. Una defensa de la copia, en el sentido de que quien copia también es un artista en un estado de creación. Todo esto nos lleva a una reflexión sobre la vida. Acaso la vida, es el original de todo, o la vida nos es más que una copia de sí misma. En el auditórium hay una mujer. Ella es curadora de arte. Es también la mujer del escritor que está disertando, del cual, está separada. El fin de semana pasearan en auto por la campiña italiana hasta que finalmente ella lo llevará al aeropuerto, dado que él debe regresar a Londres. Pero antes ella tratará de re encontrase con él y convencerlo de que vuelva con ella. Será posible revivir el pasado. Acaso aquellos felices momentos podrán copiarse como se copian los cuadros? Gran película, muy humana, con un final es abierto.

SLEEPING SIKNESS de Alemania, es la historia de un médico alemán en Camerún que está combatiendo la enfermedad del sueño, la cual está prácticamente controlada. Pero después de tantos años de vivir en África, ya no quiere regresar. La mujer y su hija se vuelven, y él se queda y comienza a convivir con una mujer negra, con quien tiene una hija. Así, se sumerge en un sinfín de contradicciones y vive al borde de la locura entre las enfermedades y muerte. La película es una vuelta de tuerca sobre El Corazón de las Tinieblas de Joseph Conrad, un cuento famoso sobre el cual también se basa la famosa pelicula de Francis Ford Coppola "Appocalysis Now". Es notable como muestra el choque de culturas, la incapacidad para adaptarse, y el creciente desarrollo de una paranoia.

TOURNEÉ. También me gustó mucho esta película francesa que trata de la gira de 4 cabareteras americanas por Francia regenteadas por un díscolo actor francés que les promete un show en París pero apenas las lleva a una seguidilla de ciudades portuarias en la Bretaña francesa. Una hermosa película sobre la soledad y la disfuncionalidad de la familia actual, con mucho de Fellini y algo de Bob Fosse.

NORBERTO APENAS TARDE Otra gran película uruguaya que dirigió Daniel Hendler, un actor que suele trabajar en argentina (El Abrazo Partido de Daniel Burman). La película es una especie de tragicomedia de un tipo de 30 años que no encuentra su rumbo, deja su trabajo, deja a su mujer, se compra un camioncito de mudanzas y sobre todo, comienza a hacer teatro vocacional. La película es  el retrato de Norberto, y  una reflexión sobre la falta de compromiso de la juventud de esta época.