EL JOCKEY de Luis Ortega

FRIO Y FORMALISTA

Es un film diferente, eso le suma a favor, pero cierto toque surrealista  la vuelve monótona e intrascendente más allá de la formas, donde la película brilla por su formalidad olvidando que está contando una historia.

Más allá de su exhibición  formal, el film cae reiteradamente en baches que vuelven al film complejo, que logra ser sostenido únicamente por su rigurosidad formal. Por momentos transitan escenas de tipo realista, en otros, se vuelve repentinamente sub realista. No obstante, va más allá y  destaca por el uso de sonidos que oscilan, en otros, lo onírico.

Lamentablemente, la película se queda en eso, una especie de nada, olvidando enteramente la emoción, esa búsqueda de empatía donde el desarrollo de personajes  nunca llega a la credibilidad.

Los personajes de la película son insólitos, desprecian la realidad y se expresan a través de diálogos poéticos que poco agregan al desarrollo de una trama convencional o de una idea  que vaya más allá de las formas de contar una historia.

Remo Manfredini (Pérez Biscayart) es un ídolo del turf pero se está volviendo viejo, El consumo alcohol le provocan crecientes accidentes en las carreras que terminan en su internación hospitalaria. Ahora comienza a tener una rival. Ella es Abril, una jocketa joven  y novia de Remo, que en su mejor momento queda embarazada y no sabe si continuar con la gestación.

El punto débil del film es que parece más orientado a lo visual que al contenido, a tal punto  que la idea principal fuera lograr un film puramente estético pero sin contenido, como si las formas se impusieran sobre los contenidos, y ello condujera simplemente a un disfrute visual derivado de las imágenes más que por contenido de los mensajes.

No obstante, el sentido de lo estético se mantiene durante todo el film y en ello encuentra que hay más cuidado en la forma que en el contenido. Las luces y las sombras, más allá de la sobriedad de los colores usados, van de lo opaco hacia lo luminoso, como si la complejidad de una carrera de caballos pusiera el ritmo adecuado al drama de la angustia que genera  el aguante del caballo y su lugar de llegada,

Obviamente,  la película resulta extraña, no es lineal  ni de fácil interpretación, pero está dirigida con destreza narrativa lo cual logra no solo enganchar al espectador sino también, sobre todo por la descripción de un mundo muy particular como es el  del hipismo y sobretodo el de las apuestas.  Refleja  un mundo hostil, donde la competencia oprime y devora a las personas, y el hombre explota al animal en la competencia, más allá de las pasiones turfisticas.

“El Jockey” será la película que representará a la Argentina en la próxima entrega de los Oscar. Está narrada con muy buen tacto. Se introduce tanto en lo onírico  como en el sub realismo, sin dejar de lado el acompañamiento de una excelente banda sonora, y sobre todo de una excelente fotografía.

SIN CODIGOS de Thomas Arslan

LA NOCHE, LA OSCURIDAD Y EL CRIMEN

Trojan regresa a Berlín después de 12 años. Las cosas no le han ido bien. Necesita un cambio, pero sobre todo, necesita dinero. Alguien le ofrece participar de un trabajo. Se trata del robo de un cuadro que ha sido restaurado en un museo, Puede ser una salida momentánea. Pero hay otros interesados en el tema.

El film abreva en el policial negro, donde todo luce decadente y terminal, tal como luce el cuadro robado. Todo resulta incierto, donde sobresale el medio tono. Nada está dicho y casi todo esta supuesto.

La película luce por su simpleza, pero todo se irá complicando en la medida que avanza el metraje, tomando al ocaso de la vida como el verdadero motor sobre el cual gira la misma, ello es la incertidumbre y la falta de certezas.

El personaje principal, Trojan, es un ladrón en el ocaso de su vida. Un hombre solitario, un ladrón que ha hecho del robo su profesión y de esa manera se gana la vida. Es un ser taciturno al cual algunas cosas no le andan bien. Ha perdido la juventud, no ha llegado a ser nadie, y ha quedado solo en la vida, Solo le queda cierta habilidad para el robo.

Su vida se le ha pasado volando. Ya no es un hombre joven  y el riesgo de sus trabajos no le rinden como antes. Necesita volver a las grandes ligas. Llama a sus conocidos pero casi no encuentra respuestas. Y de repente, aparece algo parecido a una oportunidad. Se trata de un robo en los suburbios de Berlín.

No obstante, no puede hacerlo solo. Necesita gente, y que esa gente le sea confiable. Conoce poca gente y a casi nadie de los que presuntamente van a participar. No obstante, no le queda otra opción que asumir el riesgo.

El tiempo pasa  y los códigos cambian. También cambian las certezas, e incluso, los códigos del hampa. El personaje principal  se ha vuelto desconfiado. El mundo del hampa también ha cambiado y las viejas reglas del juego ya no son las mismas.

El film abreva en el policial francés de  los años ´70. Rinde tributo a aquellos policiales que se volvieron famosos dando lugar al policial negro (el film noir), aquellos que contaban la historia desde el lado de los malos y no de los buenos, donde los franceses como Jean Pierre Melville revolucionaba el género con películas tales como El Samurai, o Claude Chabrol con El Carnicero. Nadie llegó a mostrar el peligroso mundo del hampa como lo hicieron esas películas francesas, entre otras,  no podemos dejar de nombrar El  Círculo Rojo (1970), a las cuales, este film rinde culto.

El horizonte se amplia. El film transcurre durante la noche. Berlín brilla como si fuera una enorme ciudad europea, no obstante, es simplemente el medio donde se desarrollan los acontecimientos. Nada se desaprovecha. La noche brilla tanto como el centro de Berlín y sus adyacencias. 

Thomas Arslan dirige la película con propiedad. Sin duda, abreva en los grandes directores del género. Su capacidad de síntesis es propia., y es un digno heredero de la Escuela de Berlín. El film brilla honestamente con virtudes propias. Sin duda es un film personal cuyo director seguramente tiene por delante un porvenir asegurado, al menos, en este nuevo cine alemán.

TRANSMITZVAH de Daniel Burman

LA CUADRA, EL BARRIO, LA CIUDAD

La nueva película de Daniel Burman vuelve a girar sobre la cuestiones de la identidad, esta vez basado en la búsqueda de un adolescente de descendencia judía cuya propósito es convertirse en mujer.

Lamentablemente, el resultado es el de una obra fallida, que más allá del espíritu claro costumbrista de la obra, no tiene una armadura heterogénea que permita mantener una obra de hora y media de narración sin buscar una línea que marque acontecimientos que permitan la pintura de un ambiente, en este caso, una colectividad.

En comparación con sus obras anteriores, la nueva película del director parece una obra fallida, que da la sensación que está  hecha a las apuradas, como si hubiera filmado de compromiso, dejando de lado muchos aspectos que pintaran la riqueza del barrio y sus habitantes con total naturalidad.

La obra transcurre en el barrio del Once, un lugar donde vive una gran colectividad judía, donde se respetan y mantienen costumbres propias ancestrales que tiene muchos años de desarrollo en nuestro país.

El film trata sobre un niño que quiere ser mujer,  y además, ser un músico de rock and roll, por lo cual, vuelve al barrio volviendo que lo vio nacer en busca de su identidad. Su regreso  es la vía es inevitable para encontrarse asimismo. En otras palabras, es la historia de un muchacho joven que se siente mujer y no sabe cómo asumirlo.

El cine de Burman siempre se ha destacado por la corrección de los aspectos técnicos y esta vez no es la excepción.  Los actores están perfectos en sus papeles y el desarrollo de la acción podría haberse abierto en otras direcciones pero se ha mantenido en una especie de relato costumbrista donde los personajes están muy bien delineados en base a actuaciones creíbles y espontaneas.

STELLA, UNA VIDA de Killiam Riedhof

STELLA, UNA VIDA  de Kiliam Riedhof

GUERRA Y SUPERVIVENCIA

Estamos en Alemania. Corre el mes de febrero de 1943. La Alemania nazi está en su esplendor y sueña con apoderarse del mundo. Stella Goldschlag es una hermosa joven alemana que le encanta el jazz y sueña en convertirse en una cantante famosa. Pero la cuestión está muy difícil y va para peor. El estallido de la Segunda Guerra Mundial la coloca en la marginalidad, y es apresada por la Gestapo. Torturada, es obligada a delatar compañeros para poder salvarse no solo ella sino también sus padres.

El film es una aguda reflexión sobre la traición en un estado de sometimiento absoluto de quien no tiene otra alternativa que corromperse y convertirse en delatora. Se trata de un dilema de orden moral de quien se encuentra en una situación extrema. Es la persona que se encuentra entre la espada y la pared. En la realidad, es la persona que delata o pierde la vida.

Stella es capturada y queda atrapada en un dilema de orden moral: O delata a sus compañeros o pierde la vida. Basada en una situación real, el film hace hincapié en una situación extrema donde el término medio no existe. Se trata de una situación donde solo existen dos extremos. Hacer lo que se quiere y asumir la consecuencia, o entregarse mansamente al enemigo.

El personaje se nutre de una dura realidad como lo es una guerra donde en primer lugar se encuentra la sobrevivencia, y en segundo lugar rige la colaboración con el enemigo para primero evitar la deportación, y el exterminio, e incluso,  la denuncia, donde atrapar a otros judíos, algo abominable, a veces justifica salvar la propia vida. 

Kilian Riedhof dirige esta pequeña obra de arte que pasó casi desapercibida tanto por la prensa como por el público. Se trata de un director alemán, también guionista, con una amplia carrera en la televisión alemana, que ya a tratado otras tramas que hacen hincapié en la situación moral de una persona.

El film intenta comprender la difícil situación en que se encuentra la protagonista, situada sin lugar a dudas en un costado equivocado de la historia. El desarrollo del personaje, no obstante, respeta su propia conciencia, sabe en la situación que se encuentra, y sobre toda las cosas, privilegia la vida sobre la muerte.

No se trata de esquivar la responsabilidad de los hechos, en este caso, la responsabilidad de la delación. El fin apunta a otra cosa, ello es la necesidad de transformarse en una delatora para poder sobrevivir a una situación completamente adversa.

Ella no niega su responsabilidad. Simplemente le toca asumir el papel de alguien que privilegia la vida sobre la muerte. Ello no implica negar su responsabilidad sobre la delación, El film, no justifica. En todo caso, observa el privilegio de la vida sobre la muerte. Es el caso de alguien que se convierte en verdugo para poder sobrevivir.

JOKER 2 de Todd Philips

 RESBALÖN NO ES CAIDA

A una semana del estreno, las nuevas andanzas de Guasón han determinado un fracaso de taquilla que parece ya irremediable. Puede pasar. Es muy probable que esté más ligado con una decepción prematura de una audiencia exigente que a una realidad, pero lo cierto es que cuando el de boca en boca corre adversamente, es difícil de mantener el control de la taquilla.

Existen al menos, dos tipos de cines. El cine comercial y el Cine de Arte. Lo es uno, o lo es otro, pero obtener las dos cosas al mismo tiempo es un logro difícil. El fracaso de taquilla que acaba de cosechar Joker 2 posiblemente tiene más que ver con un exceso de pretensiones que determina un film que aspira a tantas cosas que no se atreve por ser una cosa ni la otra. En otras palabras, no satisface ni al público infantil ni tampoco, a sus mayores.

El director Todd Philips parece tenerlo todo. Un muy buen elenco encabezado por Joaquín Phoenix, y Lady Gaga, y además, un productor y director que minimizaba los riesgos artísticos. El proyecto no podía fallar. Sin embargo, sorpresivamente, la taquilla le dio la vuelta a la cara.

La película no solo resulta reiterativa sino que se transforma en vacía e insignificante. Philips, también productor del film, pone toda la carne al asador y se deja despellejar sin anestesia. El gran error en que cae es haber creído que estaba realizando un proyecto para toda la familia cuando solo estaba filmando una simple secuela para niños. Con el propósito de ganar la taquilla adulta, ha olvidado que su propósito final es el de una película para niños.

Consecuencia de ello, los aspectos técnicos y estéticos, comienzan a tener más importancia que los argumentales, y en consecuencia, el film se regodea en la originalidad de una puesta  en escena casi deslumbrante mientras a la vez que el argumento se diluye en la intrascendencia, rozando la incomunicación su platea. Lo argumental no logra comunicar la historia que relata. No logra interesar al espectador porque los regodeos  formales pierden no solo la forma sino sobre todo, la línea argumental, y en consecuencia, la película queda a la deriva.

Por otro lado, el film no parece estar orientado a los niños sino más bien, a los adolescentes.   Ese ha sido un error de producción relevante toda vez que por largos momentos parece estar simplemente exponiendo una pintura que adquiere movimiento pero olvida su esencia narrativa.

Detrás de todo ello, los objetivos del film eran satisfacer tanto al público infantil tanto como al adolescente e incluso, al adulto. Lejos de ello, el film se estanca en el regodeo estético perdiendo en el camino el objetivo principal que es el entretenimiento de los niños.

El film resulta una pena porque llegar objetivamente a ambos públicos debería ser el target principal de la propuesta. Lejos de ello, el film se queda en lo puramente exterior sin aportar absolutamente nada a sus antecesoras, como tampoco logra entusiasmar a los adultos. Para Todd Philips, director y productor del film, el fracaso es doble.

MAGICAL MISTERY de Arne Felhusen

UN VIAJE A TRAVES DE LA RECONSTRUCCIÓN ALEMANA

Estamos a principios de la década del noventa   en la ciudad de Colonia en Alemania. Karl Schmidt es un señor de unos 35/40 años que vive en soledad en esa ciudad y está bajo tratamiento psiquiátrico a raíz de una crisis nerviosa producida por un consumo excesivo de drogas. Él es un músico en recuperación que ha debido separarse de su grupo musical como consecuencia de esa adicción.

Karl necesita un trabajo que le permita volver a conectarse con su medio. Para ello debe mantenerse sobrio. Busca trabajo y encuentra uno como chofer de un grupo musical que lo contrata para llevarlo por toda Alemania, pero especialmente, para pueda mantenerse sobrio. Todo un desafío para él.

La película es un reflejo de la resurrección alemana de la posguerra, la nueva prosperidad, el nuevo hombre. El film transita los años noventa del siglo pasado donde la pesadilla del nazismo ya había terminado, aunque también había dejado huellas, habiendo creado un  nuevo sentido de la responsabilidad social. El país había retomado la buena senda y se estaba recolocando entre los países aspirando a acceder a una nueva confortabilidad social generando mayores oportunidades.

La narración toma un camino de paralelismo entre la representación de la vida del personaje y la historia de la nación europea. El film festeja  ambos acontecimientos. Ello es la recuperación de la nación alemana por un lado, y por otro, el de un hombre alcohólico que logra mantenerse en sobriedad. Es un hombre que ha sido vencido por las drogas pero tiene la oportunidad de curarse y reinsertarse socialmente. Así como Alemania salió del horror, ese hombre trata de salir de su ostracismo.

El director Ame Feldhusen, es un hombre  de 53 años nacido en Schleswig-Holstein  en Alemania en 1971, que tiene en su haber una extensa filmografía, pero sobre todo, una larga carrera en televisión. Su filmografía consta solo de tan solo dos películas de largometraje, no vistas comercialmente en Argentina.

La que nos ocupa es una obra adulta y de gran actualidad, cuya profundidad conceptual, la torna en una de las películas más interesantes de los últimos tiempos.  Por otro lado, bien actuada, musicalizada, con una excelente narrativa destaca  con un actor expresivo en un ambiente callejero que pinta permanentemente por un lado la soledad del protagonista, y por el otro, el conglomerado social que lo contiene,

Esta película no está en cartelera sino que ha estado disponible y en la reseña de los días sábados en el  Museo del Mar., en Mar el Plata.

“ROMPER EL CIRCULO” de Justin Baldoni

 ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA 

Basado en el libro del mismo nombre, la protagonista del film es Lili, quien se ha enamorado de Ryle y está comenzando a disfrutar de su primer amor cuando repentinamente decide revaluar su relación de pareja como consecuencia del surgimiento de conductas violentas en la misma que le hacen recordar las peleas domesticas de sus padres.

La novela habla sobre el amor y la necesidad de lograr un equilibrio en la pareja, y hace hincapié en que no hay mejor relación que la que se basa en el respeto mutuo.

El film comienza cuando Atlas (Brandon Sklenar), su primer amor, reaparece después de varios años de no verse, generando una crisis en su relación de pareja. En consecuencia,  Lily debe tomar una decisión. La obra se remonta al pasado para indagar en los problemas de su infancia conflictiva.

Un reencuentro lleva a Lily a reevaluar la relación con Ryle, pero comienzan a aparecer  conductas de violencia en la relación que le hacen recordar a la conflictiva relación de sus padres,

Pasan unos años. Lily ahora vive en Boston. Trabaja de moza en un restaurante. Ha madurado y puede ver con más claridad su conflictiva relación..

El film resulta una película entretenido, un melodrama que se sostiene por sí mismo, sobre todo por las buenas actuaciones de sus protagonistas. La novela

La conflictiva vida de Atlas comienza a distenderse cuando ya más adulto comienza a trabajar en un restaurant en Boston, lejos de los problemas de su madre.

El director  Baldoni, narra una relación intensa y emocionalmente que también pone de relieve el tema de la violencia familiar, en este caso, relacionado con su madre. Los traumas de Lily encuentran remedio en su propia capacidad de enfrentar y superarla.

lake Lively interpreta a Lily Bloom, una mujer atrapada entre dos amores, en esta intensa adaptación cinematográfica.

Colleen Hoover se ha consolidado como una figura influyente en la literatura contemporánea abordando temas sociales significativos.(Crédito: Ed. Planeta)

El film profundiza en la necesidad de superar los traumas y la capacidad de cambiar y tomar decisiones que nos siempre son gratuitas.