NO ODIARAS de Mauro Mancini

ETICA Y MORAL

El doctor Segre es un médico cirujano de ascendencia judía y su vida transcurre en forma pacífica en Trieste, en el norte de Italia. Es un solitario que vive en una amplia y hermosa casona. Es un hombre soltero que no tiene apuros económicos. Su hobby es el remo. No parece tener una filiación política. Su padre, ha sido un sobreviviente de los campos de concentración nazi.

No odiaras se convierte en el registro de los diferentes ejercicios de reflexión que el personaje debe realizar para entender su propio odio y enmendar el daño irreparable que ese sentimiento ha causado,

La película presenta dos dilemas. Uno de carácter ético y otro de tipo moral. Lo primero está relacionado con lo que el protagonista hace: deja morir a una persona porque cuando trata de ayudarla encuentra tatuado en su brazo una cruz esvástica nazi. Por otro lado, la cuestión moral que se relaciona con la culpa que siente.

El film comienza una tarde, cuando él viene de remar y va a buscar su auto para volver a la ciudad. En la ruta se ha producido un accidente donde un hombre ha quedado gravemente herido. Como médico, trata de socorrerlo. Desprende su camisa y ve el tatuaje en el brazo del accidentado. Instantáneamente, reacciona alejándose del herido y lo deja morir. Tiempo después, contrata a una joven mucama para que lo ayude en la limpieza de la casa, sabiendo que los familiares de la misma son nazis en actividad.

Mauro Mancini maneja este material como un típico film  de suspenso. Su personaje se encuentra literalmente encerrado en una casa enorme, pero en su interior, es corroído por la tristeza que le provoca el duelo de su padre. No obstante, asoma en su vida una cierta felicidad que lo saca del ostracismo. Una relación extraña comienza a crecer entre él y su mucama.

El film habla de los prejuicios étnicos y religiosos, del ser diferente, y particularmente del odio racial, el que se lleva a cabo motorizado por la simple maldad. El personaje principal interpretado con exactitud por Alessandro Gassman (hijo de Vittorio), se constituye en una víctima exponente de una violencia inútil engendrada en idearios políticos que se basan en la segregación racial, resabios resultantes del nazismo de la Segunda Guerra Mundial, donde células extremistas aún conservan las raíces de aquel odio que llevo a la masacre a miles de judíos europeos solo por practicar una religión diferente.

El personaje principal aún resulta más interesante ya que la vida pacífica de un médico, termina complicándose en una vorágine de violencia gratuita al observar que la familia de su mucama está relacionada también con una célula extremista.

Film sobre los prejuicios raciales y sus consecuencias, la película funciona notablemente como film de suspenso. Es notable la capacidad de los guionistas Davide Lisino y Mauro Mancini para evocar desgraciados sucesos del pasado con proyección al presente. Plantearlos como vigentes, nos dejan pensando sobre el horror de esta posibilidad.

La película inteligentemente nos retrotrae al pasado para obligarnos a pensar en el presente, particularmente en las ideas totalitarias y falsamente nacionalistas. Por otra parte, tiene la virtud de encerrar una temática dentro de un género, para narrarnos la historia de un hombre, un médico, que sorpresivamente se ve envuelto en un torbellino enraizada en una trama de características políticas y sociales que en lo individual lo interpela sobre su propia capacidad de quedar envuelto en un grave conflicto.

MRS. HARRIS

UN SUEÑO HECHO REALIDAD

“Sueña el rico en su riqueza,  que más cuidados le ofrece; sueña el pobre que padece su miseria y su pobreza; sueña el que a medrar empieza, sueña el que afana y pretende, sueña el que agravia y ofende, y en el mundo, en conclusión, todos sueñan lo que son, aunque ninguno lo entiende”. Pedro Calderón de la Barca, La vida es sueño (1635).

Basada en la novela de Paul Gallico, y editada a principios de los años 50, Mrs Harris Go to Paris  es un libro que se ha leído en muchos colegios durante la escuela secundaria y que nos habla de la fuerza que tienen nuestros sueños para que podamos volverlos realidad.

En la película, Mrs. Harris es interpretada por Leslie Manville quien brilla con una actuación descollante en el papel principal, dándole no solo vida al personaje sino componiéndolo con una gama muy amplia de matices.

Mrs. Harris es una mujer viuda que no ha tenido hijos, vive sola en un pequeño departamento en los barrios bajos de Londres, y sueña con tener un vestido del modisto Christian Dior. No obstante, ella es una persona muy consciente de sus limitaciones. Ha enviudado, trabaja por horas como mucama en casas de familia y acepta mansamente la vida que le ha tocado en suerte.

El inteligente guión de Carroll Cartwright y Antothony Fabian no se queda en la simple descripción del personaje sino que primero lo pinta en base a sus valores, tales como la feminidad, la honestidad, la adaptabilidad, su ubicuidad, su humor, y sobre todo, su sentido común. Luego, acciona. Típicamente, una señora mayor inglesa.

Un día cualquiera por la tarde, mientras realiza la limpieza de una casa, ve un vestido que “la vuelve loca”.  Instantáneamente, quiere ese vestido. Lo desea, pero el vestido no está en Londres sino en otra ciudad, ello es Paris, Francia.

Un espíritu aventurero aparece en ella de manera que con toda decisión comienza a ahorrar dinero de a poco con el propósito de viajar a aquella ciudad para poder comprar el vestido.

La película se convierte en la transformación de una mujer simple y común en otra impulsada por un deseo. Desaparece de ella una vida sin expectativas para dar lugar a una oportunidad para realizar un sueño. La transformación será total. Una mujer simple, una mucama sin esperanzas se transformará en una mujer con un objetivo que parece inalcanzable para su condición.

Pero ella no carece de valores ni fortalezas. No tiene medios económicos pero no le sobra  tenacidad y perseverancia. Además, posee un sentido de la disciplina económica financiera, ella es capaz de ahorrar, libra tras libra, para poder comprar un pasaje de ida y vuelta a Paris y comprar el vestido de sus sueños.

La película se convierte en una especie de lección de buenos valores, por otra parte muy didáctica tales como la paciencia, la perseverancia, el esfuerzo, la honradez, la visión de futuro, pero también afloran aspectos personales como su carisma, su respeto hacia los demás, conocer su objetivo, saber lo que quiere, y mostrar firmeza, entre otros.

Con este film, el cine ingles recupera, entre otras cualidades, algunas de las formalidades del free cinema, un cine que recuperaba la pintura del personaje a la vez de exponer con naturalidad las pasiones como sus comportamientos, tan abiertamente como sus ansiedades, deseos, sufrimientos y desencuentros.

Mrs. Harris es una muy grata sorpresa que avizora un nuevo camino del cine ingles despojado de sus viejas formalidades que la vez, conserva un sentido del humor y una factura lineal muy prolija que destaca que el camino puede estar cargado de piedras pero la voluntad, y sobre todo, el deseo de alcanzar un sueño lo puede todo. El film es simple y didáctico, pero la firmeza del personaje y su claridad de objetivos, lo convierten en una obra importante del nuevo cine inglés.

EL FOTÓGRAFO DE MINAMATA de Andrew Levitas

EN POS DE UNA VIDA NATURAL

W. Eugene Smith fue un fotógrafo profesional que trabajó durante mucho tiempo para la revista Times volviéndolo famoso. La película lo encuentra en 1971 en Nueva York, ya cansado de su trabajo aunque acepta tras una larga discusión con su Jefe, viajar a Japón para  documentar los efectos del envenenamiento por mercurio en la población de las costas de Minamata.

Johnny Depp encarna en la ficción al famoso fotógrafo componiendo quizás la mejor actuación de su carrera, donde se muestra como un hombre con un tesón y una paciencia a toda prueba para obtener la fotografía que solo aquella revista podía publicar.

La película es prácticamente una sucesión de primeros planos del actor donde expresa su conocimiento para lograr una fotografía que no solo está destinada a pasear por todo el mundo sino también a transformarse en un icono de época.

Con un riguroso y bien armado guion, el film va adquiriendo interés no solo porque la descripción del fotógrafo es extraordinaria sino porque logra la atención del espectador respecto del tema ambientalista con ideas genuinas pero sobre todo por aquello de saber hacer un trabajo con honestidad y estoicismo

En ese aspecto, destaca su sentido de oportunidad, como también, su capacidad para trabajar con la gente que lo rodea, no solo su jefe de redacción en Nueva York sino también las relaciones que desarrolla en su vida cotidiana con la gente del pueblo de Minamata.

La película avanza de a poco con paso lento pero firme como un documento sobre algo que está por suceder. El fotógrafo sabe de su trabajo. Ello es estar allí, para dar fe y registrar lo ocurrido.

Simple y concisa, logra interesar en el plano ambientalista, pero sobretodo, sale airosa como una película donde sobresalen virtudes que hacen a la persona, ello es la calma, la subordinación, la disciplina, la tenacidad y la decencia que permite sobresalir en un trabajo.

66 PREGUNTAS A LA LUNA de Jacqueline Lentzou

UNA HENDIJA EN LA INTIMIDAD

De vez en cuando, el cine remonta a sus origines y recuerda la idea del montaje cinematográfico. Creo, después de haber visto mucho cine, que el montaje es una de las claves más importantes en la realización cinematográfica y que, en este caso, constituye la parte principal de la puesta en escena de este film.

Se trata de una ópera prima, la de la griega Jacqueline Lentzou, que se mete de lleno en el melodrama a través de una trama que enfoca la difícil relación entre un padre y una hija,  donde en el medio existe una tercera parte que si bien ni calla ni otorga, deja establecido a un tercero en  discordia. No obstante, en su esencia, busca la siempre vigente pregunta sobre de dónde venimos, cómo vivimos y cuál es nuestro destino.

Lo notable del caso es que la obra, esencialmente teatral, no es resuelta de esa manera sino todo lo contrario. 66 Preguntas es una gran lección de cine.

La narración encierra prácticamente a sus personajes en un pequeño pasillo y en una habitación. En ese ámbito hay tan solo tres personas. Un enfermo, su hija y un tercero que casi no participa de la conversación. Es un momento dramático. Queda claro que hay cierta incomodidad. Algo de aquello de lo que no se habla y que es aquello que encierra las 66 preguntas del título.

La gran virtud de esta joven directora griega es que logra resolver la puesta en escena escapando de lo teatral y resolviendo la película en términos absolutamente visuales, ello es, a través del montaje. Pocas veces en el cine es el  montajista quien se lleva los laureles. En este caso, lo es. Sin lugar a dudas, Smaro Papaevangelou es quien ha realizado una labor suprema logrando montar la película siguiendo los diálogos, una obra de cámara que destaca como una puesta teatral a través de medios totalmente cinematográficos, ello es la conjugación de la imagen, el sonido, y sobre todo, montaje.

Debe quedar en claro que la película no constituye un cuestionario de 66 preguntas, sino en una sola. Incluso, sea obvia. Pero la mano inteligente de la joven directora nunca lo da a conocer y lo mantiene como un gancho que atrapa al espectador sabiendo que la intriga no es la cuestión de la película sino el descubrimiento tardío de que la relación padre-hija es posible.

La película atrapa al espectador con estrictas armas cinematográficas, montaje de primeros planos, actuación notable de los actores, sobre todo por la dicción, ritmo y entonación de las palabras, y el desarrollo de una trama que alude a un tiempo perdido, a un descubrimiento del otro, a la imposibilidad de futuro.

 En síntesis, una película muy interesante que enfoca un encuentro familiar entre un padre y su hija en una situación límite cuando ya no hay tiempo para reparar los hechos aunque siempre existe la posibilidad de la reconciliación.

ENNIO, EL MAESTRO de Giuseppe Tornatore

EL HOMENAJE DEL ALUMNO

Ante todo, es un film homenaje que Tornatore dirige con la sensibilidad propia de un alumno destacado que ha sufrido la dolorosa perdida de un gran maestro, un músico talentoso, Ennio Morricone, compositor y director de orquestra, capaz, no solo de subrayar la música de una película sino también de ganar un lugar entre los grandes músicos de cine del mundo generando un estilo propio.

Hijo de un trompetista de una orquesta de jazz, eligió también el camino de la música, y se volvió famoso como compositor y director de orquesta destacándose en el mundo cinematográfico en oportunidad de ser convocado para musicalizar las escenas de un espagueti western, genero italiano por excelencia, que satirizaba al western americano tradicional, dirigida por su amigo de la infancia Sergio Leone.

La película es un documental que recrea la obra del músico a través de las películas más famosas en las que participó desde 1955, primero como arreglador musical de otros autores y más tarde debutando en 1961 en una serie de televisión.  Fue reconocido tres años después componiendo la banda sonora de Por un Puñado de Dólares. Cabe agregar que como compositor y director de orquesta Tornatore trabajó ininterrumpidamente hasta 2020, año en el que falleció a los 91 años, subrayando musicalmente cerca de 500 películas.

Tornatore realiza “Ennio”, como un gran homenaje a su maestro musical, dado que todas menos su opera prima, llevaron la música de este autor, entre ellas, algunas inolvidables como Cinema Paradiso (1987), Stanno Tutti Bene (1990),  La Sconosciuta (2006), entre otras.

La película resulta muy entretenida evocando una época muy especial del cine italiano, un momento de cambio, donde la rebeldía de una época de transición se hacía escuchar con la protesta que el cine reflejaba  con estilos nuevos que buscaban dejar atrás los convencionalismos de la época. Era hora de algo nuevo. Los arreglos musicales influenciados por la música clásica pedían un cambio. Y ese cambio llegó de Italia y por el maestro Morricone, cuya experiencia era escasa pero su capacidad de cambio era notable.

El método era muy simple. Se basaba en sonidos básicos que uniéndolos musicalmente  generaban una banda sonora que subrayaba las imágenes del film dándole un ritmo diferente, seco y contundente, como un enojo o creando una atmosfera que determinaba el estallido de la acción.

Su música nacía del tarareo, al cual trasladaba a la composición, y de allí a la musicalización cinematográfica. Un dechado de sentido común, simpleza y capacidad de innovación que enfatizaba la capacidad de transmisión de la propia imagen.

Tornatore dirige el film con la misma simpleza de su maestro, buscando material de archivo donde encuentra registros notables que nos van dando pistas a través de escenas sumamente ingeniosas y elocuentes, a la vez que la banda de sonido muestra como una idea musical, tal como un silbido, se va convirtiendo lentamente en un acompañamiento de una orquesta. Gran trabajo didáctico del director.

ARGENTINA 1985 de Santiago Mitre

UN ACTOR DESCOMUNAL

Todos conocemos la historia argentina de los últimos años pero no todos la hemos vivido. No obstante, cada uno tiene su punto de vista.  La experiencia vivida nos facilita sacar conclusiones. Aun así, todos tenemos una opinión sobre lo que se ha vivido y lo que ha pasado.

La película de Santiago Mitre se concentra en el trabajo de un fiscal y su equipo que buscan pruebas contundentes para poder enjuiciar a las Juntas Militares que gobernaron el país para desarrollar la acusación correspondiente, llevar a cabo los juicios y lograr una sentencia definitiva sobre el accionar de las Juntas Militares durante los años ´70 y parte de los´80.

Hacer justicia implica la revisión de lo actuado por  dichas Juntas. Para ello, la justicia cuenta con los fiscales del Estado cuya actuación radicaba en la investigación de los hechos para determinar los abusos cometidos. Uno de sus  protagonistas principales en esta historia del siglo XX ha sido el abogado Julio Strassera, un fiscal del Estado que con su equipo de abogados e investigadores, participaron buscando todas las pruebas necesarias para poder enviar a Juicio y determinar sobre las responsabilidades y abusos de las juntas militares que dirigieron el país durante esa década.

La película se concentra en la actuación de este fiscal durante los juicios llevados a cabo, y quien asume el papel de Strassera es un gran actor argentino, Ricardo Darin, cuya actuación es descomunal dando vida a un hombre que cree en la justicia, y cuyo apego a la ley ha sido total.  Su compenetración con el papel, apoyado en el buen guion  del propio director, crea un personaje de ficción que cobra vida de una manera tan natural que quienes no conocimos al fiscal en vida no dudaríamos ni un instante en creer que el propio Strassera estaba allí presente frente a las cámaras cinematográficas.

Darin es un gran actor y sus películas, generalmente, fueron acompañadas por el éxito de público, tanto en la pantalla grande como también en televisión y teatro. Su actuación en esta película es un dechado de naturalidad frente a las cámaras que crea una realidad que supera la ficción de la actuación, haciéndonos creer permanentemente que estamos ante el propio fiscal de estado.

Ni Darin ni nosotros hemos conocido personalmente al fiscal, pero el actor nos convence que ese personaje extraído de una realidad y que ha sido protagonista de un hecho histórico es quien está frente a nosotros más allá de la ficción.

También se deben destacar dos aspectos que conciernen al director y guionista Santiago Mitre. Su guion no solo se ciñe a la verdad, sino también mérito de su excelente dirección, logra rescatar el interés histórico de la obra a la vez de entretener al público durante todo el metraje de la película.

Acompaña a Darin el actor Peter Lanzani en el papel del fiscal Moreno Ocampo, y en un papel menor pero inolvidable, Norman Briski como un fiscal y viejo amigo, un guía de ruta en la peregrinación de la búsqueda de la verdad.

Esta película argentina nos llena de orgullo no solo porque rescata un hecho de la historia reciente de nuestro país, sino porque lo hace desde un punto de vista totalmente cinematográfico, un cine honesto y justo que no permite remitirnos al pasado ni a tomar una posición política sino solo evocar un recuerdo, la de un fiscal de estado cuyo compromiso es llegar a la verdad para que su recuerdo evoque una mirada crítica que rescata la necesidad de establecer la vedad de los hecho y no permita el olvido.