LA CONVERSIÓN de Marco Bellocchio

JUDAISMO Y CRISTIANISMO

Bellocchio es un director de larga fama cuya carrera comenzó con una obra  de arte (Con las Manos en los Bolsillos) que lo catapultó rápidamente a la primera línea de los realizadores italianos de la década del 60, más precisamente en 1966, que lo alineaba como uno de los precursores más inquietos e interesantes del nuevo cine italiano que buscaba diferenciarse del movimiento neorrealista. Sumamente crítico de su época, ya sea militando políticamente en la izquierda, o realizando un cine tan pasional  como controversial.

Su cine es de choque, hace pie en los extremos, y su capacidad narrativa es sólida. Ahora está en cartelera con su nueva obra, La Conversión, una película basada en un suceso real ocurrido doscientos años atrás cuando un niño judío es raptado para ser  entregado y convertido a la fe católica por la intervención de una mucama de una familia judía adinerada. La historia narrada sucede en Bolonia, Italia en 1852, cuando el país era parte del Estado Papal, cuya cabeza era el Papa Pio IX. El episodio es conocido como “El Caso Mortara”.

El niño se inició en la fe de sus captores  e incluso tomó sus hábitos. El director enmarca a su protagonista como un rehén religioso que se convierte a la fe de su captor, llegando a transformarse en un sacerdote católico, falleciendo a los 88 años en la ciudad de Lieja en Bélgica.

La película avanza dividida en tres partes de la vida del protagonista: su niñez, su adolescencia y su adultez.  La acción comienza en el barrio judío donde un niño de esa pertenencia es raptado presuntamente por un fanático católico. El segundo bloque relata el esfuerzo de la familia por recuperar a su hijo. El tercero muestra la vida de ese adulto que finalmente logra volver a encontrar a sus padres.

Narrando en forma rápida, sencilla, y directa, el director asume un carácter confrontativo. Lo hace desde un principio y lo mantiene hasta el final. En ese aspecto, sobresalen dos cualidades de su cine. Por un lado, la objetividad de la narración, relatando un hecho de características policiales, utilizando un estilo directo y lineal al mejor estilo periodístico. Por otro, destacan los detalles visuales de la puesta en escena, donde concentra la acción en espacios cerrados apenas iluminados por la luz que filtra una ventana donde el protagonista pena su culpa encerrado en una pequeña vivienda que limita obviamente su libertad.

El rapto del niño se da a conocer y aparece en los diarios de la época. No obstante la actuación policial es mínima. Allí refleja el poder de la iglesia que no solo hace caso omiso a la situación, sino que con el correr de los años tampoco hubo respuesta por parte de organizaciones tales como las de defensa de derechos humanos.

Bellocchio vuelve a sus fuentes generando un film que no puede pasar inadvertido. No solo destaca por la importancia de su tema, sino también por su puesta en escena, sencilla, austera y donde prevalece en todo momento la incógnita de ese niño que se vuelve adolescente, y más tarde un adulto que bajo el poder papal,  evita todo gesto de rebeldía y se somete al poder de una iglesia que no es la suya,  donde su principal carencia es la falta de compromiso con sigo mismo y sus orígenes.

Posiblemente será una de las mejores películas del año, donde destaca el estilo de su director, que con honestidad e inteligencia, refleja una oscuridad que lo cubre todo, y en consecuencia, permite el dejar hacer, dejar pasar de una sociedad que parece adormecida, lejos de la realidad. El film no solo refleja coherencia sino también, estilísticamente, busca reflejar la oscuridad de una época vergonzosa. La excelente dirección del cineasta, pone en imágenes una historia real donde prevalece la oscuridad. El público encontrará una película de marca mayor, y sobre todo, uno de los mejores trabajos  de un hombre que,  formado en el neorrealismo italiano, sigue evolucionando y   realiza un cine vital, vigente y fiel a sí mismo.

EL ÚLTIMO ESCAPE de Oliver Parker

PARABOLA SOBRE LA LIBERTAD

Protagonizada por Michael Caine  y Glenda Jackson (en su papel póstumo para el cine), encontramos una pequeña joya, muy bien realizada por el director inglés Oliver Parker, responsable de varios trabajos realizados para la televisión inglesa, y algunas parodias tipo James Bond, tales como  Johnny English. La cuestión es que Parker asumió con mucha responsabilidad, y sobretodo, mucho tacto, esta película que sería el último trabajo de Glenda Jackson para el cine.

Se trata de una pareja de ancianos que se ha recluido en una especie de hospicio para gente mayor. Un lugar de retiro donde encuentran buena atención, comida sana  y limpieza impecable. En ese lugar,  recibe una invitación a participar de la conmemoración del 70.º Aniversario del Día D en Normandía, Francia, en junio de 2014, Ello se transforma en una especie de posibilidad de escape de su hogar de ancianos  para asistir a aquellas conmemoraciones y tendrá como precio tener que dejar sola a su esposa.

El film es un dechado de amor y tolerancia. Es también, una necesidad de sentirse joven cuando ya se es muy mayor, como también la posibilidad de encontrase con viejos amigos e incluso, camaradas que participaron en el desembarco de Lombardía para liberar Francia durante la 2da Guerra Mundial, y facilitar de esa manera, ponerle  fin a esta. La película registra ese momento una especie de fin de semana largo en el cual Bernard (Michael Cine) consigue “la aprobación de Irene” (Glenda Jackson) para viajar a Normandía y participar allá de los festejos del aniversario de la liberación de Francia. Parker entrelaza esos momentos de felicidad que le genera encontrarse con sus viejos camaradas en un paralelo extraordinario que muestra la soledad en que ella queda exenta de toda compañía más allá de las mucamas del edificio donde está viviendo.

El film se destaca sobre todo por su enorme capacidad de comprensión del uno hacia el otro. Son dos personas que viven solas y son atendidas con profesionalidad en un lugar especializado al respecto. Pero solamente se tienen uno al otro. Y ese otro, desea disfrutar de un encuentro con camaradas con quienes ha peleado en la guerra.

Lo notable del film es la fineza con que Parker humaniza ese momento que si bien pasajero, generará un  momento largo de soledad especialmente para ella, Irene, quien será la que se queda sola hasta que él regrese transformado al film, prácticamente, en un thriller donde la cuestión pasa por si él podrá volver o no después de haber vuelto a estar en plena libertad.

Y hablamos de libertad porque prácticamente en el hospicio donde están tienen una serie de facilidades pero lo que parecen no tener es la disponibilidad de entrar y salir cuando quieran. De alguna manera, incluida la específica celebración en Francia donde él asistirá, para él es una liberación y para ella una atadura.

El film se transforma en una pequeña parábola sobre la libertad del individuo, tanto  política como individual.  Por otro lado, ofrece un par de grandes actuaciones de ambos intérpretes principales y un último adiós a una actriz, una mujer que no solo ganó dos oscares, sino también un sitio en el cine, la política y en la vida.

Película concisa, precisa y sumamente real que nos conecta con la finitud de la vida, incita a vivirla sin miedo, libre de ataduras y preconceptos, y sobre todo, nos hace tomar conciencia sobre las responsabilidades. Un film que marca limites pero también nos dice que debes hacer lo que quieras hacer.

INMACULADA de Sidney Sweeney

PELICULA RENOVADORA DE UN GÉNERO

Es una película americana, rodada y producida en Hollywood, que transcurre totalmente en Italia u que si bien sigue las reglas de oro del cine de terror y suspenso, se las arregla  bastante bien  para dejar satisfecho al espectador adicto a este género tipo de cine.

Lejos de las obras más importantes del género (El Resplandor, El Exorcista, Psicosis, entre otras) tiene la virtud de no dar tregua y entretener durante te todo su desarrollo, aunque claramente, por momentos se vuelve reiterativa y  termina transformándose en una película efectista donde siempre sobresale la tentación de sorprender tratando de asustar al espectador.

No obstante ello, el film tiene la virtud de recuperar un género que parecía pasado de moda, y lo hace, incluso, con destreza, atrapando al espectador.

Lo más importante de señalar es el suspenso que logra, lo cual lo vuelve efectista, y eso no lo esconde, muy por el contrario, lo reitera  buscando su propio estilo.

En ese sentido, destacan dos aspectos importantes de señalar, Uno de ellos inherente al tipo de cine en el cual milita, pero sobre todo destaca una ambientación  y un manejo del color, particularmente el color rojo, al que alude una y otra vez, en forma permanente a una especie de  baño de sangre donde la estética termina reemplazando a la escritura vaciando la trama transformándola en una simple sucesión de momentos que conducen, misteriosamente, al baño de sangre.

Inmaculada, no obstante aspectos efectistas que hacen al género, logra ciertos aspectos que hacen a la renovación del género. La trama es lineal pero a su vez está conformada de pequeñas y significativas escenas  que mayormente tienden al golpe de efecto. Ello conduce a dejar  de lado una trama de suspendo,  que al principio es lo que espera el espectador, pero su desarrollo conduce a una serie de golpes de efecto que transforman al film en una obra personal de un estilo muy propio.

El manejo del color rojo, el suspenso, la búsqueda del terror, transforman al film en una obra  de carácter efectista, por otra parte sumamente efectiva que sin producir cambio sustanciales ni en lo narrativo o lo puramente estético, lo transforma en lo que será un film de culto que por otra parte, tiene la capacidad de actualizar al género  con algo menos de previsibilidad, pero sobre todo, dotándolo de una estética propia.

Inmaculada es una obra renovadora que sin tener demasiadas  pretensiones  logra interesar al espectador pero sobre todo, tiene la capacidad de generar una estética propia que no solo luce por sí misma, sino también envuelve a todo el film con su color sangre, dándole identidad de obra.

EL JARDIN DEL DESEO de Paul Schrader

 PECADO Y SALVACIÓN

La acción transcurre en Georgia, al sudeste de los Estados Unidos, donde un hombre intenta dejar de lado un pasado violento que parece querer repetirse en el presente. El personaje  principal es Narvel Roth, interpretado por Joel Edgerton, acompañado por Sigourney Weaver, en una personificación notable que transmite el tránsito de una vida complicada.

Narvel es un jardinero sumamente laborioso  cuya vida ha sido difícil, que ahora vuelve a complicarse. Es un jardinero que trabaja en la casa de Norma, una mujer rica que tiene una hermosa casa con un enorme jardín. El hombre tiene un pasado y un presente. Incluso ha estado en la cárcel.

Schrader es un cineasta que siempre ha destacado por su religiosidad, donde el perdón es tan fundamental como la confesión del pecado para lograr ser absuelto. El film esta contado en presente, pero el pasado esta siempre vigente, como si fuera una deuda a saldar.

Esta película es su tercera obra como director. Su carrera como guionista registra tanto propios como de colaboración. Entre ellos pude encontrarse su aporte a los guiones de Mishima y Blue Collar. También ha sido guionista de Obsesión de Brian de Palma y de Taxi Driver de Martin Scorsese. Tambien son recordables sus colaboraciones en trabajos tales como Toro Salvaje, La Última Tentación de Cristo (1988).

La sintonía con este director generaria con el tiempo obras tale como Raging Bull (1980), The Last Temptation of Christ (1988) y Bringing Out the Dead (1999). Ente otras películas también escribió El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021) que junto a El Jardín del Deseo completa una trilogia muy particular.

Se trata de un cine de características religiosas. Schrader maneja la redención y la expiación como dos condiciones necesarias relacionadas con el perdón y la liberación, cuando los tiempos se vuelven difíciles de reinstalar (después de las grandes recesiones o de los momentos de posguerra), cuando las sociedades pacificas encaran un marco de reconstrucción social, donde los conceptos que hacen a la buena convivencia han caído en crisis, dificultando las relaciones humanas, y sobretodo, generando necesidad de conciliación y perdón.

No obstante, la realidad es otra, lejos de ese jardín podado, geométrico y lujoso jardín que mantiene permanentemente el jardinero diariamente Narvel Roth (Joel Edgerton), empleado bajo las órdenes de la aristocrática Norma Haverhill, interpretada por la siempre excelente actriz americana.

Este nuevo film cierra una trilogía que completa junto con El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021), focalizan en la idea de que el mal permanece relegado, ciertamente, agazapado. El jardín delantero de la casa es una deslumbrante fachada que solo encubre otra realidad, mucho más densa y complicada, relacionada con un pasado del que no se quiere hablar porque sencillamente permanece vigente, y en consecuencia,  no ha podido ser superado.