MISIÓN IMPOSIBLE: NACION SECRETA de Christopher Mc Quarrie

 ENTRETENIMIENTO EN ESTADO PURO

Los que siguen mis críticas saben qué tipo de cine me gusta. El llamado cine de autor me gusta más que el cine masivo, asi como el cine europeo lo prefiero sobre el cine americano, o las de suspenso sobre las de acción o el drama sobre la comedia. No obstante, reconozco la paternidad del cine americano y sobre todo, a sus más grandes maestros. Poco me gusta el cine seriado y de superhéroes, pero reconozco que dentro de este cine , me gustan las películas de James Bond y las del Agente Ethan Hunt. Ayer, el estreno de Misión Imposible 5 fue una oportunidad para reencontrarme con éste último.

Con la muy buena dirección de Christopher Mc Quarrie, el filme se muestra muy equilibrado entre la acción, el suspenso y la comedia, estructurado episódicamente (tal como fue concebida la serie de televisión de los años 60 por Bruce Geller) pero con una unidad temática, respaldado por un excelente guión del propio director que le da una lógica continuidad a todo el relato, logra una película que no solo se deja ver sino que se instala entre una de las más solidas de la serie.

Los aciertos de Mc Quarrie no terminan aquí. No solamente logra darle continuidad al relato sino que lo vuelve claro, simple, e imaginativo dentro de lo que es una trama que se desarrolla en medio de las complejas relaciones internacionales que afectadas por el fenómeno del terrorismo, han devuelto la importancia del desarrollo de la agencias de inteligencia en todo el mundo . En este caso, ante la reapertura de la CIA en los Estados Unidos, la IMF se convierte en una fuerza clandestina. Desconocida desde su propio país de origen (el propósito de la CIA es desactivar al IMF) y jaqueada por miembros disidentes de la inteligencia británica (El Sindicato), la misión de Hunt será recuperar una lista de agentes que se encuentra en un fortificado servidor subacuático que opera en Marruecos, a la vez de vengar la muerte de su contacto en Londres.

La acción viajará de Londres a Washington, de esta a Viena, más tarde a Marruecos, para terminar nuevamente en Londres. El inicio del film, una escena corta, plena de acción y comicidad, que transcurre durante el despegue de un avión militar en Rusia, definirá el estilo de la película y se transformará en una simple y espectacular excusa para que la famosa música de Lalo Schifrin haga su aparición y presente los títulos. La tercera gran escena ocurrirá en la Opera de Viena durante una puesta de Turandot, donde asistirá el premier austriaco, y será absolutamente antológica. Y el ritmo ya no decaerá hasta el final. El acompañamiento musical, en toda la película, estará cumpliendo un rol fundamental en la creación de las atmósferas del filme. El final dejará implícitamente establecido que el nuevo director de la CIA (Alec Baldwin) será el nuevo jefe del IMF.

Apoyada en el gran espectáculo, en grandes escenas de acción, en la comicidad más pura basada en la complicidad que los personajes ya tienen con el público, esta nueva entrega cumple con todos los requisitos para convertirse en un éxito y mantener en pie el nombre de la franquicia para alguna posible continuación. Misión Imposible 5 es entretenimiento en estado puro.

JURASSIC WORLD de Colin Trevorrow

6 RAZONES POR LAS QUE ME GUSTO JURASSIC WORLD

1) No es una película más de la serie (aunque lo parezca). Es más, ninguna película de esta serie resulta igual que la anterior aunque el mundo que pinta no es más que el propio universo spielberiano en toda su extensión.

2) En todo momento priva el espíritu del entretenimiento. El nuevo protagonista, Owen Grady, es un adiestrador / domador de dinosaurios, que lleva consigo un gran parecido a Indiana Jones más que al propio Dr. Alan Grant. Es, sobre toda las cosas, un aventurero.

3) De la pareja de hermanitos, el más pequeño se prende en todas y parece un hermano del niño de E.T. El escape en la Giro-esfera perseguidos por el Indominus Rex, un nuevo, más grande e inteligente dinosaurio creado en la Isla Moblar, tiene el mismo encanto y suspenso que la huida de Elliot con el E.T. en bicicleta.

4) Spielberg apela a un mundo auto referencial, cinematográficamente propio. Será finalmente un Tiburonsaurio, atracción principal de la gigantesca piscina estilo Sea World que domina el parque, quien devolverá el orden natural al caos que el propio hombre ha contribuido a generar saliéndose de las reglas y del sentido común.

5) Se repite el mensaje de continuar con el desarrollo de la investigación científica y que la misma debe estar al servicio del hombre y de la paz. Y que todo intento de militarizar dichas investigaciones corre con el serio riesgo de provocar un nefasto desequilibrio natural como el que ya se vivió en oportunidad de la generación de la bomba atómica.

6) El Mundo de Spielberg está repleta de personajes en vías de extinción, cuyas aventuras no solo representan el espíritu de la sobrevivencia sino también una oposición al nuevo cine cargado de superhéroes con poderes especiales. Los héroes spilberianos recurren a su propia inteligencia y habilidades para salir siempre airosos de sus confrontaciones.

En definitiva, Jurassic World me gustó porque respeta las reglas de todo el cine de Spielberg, donde el espíritu de aventura y el sentido del humanismo siempre han estado presentes.

WOMAN IN GOLD de Simon Curtis

LA REAFIRMACIÓN DE LA IDENTIDAD

Esta es una de esas películas que uno va al cine a ver sin muchas expectativas y se encuentra sorpresivamente con una historia interesante y bien contada. Reconozco haber subestimado esta película que me encontré casi de casualidad en cartelera sin tener  ningún conocimiento previo de ella. Pero sin duda fue el carisma de su intérprete, Helen Mirren, una estupenda actriz inglesa, la que me atrajo a verla, sobretodo porque  ella  es una de esas actrices que me gustaría  ver actuar personalmente  en el teatro dado que su capacidad interpretativa es tal que aún en el cine son capaces de componer un personaje.

Y este es el caso que nos ocupa. La Mirren interpreta aquí a María Altmann, una mujer judía que ha logrado escapar del nazismo y de  su Viena natal en el comienzo mismo de la 2da Guerra Mundial y se ha exiliado en los Estados Unidos. La acción comienza en 1998 cuando muere la hermana de María y ella se queda completamente sola . Ha llevado una buena vida como inmigrante y aun conserva en su ingles parte del acento de su alemán natal. Viuda, vive tranquilamente,   en la ciudad de  Los Ángeles y se dedica a atender su propia tienda de ropa para damas cuando se entera que el Gobierno austriaco ha sancionado una ley de reparación de bienes a las víctimas del Holocausto ocurrido 40 años atrás.

A raíz de ello, María  busca entre sus recuerdos y aparece uno muy importante. Es el cuadro de su Tía Adele que ha posado nada menos que para el pintor austriaco más famosos: Gustav Klimt. Ese cuadro se encuentra en el famoso Museo Belvedere de Viena y forma parte del patrimonio cultural austriaco, después de haber sido confiscado a la familia Altmann por las fuerzas nazis operantes en la Austria de 1940. La película se transforma entonces en la larga lucha judicial por la tenencia de dicho cuadro, y algunas otras obras más que formaban parte del patrimonio cultural de esta familia.

Uno podría pensar que se trata de una película más sobe un juicio. Pero no es así. Ayudada por el hijo abogado de una amiga, María regresa por primera vez en 40 años  a Viena, y no solo se enfrentará con el gobierno de Austria sino con sus propios recuerdos y fantasmas, sus afectos perdidos, las amigos que ya no están, y la negativa del gobierno a devolver algo que consideran patrimonio cultural de la nación. Consecuencia de ello inicia una serie de juicios, tanto en Austria como en Estados Unidos  que no solo darán lugar a reparaciones  pecuniarias y restitución de bienes sino también generarán cuestiones de jurisprudencia de valor internacional.

El abogado patrocinante de María es Randol Schoenberg, si bien judío, es sobre todo el  nieto de dos famosos compositores austriacos: Arnold Schoenberg y Eric Zeiisl. La música de sus abuelos es el orgullo que arrastra Randy . Para él holocausto ha sido una tragedia ocurrida en el pasado pero que poco o nada ha influido en su vida, dado que ha nacido y criado en Los Ángeles como un típico muchacho de clase media judía americana en pleno esplendor del "american way o life". Su relación con María es meramente profesional. Él la alienta a realizar el juicio porque sobretodo, es consciente que de ganar cobrará una fortuna en honorarios. Además, está a punto de ser padre. Pero cuando inicia el viaje con María y comienza a acompañarla en esa entrada al pasado, comienza a descubrir su propias raíces judías y empieza a sentir una transformación que ya no lo hará trabajar solamente por dinero sino que lo hará en función de una cruzada que tiene que ver también con la recuperación y el respeto de su propia identidad.

En la búsqueda de esas raíces es donde el film encuentra sus mayores méritos, en esa descripción de un viaje hacia el interior de si mismos, el rescate de una identidad que tiene ver más allá de lo que la persona es sino también con lo que la persona tiene y ha logrado tener en la vida. Un rescate que cuestiona la controversia del "ser ó tener", derivándola hacia un materialismo más trascendente que acepta el  "el ser y el tener" como una unidad indisoluble .  Bajo este punto de vista, la película se transforma en un extraordinario alegato sobre el derecho de propiedad, colocándolo al mismo nivel de los fundamentales derechos de libertad e igualdad ante la ley. Pero el discurso llega aún más lejos, considerando el derecho a respetar una identidad y la necesidad de protección de esa identidad.

Simon Curtis, director cuya larga carrera se desarrolla fundamentalmente en  televisión,  que en 2011 había presentado la muy interesante "Una Semana con Marylin" regresa al cine con esta pequeña joyita que es "Woman in Gold", película muy prolija, extraordinariamente actuada por la Mirren, que se transforma en un canto a la vida después de haber recorrido el horror y el dolor del  nazismo, y haber logrado el reconocimiento pecuniario y la devolución de la tenencia de obras de arte de un valor incalculable a quienes han sido sus verdadero s propietarios antes del holocausto. No obstante, siempre queda  la duda de si todas las reparaciones e indemnizaciones recibidas por las víctimas o familiares de ellas pueden reparar tanto dolor causado, y cabe preguntarse porque en nombre de un movimiento político la ciudadanía deja convertirse en masa, apoyando y transformándose en medio que permite  el desarrollo de matanzas que determinan holocaustos.

LA PATOTA de Santiago Mitre

SOBRE PATOTAS Y OTROS DEMONIOS

                                                  

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Protagonizada por Dolores Fonzi y Oscar Martinez, la nueva versión de La Patota no resiste más allá de la excelente primera escena del film. Es que en esa escena se plantea un sinfín de cuestiones sociales, incluso  temas generacionales, entre una hija abogada graduada con honores en la Universidad de Buenos Aires y un padre, abogado también, que ha llegado a ser juez en la Provincia de Misiones. Es el retorno de esta muchacha a su pueblo que vuelve para contarle a su padre que ha decidido dejar una Maestría en Derecho para dedicarse a un proyecto de Asistencia Social Educativa en el interior de su provincia que, entiende, es la única forma que ve para poder cambiar la injusticia social en que se vive en dicho lugar. Obviamente el Padre, ante tal proyecto, lo primero que observa es el desmoronamiento de su propio sueño clase media, el de "mi hijo, el doctor",  pero también sacude toda la estructura de su pensamiento, aquel cuyo convencimiento está en que el cambio se produce de arriba hacia abajo como consecuencia y funcionamiento de un orden político, legislativo y judicial que se encolumna  en torno a los derechos básicos del individuo heredado de los principios de la Revolución Francesa de Igualdad, Libertad y Fraternidad. En consecuencia la discusión entre padre e hija deriva a un cuestionamiento de tipo generacional que pone al Juez no solo frente a la cruda realidad de un estado social calamitoso, sino que casi logra convencerlo para que le dé su apoyo a su proyecto. Esa discusión es lo mejor de la película, que de allí en más, comienza a desbarrancarse sin poder salir de la obviedad.

Lo primero que cuesta entender es porqué Santiago Mitre adaptó el buen guión original que escribió Eduardo Borrás a fines de los 50 y que finalmente rodó Daniel Tinayre en 1960 con el protagónico de Mirta Legrand, y que con el tiempo se fuera transformando en una de las mejores  películas  de la historia del cine argentino y de la famosa década de 60 en particular.

Si bien ambas "Patotas" tienen en común un hilo argumental y un tema principal importante que es "el sentimiento de culpa", los que las hace completamente diferentes es el lugar donde transcurre la historia y sobre todo, el tipo de culpa que trata.

En La Patota original, la acción transcurría en la Capital Federal  y en un barrio de conurbano bonaerense. Hasta allí llegaba Paulina Vidal Ugarte, una joven de clase media acomodada, católica practicante, recién graduada en Filosofía y Letras, a dar clases de Literatura un grupo de alumnos de una escuela secundaria. Una noche, Paulina sale de Colegio, camina unas cuadras hacia la estación de trenes, y es violada al pasar por un galpón por una patota, al ser confundida con una prostituta del lugar.

Lo que sigue después es un sordo enfrentamiento entre padre e hija, dado que Paulina , de fuerte convicción católica, decide volver a su colegio para continuar dando sus clases. Allí comienza a generar el respeto de sus alumnos. Y al tomar una prueba, uno de sus alumnos, escribe su confesión como partícipe del hecho. De allí en más, el film continuará con un discurso que cierra perfectamente el circulo de "pecado, culpa, arrepentimiento, confesión, y perdón".

Dos notas adicionales sobre aquel primer film. 1. Consagra a Mirta Legrand como actriz dramática. 2. Daniel Tinayre se muestra como el gran director que fue, en la plenitud de sus facultades narrativas, con una gran fluidez cinematográfica, con mucha influencia de la novelle vague y  con una estupenda utilización del flash back como recurso narrativo.

En la nueva Patota, Santiago Mitre sigue su discurso como puede, con mucha dificultad y poca claridad, confundido. Utiliza, con menos fluidez narrativa, el flash back, y la película se lee con una mayor linealidad que paradojamente no la lleva a una mayor claridad expositiva. La violación de Paulina transcurre en primer plano, y la confusión sobre el sujeto violado no parece tal porque en la nueva patota ya no hay homogeneidad social. Cercana a la triple frontera, los alumnos que concurren a la escuela rural ya no parecen misioneros, mucho menos argentinos,  sino los habitantes de una babel fronteriza. Desde la llegada misma de Paulina a la escuela, la hostilidad hacia ella será intensa  y el primitivismo de los personajes incluso hace pensar que la violación no solo es posible sino también que es un  acto de castigo social dentro de un marco de referencia al que no le es absolutamente ajeno.

Cuando alguien delata a los agresores frente a Paulina, Paulina no acudirá al perdón para la propia liberación de su pena sino que sentirá culpa, como si se hiciera cargo de una culpabilidad social que provoca ese estado de injusticia social en medio de la selva misionera. Es la misma culpa de la que habla y quiere hace sentir  a su padre al comienzo de la película. Solo que acá ya no habrá arrepentimiento ni perdón. Quedará la propia soledad de Paulina en un ámbito que le es hostil, y que siempre le será así dado que no es su ámbito natural. Paulina no es más que una pretenciosa joven de clase media que quiere imponer su "progresismo" en un medio diferente al suyo.  En el fondo, Paulina es una colonizadora, una especie de conquistadora civil, alguien que en nombre de la injusticia social quiere cambiar un estado de las cosas que le es ajeno y transformarlo sin pedir permiso a nadie, y en consecuencia, encuentra resistencias. Acaso tenemos el derecho de obrar en nombre de una supuesta civilización frente a otras culturas de vida?

Santiago Mitre ganó fama como guionista y realizador en los circuitos marginales de distribución con una película realmente extraordinaria que se llamó "El Estudiante" hace 4 años atrás. En ella contaba la historia de un muchacho que venía del interior a estudiar en Buenos Aires y por 3ra vez comenzaba una carrera universitaria. Esta vez se metía en Filosofía y Letras y se convertía en un activista político laburando en el Centro de Estudiantes. En aquella película, la metamorfosis y adaptación del personaje era fenomenal. El medio era distinto y el personaje era el que quería su propio cambio. En La Patota, esa premisa no le cabe a Paulina. Le es ajena por completo. El medio le es hostil y nunca podrá ser su medio. Transformar un medio que nos es hostil difícilmente se logre por el camino de la persuasión y la politica sino más bien por el de la conquista. En ello radica el mayor error de Mitre y de la nueva Patota.

Correcta en las actuaciones y sobre todo en los rubros técnicos,  el problema de La Patota no  es solo el de la adaptación de su guión. El problema principal pasa por el tono acusatorio de Paulina, que no solo parece dirigido a su padre sino a la platea toda. Ella, con su falso progresismo no parece darse cuenta que la igualdad es tan solo un derecho fundamental cuyo ejercicio es posible con tal solo respetar la ley que lo contiene.

CLOUDS OF SILS MARIA de Oliver Assayas

 COMO UN JUEGO DE ESPEJOS

"EL OTRO LADO DEL ÉXITO" es el título mentiroso con que se ha estrenado en la Argentina el nuevo film del francés Olivier Assayas, cuyo título original alude a unas nubes de un pueblo en Suiza, más  precisamente, a una especie de niebla que se forma en los Alpes, que se moviliza a gran velocidad y muy baja altura generando una cerrazón sobre el pueblo de Maloja, situado en el lado occidental del Lago Sils. Se dice que la cerrazón se abre tan rápido como se forma y en consecuencia desaparece rápidamente, pero generando una sensación de encierro y oscuridad que asusta. Es un presagio de mal tiempo.

El film de Assayas mezcla ficción con realidad en una forma magistral contando la historia de una actriz que viaja a Ginebra a con el propósito de entregar un premio que le han concedido al autor de una obra de teatro que la ha vuelto famosa. Esa obra es "La Serpiente de Maloja", cuyo tema principal  es el paso el paso del tiempo.  Y éste  paso del tiempo será también el tema principal de film transformándolo en una metáfora sobre el envejecimiento del ser  humano y una aguda reflexión sobre el poder.

El film se divide en tres partes. La primera es una introducción que transcurre en un tren.  La segunda parte transcurre en los Alpes, en el pueblito de Sils María que alude el título original, donde la protagonista comienza a estudiar  nuevamente la obra aludida pero esta vez en el rol secundario de Elena. La tercera parte, epilogo del film, es el ensayo de la puesta en escena de la obra en Londres, donde ya se han definido y asumido los papeles.

Oliver Assayas tiene una carrera cinematográfica de más de 30 años, comenzada como guionista y cortometrajista en los años ´80 . En 1996 logró su primer éxito internacional con "Vilma Vep", un film muy interesante  sobre vampirismo que también transcurría en un set pero cinematográfico. Ya desde aquel film, el transcurso del tiempo ha sido uno de sus temas recurrentes, y tanto "Fines de Agosto, Principios de Setiembre" como en "Clean", y especialmente en "Las Horas del Verano", lo han vuelto a tratar. Ahora, una vez más, da otra maravillosa vuelta de tuerca sobre el tema.

El film todo es un modelo de equilibrio cinematográfico  y de fluidez narrativa. En su primera parte, el lucimiento de Assayas como director y el de la Binoche y la Stewart como actrices es total. La escena transcurre en un camarote de primera clase donde viajan María Enders (Juliette Binoche), actriz, acompañada por su asistente personal Valentine (Kristen Stewart). Dos temas las ocupan. Uno de carácter personal: el divorcio de María,  y otro de carácter profesional: un discurso para presentar el premio que recibirá el dramaturgo Willheim Melchior . Melchior ha sido su mentor 20 años atrás cuando la eligió para personificar a Sigrid, el papel principal de su obra "La Serpiente de Maloja". El celular suena y no deja de sonar. Es el abogado de María por el divorcio, de inmediato, un productor americano para ofrecerle un papel en un tanque hollywoodense. El dialogo va y viene, ágil, rápido, fugaz. Son los tiempos modernos.  La cámara de Assayas no se queda atrás. Apela al mejor Hitchcock y se maneja con destreza para seguir a  la protagonista que ante el llamado personal, se pone de pie,  da media vuelta, sale del camarote y se dirige al pasillo de tren, habla, corta, vuelve al camarote. La cámara sigue a Binoche, y Binoche sigue el estupendo dialogo que Assayas ha escrito como autor del film. La conversación con Valentine sigue. Valentine parece hiperkinética. Se ocupa de todo, propone y aconseja a María.  María resuelve. Toma decisiones rápidas, instantáneas.  El teléfono vuelve a sonar. Alguien comunica que Willheim ha muerto en un accidente en los Alpes. María decide continuar el viaje, y dar su discurso. Todo ocurre en un metro cuadrado. Este primer capítulo de la película de Assayas es soberbio. Una verdadera clase magistral de cine.

En el segundo acto, María, que ha recibido la oferta de volver a hacer "La Serpiente…", dirigida por un joven y talentoso director alemán en Londres, comienza a ensayar la obra cargada de dudas y a con poco interés porque le ha ofrecido el papel de Helena, antagónico al de Sigrid que es el que la ha hecho famosa. María estudia el papel con rigurosidad acompañada por Valentine. María recita el texto y Valentine la corrige. Juntas siguen texto y caminan por los Alpes rumbo a paso de Maloja. Es allí donde María comienza a tomar conciencia que su transformación actoral de Sigrid a Helena no es otra cosa que la transición de la juventud hacia la madurez, el dejar de ser una  joven de 20 años a transformarse en una mujer madura de 40, una cuestión que, dado el éxito y el frenesí de su vida como  actriz, no le ha permitido hacer.  María comienza ahora a madurar como persona. Está en plena metamorfosis.

En el tercer acto, la acción se traslada a un teatro de Londres. Jo-Ann Ellis, la actriz que interpretará a Sigrid es una joven actriz de Hollywood en busca de trascendencia. Busca actuar un papel serio. Elije el teatro, la excelencia de una obra de autor famosa, una plaza teatral de resonancia, y una partenaire de prestigio. La obra será "La Serpiente de Maloja" y su partenaire María Enders, nada menos que "la primera Sigrid". En su primer encuentro con María solo expresará asombro y veneración. Pero ahora, varios meses después, en pleno ensayo, y entre bambalinas, Jo-ann comienza su propia metamorfosis. La joven actriz se mete en la arrolladora Sigrid y comienza a ignorar a Helena,  y la ignorancia del papel de Helena la lleva a ignorar a la actriz María.  El enroque se ha producido no solo en el teatro, sino también en la vida. María, que no había dejado nunca de ser "Sigrid", ahora es Helena, y ante la ignorancia  de Jo-Ann, María queda tan sola y casi abandonada como Helena. María, al asumir a Helena, está asumiendo la adultez de su vida. Pero Sigrid, en la oficina donde transcurre la obra, es la jefa joven que se impone sobre la jefa adulta, es el avasallamiento de la juventud sobre la vejez. Es el poder de la juventud, lo nuevo sobre lo viejo, pero también de lo efímero contra lo perdurable. Un reflejo del estado de la sociedad moderna donde lo efímero del éxito se impone sobre la perdurabilidad de lo bueno.

Un film donde la vida se refleja en el teatro como ante un espejo que deforma, pero esa deformidad no  es otra cosa que la propia realidad. Ser adulto es asumir la realidad de cada día. No obstante, "Clouds of Sils María" no es solo una película sobre la maduración y el crecimiento sino  también sobre la crueldad del choque generacional. Magistralmente actuado, no solo por la Binoche sino por todo el elenco que la acompaña, y mejor  escrito y dirigido por Assayas, no encontramos frente a una de las mejores películas del año, y sin lugar a dudas, la mejor película francesa vista este año.

DE CABALLOS Y DE HOMBRES (HROSS Í OSS) de Benedikt Erlingsson

Es una rareza por donde se la mire. Pero es una rareza muy bien realizada. Uno sale encantado del cine después de ver esta película inclasificable pero cinematográficamente muy gratificante. Ante todo debemos aclarar su procedencia. Viene de la lejana Islandia, cine sobre el cual debo reconocer mi total ignorancia. Islandia es muy conocida por ser la patria de Bjork, una cantante extraordinaria. Ahora también podrá decirse que es conocida por el cine de Benedikt Erlingsson, que ha salido airoso con su ópera primera, y al parecer, es tan creativo como Bjork.

Mencioné la inclasificabilidad de la película. Si se la quisiera encajar dentro de los grandes géneros, se podría llegar a acertar diciendo que se vió una comedia, pero también se acertaría si se dice que se vió un western. Es que todo el film sucede en la campiña islandesa, donde los nativos del lugar mayormente se dedican a la cría o al tráfico de caballos salvajes. Pero lo que se cuenta no es eso sino sobre un estilo de vida muy dura, condicionada por las inclemencias climáticas y la lejanía de toda población urbana, mostrando una serie de historias individuales y realmente extremas, interrelacionadas  unas con otras, sobre esa vida campestre que tiene como lugar común la importancia que cobra el caballo en cada uno de los personajes que retrata.

De esta manera Benedikt Erlingsson va generando un fresco sobre su gente en el cual aparecen distintos rasgos de la condición humana, fortalezas y debilidades que van desde el amor a la envidia, del vicio a la desesperación, de la ansiedad por el goce a la muerte más ridícula, del fuerte sentido de la propiedad al desprendimiento más absoluto, uniendo los distintos relatos con un hilo conductor que es la animalidad humana, incluso capaz de generar amor, un amor en estado salvaje donde los rasgos y caracteres de hombres y caballos se terminan juntando y confundiendo.

El cine de Erlingsson observa tanto a hombres como caballos, pero se concentra fundamentalmente en el hombre. El animal es puro instinto. El hombre , además, cuenta con la razón. La película muestra la vida salvaje de estos animales pero se concentra en la descripción de la vida comunitaria de esos desérticos pobladores, sus costumbres más primarias, sus rutinas, siempre enmarcadas por paisaje y la naturaleza.  Todo se desarrolla en un ámbito que pareciera naif, inocente pero permanentemente amenazado por el costado salvaje de esos habitantes condicionados por su tierra, su clima y el tiempo que le ha tocado vivir.

En el mundo globalizado  que vivimos, la fabula de Erlingsson parece querer retratar a ese grupo humano, sus familias, y animales, como aislados del mundo tanto en tiempo como en espacio, pero aferrados a la vida a través del rescate de los valores  occidentales. Las últimas imágenes del film parecen ser un canto a la libertad más absoluta del hombre, aquella que se limita solo por las leyes de Dios y las propias limitaciones que se autoimponen los hombres. Desde este último punto de vista, todo transcurre bajo las propias reglas, lejos de cualquier intervención estatal y dentro de un poético anarquismo. Paradójicamente, la comunicación  y  el gozo de costumbres ancestrales de esos seres aislados en medio de la campiña pareciera ser más fluida que la  que logramos los habitantes de una gran urbe moderna.

Si bien proveniente de una país cuya cinematografía nos es absolutamente desconocida, sobre "De Caballos y de Hombres" cabe agregar la excelencia de todos los rubros técnicos, la calidad de la fotografía y especialmente del sonido de la película, sin poder dejar de mencionar el trabajo actoral, realmente extraordinario  Lejos del mundanal ruido pero con nivel de primer mundo.

BETHLEEM de Yuval Adler

EL ODIO SIN FIN

(Vista en la 2da Edicón de Otoño del Festival Internacional de Cine Judío en Arentina. Hoyts Abasto - 4 al 10 de Junio de 2015)


Razi es un agente secreto del servicio de inteligencia israelí. Sanfur es su soplón, un adolescente palestino que vive en la ciudad de Belén. Belén es una ciudad que está gobernada por la Autoridad Palestina y linda con Israel separada por un muro que avergüenza la condición humana. Ibrahim es el hermano mayor de Sanfur y forma parte de un grupo guerrillero palestino. Ibrahim está escondido y Razi lo quiere cazar.

Yuval Adler, además de buen guionista, es un director excelente, se mueve con esos pocos elementos para realizar una película notable y sobretodo recordable. Encontrar sus influencias cinematográficas no es difícil. Su naturalismo y fluidez narrativa abrevan en el cine americano, y particularmente , su síntesis y su violencia reprimida hacen recordar a Martín Scorsese.

Con tales influencias, plantea una serie de situaciones extremas cuya piedra angular es la lealtad, una condición humana. En cada situación, en cada viraje de la película, lo que está en juego es esa lealtad que se deben los protagonistas, por definición, antagónicos y que por las situaciones extremas a que se ven sometidos, necesitan traicionar.

Toda la película es un juego de traiciones. Todos lo protagonistas actúan de acuerdo a un interés superior que por lo general es una razón de Estado o una idea libertaria. Ninguno hace nada por una razón simplemente humanitaria, aquélla por la cual se hace un bien al otro sin importar raza, credo o religión sin esperar recompensa alguna. Cada acción provoca una reacción. Y eso conduce a una multiplicidad de conflictos que no es otra cosa que el propio conflicto palestino-israelí. Razi protege a Sanfur pero de él requiere información. Sanfur ama a su hermano Ibrahim pero le miente y traiciona. Las facciones palestinas luchan por la liberación de su pueblo pero se pelean por el cuerpo de Ibrahim muerto. Y asi, sucesivamente, se plantea una cadena de violencia, horror y muerte en una continuidad sin un fin. Todos luchan por la paz pero la paz es permanentemente vulnerada.

Detrás de todo esto está la guerra y también la politica. Judíos y palestinos han convivido y luchado en el lugar durante miles de años. Motivos étnicos y religiosos los han separado y los han llevado a luchas permanentes a lo largo de la historia. Ahora se encuentran a un paso de llegar a grandes acuerdos pero aún quedan en ambas naciones resabios de elementos extremistas que no admiten la convivencia y solo persiguen la eliminación del considerado enemigo, impidiendo el ansiado logro de la paz.

La película de Adler expone con sencillez extrema pero con gran claridad el conflicto y plantea la carencia de su solución al insistirse en acciones extremas de ambas partes. De considerar permanentemente el propio interés y no el interés conjunto de las naciones. Su película es una gran contribución al entendimiento del tema y al objetivizar el interés de la cuestión en el conflicto puramente humano.

EL ACTO EN CUESTIÓN de Alejandro Agresti

O EL CUESTIONAMIENTO DEL ACTO

Alejandro Agresti filmó esta película en 1993 en Europa (como casi toda su obra), con actores argentinos, y buscando en aquellas ciudades europeas locaciones de sitios que parecieran inconfundiblemente rioplatenses no dando lugar a confusión alguna respecto del lugar donde quería situar la historia que estaba contando. Pareciera que Agresti hubiera necesitado tomar distancia, no solo temporal sino también geográfica, para poder hablar de un tema muy urticante del pasado reciente de su Argentina.

No hay duda que el discurso de Agresti pude tener dos lecturas. En primer lugar, en su aspecto lineal, la historia más cercana es la de un Mago (Carlos Roffé), mejor dicho, la de un desocupado (Miguel), bastante vago, buscavidas, arrebatador de oportunidades que vive en un conventillo, robando libros usados que devora sin cesar durante las noche mientras discute y pelea con su mujer Azucena (Mirta Busnelli), obsesionada por saber lo que su concubino ha leído.  Un día, Miguel leerá un libro que le cambiará la vida. Se trata de "Magia y Ocultismo". En sus páginas descubrirá el secreto de hacer desaparecer, primero, cosas, y después personas. Y trabajando de mago de circo, se volverá famoso y recorrerá el mundo.

Pero la película admitirá una segunda lectura de los hechos que narra. El lenguaje de Agresti es sumamente metafórico, y en ese segundo plano podemos encontrar un discurso sobre la desaparición de personas en Argentina durante la última dictadura militar que nos gobernó desde mediados de la década del 70 durante 7 años.

No obstante ello, tal vez, lo más importante del film sea su estructura narrativa. Agresti se muestra dueño de innumerables recursos cinematográficos, y su combinación de efectos sonoros y visuales es extraordinaria. En todo momento el film navega entre la ficción y la realidad misma de los personajes. De entrada, se evoca la memoria de Miguel Quiroga, ya muerto, y se alude a su máximo logro circense como "el acto en cuestión". A él se le dedica la película como si en realidad el personaje de ficción se confundiera con un personaje de la realidad. De la misma manera Agresti trata los decorados. El inquilinato en que vive se confunde con la casa de muñecas que tiene su amigo Rogelio (Lorenzo Quinteros), arreglador de muñecas y narrador del film. Agresti pasea la cámara sin ocultar los artificios, exponiendo en todo momento que los suyo es un relato y que sus personajes son solo eso (personajes) a pesar que son evocados desde otros personajes tan ficticios como el propio personaje principal. Esa evocación, donde Agresti se vale del blanco y negro con luces y sombras recuerda la estética del impresionismo alemán, incluso otorga al film cierta atemporalidad que facilita la metáfora. Los sucesos parecen ocurrir antes de la década del 40, sin embargo nos hacen pensar en la década del 70. La perfección del acto de Quiroga, el Mago, lo llevará a la maestría, la cual, inexorablemente, encontrará un límite: el amor de Sylvie, una española, que conoce en Paris o sea, una extranjera, alguien que puede ver las cosas desde afuera . Silvie no podrá creer en el acto que ve porque ella no creerá en el mago sino en el hombre. Ello ocurrirá cuando Quiroga pretende realizar la desaparición de la Torre Eiffel. Mientras la gente concurre al acto fascinada y ve desaparecer la torre, Sylvie no deja de ver la Torre. Al fin, alguien no le creerá al Mago ni caerá en la ilusión ni la fascinación ni el misterio del acto. El artificio se volverá vulnerable y la incredulidad lo volverá vacuo. La carrera de Quiroga llegará a su fin al igual que llegará a su fin la Dictadura, donde en la visión de "El Acto en Cuestión" y por ende de Agresti, ninguna desaparición hubiera tenido lugar sin que el pueblo creyera en que ello era posible. Recuérdese al Gral. Videla cuando dijo: "Ni muertos, ni vivos, desaparecidos". Una pretendida tercera identidad convalidada por el pueblo, y que en la visión de Agresti lo transforma en consecuencia, en un mudo cómplice final de los actos cuestionados.

Polémico y de cuestionable interpretación, es sin duda un "film maldito" de Agresti. Tal vez por su propio poder metafórico, el hecho es que solo ha podido ser estrenado en Argentina 21 años después de ser realizado. Verdadera obra de arte, es válido por dicha "posible " metáfora pero mucho más aún por la extraordinaria puesta en escena que coloca a Agresti como uno de los directores más lucidos y dotados de nuestra cinematografía.

3 CORAZONES de Benoít Jacquot

LA SOLEDAD, EL DESTINO, EL LOCO AMOR

En la medianoche de un pueblo del interior de Francia, un hombre pierde el último tren del día a París. Decepcionado, cruza al bar de la estación, compra un agua mineral, y se resigna a pasar la noche como pueda. Casualmente, conocerá a una mujer. Caminarán juntos toda la noche. Hablarán de cualquier cosa. Y tarde se darán cuenta que se gustan.  Arreglarán encontrarse el viernes siguiente en el Jardín de Las Tullerías. Él no llegará a tiempo.

Él es Marc, un auditor fiscal, un solitario que se declara mujeriego pero cuya soledad es evidente y es  alimentada por su propio trabajo. Como Agente Fiscal detecta infractores, y en su soledad, sus infractores son su propia compañía.

Ella es Silvie, un alma libre. Está casada pero no enamorada. Es inteligente. Toma riesgos. Dirige con su hermana una casa de antigüedades que está al borde de la bancarrota. Debe viajar a los Estados Unidos por asuntos de trabajo de su marido. Antes comprará en una subasta un antiguo espejo de pie. Será ese espejo un símbolo que reflejará las múltiples relaciones que describirá la película?

Sophie es la hermana de Silvie, una mujer sincera, dependiente, frágil y frontal. A raíz del viaje de su hermana, se hace cargo de la casa de antigüedades que poseen. Será entonces cuando tomará conocimiento de las dificultades financieras del negocio. Como consecuencia de dichos problemas, conocerá a Marc. El auditor no solo la ayudará a resolver el problema fiscal sino que se casará con ella y tendrán un hijo.

El film es el retrato de esas tres soledades, de esos tres corazones solitarios que no han conocido el amor, y que cuando lo conocen, lo hacen en el lugar y en el momento equivocado. Pero mientras el amor de Marc y Silvie parece ser solo el flirteo de una noche, con el tiempo se transformará en un amor loco, un amor maldito, idealizado y perseguido necesitado de ser consumado.  Por el contrario, el amor de  Marc y Sophie,  se vuelve estable, convencional y previsible.  Constituyen un matrimonio común, con un niño en edad pre escolar. Son el típico exponente del modelo clásico de la clase media trabajadora.

No habría película sino habría estallido. La convencionalidad se hace presente para cerrar el film. Marc vuelve a acusar el agotamiento que le conocimos en esas primeras escenas donde lo furtivo se imponía en su vida de soltero. Entonces nos queda preguntamos si los amores de Marc no serán las dos caras de un único amor, si con una se experimenta la pasión frebril y volatil y con la otra el cariño matrimonial, el amor de la relación estable y duradera.

El film de Benoit Jacquot recuerda a D.H. Lawrence y sobre todo aquellos inolvidables films de Francois Truffaut, a aquel que se llamó "Las Dos Inglesas". Pero aquella película era tan solo un capitulo de una vasta filmografía dedicada al análisis de la distintas formas del amor. El mismo Truffaut ya tenia en su haber "Jules et Jim", y la serie completa de 5 películas sobre el personaje de Antoine Doinel. No hay duda que en esta de Jacquot hay un homenaje más que explicito a Truffaut,  y Marc, su personaje central, tiene más de un punto de contacto con el último Antoine del "Amor en Fuga".

Parábola sobre el miedo a la soledad de los cuarenta y tantos, desafío al destino de una vida chata y pueblerina, estallido de un amor loco que se impone sobre cualquier tipo de convencionalismo, constituye la materia básica de este muy buen film de Jacquot, agradable de ver e interesante de analizar, aunque algunas situaciones del guión aparezcan un tanto forzadas. Bien musicalizado por Bruno Coulais, con una sinfónia que remarca las atmosferas amenazante cuando la trama cambia hacia escenas que llevan a situaciones complicadas,  y sobre todo muy bien actuada por un grupo de actores sensibles como son Benoit Poelvoorde, Charlotte Guisbourg, Chiara Mastroianni y Catherine Deneuve, que dan con justeza con cada uno de los personajes que le tocan interpretar.

BIG EYES de Tim Burton

A fines de los ´80, después de realizar "Batman" y "Batman Vuelve" y entre medio de ambos, "Edward, el Joven Manos de Tijera", la critica cinematográfico vaticinó sobre Tim Burton que sería uno de los grandes maestros de los años 2000. Tal vez, no se hayan equivocado. Burton siguió haciendo grandes películas durante los ´90 y hasta el 2003, año que realizó "Big Fish". Pero a partir de entonces, y  en esta última década, parece que se le mojó la pólvora o se le acabaron las grandes ideas, dado que no ha hecho una sola película recordable.

El estreno de "Big Eyes", profusamente anunciada, me despertó como siempre una gran expectativa  que la película, finalmente, se encargó de defraudar.

El problema de "Big Eyes" no es exactamente que sea una mala película. Por el contrario, es una película correcta. Pero teniéndolo todo para ser un "Burton Autentico", parecería que al maestro el tema se le escapó de las manos y solo pudo concretar una película que parece más hecha por encargo que por gusto personal.

Emparentada ligeramente con Dr. Jeckyll y Mr. Hyde, esta historia que se desarrolla en el mundillo de las galerías de venta de arte y pone foco en la venta fraudulenta, se concentra en el descubrimiento de una personalidad paranoica. Margaret, una pintora de cuadros,  llega a San Francisco de la mano de su pequeña hija a fines de los años ´50. Acaba de separarse de su marido y consigue un empleo como pintora de cunas en una fábrica de moblaje para niños. Para ganarse algunos dólares más, los fines de semana participa de una feria de pintores donde casualmente conocerá al Sr. Keane, otro pintor aficionado, que al poco tiempo le propondrá matrimonio. Pero Keane, más que un pintor aficionado, es un hábil comerciante de cuadros y un estafador. En consecuencia, aprovechará la inocencia de Margaret y comenzará a vender sus cuadros como suyos propios.

En un primer momento todo va bien. Pero cuando los cuadros de Margaret se vuelven conocidos, se transforman en un éxito comercial, la prosperidad llega al hogar, y Margaret puede tener su propia bohardilla para pintar con tranquilidad, es entonces cuando comienza a sospechar, deschava a su marido y comienza a reclamar su autoría. Allí aparece el Mr Hyde de ambos, uno escondido en la propia personalidad del Sr. Keane y el otro en el orgullo mancillado de Margaret.

Es en ese momento donde el film de Burton deja de ser de Burton. Uno está esperando ese momento desde el comienzo mismo del film dado que sabe que más temprano o más tarde se va a dar y que a partir de allí, comenzará una película típicamente "burtoniana": dos monstruos disputándose, por un lado, la autoría del producto artístico y por el otro, el producido monetario de la venta de cada cuadro. Fama y poder. Pero no resulta asi. Porque la convencionalidad con que Burton maneja el tema diluye el conflicto, lo aleja de lo psicológicamente terrorífico. Keane en ningún momento se transformará en un "monstruo burtoniano" y muy lejos está de serlo (salvo la escena del sótano donde Keane le tira fósforos encendidos por la mirilla de la cerradura de la puerta a Margaret y su hija mientras tratan de esconderse). Ni siquiera los dos grandes actores con que cuenta (Amy Adams y Christoph Waltz) logran interiorizar el horror de lo que protagonizan.  Tal vez sea porque los horrores que estamos viviendo, o mejor dicho, los terrores de nuestros días, dejan a los personajes de Burton como meros aprendices de brujos de una serie de estafas incapaces de lastimar a nadie más allá del daño material que pueda producirle a alguna de las víctimas y/o el daño moral y la decepción personal que los propios personajes puedan propinarse mutuamente, aunque aparentemente, estén dotados de fortalezas para poder soportarlos.

Es como si Burton se traicionara a si mismo. Todos su "monstruos" tienen esa doble personalidad, ese lado oscuro. La tenía claramente Batman cuando el afán de venganza prevalecía sobre el de justicia, la tenía también Edward, el joven manos de tijera, cuando queriendo expresar amor lastimaba con sus tijeras, aparecía en Ed Wood cuando estaba poseso por la droga, en la animalidad que gobernaba en el Planeta de los Simios, en los marcianos de "Mars Attack", hiper inteligentes por un lado y extremadamente crueles por otro. En Big Eyes los personajes solo parecen caricaturas de si mismos.

En el final del film, donde en una nueva vuelta de tuerca, transforma el film en "una clásica película de juicio",  vuelve el humor donde Burton parece tomarse el pelo a sí mismo, todo se distiende y da lugar a una sobreactuación, particularmente de Waltz, realmente lamentable. No es un final feliz, es un final previsible. Pero uno agradece el advenimiento del "the end" porque a esa altura ya sabe que Burton no tiene ni más que decir ni contar.

RAPIDOS Y FURIOSOS 7 de James Wan

"No importa dónde estés... a medio kilómetro de distancia o al otro lado del mundo, siempre estarás conmigo y siempre serás mi hermano." Toretto (Vin Diesel)

Después de la muerte del actor Paul Walker, acaecida en noviembre de 2013,en pleno rodaje del 7mo capítulo de esta serie, muchos fans temieron por la suerte de la película y de la saga. Pero como en el mundo del espectáculo, "the show must go on", a las tragedias hay que oponerse con fortalezas y salir de ellas con voluntad de hierro, y eso es lo que se propusieron lo responsables de la saga y por eso estamos ahora aquí comentando esta película.

La tarea no era fácil. Con Walker muerto y algunas escenas sin filmar, queda claro después de ver la película, que la decisión fue eliminar escenas dramáticas donde podría haber tenido participación el actor fallecido e ir directamente a reforzar la acción donde los dobles y los efectos especiales pueden hacer que la ausencia del actor no se notara. También se decidió que el lanzamiento del nuevo capítulo fuera en 3D. Esto es una decisión visualmente importante porque saca al primer plano de la escena para darle más profundidad de campo a la pantalla. Ello hace menos importante la participación actoral. En consecuencia, la película tornó en un film de pura de acción y facilitó la irreemplazable participación de Walker.

Es posible, no obstante, que estas decisiones, si bien salvaron la película, la desvirtuaron en lo dramático. Porque  si Rápido y Furioso llegó a una 7ma parte fue justamente por diferenciarse de las películas de acción plenas dado que, ante todo, se nutria en las viejas películas de carreras de auto clandestinas de la década del 50 y del 60, e incluso abrevaba en films tan dispares como "Rebelde sin Causa" y  "Vanishing Point", donde los personajes exteriorizaban toda su rebeldía contra el sistema corriendo autos en las típicas picadas de la costa californiana o el desierto de Sonora.

Salvo la escena inicial, en esta 7ma entrega, no queda nada de ello. Las carreras de auto y la rebeldía juvenil se dejan de lado para que nuestros héroes pasen a ser superhéroes totalmente integrados al sistema al servicio de algo asi como una  Agencia de Inteligencia tipo la CIA. Y la incongruencia llega aún más lejos, cuando en la 2da escena, el nuevo malo de la película, Deckard Shaw ( el inglés Jason Statham), aparece en busca de una venganza personal contra el héroe Dom Toretto (Vin Diesel), y lo hace impulsado por el odio que le genera que Toretto le haya pegado una paliza a su hermano que lo ha enviado a un hospital en un coma profundo.

Esta contradicción de la película, ello es narrar una vertiginosa búsqueda donde todos los personajes recorren desde Los Ángeles hasta los Cáucasos, y de allí a Abu Dahbi para volver a L.A. en busca de un sistema de computación llamado "Ojo de Dios", capaz de rastrear a cualquier cosa en cualquier lugar del mundo (lo cual nos instala ante el definitivo fin de la intimidad), dejando de lado el tema principal de la película que es la tremenda venganza que guía a Shaw contra Toretto, tornando al film en un mero pasatiempo de más de 2 horas, a pesar que en todo momento Shaw y Toretto  estén en bandos opuestos y se la tengan jurada.

Lo lamentable es que en esta entrega se ha debilitado la columna emocional que sostenía esas inquebrantables pasiones de los personajes. Toretto ha generado de la amistad una unión familiar, y si en esta última, la venganza de Shaw esta propulsada por el odio que le genera la paliza que Toretto le propinó a su hermano, podemos pensar que las fuerzas de las pasiones siempre han inspirado a los protagonistas. Pero en esta última entrega, esas pasiones son dejadas de lado porque Toretto, aunque animado por la pasión, acuerda con un tal Mr. Nobody  (Kurt Russell) una mutua ayuda para cazar a Shaw pero poniendo como principal objetivo encontrar antes un "pen drive" que poco tiene que ver con los intereses de los protagonistas y que sin embargo llevan a la cuasi destrucción de la ciudad de Los Ángeles, y lo que es peor, la mayor parte del metraje.

Muchos me dirán que Fast and Furious 7 es un simple film de acción y no hay porque buscarle segundas lecturas, pero en realidad, la importancia que Toretto le da a esa familia disfuncional que crea a partir de la amistad es la contracara del odio que  hacia él siente Deckard Shaw. La necesidad de Deckard de vengar a su hermano no es más que un espejo deformante de esa unión familiar que tan cara es a las pretensiones de Toretto, que por otra parte se está transformando a si mismo en una especie de "padrino" al mejor estilo italiano. Ese es el verdadero núcleo del film y ese enfrentamiento es la sustancia dramática que sostiene toda la película que lamentablemente el director James Wan ignora o pasa a un lejano segundo plano de interés.

No obstante, en el final, el lirismo se apodera del film. Sabiendo que Paul Walker ya no estará más con nosotros, su personaje, Brian O´Conner decidirá dejar definitivamente la acción para dedicarse a la familia y un hijo que viene en camino. Dos autos iniciarán un último "rush" y sabremos que su destino se separará literalmente del destino de Toretto, cuando después de una curva, cada cual encare hacia una dirección diferente. Habrá Rápidos y Furiosos 8 ?  

LEVIATHAN de Andréi Zviáguintsev

CUANDO EL ESTADO SE CORROMPE

Para poder analizar este magnífico film del ruso Andréi Zviáguintsev, debemos introducirnos en algunos conceptos religiosos y otros políticos derivados de la palabra "Leviathán".En la biblia, el nombre "Leviathán" hace referencia a un monstruo acuático de gran tamaño que posee un poder descomunal. En hebreo moderno, significa simplemente "ballena". Interpretaciones del Génesis aducen que Dios creó un Leviathán masculino y otro femenino, luego mató a la hembra, la saló y se la ofreció en alimento a los justos, porque si el Leviathán se procreara, el mundo no podría más que someterse ante él.


En lo político, debemos remitirnos a Thomas Hobbes (1588-1679),
filósofo inglés cuya obra La materia, forma y poder de una república eclesiástica y civil, más conocida como Leviathán (1651) influyó de manera importante en el desarrollo de la filosofía política occidental. Su título hace referencia a dicho monstruo bíblico. La obra de Hobbes, marcadamente materialista, puede entenderse como una justificación del Estado Absoluto. Hobbes dice que el origen del Estado es el pacto que realizan todos los hombres quedando subordinados entre sí a un gobernante que es el que debe procurar el bien para todos. El Leviathán parte del estudio del origen de la sociedad, cuyo comienzo está en la transferencia de los derechos individuales a un poder absoluto. Un poder que elimina el peligro de una guerra de todos contra todos que se deriva de la condición libre del hombre en el estado de la naturaleza. Hobbes piensa que en el estado natural cada uno tiene derecho a todo lo que hay pero debido a la escasez se originan conflictos. Esta necesidad humana de supervivencia lleva al hombre a pactar con los demás el establecimiento de una autoridad que sea capaz de implantar una paz interna. Una autoridad soberana capaz de poseer un poder absoluto.

Entonces, asi como Dios crea al hombre, el hombre crea al Estado, que no es sino un "hombre artificial", aunque de mayor estatura y robustez para cuya protección y defensa fue instituido; y en el cual su soberanía es un alma artificial que le da vida y movimiento; los jueces y fiscales son nexos artificiales que administran la justicia, es decir, los premios y castigos. De esa manera, cada hombre es inducido a ejecutar su deber como individuo social tal como el cerebro hace lo mismo en el cuerpo humano; la actividad del pueblo son sus negocios. La consecuencia de éstos son la riqueza y la abundancia producida que constituyen su potencia los ingresos del Estado a través del cobro de impuestos; los maestros son los que enseñan lo que es preciso conocer: la memoria, la equidad y las leyes que son razones y voluntades artificiales producto del intelecto humano: Finalmente, la concordia, es la salud; la sedición, la enfermedad; la guerra civil, la muerte.

Kolya ( Aleksey Serebryakov ) es un ex soldado que ha venido a vivir en la Siberia. en las afueras de un pequeño pueblo costero en el Mar de Barents , donde las ballenas vienen a desollar y muchas veces quedan varadas en la playa y mueren (la referencia al primer Leviathán, al biblico, es un enorme esqueleto que yace en la playa). Allí vive con su familia una vida común que pretende ser normal , con su segunda esposa Lilya ( Elena Lyadova ) y su hijo adolescente Romka . Kolya viene siendo asechado por el alcalde del  pueblo, un hombre corrupto y despiadado  (Roman Madyanov ) , que quiere quitarle la tierra , su casa y un pequeño taller de reparación de automóviles que Kolya posee frente al mar para poder realizar un emprendimiento inmobiliario de gran envergadura para aprovechar las bellezas naturales del lugar. Kolya está a punto de ser expropiado y es procesado porque se niega a aceptar la indemnización que el Estado arbitrariamente le fija. Es allí cuando decide pedir ayuda a su viejo amigo y camarada de armas Dimitri  (Vladimir Vdovichenkov ) quien vive en Moscú y que ahora se ha convertido en un abogado autorizado. Dimitri acude en su ayuda, pero se reencontrará con Lilya, su antiguo amor. El melodrama y la denuncia social se instalarán en la pantalla. El drama se fundirá en una sola dirección, y Kolya quedará absolutamente solo, desprotegido porque ahora está  frente a un Estado Desprotector dado que ese Estado esta colonizado por la más absoluta corrupción. El Alcalde Vadin maneja la justicia, la policía, las finanzas del pueblo. A ello no les ajeno la complicidad de las autoridades religiosas de la región, que como siempre, haciendo hincapié absoluto en lo espiritual, dejan de lado la cuestión material, que no es otra cosa que el elemento desbalancear del equilibrio humano y que tan bien define Hobbes en su antiguo libro. Visto de esa manera, Kolya no es más que una oveja descarriada que más bien será juzgada por los hombres de Vadin que por Dios, si existe. En la escena final, el monstruoso Leviathan será encarnado por una enorme Caterpiller que con su amenazadora cuchara mecánica comienza a destruir con una bestial garra la hermosa casa frente al mar del Kolya. Esa escena final, que vemos en un primer plano desde dentro de la casa, nos quedará grabado en la retina como las imágenes de ese Estado Todopoderoso que tanto daño hace.

Hablar de las cualidades formales de Zviáguintsev sería redundante. Con 4 largos en su haber (El Retorno, 2003; Isgnanie, 2007; Elena, 2011 y Leviathan, 2014) ya forma parte de los realizadores jóvenes (50 años) consagrados en los más importantes festivales del mundo y este año también fue candidato al Oscar a la mejor película extranjera por la que aquí comentamos. Guionista y director de sus películas, sus personajes habituales se enfrentan a un miedo que desconocen: los hijos a la desaparición de su padre en "El Retorno"; una enfermedad repentina y un inesperado reencuentro amenazan la potencial herencia de un ama de casa en "Elena"; la envergadura del Estado frente a la soledad de Kolya en la presente "Leviathan". Acompañado siempre de grandes actores, en esta última, además, con la presencia de Phillip Glass en la extraordinaria banda sonora, hacen de Leviathan un film disfrutable, rigurosamente estructurado y especialmente recordable, porque la impotencia de Kolya es la misma impotencia que sentimos muchos de nosotros cuando escuchamos hablar de la necesidad de un Estado Grande sin medir las consecuencias de lo que ello entraña y del lastre que nos generamos para poder mantenerlo, máxime cuando dicho Estado se enfrenta al riesgo de ser colonizado por la corrupción y deja de cumplir sus funciones esenciales.


Qué pasa cuando ese cuerpo social se descompone, cuando alguien se sale del rol que le compete y se aísla? Qué sucede cuando ese alguien se corrompe? Qué consecuencia tiene si ese alguien es un funcionario del gobierno? Y si ese alguien ostenta un poder absoluto? Cómo responde el individuo, que lo ha entregado todo, que ha limitado su libertad en pos de la convivencia y del pacto social, que ha pagado sus impuestos para que el estado materialmente pueda cumplir sus roles específicos para proveerle la justicia para que haya igualdad ante la ley, el poder de policía para lograr la seguridad y la paz interior, el poder de defensa para neutralizar las amenazas externas, la salud pública para combatir las epidemias, la educación para nivelar las potencialidades humanas y las oportunidades?. 

Qué de ese individuo sometido como ciudadano?
Ese ciudadano pierde la calidad de tal. Vuelve a su condición de individuo y como persona humana queda reducida a la nada y sometida en forma absoluta frente al poder descomunal del Estado. Eso es lo que hace la corrupción del Estado y eso es lo que relata "Leviathán", la película del ruso Zviáguintsev.

MOMMY de Xavier Dolan

"Amar a una persona no la salva. El amor aquí no cuenta. Por desgracia." (dialogo del film)

Dura, durísima, y verdaderamente notable por su rigurosidad dramática es esta nueva película de Xavier Dolan, el nuevo "niño  terrible" del cine canadiense francés que, además, con solo 26 años y con  mucha justicia, se alzó con la palma del Premio del Jurado en el último Festival de Cine de Cannes 2014, el más importante del mundo.

Escritor y director de cine, con 5 largometrajes en su haber, su cine es altamente cuestionador de la institución familiar, y de la relación madre-hijo en particular, y de la impotencia de la contención familiar cuando cuadros de enfermedad mental se presentan a temprana edad en niños y adolescentes.

Mommy es una película seca, directa, bien escrita, estupendamente  dirigida. Dolan hace uso de recursos sonoros y visuales en forma balanceada logrando siempre que éstos estén al servicio de la  estructura  narrativa, enfatizándola adecuadamente. En la banda de sonido, los crescendos de la acción son subrayados por una elevación de los sonidos ambientales o de la misma música que utiliza. La abundancia de primeros planos (es una película prácticamente narrada en primer plano) son soportados por una imagen cuadrada que no permite más que remarcar las formas gestuales y el lucimiento de los actores. Su guión, implementado en forma teatral, es un mecanismo tan preciso como si fuera de relojería, que le permite desarrollar un crescendo que no es otra cosa que la agudización de la enfermedad de Steve, el hijo.  La acción podría ocurrir íntegramente en interiores, pero las libertades que Dolan se toma son siempre orientadas a airear la película y permitir que el espectador recupere su aliento para que pueda seguir tolerando el cuadro de desintegración familiar que le presenta. En esos momentos, amplia la imagen y la pantalla se vuelve ancha. Los personajes se sienten libres y disfrutan de la vida. Son muy pocos esos momentos. Pero esos son momentos de felicidad y dicha en estado puro. Pero enseguida se vuelve al encierro, a la casa, al auto, a espacio cerrado, a la represión donde vive el conflicto.

En el film hay un padre ausente. Murió a los tres años de nacer Steve, el personaje central de la película, un adolescente que transita desordenes varios que van desde el "Déficit de Atención e hiperactividad " al "Trastorno de Oposición Desafiante", cuadros de alteración metal que lo vuelven inestable y violento. Cuando el film comienza, Die, su madre, consigue sacarlo de un nosocomio donde está internado y llevarlo a su casa bajo su tenencia. Allí recibe de una enfermera la frase de advertencia que inicia este comentario. Al día siguiente, Die pierde el empleo. O sea, desempleo y enfermedad de un hijo, la golpean de entrada. No obstante ello, de  las conductas de Die también podemos inferir que ella misma también es una mujer alterada, no solo por lo que en la vida le tocado en suerte, sino básicamente porque ella también muestra síntomas de hiperactividad manifiesta. El film no da datos acerca de ello, Probablemente, ella también sufra alguna enfermedad de tipo nerviosa. El cuadro se cerrará con la aparición de una vecina (Kyla) que acude a su ayuda. Kyla viene del Canadá de habla inglesa, no domina el francés, y está transcurriendo un año sabático a raíz de algo que también desconocemos pero que bien pudiera ser un ACV. Kyla tiene claras dificultades para expresarse con su habla, pero claramente, ocupará el papel del padre muerto, y siendo maestra de escuela, ayudará a Steve a recuperar sus estudios perdidos como consecuencia  de la internación a que fue sometido.

La película entrará a girar en forma centrífuga cada vez con más violencia, sobre todo verbal, pero paradójicamente, mostrando el afianzamiento de esa "nueva familia" nacida de la desigualdad y de la "necesidad del  otro". Es extraordinaria la capacidad de Dolan para administrar sus medios narrativos y generar momentos verdaderamente conmovedores, muestras del amor más profundo en medio de tanta soledad y tanta  violencia.

Descripción de un cuadro familiar disfuncional asolado por un hijo con síndromes de hiperactividad y explosiones de  violencia, cabe preguntarse acaso si Dolan no solamente está realizando un film hiperrealista, sino una tremenda reflexión acerca de los tiempos que estamos viviendo, unos tiempos donde las disfuncionalidades familiares se multiplican y parecen ser producto de la falta de contención de la propia institución familiar, lo cual ha permitido derivar  a un profundo choque generacional, dentro de un mundo tecnologizado en el cual las relaciones personales se han ido modificando, el encuentro personal  se ha ido perdiendo dando lugar al encuentro virtual a través de los innumerables medios de comunicación  que disponemos, el desempleo se ha instalado como una problemática mundial derivada de el incontenible avance tecnológico que inexorablemente reemplaza al ser humano de los medios de producción,  que el ocio redundante lleva a una vorágine de sexo, drogas  y violencia y que a nivel global, conduce a Occidente a un inevitable choque de civilizaciones dada la inevitable necesidad de globalización.

Mommy merece ser vista. Es una película rigurosamente realizada por un director joven que sin lugar a dudas muestra garra narrativa, innumerables destrezas para la puesta en escena, capacidad para expresarse con realismo, y una habilidad asombrosa para ensamblar los medios audiovisuales de que dispone para ponerlos al servicio de su película. No me quedarían dudas que en caso de tener que encasillar a Xavier Dolan en alguna categoría lo haría dentro del llamado "Cine de Autor". Una mención aparte merece el grupo de los tres actores que lo acompañan. Anne Dorval en el papel de la madre, Suzanne Clément en el de la vecina Kila, y el magistral Antoine-Olivier Pilon como Steve.