LAS INOCENTES de Anne Fontaine

NI UNA MÁS

Por mera casualidad, coincidieron en este mes de octubre de 2016 en  Buenos Aires dos hechos que poseen un tema en común.  La marcha contra la violencia de género y el femicidio, y el estreno de la película francesa "Las Inocentes".

La marcha "Ni Una Menos" congregó a una multitud de personas desde el Obelisco hasta la Plaza de Mayo exigiendo acabar con los actos de violencia contra la mujer y poner fin al femicidio. "Ni Una Menos" es un grito colectivo contra la violencia machista. Surgió como una necesidad de evitar los asesinatos de mujeres que se producen en Argentina a un acelerado ritmo de una muerte cada 30 horas. En consecuencia, se exige implementar un Plan Nacional de Prevención, Asistencia y Erradicación de la Violencia Contra la Mujer que contempla garantizar el acceso de las victimas a la Justicia, elaborar un Registro Oficial de Victimas de la Violencia (para contar con estadísticas especificas sobre el tema), Garantizar y Profundizar la Educación Sexual (en todos los niveles educativos). En síntesis, garantizar la protección efectiva de las victimas.

Asimismo, se estrenó el film de la francesa Anne Fontaine, que silenciosamente y con muy poco público, trata el tema mencionado desde un ángulo diferente, rescatando del olvido y dando a publicidad un acto perverso y penoso ocurrido en Polonia en 1945, una vez acabada la Segunda Guerra Mundial. Allí, en la frontera entre Alemania y Polonia, un grupo de soldados rusos entraron a un convento católico y violaron a las monjas más jóvenes, embarazando a siete de ellas. El hecho fue escondido y permaneció impune durante muchísimo tiempo.

La directora Anne Fontaine, también co-guionista del guión original basado en un diario íntimo de la médica Mathilde Beaulie, miembro de la Cruz Roja Internacional destinada en Polonia en aquella época, filma con rigurosidad casi documentalista, se concentra en su personaje central (la Dra. Beaulie) y a partir de allí narra los hechos que no son más que una crónica de cada una de las visitas que la médica realiza al convento
después que una de las monjas haya acudido a ella en busca de ayuda.Uno de los puntos positivos del guión y de la película es que la narración esta hecha siempre desde el punto de vista de la medica, es decir, un tercero imparcial que no ha participado de los acontecimientos, y que los conocerá parcialmente en la medida que se acerque a las novicias afectadas. Mas interesante aún es que su mirada es la de una persona
creyente pero no practicante, cuya vida esta dedicada completamente a la profesión médica.

En el planteamiento del drama aparecen tres posiciones claras. Una es la de monja que solicita ayuda. Es, sin duda, la más abierta de todas. Consciente del problema que saca a la luz, mantiene la correspondiente confidencia y se trasforma en el único nexo entre un mundo de encierro y el mundo exterior. Otra posición es la que adquiere el mundo de las novicias. Cada una acepta su propio encierro, más allá de  lo cual, 7 de ellas están sufriendo la situación de un embarazo involuntario. Aquí aparece el desarrollo de un mundo cerrado pero solidario. Finalmente, existe una tercera posición, la Madre Superiora.  Ella es la que carga con la responsabilidad del convento y en consecuencia con el estigma que genera el desafortunado suceso.

La vida en el convento impone una situación de encierro con la exigencia de un estricto respeto de las reglas. Es un mundo de reclusión voluntaria cuya compensación es un acercamiento absoluto a una vida espiritual. La monja que solicita ayuda, al salir esta rompiendo las reglas, y se ve obligada a mentir. El mundo de paz interior que es el convento se vuelve inestable con los acontecimientos ocurridos. Además, las monjas violadas fueron sometidas dentro del mismo convento, lo cual conduce a la estigmatización de los sucedido. Del encierro y la paz espiritual se pasa a una situación de encierro y estigmatización. El encierro es voluntario, pero la estigmatización es producto de lo sucedido, de una invasión forzada de la intimidad, lejos del propósito perseguido por las mujeres que han concurrido allí en busca de una paz espiritual que obviamente han perdido a raíz de la invasión del lugar por los soldados rusos y los hechos ocurridos.

Las consecuencias de ello son diversas. Las preguntas múltiples. Quién se hará cargo de lo sucedido?. Serán juzgados los soldados rusos por los crímenes cometidos?. Son todas las novicias victimas inocentes?. Se harán cargo dichas novicias de la responsabilidad  de ser madres?. Cual será la posición de la Madre Superiora?. Podrán la victimas no ser estigmatizadas?. Aceptará la Iglesia semejante vergüenza?. Cuál será la posición de la Cruz Roja?.

Por otra parte están la Cruz Roja Internacional como institución y los médicos pertenecientes a la misma. Más allá de Matilde, quien obviamente presta servicios desde la clandestinidad, esta su par el Dr. Samuel, un médico judío totalmente entregado a su profesión que se verá obligado a comprometer su participación en un medio que lo coloca en una situación extrema, mucho más allá de sus propias responsabilidades. Ambos, Matilde y Samuel, son dos médicos signados por una profesión que los emparenta no solo con la guerra sino también con la tragedia y la muerte. No tienen idea de su futuro. Tendrán futuro? Viven absolutamente en tiempo presente. Saben que inexorablemente, más allá de los propios deseos, lo único que tienen seguro es un boleto hacia la próxima guerra. Y por sobre ellos, el director de la Cruz Roja quien deberá prescindir de todo prejuicio para dar por acabada la misión en ese lugar donde ya ha acabado la guerra aunque ignora algunas de sus consecuencias.

Hablar de notables actuaciones de un elenco prácticamente desconocido para nosotros es simplemente formal. No obstante ello, cabe decir que la música de Grégorie Hetzel y especialmente la fotografía de Caroline Champetier son excelentes. Sin embargo, y pese a estos comentarios positivos debo decir también que la película es fría, distante, académica, que mantiene el punto de vista. Una verdadera crónica de lo siniestro que no es otra cosa que las consecuencias no deseadas de una guerra.

MA LOUTE (LA BAHIA) de Bruno Dumont

LOS DE ARRIBA Y LOS DE ABAJO

Farsa, comedia bufa sobre las diferencias de clase, enfrascada en cierta atmósfera de delirios místicos, es tal vez la película menos lograda del francés Bruno Dumont (La Vida de Jesús, 1997; La Humanidad, 1999; Flandres, 2006; Fuera de Satán, 2011; Camile Claudet 1915, 2013. Nunca su cine fue fácil. Transitando por temas extremos, siempre habia logrado un gran equilibrio entre la temática elegida y el modo expositivo, pero nunca había caído en un delirio de características tan surrealistas. Por el contrario, su cine se había desarrollado dentro de un contexto realista donde sus personajes eran fácilmente reconocibles y se desenvolvían en espacios que daban lugar a la critica social, a la denuncia y expresaban la necesidad de un cambio aunque siempre estuvieran caminando al filo de la cornisa.

"Ma Loute", en contraposición a lo comentado, recorre caminos extremos. Desde la antropofagia de la familia de clase baja, pasando por el devenir intrascendente de los miembros de la clase alta, y finalmente por los delirios místicos de la clase gobernante representada por la autoridad policial personificada en un detective de la policía y su ayudante, claro emulo de Hercule Poirot, con aires del Gordo y del Flaco. En consecuencia, a su nuevo film le cuesta levantar vuelo más allá de algunas imágenes verdaderamente poéticas lamentablemente ensuciadas por otras en las que predomina el mal gusto.

La pintura de Bruno Dumont es, en esta ocasión, de brocha gorda, y su film roza lo bizarro. La acción transcurre en el verano de 1910 en una bahía del Canal de la Mancha, en el norte de Francia, donde han desaparecido misteriosamente algunos turistas. Allí llegan los policías Machin y Malfoy a investigar los caso. En ese  lugar vive la familia de Ma Loute, unos pobres pescadores de almejas que además se dedican a pasar personas de una orilla a otra del río que desemboca en ese lugar. Y, ademas, como todos los veranos, llegaran los Van Peteghem, los ricos del pueblo que vienen a descansar a su villa de verano que esta construida sobre las tierras altas de la bahía, desplegando un sinfín de vanidades que parecen colocarlos en medio de la mismísima nada.

El film retrata este abúlico transcurrir del verano en un pueblo de la costa, poco conmovido por las misteriosas desapariciones aunque si muy atento a la correrías de Ma Loute, un adolescente de unos 18 años que está en pleno despertar sexual. A sus brazos caerá Raph, un adolescente bisexual hijo de Aude Van Peteghem (Juliette Binoche), una de las dueñas del lugar. Dumont se entusiasma con el amorío de Ma Loute y pareciera que se olvida de la propuesta inicial. En consecuencia, la película se desabarranca y un sinsentido total se apodera del film. Dumont gira hacia el misticismo y la farsa, completando un fresco social con bastante poca convicción y sobre todo, falta de lucidez.

En esa falta de lucidez pierde la idea de critica social. La clase alta siempre ida, aun cuando baja a la playa, casi volando por la costa, hablando insensateces. La dupla de policías pulula en un devenir permanente orientado a ninguna parte, solo parecen ir hacia donde sopla el viento más allá de la "pista" policíaca. La clase baja, obrera, solo preocupada por "el qué comer" de cada día, conforman un cuadro que más allá de la pintura social decadente y desangelada parece una burla desencajada a la lucha de clases, poco inspirada, basada en una buena idea mal desarrollada.

No hay duda que Bruno Dumont perdió una excelente oportunidad. Desperdició una buena idea, deslizándose por el tobogán equivocado, no obstante haber contado  con un equipo de primera, capaces de interpretar el grotesco pero perdidos en la telaraña creada por el director: Juliette Bonoche, Valeria Bruni Tedeschi, Fabrice Luchini y el debutante Brandon Lavielle como Ma Loute, de venturoso porvernir, encabezan un reparto sin fisuras. Por otra parte, es excelente la fotografía de Guillaume Deffontaines, resulta un poco estridente la banda de sonido que contribuye a subrayar el estilo delirante y desbocado de la narración. De la misma manera, distorsiona deliberadamente el sonido como si la quietud del paisaje fuera permanentemente rota por un elemento extraño que desequilibra el orden natural de las cosas. Abierta a múltiples lecturas, el film de Dumont se queda mas en las insinuaciones que en los logros.

LA LECCIÓN (UROK) de Kristina Grozeva y Petar Valchanov

NO JUZGUES AL PRÓJIMO PORQUE MAS TARDE DEBERÁS JUZGARTE A TI MISMO

"No robarás" es el séptimo mandamiento de la ley de Dios, aquella que recibe Moisés en el Monte Sinaí. Dicha tabla con sus diez preceptos, son, además, la base universal fundamental de la moral judeo cristiana, y de todo el mundo occidental.

Ahora estamos en Bulgaria, en la época actual. Bulgaria es un país geográficamente radicado detrás de la denominada "Cortina de Hierro" y que, por lo tanto,  ha formado parte del mundo comunista liderado por el ex Unión Soviética. La caída del muro, la relajación respecto de la dominación soviética, y el cambio producido por el alejamiento  de una economía socialista hacia una economía de libre mercado ha dejado huellas que no han sido gratuitas. Y eso no solo ha ocurrido en lo económico, sino también ha pegado en lo social, tanto en las costumbres como en la reaparición del fenómeno de clases.

Nadezhda, el personaje protagónico del film,  es una profesora de inglés en una escuela secundaria. Proviene de una familia de clase acomodada de padres separados, que se ha casado con un obrero industrial, ahora desocupado, con el cual tiene una hija de pequeña edad. Es ella la que se enfrentará al dilema ético regido por ese séptimo mandamiento que mencionamos al principio. Por un lado, se verá obligada a enseñarlo en la escuela.  Por otro, deberá enfrentarse moralmente con ello en su propia vida.

Dilema moral. Parábola social. La película deja flotando la pregunta quién es cada uno para juzgar a los demás? Cómo puedes decir a tu hermano sácate la paja de tus ojos cuando nos ves la viga que hay en los tuyos? Podemos enseñar la ley cuando somos incapaces de seguirla? La pelicula tiene la gran virtud de avanzar de un dilema hacia otro. De hacerlo de una manera llana y transparente. Es objetiva. No pega golpes bajos. Directa y lineal, pero nunca superficial, siempre cuestionadora y profunda.

Formada dentro de la rigidez del sistema comunista de otra época, la actitud de la docente  se presenta moralmente cerrada. Pero será la vida la que la llevará a enfrentarse, ante la necesidad, al dilema moral. El sueldo no le alcanza. Necesita hacer  traducciones para poder vivir. Tiene dificultades para cobrarlas.  El marido no tiene trabajo estable. Está distanciada de su padre. En una palabra, se debe hacer cargo, ponerse la mochila al hombro. Y eso es precisamente lo que hace.

En el film, como en la vida, toda acción genera una reacción. Y la acción genera consecuencias. Ante la necesidad de actuar generalmente debemos elegir, optar. La protagonista permanentemente se está enfrentando a una opción. A veces, elige el bien. Otras el mal. Estas últimas las llevan al error. Entre dos males, deberíamos optar por el mal menor. No obstante, somos capaces de reconocer el error. En el plano religioso, además, podemos arrepentirnos, confesar y encontrar el perdón. Pero esto está más allá de la película.

Es la segunda película búlgara que veo en mi vida. La anterior fue "Cuerno de Cabra" de Metodi Andonov. En ésta película también corría un aire corrosivo y altamente justiciero. Se trataba de un pastor de cabras al que los turcos le matan a su mujer. El pastor lleva su hija a la montaña y la cría como a un varón, preparándola para que pueda vengar la muerte de su madre. Para ello le dará un afilado cuerno de cabra. "El que a hierro mata, a hierro muere". Pareciera ser que el poco cine búlgaro que vemos no solo es de una gran calidad, sino también muy atado a la reflexión sobre los principios básicos de la convivencia. Tanto "Cuerno de Cabra" en 1972 como "La Lesión" en 2014 muestran ese signo rector del relato. Como si la parábola moral estuviera siempre presente, y los personajes siempre obrarán no solo de acuerdo con la ley sino que hicieran del concepto de justicia algo que les es propio. Una corporización del concepto legal.

Extraordinariamente actuada por Margita Gosheva, muy bien escrita y dirigida por el dúo Grozeva/ Valchanov, destaca por la economía de recursos empleados frente a la profundidad y claridad del desarrollo temático. La pelicula es cristalina, rigurosa. Nunca pierde el punto de vista que no es otro que el de su protagonista. Cada escena es un avance en el relato. El conflicto se desarrolla sin complicaciones, en forma simple. Una muestra cabal de que con un mínimo de recursos pero con mucho talento se puede hacer una muy buena película.

EL HOMBRE QUE CONOCIA EL INFINITO de Matt Brown

CIENCIA VS. ILUMINACION

Técnicamente una biopic, en realidad un melodrama, trata de la vida del matemático hindú Srinivasa Ramanujan, nacido en 1887 en Madrás, India en 1887 y muerto en el mismo lugar 33 años después como consecuencia de una tuberculosis  contraída durante su estadía en Inglaterra  donde residió entre 1916 y 1920, más precisamente en el Trinity College en Cambridge, alcanzando el título de "Miembro" de esa Universidad .

Ramanujan desarrolló su vida y sus estudios en medio de una gran pobreza material. Hizo sus progresos matemáticos en la India y logró atraer el interés del matemático británico G. H. Hardy, sin tener antecedentes catedráticos ni laborales, quien lo invito a Cambridge a mostrar sus papers y teoremas.  El film transcurre durante su estadía en ese lugar que coincide temporalmente con los años de la Primera Guerra Mundial. Sus contribuciones matemáticas se concentran en la teoría de los números, las series y las fracciones continuas.

Basada en el libro de Robert Knigel, y protagonizada por Dev Patel como Ramanujan, Jeremy Irons como G.H. Hardy, y Toby Jones como Mr. Littlewood, el film muestra la vida de un hombre enfermo que transita su existencia como a traves de una luz casi divina que le dicta conclusiones matemáticas de alta complejidad. Casado sin hijos, lleva una vida casi monacal. Tocado por la varita mágica, aparece en su vida un mesías hindú que,  no solo le dará un trabajo contable para que pueda ganar su sustento básico sino que también logra patrocinarlo llamando la atención de un importante matemático inglés  de aquella época como era el Dr. Hardy. En Cambridge se interesan por sus papers, y lo invitan a participar de sus claustros para probar sus teorías. Llega a Londres sin siquiera haber obtenido un título en una universidad de la India.

La dificultad de la pelicula radica en que le es difícil establecer el nudo de su conflicto dramático. Por un lado, relata el drama de una vida, un hombre enfermo y pobre que posee un don muy especial que le da un conocimiento de orden superior, y por otro, la discusión que se establece acerca de la obra de ese hombre, la cual expresa una importante serie de conclusiones sin establecer ninguna hipótesis ni desarrollo. El desbalance se produce toda vez que, de la extensión de la pelicula, tres cuartas partes de la misma transcurre en Cambridge, por lo tanto, concentra el conflicto en los requerimientos matemáticos que los catedráticos de ese Colegio le exigen al ignoto Ramanujan  demostrar sus conclusiones.

Ramanujan es una personalidad que, en el fondo de sí mismo y pese al desarrollo científico que aporta, pone en discusión el conflicto entre religión y conocimiento científico.  Ramanujan es un hombre de fe, un hinduista, que siente que sus conclusiones matemáticas son producto de una iluminación de carácter divino. En su llegada a Cambridge, el primer cuestionamiento que encontrará será la necesidad de fundamentar y demostrar esas conclusiones. Posiblemente como consecuencia de no haber finalizado su preparación académica, esa dificultad se le exacerba.  Pero el film, en lugar de concentrarse en este objetivo, el cual obviamente es difícil de trasladar en imágenes, se focaliza en aspectos secundarios tales como el bombardeo de Londres, los prejuicios y la discriminación a los extranjeros, y particularmente a los hindúes que se muestran reacios a la adopción de las tradiciones británicas, y finalmente, a la enfermedad que mina el cuerpo del matemático hindú.

El director Mathew Brown dirige el film haciendo denodados esfuerzos por lograr el equilibrio de las formas y hacer creíble este cuasi cuento de hadas. Como ya lo anticipé, no lo consigue. No obstante ello, tiene sus meritos. Logra una cierta proeza: hacer una película interesante, y sobre todo, entretenida. Escapa del film serio pero no pierde en profundidad. El tema esta claramente expuesto, desacartonado, más cercano a un film de la televisión británica que a una obra profunda y cuestionadora de la dicotomía entre la fe y la ciencia, pero que logra mantenerse en pie, sobretodo en función de ese desafío que se le plantea a Ramanujan que implica que no basta con tener razón sino que la misma requiere ser fundamentada. Obviamente, contribuyen con estos logros las actuaciones de los dos actores principales, ambos muy creíbles en sus papeles. Estoy hablando, especialmente,  de Jeremy Irons, quien asume el papel del Dr. Harris, aquel inglés que cree en la verdad de Ramanujan y lo incita y empuja a formular y demostrar sus teoremas, y al propio Dev Patel, el muchacho de la múltiple ganadora del Oscar 2008 "Slumdug Millionaire", que da vida muy convincentemente a Srinivasa Ramanujan.

LA PAZZA GIOIA (LOCA ALEGRIA) de Paolo Virzi

LA ANORMALIDAD DE LA NORMALIDAD

Siempre me he preguntado qué tan locos estamos aquellos que parecemos cuerdos. Y qué tan cuerdos están aquellos que parecen locos. Ésta cuestión parece estar relacionada con el concepto de "normalidad". Entonces, cabe preguntarse: qué es lo normal? La condición de Normal es aquella que se ajusta a las normas o que se halla en su estado natural. Por lo general, aquello que se ajusta a valores medios. La normalidad, aplicada a los comportamientos humanos, está vinculada con la conducta de los individuos, es aquella que no muestra desviaciones significativas respecto a la conducta del resto de la comunidad.

Esa normalidad también se puede medir estadísticamente.  Este criterio determinaría que el hombre normal es el hombre promedio. Si el comportamiento, o sea, la conducta de una persona es semejante a las conductas de la mayoría de la comunidad, esa conducta es normal. Estamos frente a una persona adaptada.  Por otro lado, es el comportamiento deseable, lo esperable por el resto de la comunidad.

Por el contrario, la "anormalidad" es lo raro, lo atípico, lo indeseable. Llevado al campo de la salud, lo normal es lo saludable, y lo anormal es la enfermedad. Para la Organización Mundial de la Salud (OMS)  es el estado de bienestar en el cual el individuo es consciente de sus propias capacidades, puede afrontar las tensiones normales de la vida, puede trabajar en forma productiva y es capaz de contribuir a su sociedad.

Esto nos lleva a preguntarnos sobre la locura, la cual se podría definir como un comportamiento que rechaza las normas sociales establecidas. O también como la desviación a la norma. El delirante es el desviado del surco. Antiguamente, se veía a los locos como iluminados y se los creía cercanos a Dios. Pero más tarde, la Iglesia, comenzó a considerarlos endemoniados, como una encarnación del mal. A partir del siglo 17 se comenzó a encerrar a los locos. Aparecen la ciencias, y la locura es vista como la antípoda de la razón. Aparecen los tratamientos y las curas, el electroshock, el uso de insulina, el baño frio, la lobotomía, etc. Y muchos años más tarde, la psiquiatría y la psicología.

El cine se ha ocupado de diversas formas respecto de la locura. La guerra puede considerarse un estado de locura generalizado. En "Senderos de Gloria, 1957", con Kirk Douglas, Stanley Kubrick  lo describió como pocos. Otro tanto hizo Michael Cimino con "El Francotirador" (The Deer Hunter, 1979), una profunda reflexión sobre la sinrazón de la guerra de Vietnam. No menos importante resultaba "One Flew Over The Cuckoo´s Nest", aquí denominada "Atrapado Sin Salida", con la magnífica actuación de Jack Nickolson, una persona privada de su libertad en función de su enfermedad;  o la alienación que mostraba Meryl Streep en su personificación de Sofía  a raíz de haber perdido sus hijos en un campo de Concentración en "La Decisión de Sofía, 1982" del siempre recordado Alan Pakula, y porqué no recordar aquella fuga desesperada del "american way of life" hacia la libertad total que protagonizaban "Thelma y Louise, 1991" en el soberbio film de Ridley Scott. La mayoría de estos personajes no son anormales por naturaleza sino que la anormalidad emerge de una situación vivida de carácter sumamente traumática que los enferma y los marca para toda la vida.

En "Loca Alegría", Beatrice (la extraordinaria Valeria Bruni Tedeschi) es una mitómana compulsiva que está internada, en un nosocomio en la Toscana, cerca de Lucca, donde parece estar bajo una "libertad condicional" porque padece de una alteración que aparentemente le impide administrar su dinero en forma correcta. Persona de familia adinerada, lo que desea es ejercer su libertad, salir de la casa de retiro y vivir su vida. Allí, llegará Donatella (Micaela Ramazzotti), una depresiva atormentada por un intento de suicidio y atontada por un coctel de medicamentos que pretenden mantenerla dopada, y que caerá como anillo al dedo, para que Beatrice la adopte como su protegida y la transforme en socia de correrías, que no tardarán en suceder, unos días después de una sesión de labor terapia en una chacra cercana.

El espectador las verá vagar libremente por la vida sin rumbo fijo ni objetivos concretos, solo disfrutando del placer de la libertad. Dejar de tomar una medicación que sienten que no es una cura, o gozar de las cosas más banales. Y entonces uno se preguntará qué tanto daño pueden llegar a cometer, tanto a sí mismas como a terceros. Estas dos supuestas "anormales" no hacen otra cosa que pagar con su libertad y un coctel inmenso de barbitúricos, los presuntos "crímenes"  de malgastar la herencia familiar en un caso,  o sufrir una depresión extrema que la pone al borde del suicidio en el otro. Y esto nos lleva a preguntarnos, quién es verdaderamente el dueño de nuestras vidas, cuál será el  juez nos tocará en suerte?.

Paolo Virzi, escritor y director italiano ("Caterina Vá in Cittá", 2003); ("Tutta la Vita Davanti", 2008); ("La Prima Cosa Bella", 2010); (Tutti il Santo Giorno, 2012); ("El Capital Humano", 2014), cuyo cine se enrola en la corriente que el cine italiano ha desarrollado con más éxito en los últimos 20 años, ello es el cine de las relaciones familiares, escribe y dirige esta comedia con enorme sutileza y talento, logrando un perfecto balance entre drama y comedia, generando uno de los mejores filmes de su ya vasta filmografía, diría a la par de su extraordinaria "La Prima cosa Bella", con aquella gran actuación de Stefanía Sandrelli como una madre caótica.

"Loca Alegría" es sin duda uno de los mejores films del año, sustentado en la escritura de un guión sin ningún tipo de fisuras, preciso y siempre interesante,  y una actuación inolvidable de sus dos intérpretes principales. Es un film que está con la autodeterminación del propio destino. Que cada uno es dueño de sí  mismo y de sus circunstancias.

LOS SIETE MAGNIFICOS de Antoine Fuqua

LAS BASES CONSTITUCIONALES

Antoine Fuqua es un director es un director de raza negra  que se ha caracterizado por hacer cine de acción, paseándose por distintos géneros: desde el policial común (Training Day, 2004)  a películas históricas (Rey Arturo, 2006), pasando por el suspenso (El Ejecutor, 2014), o el drama de boxeo (Southpaw (2015). Pero Fuqua siempre se ha ingeniado para que después de una vorágine de acción aparezca un momento de relax donde el espectador reflexione sobre lo que acaba de ver y encuentre que ese mix  de acción y suspenso puede dar lugar a una conclusión. Por otra parte, ha contado en varias oportunidades con Denzel Washington en la actuación. En este oportunidad, como en las anteriores,  la dupla Fuqua / Washington vuelve a funcionar.

Cómo llegamos a esta nueva versión de Los 7 Magníficos? En los ´60, cuando los maestros Ford y Hawks comienzan a filmar sus últimas obras y el western parece condenado a desaparecer , la Mirisch Corporation, una sociedad cinematográfica tributaria de la mítica United Artist, de entre cuyos fundadores estaba el mismisimo Chales Chaplin, logra un éxito descomunal de la mano del western cuando en 1960 presenta "Los 7 Magníficos", de John Sturges,  una película con un cast inolvidable encabezado por Yul Brinner, Eli Wallach y Steve Mc Queen. La pelicula era buena, pero sin lugar a dudas que lo que la catapultó a la fama fue su música, una balada de Elmer Berstein que se popularizó hasta la eternidad en las propagandas de cigarrillos de la marca Marlboro. Dicho éxito, dio lugar a una saga. A esa pelicula, le siguieron 3 más , dos realizadas en los 60 y la última en el 72.  Ellas fueron "El Retorno de los 7 Magníficos" (1966), dirigida por Burt Kennedy; "La furia de los 7 Magníficos" (1969), dirigida por Paul Wenkos y finalmente, "Los 7 Magníficos Cabalgan Otra Vez" (1972), dirigida por George Mc Cowan. El éxito había sido exprimido hasta sus últimas consecuencias.

El western es un género fundacional. Bajo sus reglas, el cine americano nos ha contado su historia, desde su nacimiento hasta que la civilización arrasó con el lejano oeste y la modernidad creo las enormes ciudades que hoy lo habitan. Es un género que con el transcurso del tiempo, ha cambiado sus formas. Ha pasado del clasicismo de Ford a Hawks, en el que habitualmente se contó la historia de la raíces americanas hasta la pacificación con las tribus guerreras, hacia un cine más moderno, expresado por dirctores tales como Roy Hil (Butch Cassidy) o Sam Packimpah (La Pandilla Salvaje, Pat Garret and Billy The Kid) en cuyos temas dejaron atrás la historia para enfocarse en las leyendas históricas y populares (los hermanos James, Doc Hollyday, entre otros), hasta arribar a un film final y casi lapidario del genero que realizó Clint Eastwood en los 90 y que se llamó "Los imperdonables", con el cual parecen terminar , no solo con las leyendas sino también, el género en sí mismo.

No obstante, el western no está muerto.  De tiempo en tiempo, aparece alguna que otra joya que lo resucita. "El Asesinato de Jesse James…., 2007" de Andrew Dominik; la extraordinaria "Appalosa, 2008" de Ed Harris;  la notable remake de "True Grit,  2010" de los Hermanos Coen; "Django Desencadenado, 2012" de Quentin Tarantino, son algunas muestras de ello. Y no lo está porque en su esencia subyacen temas que son esenciales a la vida del hombre: El imperio de la ley, el otorgamiento de derechos y garantías, los anhelos de propiedad y las luchas que se han llevado a cabo por ello hasta conseguir que esos esfuerzos se transformen en derechos fundacionales de la constitución de un país.

Esta nueva versión de "Los 7 Magníficos" hace hincapié en ese espíritu revisionista que manifiestan estas últimas películas mencionadas, y sobretodo, en el derecho de la propiedad como bien fundacional de una sociedad. Un derecho que se establece aún antes de la creación de un Estado, porque este último no es más que una nación jurídicamente organizada.  Las guerras entre indios y colonos también  han sido por ello. Asimismo, lo será la pequeña batalla que se librará entre los colonos y la compañía minera que pretende quedase con sus tierras en la nueva versión de "Los 7 Magníficos".  Por eso los Estados unidos lo garantizan en su Constitución. La ley respeta al propietario. Estamos hablando de una idea que se forja  en la Antigua Roma, cuna de los derechos del hombre y del ciudadano.

El aggiornamiento por parte de Antoine Fuqua, productor y director de "Los Siete Magníficos" tiene que ver con esa idea. El conflicto básico de esta nueva versión radica en que una empresa minera pretende comprar por un puñado de dólares las tierras adyacente a una mina en explotación. Los colonos se oponen a vender y como consecuencia de ello, se inicia un conflicto. El conflicto no irá por el camino de la justicia. En aquella época, aun no había leyes. Imperaba la ley del más fuerte. Consecuencia, se irá a una pequeña guerra, asumiéndose que como en toda guerra, el resultado será cruento. Pero si se gana, al menos será restablecido el derecho natural, aquel que dice que la tierra es de quien la ha conquistado, que en tiempos de paz, es quien la trabaja.

Antoine Fuqua dirigió con mano segura un film que le viene como anillo al dedo, logrando una pelicula entretenida e interesante, donde los valores humanos son puestos en un primer plano: La dignidad, el respeto, la amistad, el heroísmo, la generosidad, la prevalencia del Bien Social sobre el Interés Particular. Está basada, al igual que la saga que la precedió en los ´60, en un clásico del cine japonés de los años 50: "Los 7 Samurais, 1954", de Akira Kurosawa. En esta oportunidad, el guión, sólido por cierto, que siguió los lineamientos generales de su antecesora aunque con un cambio en la localización de los acontecimientos y del nudo del problema, estuvo a cargo de Richard Wenk (16 Calles, 2006), (The Equalizer, 2014) y Nic Pizzolatto, un escritor que proviene de la TV con dos éxitos importantes e inolvidables: La adaptación de "The Killing" y " True Detective". Contó, además, con un grupo actoral de primera línea encabezado por Denzel Washington como Chilson, un pistolero errante que hará suyo el desafío y buscará por los campos de Luisiana los socios para la empresa. Ellos serán Ethan Hawke,  Chris Pratt, Vincent D´Onofrio, Haley Bennet y Peter Sasgard. Todos muy bien en sus papeles.

En síntesis, un buen film de Fuqua, obviamente heredero de un clásico western de la historia del cine, que si bien deja satisfecho al espectador, por otro lado, pide más de un director ya maduro como Fuqua, capaz de haber demostrado habilidades cinematográficas superiores en films más personales como "The Executioner".  

EL INFILTRADO de Brad Furman

AL FILO DE LA LEY

El infiltrado trata un tema de narcotráfico, más específicamente, de lavado de dinero proveniente  del narcotráfico. Es un caso real y ocurrió en 1988, cuando Ronald Reagan era aun presidente de los Estados Unidos de América, y constituye el primer gran golpe contra la introducción de los carteles de droga colombianos en los Estados Unidos .  El tema es muy interesante, sobre todo porque en todo momento se cuestiona una de las bases filosófica que está detrás de puritanismo americano, aquella que sostiene que el fin justifica los medios.

En este caso, la Aduana Americana descubre que está entrando ilegalmente una enorme cantidad de droga (cocaína)por los muelles del puerto de Miami. Obviamente, si algo entra, algo debe salir. Eso que sale no es ni más ni menos que dinero, es decir, dólares americanos. Un volumen de dinero, obviamente  negro cuya dimensión es tal que los carteles colombianos podrían llegar a hacer desequilibrar el propio valor del dólar de los Estados Unidos. En consecuencia, un problema que imperiosamente debe ser frenado.

El film, estructurado como un perfecto policial negro, se desarrolla íntegramente en terreno americano. Sus personajes son hombres de la DEA y de la Aduna de USA que se manejan en forma encubierta. Ese proceder los conducirá a una red de dealers y de bancos encabezados por el Chase , que pasará por los paraísos fiscales de Panamá y Bahamas, y terminará en Colombia, en la propias fuentes del Cartel de Medellín, es decir, Pablo Escobar.

El armado de la operación obliga a infiltrarse en las bases delictivas. Eso implica llevar vidas paralelas. Nuestro héroe, Robert "Bob" Mazur (otra actuación extraordinaria de Brian Cranston, el mismo de "Breaking Bad" y "Trumbo") está casado, tiene 2 hijos y vive una vida normal de clase media americana.  A los efectos de liderar la operación anti lavado, se transformará en Bob Musella, un financista de Nueva York, divorciado, con un noviazgo a punto de casamiento con Kathy Ertz, la bella y buena actriz Dianne Kruger , con el cual espera redimirse en su vida matrimonial.

Vidas paralelas. La del infiltrado, por un lado,  y la de su propia vida, la propia familia, por otro. Cómo hacer para mantener el equilibrio?. Vivir con el riesgo de asumir la vida de otro que a su vez  se fagocita tu propia vida. Por momentos se pierde la brújula. La vida privada deja de serlo. Como en todo policial negro, en este caso "muy negro", es difícil establecer la diferencia entre buenos y malos. Lo peor sería ser descubierto. Pero mucho más que eso, sería que la familia fuera descubierta. Todo entra en un terreno de arenas movedizas.  Eso vuelve apasionante al film, dado que la metamorfosis que realizan los personajes principales es tal que poco a poco van descuidando todos sus aspectos personales y se van transformando en personas parecidas a los delincuentes que persiguen.

En estos casos, la constitución del equipo se vuelve fundamental. La confianza mutua entre sus miembros no puede fallar. Esto se constituye en base de una cadena de lealtades que debe ser inalterable. Es como tener otra familia en paralelo.  En este equipo,  las lealtades están sobre la relaciones jerárquicas.  No obstante, estas relaciones se mantienen a nivel oficial, y son dichos jefes los que tienen la decisión final de seguir o abortar una operación cuando la misma se torna problemática. Esto está basado en un entramado de disposiciones y las mencionadas lealtades que en todo momento deben ser respetadas,  y  están determinando conductas que la mayoría de la veces colocan frente al abismo a los personajes principales, dotando al film de una gran tensión y una buena dosis de suspenso.

Brad Furman debuta con este film en el cine de gran presupuesto. Anteriormente, había realizado "The Take (2007)",  "El Inocente (2011)", y "Runner, Runner (2013), que no fueron estrenadas en Argentina.  Basado en un excelente guión de Ellen Brown Furman y Robert Mazur, escrito sobre el propio libro de éste último, y con las notables actuaciones de Brian Cranston (Robert Mazur, alias Bob Musella), Dianne Kuger (Kathy Ertz), Amy Ryan (Bonnie Tischler), John Leguizamo (Emir Abreu), Juliet Aubrey  (Evelyn Mazur), y Olympia Dukakis (Tía Vicky), logra un film interesante, actual, recordable y con ribetes del gran "cine negro americano" que hacía tiempo no se veía.

CIUDADANO ILUSTRE de Gastón Duprat y Mariano Cohn

NADIE ES PROFETA ES SU TIERRA

El mayor mérito que tiene "Ciudadano Ilustre" es que resulta una película interesante. Su mayor demérito, es algo maniquea y previsible. No obstante, cabe preguntarse: eso la vuelve tediosa? No, para nada. Pero esto no pasaba con las anteriores obras de la dupla Duprat/Cohn: "El Artista" (2008), "El Hombre de al Lado" (2009), y "Querida, voy a Comprar Cigarrillos y Vuelvo" (2011), más redondas, menos forzadas. También es cierto que aquéllas, como muchas otras, no hablaban de forma tan directa ni tan de frente de la realidad que vivimos.

El film comienza con una ceremonia de entrega del premio Nobel de Literatura, 5 años antes de la acción. Daniel Mantovani , de la República Argentina, resulta ganador. Por otra parte, magníficamente interpretado por Jorge Martinez. El escritor, el hombre, escucha los meritos de la adjudicación y se da cuenta que poco y nada tienen que ver con su vida. Hace 40 años que vive en Europa, nunca escribió nada en la Argentina, y la mayor parte de su obra solo refleja algunos aspectos de su infancia y adolescencia que transcurrió en un pueblo de la Provincia de Buenos Aires, a 700 kilómetros de la Capital. Su discurso de agradecimiento dejará atónitos a todos. Sus palabras serán una aguda reflexión sobre el valor de los premios, a los que califica como un final y no una meta, y se pregunta si un escritor podrá llegar más alto aún con su obra después de un reconocimiento como el del premio recibido. En pocas palabras, podré ser mejor que lo soy?

El desconcierto se apodera de la audiencia del Nobel y también de la película, aunque claro está, obra como disparador de un relato. Una gran escena inicial. Con un discurso impecable pero desconcertante, que incluso, con un dejo de ironía, y un toque de incorrección politica, desdeña a la nobleza. Qué viene después del Nobel? La pose de divismo. Acaso, el no a todo, la falta de ideas, la no escritura.

Vale, entonces, preguntarse: Porqué Mantovani se ha ido del país? Se fue porque estaba hastiado de vivir en un pueblo. O porque posiblemente su propio país, no le había dado oportunidades de desarrollo personal. O porque como escritor, tal vez no hubiera podido escribir sobre su pueblo y su gente con la perspectiva del tomar distancia, o simplemente, porque simplemente quería vivir afuera. Tal vez, lo ha movilizado la ambición, la intuición que debía salir de su pueblo chico para poder ser alguien grande. Pinta tu pueblo y pintarás el mundo, dice el refrán. Y seguramente, tomar distancia permite ver las cosas con una mayor claridad.

Pero porqué decide volver? Simple y único motivo, porque recibe una invitación misteriosa que lo intriga. El Nobel lo ha vuelto famoso, y su pueblo, para no ser menos, lo declara "Ciudadano ilustre". Repentinamente, acepta la invitación. Es acaso el Pueblo el que ahora aspira a ser famoso?

La pelicula nos invita a tomar distancia. Desde un punto de vista que mira necesariamente desde afuera, y después de 40 años de una especie de exilio forzoso, cómo veríamos nosotros al país donde nos criamos y dónde depositamos nuestros mayores anhelos de ser alguien? Es lo mismo mirar a Argentina desde afuera que desde adentro?. Más aún, sabemos realmente cómo somos? O, acaso, nos conviene ignorarlo?

El regreso de Mantovani a la Argentina muestra la decadencia misma de un país hecho pelota y la ignorancia de la gente respecto de todo lo que sucede a su alrededor. La visión inicial es una mirada al abandono: un auto viejo y destartalado, un camino lleno de baches, la viveza criolla a flor de piel son algunos pequeños ejemplos que la pelicula marca con lucidez. La aparición de los viejos amores a la par de resentimientos ocultos. El cambio generacional de los más jóvenes, que arrolla con todo menos con la mediocridad en que el pueblo está sumergido, no da ninguna luz de esperanza de cambio. Acaso la invitación al Nobel, no será para apropiarnos del éxito y destruir al exitoso?

Mantovani será "el ciudadano ilustre" de un país que vive confundido. Ese mismo país donde un viejo del pueblo lo invita a cenar creído que su padre es uno de los personajes de los relatos premiados, donde el político del pueblo solo actúa ante la tajada del asunto, donde los premios otorgados carecen de todo criterio de objetividad artística, donde la demagogia está a la vuelta de la esquina (la clase llena al principio, la clase casi vacía del final).

Por otro lado, no queda claro el cambio de actitud de Mantovani cuando manda a comprar la silla de ruedas, o cuando promete al conserje la publicación de su cuento. Es acaso, un gesto de altruismo, de bondad o una señal respecto que la esperanza no está perdida y que la solidaridad individual equilibra toda vez que las acciones provenientes del Estado parecen haberse corrompido.

Esto que vimos, es real o puro relato?. Tal como sucede en "el país del no me acuerdo", la confusión entre relato y realidad ha desaparecido. Caen lo títulos. Como siempre, sigo pegado a mi butaca. Hace tiempo que no veo una pelicula argentina que habla tanto y tan directamente de nosotros, los argentinos. Muchos se sentirán identificados. Otros no tanto. Pero lo cierto es que esta pelicula habla de nuestra manera de ser, de nuestros defectos y no de nuestras virtudes. Eso es bueno. Dejemos nuestras virtudes como están porque no necesitan modificarse. Son buenas. Pero mirémonos de tanto en tanto en el espejo o sentémonos en el diván del analista, porque defecto nos sobran. Y este film apunta solo algunos de ellos.

CAFÉ SOCIETY de Woody Allen

REGRESO A LA COMEDIA ROMÁNTICA

Como cada para año para esta fecha, y después de haber producido su estreno mundial en el Festival del Cine de Cannes en mayo pasado, llega a nuestras pantallas el "opus 46" de Woody Allen.

"Café Society" es una de sus comedias más puras e inteligentes. Como lo ha hecho en los últimos años, de acuerdo a sus características narrativas, podría decirse que se  inscribe en la línea de sus "comedias azarosas", aquéllas donde lo que sucede es más consecuencia del azar que de la propia voluntad de sus  personajes. Pero más allá de esa rotulación arbitraria, es justo reconocer que se trata de una de sus comedias más optimistas y relajadas en la cuales priva un sentido del humor constante que enmarca los derroteros de un joven Romeo de los años 30 en torno de una Julieta muy romántica pero enamorada de otro hombre.

Desde que Allen abandonó la actuación de sus propios personajes,  se observa que sus nuevos alter egos resultan algo más relajados. Lejos han quedado aquellos personajes traumatizados y extremadamente dependientes del psicoanálisis para poder soportar la ansiedad que les producía la vida moderna, especialmente en la Nueva York de la segunda mitad del siglo XX,  que por otra parte,  Allen ha retratado con inmenso talento. No obstante ello, en esta nueva pelicula, su nuevo personaje, Bobby Stern, estupendamente interpretado por Jesse  Eisemberg ("Red Social", "Now You See Me"y que ya trabajó con Allen en "De Roma con Amor" ) puede verse como un sucesor de aquellos hombrecitos dudosos e insignificantes que tanto éxito le dieron a Allen.

En un primer plano de análisis, Allen propone una estructura de novela en la cual se reserva el papel de la voz del narrador que introduce cada capítulo de la trama. Se trata de un viaje iniciático.  Bobby abandona la Nueva York de los años 30  asediada por los problemas económicos de la gran depresión,  para ir en busca de un destino mejor, hacia el oeste,  a la emergente Los Ángeles, que se está comenzando a transformar  en una meca del cine. La experiencia de Bobby será la del propio Allen, que nunca comulgó ni comulgará con el ambiente de Hollywood, sin caer en ninguna de las tentaciones que pudieran ofrecerle los grandes estudios. El mundo que frecuenta Bobby será el de su Tío Phil, un apreciado representante de actores que vive sumergido en la mentira de su propia vida. Todo lo que allí vivirá Bobby será vano y superficial como el mundo que lo rodea, y finalmente decidirá volver a su ciudad natal. Una Nueva York venida a menos iluminada por las luces tenues de fríos atardeceres que contrasta con los soles ardientes y los tonos dorados con que Vittorio Storaro  fotografía los ambientes del Oeste. Pero en Bobby, todo será añoranza y necesidad de regreso.

En un segundo plano, desarrolla una historia de amor convencional pero limitada por las diferencias de clase, diferencias que, en el Oeste,  básicamente establece el dinero. Phil se enamorará perdidamente de Vonnie (Kristen Stewart) pero regresará a Nueva York. Allí conocerá a otra Vonnie, Una será el gran amor de su vida. La otra, su esposa y madre de sus hijos.  Una dualidad que lo sellará para el resto de su vida. Esta dualidad será un nuevo concepto en el cine de Allen, presentando un nuevo personaje que es un romántico absolutamente alejado de sus "loosers" de los años 70 y 80. La referida dualidad, las dos Vonnies, una terrenal (la esposa y madre) y otra, ideal, la novia que vive en el recuerdo, solo encuentran un parangón en el personaje de Jeff Bridges de "La Rosa Púrpura de El Cairo",  cuya dualidad era la de ser un personaje de pelicula que se volvía real saliendo de la pantalla de cine, o más lejanamente, en el cine de Francois Truffaut, concretamente en "Las Dos Inglesas".

No obstante ello, hay una constante en las heroínas del cine de Allen. Más alla de la búsqueda de independencia de casi todas ellas, todas son vulnerables y  buscan la seguridad en el hombre. Y esa seguridad en la sociedad americana, es fundamentalmente economica. Esa seguridad es la que no puede darle Phil a la primera Vonnie en Los Ángeles, pero si es la seguridad que más tarde, puede darle a la "otra Vonnie", quien será la madre de sus hijos en Nueva York. Y esa misma seguridad es la que encuentra la primera Vonnie, transformada en una mujer vanidosa, cuando años después pasa por el Café Society en Nueva York y reencuentra a Phil transformado en el gran manager del Café.

En un tercer plano, aparece lo azaroso. Bobby proviene de una familia judía de un barrio pobre de Nueva York donde su hermano Al  es un guardaespaldas de la mafia. Como tal, es el opuesto de Bobby,  un hombre violento que no  titubea en pecar ni matar. Como consecuencia de ello, es enjuiciado y condenado. Su destino será morir en la silla eléctrica. Y aquí el azar woodyallensco, aparecerá en la figura de un cura católico del penal que con su prédica reformará espiritualmente a Al, perdonándole sus pecados aunque, obviamente, no sus crímenes. El reo, entonces,  encontrará la paz espiritual, se convertirá al catolicismo y morirá sabiendo que Dios perdonará sus pecado y le permitirá la entrada al paraíso.

Esta faceta religiosa, espiritual es nueva en el cine de Allen. Sus personajes, casi siempre judíos, han sido no creyentes o no practicante de la religión. En este aspecto, el film se emparenta con la serie de comedias azarosas cuyos mayores exponentes son "Crímenes y Pecados" y "Match Point" donde los personajes zafaban de sus pecados capitales no por gracia divina sino por azar, y Al se emparenta también con Mickey, el personaje que interpretaba Woody en "Hanna y sus Hermanas", un hipocondriaco incurable que buscaba desesperadamente respuestas religiosas en el Central Park.

En resumen, el nuevo film de Allen no solo es entretenido y está muy bien relatado, sino también puede ser analizado en el contexto de su obra como un film que muestra un cambio de actitud en algunos personajes donde aparecen virtudes humanas como el optimismo en Bobby o la necesidad de salvación en Al, que marcan una cambio importante en el discursos que Allen ha mantenido durante tanto tiempo. Sería reiterativo señalar las virtudes de todo el cast que lo acompaña, un equipo actoral absolutamente perfecto. Además de ello, nos encontramos con un maestro de maestros en la fotografía. Allen se dio el gusto de contar con el italiano Vittorio Storaro para el manejo de la luz y las cámaras, el extraordinario fotógrafo de "Adios Hermano Cruel", "Novecento" y "Appocalipysys Now". Finalmente, la banda sonora contiene una verdadera colección de los grandes temas de Richard Rodgers y  Lorenz Harts como "Have You Mets Miss Jones", "The Lady is a Tramp", "My Romance" o "Manhattan", entre otras. Todo los aspectos técnicos concuerdan maravillosamente en pos de un logrado film que deleita con su visión.

LISTEN UP, PHILIP de Axel Ross Perry

RELATO EN PRIMER PLANO

Con ésta, su tercera película, debuta en nuestras pantallas Alex Ross Perry, un joven director independiente, americano, nacido en Bryn Mawr, Pensilvania, pero formado académicamente en la Universidad de Nueva York. Debemos agregar, por otra parte, que su debut es bienvenido.  Una corriente de aire fresco corre por nuestros cines de arte de la mano de este cineasta poco convencional armado de una muy interesante propuesta.

"Analizando a Philip",  como se denominó la película en castellano, poco tiene de diván aunque si invita mucho al análisis, no solo del personaje central, sino incluso de todos aquellos que lo rodean, una verdadera cofradía de intelectuales de clase media americana. Porque "Analizando a…"se trata de una pelicula intimista que versa sobre el éxito, la traición, y la forma en que se daña a los demás  cuando las personas está enfrascadas en sí mismas a un nivel de no darse cuenta que los demás también existen, es decir, viven a su lado, tienen una vida, amores, decepciones, alegrías, tristezas, trabajos, y muchas cosas más que dicho aislamiento hace ignorar.

Obviamente, el personaje central es Philip, un escritor que acaba de publicar su segunda novela y presiente será un éxito. Está a punto de comenzar la presentación de su nuevo libro y lo acosan las entrevistas y labores que el marketing literario obliga. Pero el tipo no soporta el barullo y como consecuencia de ello, comienzan sus problemas con el mundo que lo rodea: agente, fotógrafos, prensa, etc.. Es obvio que la posibilidad de éxito lo obnubila. Rasgos de divismo aparecen en él.  El drama es que eso lo lleva a encerrarse cada vez más en sí mismo. Philip no es un caso de egocentrismo sino de ostracismo. Lo curioso es que, encerrado como está, no repara en la destrucción de afectos que su conducta genera en su entorno, y peor aún, se puede decir que aparenta disfrutar de hacerlo.

Filmada en 16 mm, la mayor parte con cámara en mano y con múltiples primeros planos,  utilizando  un narrador en off que introduce cada capítulo, de manera tal que el relato de la peripecias literarias y amorosas de Philip, se vuelven una novela en la cual se reflejan estos tiempos modernos, efímeros y cambiantes.

El film se transforma en una disección de la intimidad que abarca no solo al personaje central, sobre el cual gira el film, sino también sobre los diferentes personajes secundarios  a los que, lejos de dejarlos de lado como pretende el propio protagonista, también los retrata y se sumerge también en sus vidas viendo cómo ellas reaccionan ante el presunto "éxito" de Philip. Asi destaca su novia Ashley, con la cual convive en la ciudad de Nueva York; Ike, un escritor exitoso que lo ampara en su casa de las afuera de Nueva York en busca de una compañía y generándole una especie de tutelaje; Melanie, la hija del escritor, una adolescente solitaria y disconforme; Yvette, una estudiante francesa que pretende hacer una maestría en la Universidad donde Philip está dando un curso de verano, y con la cual se insinúa un nuevo romance.

La habilidad de Axel Ross Perry es controlar todos estos personajes y lograr un equilibrio narrativo siempre contado desde la introspección donde aparece el mundo universitario de los protagonistas, un complejo grupo de intelectuales, aspirantes a escritores, y sus respectivas relaciones amorosas y sobretodo, sus soledades. El film tiene buen ritmo, y su interés se agiganta a medida que corree su metraje, mientras vamos conociendo personajes bien delineados, muy bien retratados dentro del ambiente intelectual cercano a las universidades, donde aparecen conflictos que siempre resultan posibles y creíbles.

En resumen, el debut de Perry en Argentina no puede ser más auspicioso. Aún quedan por estrenarse dos de sus trabajos más ambiciosos: "The Collor Wheel, 2011" y "Queen of Earth, 2015". Esperemos que el estreno de esta película abra camino hacia esos otros trabajos. Indudablemente, estamos hablando de un cine muy poco convencional que si bien podría encontrar algunas influencias, tanto lejanas como cercanas,  de autores tales como  el Woody Allen de "Annie Hall" (1977)  o "Hanna y Sus Hermanas" (1986), el Noah Bambach de "High Ball" (1997), el John Turturro de "Aprendiz de Gigoló"(2013) o incluso, en menor medida, y desde la intromisión, de los Hermanos Coen en "Inside Lewin Davis, (2013), no podemos negar que estamos en presencia de un nuevo cine muy particular y personal. 

En resumen, el debut de Perry en Argentina no puede ser más auspicioso. Aún quedan por estrenarse dos de sus trabajos más ambiciosos: "The Collor Wheel, 2011" y "Queen of Earth, 2015". Esperemos que el estreno de esta pelicula abra camino hacia esos otros trabajos. Indudablemente, estamos hablando de un cine muy poco convencional que si bien podría encontrar algunas influencias, tanto lejanas como cercanas,  de autores tales como  el Woody Allen de "Annie Hall" (1977)  o "Hanna y Sus Hermanas" (1986), el Noah Bambach de "High Ball" (1997), el John Turturro de "Aprendiz de Gigoló"(2013) o incluso, en menor medida, desde la intromisión,  de los Hermanos Coen en "Inside Lewin Davis, (2013), no podemos negar que estamos en presencia de un nuevo cine muy particular y personal. 

RAMS de Grimur Hákonarson

DOS HERMANOS Y OCHO OVEJAS

El cine islandés es un cine casi desconocido en Buenos Aires. No obstante ello, los avances y mejoras en la distribución y en las salas del cine de arte en Argentina ha permitido que el año pasado se presentara una muy buena e interesante película, tal como "Of Horses and Men" de Benedik Erligsson. Y este año, para no ser menos, nos ha llegado una film que ha causado cierto encanto en Europa. Se trata de "Rams", de Grimur Hákonarson.

"Rams" es la tercera pelicula de este director islandés que proveniente del cortometraje, debutó en el largometraje en 2010 con "Sumerlandio", que al igual que su segundo largo, el documental "A Puro corazón", no fueron distribuidos en Argentina. Como consecuencia de ello, Hákonarson, con ésta, su tercera pelicula, hace su presentación en las pantallas de arte porteñas. "Rams" es una historia simple, bien contada, sobre la relación de celos, envidia, represiones, y antiguos rencores entre dos hermanos que se dedican a la cría de ovejas en las tierras altas de Islandia.

Hákonarson describe minuciosamente la relación entre los dos hermanos, con un humor agridulce planteándose una fábula muy parecida historia a la bíblica de Abel y Caín, en la que al igual que "Of Horses and Men" aparece fuertemente esa relación entre el hombre y su tierra, y el contacto estrecho con la naturaleza, en la que no es ajena un entorno de vecinos lejanos con los que forman una pequeña comunidad dedicada a la crianza de ovejas y la producción lanar, con las que comparten problemas y enfermedades de los ovinos, anhelos de mejoramiento lanar, y fiestas y concursos alusivos.

Gummi es el hermano mayor. Kiddi el menor. Viven compitiendo y peleando por la calidad de sus carneros, uno en frente de otros, pero respetan los límites de sus parcelas, rigurosamente marcadas por empalizadas y alambres. La rivalidad prevalece entre ellos, pero hay en Gummi una especie de sentimiento de protección hacia su hermano menor ejercido como una especie de mandato familiar que de alguna manera los une. La comunidad que los contiene, más allá de las lejanas relaciones, significa la existencia de límites y reglas a respetar. Al promediar la pelicula ocurrirá un acontecimiento que hará que los hermanos vuelvan a encontrarse y achicar posiciones, pero estarán frente a la necesidad de violar normas impuestas por esa misma sociedad. Emigraran, entonces, hacia tierras más altas para salvar a sus ovejas. En los Highlands, paradójicamente, encontrarán que allí solo rigen las leyes de la naturaleza y su rigor es determinante. Como consecuencia, solo les quedará someterse a ellas.

Multipremiada en el Festival de Valladolid, España, se hizo acreedora de la Espiga de Oro a la Mejor Pelicula del Festival, del Premio Pilar Miro a un Nuevo director, y del Premio de la Juventud en dicho Festival . Por otra parte, fue una de las seis película nominadas a Mejor Pelicula Europea de 2015.

FUOCOAMMARE de Gianfranco Rosi

UNA LUZ EN MEDIO DEL MAR?

Gianfranco Rosi es un director italiano nacido en 1964 en Eritrea, ex Etiopía, colonia italiana. Rosi no es un director común. Sus filmes abrevan en el cine documental, pero Rosi no responde al modelo tradicional de imágenes acompañadas de un discurso de tipo social sino que sus películas son narradas a traves de personas de la vida real a los cuales la cámara sigue y relata sus peripecias. Como consecuencia de ello, sus filmes tratan de historias verídicas. El cine de Rosi es abierto. Su mirada es objetiva aunque siempre pase por la visión de alguno de sus personajes reales.

En 2013 Rosi se alzó con el premio mayor en Venecia con "SACRO GRA", una serie de historias entrelazadas que ocurrían en torno al tránsito por el anillo circular de Roma, o una avenida de 68 km de largo que circunvala la capital italiana. La visión del filme era lo más alejada posible de la Roma histórica, o la de las tarjetas postales, transformándose en un gran testimonio sobre la marginalidad y la soledad de las modernas urbes de la sociedad de consumo.

Ahora nos llega "Fuocommare", o "Fuego en el Mar", que toma el título de una canción de Giuseppe Fragapane que una oyente pide a la radio para que la escuche un marino en medio del mar. Es que el cine de Rosi, si bien despojado, es un cine profundamente humanista. En esta, su última obra, también ganadora del Oso de Oro en Berlín 2016, se focaliza en dos historias. Una individual y otra colectiva. Ambas transcurren en el mismo lugar: Lampedusa, el punto más meridional de la Italia continental, punto que concentra la mayor cantidad de entrada de emigrantes africanos que escapan de las continuas guerras tribales que afectan al norte de dicho continente.

Por un lado, narra la historia de Sammuele, un niño de Lampedusa que vive una bucólica vida campesina rodeada del afecto de su abuela y su tío pescador. Nada se sabe de sus padres, pero Sammuele es una especie de hombre niño que alejado del mundanal ruido de la ciudad crece en perfecto contacto con la naturaleza, concentra su vida en sus estudios escolares (una escena de la pelicula es una antológica clase de inglés), y tiene una estrecha relación con sus médicos, quienes lo cuidan tanto como su abuela. Pero todo ello no es más que la falsa máscara de un pueblo muerto en vida, donde claramente escasea el trabajo más allá de la pesca dado que los campos yermos rodeados de colinas siquiera dan lugar a la explotación minera o agropecuaria.

Como contrapunto de ello, las imágenes marítimas muestran las barcazas repletas de emigrantes que pagan fortunas por un viaje indeseable y que al llegar a Italia, si bien se les da amparo, reciben una fría bienvenida de carácter burocrático por parte de las autoridades aduaneras que no es otra cosa que la contraparte de la dura vida que les espera.

El cine de Rosi muestra una realidad. No da soluciones sino que plantea problemas sociales. La dura vida de los pescadores de Lampedusa, vis vis, la posibilidad del agrandamiento del problema originado por la entrada de los emigrantes, muchos de los cuales son portadores de enfermedades, incluso incurables. En medio de esa difícil situación socio economica, aparecen pequeñas luces de humanidad que generalmente están dadas por el amor al prójimo. Situaciones individuales emergentes del cariño familiar, el altruismo de médicos y enfermeras, el respeto de funcionarios aduaneros y poco más. La visión general no deja de ser la de una desesperada evasión hacia un páramo desolado, donde no solo no existe trabajo sino que apenas subsisten los que lo habitan y apenas mantienen una esperanza aquellos soñadores que divisan un fuego muy lejano en medio del mar. Tan solo una ilusión, un sueño.

Contada con cierto humor que tiende a la negrura, tal vez para negar tanta soledad y tanta miseria, tal vez para dejar abierta una luz de esperanza, se impone con influencias de tragicomedia a la italiana, donde el humor y la inocencia de sus personajes aparece solo en su superficie. Más allá de eso, es atravesada por la preocupación que genera un futuro que parece tan yermo como pequeñas las posibilidades de esos pobres barqueros que se han hecho a la mar en busca de un destino alentador para sus pobres y miserables vidas. "Fuego en el Mar" es, sobre todo, una pelicula para pensar y reflexionar.

JASON BOURNE de Paul Greengrass

EL FIN DE LA INTIMIDAD

Jason Bourne nace de la pluma del afamado escritor americano Robert Ludlum (1927-2001), muy bien conocido por sus novelas de espionaje, muchas de la cuales fueron llevadas al cine con gran suceso: "The Osterman Weekend", dirigida nada menos que por Sam Peckimpah, "Holcroft Covenant", dirigida por John Frankenheimer, fueron algunos de sus éxitos cinematográficos. Pero Bourne, un personaje que da lugar a una serie de novelas, nace en los últimos años de la vida del autor, y  ve la luz cinematográfica solo después de la muerte. Paradójicamente, Ludlum nunca pudo imaginar el éxito que tendría la saga en el cine. Su personaje,  hijo de un agente de la CIA, sufre memoria traumática y desconoce su identidad. Ha sido entrenado para matar y sobrevivir en cualquier ámbito, pero a su vez, tiene conciencia y remordimientos. Es un ser solitario que en el fondo de su alma, no es más que alguien en busca de su padre.

En 2002, la pareja de productores americanos Frank Marshall y Kathleen Kennedy deciden comprar para Universal Pictures los derechos de las tres novelas que Ludlum había escrito sobre Bourne, y contratan a Doug Liman, un especialista en cine de acción, para que dirija la primera de esas novelas (The Bourne Identity). Liman realiza un trabaja sumamente artesanal y el film, si bien entretenido, no reporta el éxito esperado.

No obstante ello, en 2004, la dupla Marshall/Kennedy decide redoblar la apuesta, y para la segunda novela (The Bourne Supremacy) contratan a un nuevo director, el inglés Paul Greengrass, quien asume la dirección de la serie y la transforma en un éxito cinematográfico inesperado, que prácticamente coloca a su protagonista, el actor Matt Damon, al borde del estrellato. Alentado por este éxito, Greengrass, un director graduado en Cambridge,  proveniente de la televisión británica y del cine documental, pero dotado de una notable experiencia, revitaliza la serie, da mayor cuerpo dramático al personaje y logra una pelicula de acción que pone a "Bourne" en la historia del cine de acción y del subgénero de espionaje. 

Pero habría que esperar hasta el tercer capítulo para encontrar la obra maestra del género: "The Bourne Ultimátum" (2007), donde Greengrass realmente no solo maneja, entiende al personaje sino que transforma la pelicula en un masterpiece de suspenso, generando 4 escenas de persecuciones realmente antológicas que terminarán haciendo escuela en la historia del cine de acción. El secreto de Greengrass fue que cada escena de acción estuviera orientada hacia una clave. La acción estaba dominada por la persecución. Y esa persecución esta signada por el suspenso. Cuando el personaje llegaba a un objetivo, develaba algo critico de la historia, y la continuación estaba dada por la persecución de una nueva clave. A mi modo de ver, el mejor ejemplo de ello es la persecución de Bourne en Londres cuando llega a Victoria Station.

En la cuarta película de la serie, ocurren dos cosas: 1) Ya no hay más novelas que filmar. En consecuencia, se arma un guión en base al personaje original. 2) Damon se niega a un cambio de director. No obstante ello, la dupla Marshall/Kennedy sigue adelante y contratan a Tony Gilroy para escribir el guión y dirigir la pelicula, y a Jeremy Renner para asumir a un nuevo agente de la misma camada de Borne.  El film resulta correcto y da crédito para seguir la serie.

El año pasado, Marshall/Kennedy vuelven a la carga y convencen a Greengrass para que regrese al proyecto. Ya no están ni las bases literarias de Ludlum ni los guiones de Tony Gilroy. Lo hace de la mano del editor Christopher Rose, con quien ya había trabajado en otras dos excelentes películas: " Vuelo 97", sobre el ataque aéreo a las Torres Gemelas, y "Capitán Philips", sobre el secuestro por parte de terroristas islámicos de un barco mercante en las costas de Somalia. Pero esta vez, el resultado no será el mismo.

"Jason Bourne", la quinta pelicula de la serie, suena ajada, manoseada, como cosa ya vista. El personaje central ya no tiene mucho para descubrir y su orfandad ha pasado a ser más un problema de la CIA que de sí mismo. O sea, el factor dramático ha desaparecido. Bourne ahora es perseguido sin piedad durante toda la película. En consecuencia, el film todo se trasforma en una gran persecución de la cual Greengrass trata de sacar el mayor jugo posible, pero al carecer de un factor dramático que lo sostenga, el interés del film decae rápidamente.

Está claro que Greengrass no se dará por vencido fácilmente. Su obra vuelve a ser un nuevo modelo de cine de super acción porque no solo hace añicos cuanta cosa pasa por delante de su cámara, sino que en la sala de montaje, hace añicos lo filmado, remontándolo y dándole al film una velocidad inusitada, que disipa todo interés por el personaje o incluso el argumento para que el espectador se concentre y disfrute de un espectáculo puramente sensorial, basado simplemente en la acción y en sus imágenes.

 Como consecuencia de ello, la problemática que plantea "Jason Bourne", es la de una CIA, y unos genios cibernéticos totalmente ocupados en desarrollar un sistema espía que puedan interiorizarse en nuestras vidas y espiarnos  a través de nuestros celulares, computadoras y tablets, pasará rápidamente de lado arrollada por la acción vertiginosa que despliega Greengrass. Una verdadera pena, porque deja de lado una reflexión inexorable que al fin y al cabo plantea la película y  que implica que el fin de la intimidad ha llegado. Todos podemos ser espiados. Cientos de computadores nos siguen a lo ancho y a lo largo del mundo para saber dónde estamos, quiénes somos, qué gustos tenemos, cuáles son nuestros amigos, que opinamos, a quiénes amamos, a quiénes odiamos, cuáles son nuestros hobbies, qué tipos de mujeres o de hombres nos agradan, qué tipo de comida preferimos, qué ropa usamos, qué libros leemos, qué películas vemos, dónde nos gusta vacacionar, etc.

Tal como en 1974  Francis Ford Copola nos lo preanunciaba en "La Conversación",  con una visión anticipatoria asombrosa, el espía era el espiado. Ahora, nosotros, meros espectadores, seremos  los espiados, nuestro derecho a la intimidad, vulnerado y el principio a nuestras libertades básicas, brutalmente avasallado. 

SANGRE DE MI SANGRE de Marco Belocchio

PODER Y RELIGION

El cine de Marco Belocchio nunca fue fácil. Sus historias siempre críticas de la burguesía adinerada, en las cuales predominan el ansia de dinero a la par de un fuerte sentimiento religioso y un grado de alienación permanente en sus personajes ha sido la característica principal de este italiano iconoclasta que desde "Con los Puños en los Bolsillos, 1965", pasando por  "Con el Diablo en el Cuerpo, 1986", la extraordinaria "Vincere, 2009", hasta la recientemente estrenada "Sangre de Mi Sang5e, 2015" se ha mantenido fiel a sí mismo y a todos los dogmas fundacionales de toda esa generación de grandes cineastas italianos nacidos a luz de esa obra emblemática que fue" La Dolce Vita" de Federico Fellini en 1960.

Nacido en Bobbio hace 78 años, ex marxista y militante del Partido Radical, en 2006 presentó su candidatura a diputado por el partido "Rosa en el Puño", el cual apoyaba al partido Socialista italiano. Abrevando en estas fuentes, su nueva película transcurre íntegramente en Bobbio, su lugar en el mundo, desde donde su visión se amplia y le permite reflexionar sobre el poder, la religión y los nexos existente entre ambos temas.

"Sangre de mi Sangre" narra dos historias que se relacionan ente si a través del lugar común donde transcurren y el tema del vampirismo que ronda ambas historias. Porque esa vampirización, si bien simbólica, no es otra cosa que la idea de quien le chupa la sangre a otro. Y esa idea es central en las bases del marxismo y visión de la lucha de clases, ellos es la tajante división de la clase obrera y la clase campesina frente a los terratenientes que ostentan el poder en el Medioevo, o la burguesía capitalista en los tiempos pos industriales. La de aquellos que viven trabajando por un plato de comida para que las plusvalías sean acumuladas por sus patrones. O los nuevos ricos de hoy en día que hacen gala de su dinero frente a enormes  masas de seres humanos que aún permanecen en la miseria más absoluta.

En la primera historia, dos hermanos están enamorados de una misma mujer. El hermano mayor se suicida sospechado por el embrujo de la amada. El menor acude al convento donde han ocurrido los hechos  con el propósito de evitar que el cuerpo de su hermano sea enterrado en suelo profano. Puede haber una excepción: que la novia del difunto,  confiese un pacto con Satanás. En la segunda historia, un inversor ruso llega a Bobbio con la intención de comprar el edificio de la prisión, propiedad de un Conde vampiro que despierta con dolor de muelas y que termina en el consultorio de un odontólogo amigo que le extirpa un colmillo. En este segundo cuento, el absurdo se apodera de la trama y de la película. Pasado y presente comienzan a fundirse uno en el otro, y el film comienza a transformarse en un gran fresco sobre la alianza siniestra entre la clase dominante y la iglesia a través del paso del tiempo. El pequeños mundo del pasado donde los roles estaban perfectamente definidos, se vuelve cada vez más difuso. Los nobles dejan de serlo y aparecen los nuevos ricos que no pueden justificar su riqueza. Un tufillo burlón se apodera de la película y los grandes temas de Belocchio resucitan conformando un fresco de niveles un tanto desproporcionados.

Sangre de mi Sangre no es el mejor film de Belocchio pero si es un Belocchio en estado puro. La explotación de clase a traves de los tiempos, la alienación enajenante de la sociedad de consumo, la corrupción de poder, la falta de comunicación de unos y otros, el delirio en que viven sus personajes siguen siendo temas actuales que por su tratamiento demuestran que el cineasta italiano está vivo y aún gozando de su plenitud creativa. En su ciudad natal, acompañado en la actuación por sus hijos Pier Georgio y Elena, y su hermano Alberto, realiza esta película que le hace honor a su titulo. Pero Belocchio nunca ha sido un director de fácil digestión. Su obra es compleja, y como en las otra obras citadas, se interna en lo más profundo y lo más oscuro del ser humano: sus creencias, sus miedos, su ansia de poder, la arbitrariedad de sus leyes, la capacidad de ejercer la decisión sobre la vida o la muerte de sus semejantes.

Técnicamente deslumbrante, muy bien actuada, sonorizada, musicalizada y fotografiada, es tal vez una de las obras más inquietante e interesante que se ha estrenado  este año en Buenos Aires, y que demuestra la absoluta vigencia de su director, a esta altura, un verdadero autor, un gran maestro del cine italiano.