SICARIO de Denis Villeneuve

EL INFIERNO TAN TEMIDO

Denis Villeneuve es un director canadiense que con 3 películas en su haber se ha ido acercando paulatinamente a Hollywood y con Sicario entra plenamente en el cine americano. No es una entrada común. Villeneuve hace un cine independiente e inclusive incursiona en festivales, a tal punto que ésta que nos ocupa fue presentado en Cannes 2015  donde ya  cosechó atención y aplausos.

Sicario es un film contundente.  Encasillándolo en el género, es una película de acción y suspenso. Muy bien escrita desde el guión original de Taylor Sheridan, un actor de televisión debutante en la escritura cinematográfica, está estupendamente llevada a la pantalla  por Villeneuve. Como es normal en sus films (recordar "Incendios" y "Prisioneros") toca un tema de urticante realidad:  el narcotráfico. Situada en la frontera entre Estados Unidos y México, desarrolla un trama policial en que narra la historia de la cacería del narcotraficante más importante del Cartel de Juárez , en la ciudad del mismo nombre.

Si bien la trama se desarrolla con convencionalidades propias del genero, la tensión y el manejo de las mismas, el tira y afloje permanente que con el director somete al espectador, es lo que vuelve distinta a la película. Villeneuve se apoya tanto en la música incidental de Jóhann Jóhannsonn como en la fotografía de Roger Deakins, ya con cámara en mano ó en escenas aéreas. Pasa de los primeros planos a planos panorámicos en los que capta tanto pequeños gestos y actitudes como refleja paisajes desérticos y situaciones sociales.  En este último aspecto, es realmente notable como el director diferencia desde el aire los barrios bajos de Tucson de los barrios pobres de Ciudad Juarez. Ese reflejo no busca solo localizar la acción sino básicamente mostrar las diferentes caras de la pobreza. En esas tomas, el planeo de la cámara de Deakins diferencia la pobreza americana  de la miseria mexicana. Toda un definición sobre el ámbito  en los que se desarrolla el narcotráfico.

Pero el film es mucho más que eso. Porque tal como la semana pasada nos inquietaba "Hombre Irracional" con la idea de su protagonista de llegar a la justicia por la vía la mano propia, Villeneuve toma la misma idea para desarrollar su tesis de que la lucha contra el narcotráfico se hace imposible a través de las metodologías policiales convencionales. Es asi como en la película dos agentes del FBI son separados de sus filas para que se unan a un escuadrón especial que posiblemente representa a la DEA simplemente para dar formalidad a una serie de operativos que no la tienen y se parecen más a acciones encubiertas que a operativos policiales. No hay duda que nos estamos enfrentando a un nuevo flagelo que azota a las sociedad moderna, donde los roles de los países están cambiando fuera del imperio de la ley y en parte como consecuencia de una nueva era tecnológica que genera desocupación y desamparo en todo el mundo pero con grandes diferencias. Mientras las sociedades más desarrolladas generan servicios de gran valor agregado y altos niveles de consumo, las menos desarrolladas apenas pueden desarrollar bienes agrícolas e industriales y extrema desocupación. En este contexto, se está volviendo  común ver cómo la producción y tráfico de drogas naturales y sintéticas ocupan posiciones cada vez más importante en las economías informales, generando trabajo en negro e importantes  corrientes de dinero ilegal que necesita ser "lavado", a la vez que sistemáticamente comienza un proceso exportador de drogas hacia los países más desarrollados, transformando al mundo pobre en productor y al mundo rico en consumidor,  alterando en ambos lados el equilibrio social de los viejos ideales de la ya decadente sociedad victoriana. El caos social comienza a imperar en ambos lados contaminando no solo a las clases menos pudientes sino también llegando a las clases políticas. La paradoja que estamos viendo es que la falta de trabajo es suplida por el trabajo que genera tanto el tráfico como la producción de drogas, tornando al remedio más peligroso que la enfermedad.

Sicario nos pega fuerte porque en el mundo que describe ya no quedan ni buenos ni malos. Sus personajes son todos víctimas de una violencia desenfrenada donde los márgenes de la ley se vuelven vidriosos, poco visibles o ignorados porque la ley ya no sirve para contener el fenómeno que estamos sufriendo. Muestra que, incluso, es ingenua la posición de muchos de nuestros políticos cuando se refieren al tema, demostrando que ya han sido cooptados por el mismo o no tienen idea cabal de lo que están tratando de enfrentar. Está claro que no tenemos soluciones y lo que es peor aún, estamos lejos de ellas. Y si las soluciones tienen algo que ver con lo que plantea la película, caemos en la ley del más fuerte, en la justicia por mano propia, o en la cruzada de un grupo de iluminados. A la luz de los acontecimientos que estamos viviendo, queda claro que debe prevalecer una voluntad politica para poder llevar a cabo lo que en la práctica no es más que una guerra contra el narcotráfico. El film tiene como principal atributo acercarnos a ese infierno tan temido donde la equidad y la justicia parecen perdidas.

HOMBRE IRRACIONAL de Woody Allen

BAJO LA SOMBRA DE "CRIMEN Y CASTIGO"

Regresa Woody Allen con  "Irrational Man",  una reflexión existencialista sobre la idea justicia y el quehacer divino, con la actuación de Joaquín Phoenix en el papel de Abe Lucas, un profesor de Filosofía que va a pasar una temporada a  una universidad de Rhode Island para dictar un curso de verano. Llega en un mal momento de su vida. Afectado por la muerte de un amigo periodista en la guerra de Afganistán, está sufriendo una depresión de la cual aún no ha tomado conciencia. En sus clases, magistrales por cierto, aparece su verdadero yo, un tipo fascinante que con la misma facilidad que explicará a Kahn, Heidegger o Sartre, seducirá a su mejor alumna (Emma Stone) tanto como a su compañera, la profesora Rita (Parker Posey). En medio de ese devenir amoroso, una trama cuasi policial, desatará los nudos filosóficos que acosan a Abe, transitando un final de características hithcockianas (recordar Vértigo).

El cine de Woody Allen se instala cómodamente en la comedia americana, pero no se encasilla dentro de un tipo de comedia en particular, generando en consecuencia, una obra vasta y verdaderamente creativa, dentro la cual podemos encontrar 5 tipos de subtramas y también algunos dramas (Interiores, La Otra Mujer). En esos 5 tipos, se enrolan las comedias en skechts, puramente cómicas, al estilo de "Bananas", y le siguen las comedias costumbristas (Annie Hall, Hanna y su hermanas, Blue Jazmine), las falsas biografías (Zelig, Broadway Danny Rose, Dulce y Melancólico), las comedias mágicas (Alice, La Rosa Purpura del Cairo, Medianoche en Paris), y finalmente, las comedias azarosas (Crímenes y Pecados, Match Point, El sueño de Casandra). "Hombre Irracional" se alinea en este último grupo.

Allen ha hecho una película por año desde 1972 a la fecha y en consecuencia, hay temas que se le han vuelto obsesiones. Lo azaroso y la existencia de Dios, como asi también su permanente lectura de "Crimen y Castigo", el clásico dovstoievskiano, le han permitido dar distintas vueltas de tuerca sobre el tema. En "Hombre Irracional" comienza haciendo cuestionamientos kantianos en su clase tales como si el "no mentir" es una regla, porqué ocasionalmente los hombres sienten la necesidad imperiosa de mentir? Por ejemplo cuando la vida de una persona depende de nosotros. Acaso tendríamos que dejar que la persona muera. Más tarde profundizará su cuestionamiento a la existencia divina en relación a la aplicación de justicia humana. Si la justicia es falible, cómo puede el fallo de los jueces derivar directamente de Dios? De dicho cuestionamiento surge la posibilidad de hacer justicia por mano propia. Es decir, si los jueces se equivocan, el hombre común puede corregir el error. Ben asumirá ese rol, el del justiciero.  Y cuando cree haber realizado justicia por mano propia, aparece la presencia de lo azaroso. Esa presencia del azar, es acaso una presencia divina?

Semejante planteamiento se acerca más a un drama que a una comedia. No obstante, Allen, como buen maestro que es, se las arregla para que el drama no se superponga en la comedia. Para eso, primero se concentra en las andanzas amorosas de Abe Lucas y después utiliza la vía del policial.. Y para que no tengamos dudas que la vida también es una comedia aunque sus profundos cuestionamientos parecieran negarlo, subraya las imágenes con insistentemente con la popular música del Trio de Jack Ramsey y su inolvidable tema de los ´60,  "The In Crow".

Allen cuestiona y entretiene. Parte de un guión excelente, muy bien estructurado, obviamente de su autoría, y una puesta en escena tan prolija como es su costumbre y solo él sabe hacerlo. No obstante, la profundidad del tema y la ligereza del estilo con el que decide contar su historia, por momentos, pareciera perderse y nos confunde, nos deja perplejos. Pero Allen es Allen y sabe salir a flote. Es que realmente, la historia de "Hombre Irracional" es un terrible  drama disfrazado de comedia. 

DOS X UNA

1. TRUMAN de Cesc Gay



MAS CERCA DEL TEATRO QUE DEL CINE

Cesc Gay comenzó como un director lleno de rebeldía (Krampack, 2000)y poco a poco, a medida que fue madurando, se ha ido convirtiendo en un director sumamente asimilado a las convencionalidades del sistema. No obstante, tiene un sentido nato del cine, generalmente es autor de los guiones de sus películas. "Ficción, 2006" es para mí su mejor película. Con ella ganó el Festival de Mar del Plata de aquel año. "Una Pistola en Cada Mano, 2012" pasó desapercibida. Ahora llega "Truman, 2015", un film donde Ricardo Darín interpreta a Julián, un actor argentino que está interpretando "Las Relaciones Peligrosas" en un teatro de Madrid y desde hace un año, está luchando contra un cáncer que se le acaba de diagnosticar como terminal. Como consecuencia de ello, recibe la visita de Tomás (Javier Cámara), un amigo español que vive en Winnipeg. Será un encuentro de despedida que durará 4 días, los pocos días que Tomás se ha podido tomar de vacaciones. Con un muy buen guión que se basa en el tire y afloje situacional, y sobre todo, las extraordinarias actuaciones de Darín y Cámara, y un perro llamado Truman, Gay logrará el prodigio de hacernos emocionar sin sufrir demasiado, ayudándonos a comprender que somos finitos y mortales, y que al fin y al cabo, esta divina comedia que es la vida, en algún momento termina apagándose como termina todo. No es poco el mérito de Gay. Truman es una tragedia devenida en comedia, es decir, una tragicomedia, no a la italiana, más bien esperpéntica, sumamente equilibrada, mas nostálgica que emotiva, tristemente divertida, que luciría muy bien en el teatro.



2. MI AMIGA DEL PARQUE de Ana Katz

LA MATERNIDAD COMO THRILLER PSICOLOGICO

Film inquietante, muy bien realizado , prolijo, narrado con escenas cortas y significativas, analiza la soledad de la madre primeriza. Es el cuarto largometraje de Ana Katz y sin lugar a dudas, el mejor de su carrera. Estupendamente actuado por Julieta Zylberberg y la misma Ana Katz en el papel de Rosa, la amiga del parque, se concentra en ese proceso de cambio, prácticamente una metamorfosis que realiza la mujer cuando nace su primer hijo. Es el remplazo de una identidad (la de la hija) por una nueva (la de madre) que cobra sentido en el nuevo ser que nace a la vida. El muy interesante guión de Katz genera, inteligentemente, un marido ausente por cuestiones laborales que hacen más real esa soledad que genera el cambio. Es esa mujer la que en absoluta soledad se hace cargo de ese recién nacido, y como tal, asume toda la responsabilidad de la crianza. Una carga enorme que obliga a la madre a estar siempre presente, que la absorbe y la despersonaliza. La búsqueda de pares en la plazas, donde conoce a la nueva amiga, genera la aparición de un par de hermanas misteriosas que meten miedo por ser distintas. La contratación de una señora mayor como niñera, que asume el rol de abuela que todo lo sabe y todo lo compone, genera celos en la madre primeriza. Todo se vuelve en contra, todo es una agresión en ese proceso metamorfósico dominado por el desconocimiento y la falta de experiencia. Todos estos elementos manejados con fluidez y soltura por parte de Katz colocan a "La Amiga del Parque" a nivel de un thriller psicologico de primer nivel.

LABERINTO DE MENTIRAS de Giulio Ricciarelli

LA VERDAD QUE ENLOQUECE

A fines de los años 50, la joven Alemania Federal  trataba de reconstruirse consolidándose politica, económica y socialmente de la devastadora derrota sufrida durante la 2da Guerra Mundial que había finalizado en 1945. No obstante aquéllos esfuerzos, y más allá de los Juicios de Núremberg y otras reparaciones realizadas, un tema crucial acechaba escondido en las sombras de la historia, una de esas cuestiones de las que "mejor no se habla", aquello que deja a la luz que una máquina perfecta de matar como la que se montó en los campos de concentración de Alemania, Checoslovaquia y Polonia, no hubiera podido funcionar solo como consecuencia de una rígida disciplina militar sino por la necesaria participación de  cientos de miles de ciudadanos  enrolados voluntariamente a las filas por el hecho de simpatizar con el régimen y sus objetivos.

El Colaboracionismo, típica especie de los populismos, aparece forma de obtener algo a cambio en medio de la escasez y la miseria de las guerras. Aquélla gente que no ha obrado por amor a la patria, sino empujados por intereses,  odio y prejuicios de clase y de raza. Esa gente también ha sido cómplice de los atropellos a las libertades y las masacres cometidas. Sin embargo, en la Alemania de fines de los 50,  esa gente había sido ignorada,  continuaba libremente su vida, gozaban de trabajos remunerados, y hasta eran miembros influyentes en la comunidad que los contenía. El colaboracionismo nunca había sido juzgado.

Es en ese momento de cambio, cuando la sociedad da cuenta que el esfuerzo realizado esta dejando de lado algo fundamental que hace a la esencia de toda sociedad: la Justicia. Una justicia necesaria para igualar el juzgamiento de responsabilidades. Pero acaso, sabían cómo hacerla? Implicaba reabrir viejas heridas que parecían estar cicatrizando. A su vez, se instalaba la duda que en medio de la reconstrucción volvían a filtrarse indeseables del pasado.

Algo parecido a lo ocurrido en la Argentina de nuestra última dictadura militar. Por primera vez en la historia, a mediados de los 80, el Dr. Ricardo Alfonsín, presidente electo de la Nación, dio comienzo un juicio contra las graves violaciones cometidas en materia de derechos humanos por las Juntas Militares que nos gobernaron durante los años 70. Se dictaron sentencias, los miembros de las juntas fueron encarcelados. Años más tarde, el Gobierno del Dr. Menem dictó un Indulto que abarcó tanto a  miembros de las fuerzas armadas como a partidarios de las organizaciones subversivas que habían actuado en el país. Posteriormente, el Presidente Kirchner reabrió los juicios por la Memoria, la Verdad y la Justica contra aquéllos y otros militares que habían cometido crímenes durante los 70. No obstante ello, no se ha hecho  justicia plena. Cientos de subversivos que han realizado actos terroristas a diestra y siniestra a lo largo y a lo ancho del país están libres de culpa y cargo sin haber terminado de pagar sus deudas con la sociedad.

Pero más allá de estos juicios y militancias, cabe preguntarse cuál ha sido el rol de la civilidad durante aquellas dictaduras. Pudieron llevarse adelante aquellas atrocidades sin la necesaria participación de civiles? Estas cuestiones son heridas aún abiertas. Podrá el tiempo curarlas? Podrá nacer de estas ignorancias un país más justo y más próspero? Acaso somos todos culpables? Había alguna posibilidad de neutralidad?

"Laberinto de Mentiras" transita estos temas. Sus personajes son jóvenes idealistas, abogados, periodistas, fiscales y jueces que han transitado necesariamente la época del nazismo y que, ahora,  se topan sorpresivamente con la verdad y se dan cuenta que quedan perdidos en medio de ese laberinto que forma el afán de justicia con los intereses nacionales de un país que marcha hacia adelante y se niega a volver, siquiera a mirar, atrás. No obstante aparece un orgullo por la verdad que deja abierta una puerta. Ella conducirá a los crímenes cometidos en Auswicht y a 2 jerarcas alemanes escapados hacia Argentina hacia fines de la guerra: Rudolf Eichmann y Joseph Mengele. En 1963, Eichman será detenido, clandestinamente,  por el Mossad israelí en Argentina, conducido y juzgado en Israel, y sentenciado a muerte. Mengele, por el contrario, permanecerá prófugo toda su vida y  morirá a fines de los 70 en Paraguay, en un accidente automovilístico. Finalmente, la Corte Alemana juzgará no menos de 30 militares que prestaron servicios en  los campos de concentración de Auswicht, cometiendo crímenes de lesa humanidad. Un pequeño paso para la justicia de guerra pero un gran paso para la historia de la humanidad. No obstante, otra vez la historia nos encontró del lado equivocado de la historia, protegiendo como país a criminales de guerra.

Film entretenido, bien hecho, equilibrado habla bien de las capacidades de su director Giulio Ricciarelli y de su co-guionista Elizabeth Bartel, ambos poco conocidos pero con evidentes capacidades narrativas, han sabido hincar profundo en el sentimiento alemán (el director es italiano)y exponer con claridad las cuestiones que señalamos en la nota. Película para la reflexión, nos expone y nos desnuda frente a una verdad que enloquece. Siguen entre nosotros los corruptos y los genocidas? Quiénes son? Dónde están? Porqué no los podemos encontrar? Poqué no los podemos juzgar?

RICKI AND THE FLASH de Jonathan Demme

- DÓNDE CONOCIÓ AL NOVIO? - EN UNA CESÁREA!!

Ricki and the Flash es una película divertida, con un personaje monolítico, interpretado por Meryl Streep, que no solo centraliza toda la actuación sino que absorbe toda la película. Ricki es una mujer de clase media acomodada en Indiana (Medio Oeste Americano) a fines de los 80, que después de uno 10 años de matrimonio ha abandonado a su esposo y sus 3 hijos y se ha ido a California a tentar suerte como guitarrista y cantante de rock. El film comienza unos 20 años después, cuando Ricki recibe el llamado del padre de su hija mayor para decirle que la misma está al borde del suicidio, deprimida porque su marido la ha abandonado.

El guión de Diablo Cody (el de la excelente "Juno", Jason Reitman, 2007), es un guión ágil, de diálogos cortos y precisos que hacen foco en lo situacional, con chistes directos dignos de Groucho Marx como el que subtitula este comentario, cuestión que aprovecha Jonathan Demme, director del film y también de las famosas "El Silencio de los inocentes, 1991", "Filadelfia, 1993", y "La Boda de Raquel, 2008", el antecedente más inmediato de Ricki, para realizar una puesta muy dinámica a la que va uniendo escenas de una cuasi recomposición familiar  con flashes de las presentaciones musicales que hacen Ricki y su banda de rock.

El film, a pesar de su ligereza, nos conduce  a la reflexión. Es una vuelta al análisis de la pareja convencional y de la familia disfuncional. La ruptura del matrimonio de Ricki ha generado un nuevo matrimonio de su marido y una crianza de los hijos por parte de una nueva madre sustituta, que para mayor complejidad es una mujer de raza negra. El viejo modelo de integración familiar y social se ha hecho añicos. Pero eso, acaso, ha impedido el crecimiento y el desarrollo de los hijos? Ha sido Ricki, su ausencia, causante de frustraciones? Hubieran sido mejor persona cada uno de ellos si Ricki se hubiera quedado a educarlos y envejecer junto a ellos?

El film, inconscientemente, rescata aquella idea de Jurasik Park donde el Dr. Ian Malcolm que interpretaba Jeff Goldblum decía que la vida no puede contenerse, se libera y se extiende a otros territorios, rompe las barreras, peligrosa y hasta dolorosamente… y eso mismo es lo que sucede en la película de Demme. De pronto, sucederá una catarsis liberatoria.

La vida es crecimiento continuo hasta la muerte misma. La persona inexorablemente toma consciencia de sí misma y de la realidad que la circunda, asume responsabilidades y decide su vida. Más allá del afecto, qué somos los padres sino algo más que meras influencias? La vida llama a la vida, y cada cual es artífice de esa vida. Podríamos afirmar que la vida que vivimos es producto de nuestro propio guión sobre la vida que deseamos vivir?.O que acaso seamos capaces de vivir? Porqué deberíamos seguir modelos de vida en lugar de tratar de armar nuestra propia vida? Acaso cada vida no resulta al final de la misma absolutamente distinta de cada uno de los demás? No creo en los modelos de vida. Creo que cada uno debe resolver su vida como mejor pueda...

Ricki parece nunca haber encontrado el rumbo de su vida. Tampoco haber tomado las decisiones correctas. Pero después de volver de ver a su hija en Indiana, y frente a la necesidad de regresar al casamiento de uno de sus hijos, comienza a darse cuenta que algo ha ocurrido dentro de ella, que un sol nuevo la está iluminando.

Amaneciendo un día acostada al lado de Greg en un hotel rutero, comienza a hacer planes para ir juntos al casamiento, mientras de música de fondo suena "I Still Haven´t Found What I´m Looking For" de U2. Esta es para mí la mejor escena de la película. Corta, austera y significativa. Ricki está encontrando la calma y la paz que necesita su vida y tomando consciencia que Greg, su guitarrista, es el su verdadero amor, y que esa vida que lleva tiene un sentido pese a las decisiones equivocadas que ha tomado durante tanto tiempo. Es ahora cuando se abre una nueva oportunidad, sin ataduras, resentimientos, ni arrepentimientos, y comienza a ser ella misma. Aceptarse tal cual se es.

Decir que Meryl Streep esta estupenda es una obviedad que voy a repetir una vez más. Es la más grande actriz americana de nuestro tiempo, y no hay película menor para ella. Diablo Cody se enrola en la lista de las grandes guionistas de Hollywood. Joven como es, tiene todo su futuro por delante. Mis palabras finales son para ese iconoclasta, inclasificable señor llamado Jonathan Demme. Hace una película al servicio de una diva. Solo le ha importado que esa película este bien hecha y sea digna de la diva. Más no se le puede pedir.

EL AGENTE DE CIPOL de Guy Ritchie

LEJOS DE CIPOL, MUY CERCA DE RITCHIE

El agente de Cipol fue una serie americana en blanco y negro que brilló a mediados de los años 60 inspirada en los episodios posbélicos desatados en esos años que se dieron en llamar "la guerra fría", y a la luz del fenómeno de las películas de James Bond, cuyo furor comenzó 3 años antes. Lo curioso del caso es que estos agentes no trabajaban ni para la CIA ni para su majestad inglesa, sino para una secreta organización que se ocultaba tras la fachada de una tintorería en Nueva York y que obviamente estaba al servicio del bien.

La diferencia entre los personajes de la serie y estos nuevos espías de la película son muchas, y posiblemente no vale la pena enumerarlas. Lo que queda claro es que Guy Ritchie, como buen guionista y director que es, hizo su propia película inspirada en aquellos agentes. Por comenzar , ésta es una precuela de aquella serie, es decir, los acontecimientos que narra ocurren antes de la creación de CIPOL, y básicamente relata el encuentro forzado de los dos agentes, Napoleón Solo, ahora un flemático ingles, e Illya Kuryaki en el momento de comenzar una riesgosa persecución en  Berlín, donde también aparece quien luego será "la chica de CIPOL". En esta escena inicial, repleta de humor, acción y suspenso, comienza a lucirse Ritchie, y sin lugar a dudas, dicha escena ronda lo antológico.

El resto es una película de espías al mejor estilo Ritchie. Se podría decir que este film es muy suyo y  que su sello esta en cada una de sus escenas. El film todo, no solo tiene ritmo, sino que audiovisualmente, es realmente notable. Ritchie narra a un ritmo vertiginoso. Su cine es un cine muy moderno, lejos de la estética de la serie cuya narración era convencional y su único artilugio era generar elipsis rápidas con una especie de cortina que nos indicaba que la acción cambiaba de lugar. Acá , ahora, todo es vertiginoso, dentro de un equilibrio que muy pocos pueden lograr generando un tipo de cine muy personal como el que hace Ritchie. Porque no solo se basa en el  vértigo narrativo que lo caracteriza sino también en la utilización inteligente de la banda sonora. Ritchie rompe convencionalismos en cada escena. No solo en esta película, lo hace en todas las que he visto. Su cine toma un genero, por ejemplo, la comedia policial, pero lo deshace y lo transforma, ironizándolo, y para ello no solo se basa en situaciones, sino también en actuaciones  (sus actores son excelentes) y en la musicalización de la película. Por ejemplo, en "El Agente…" hay una persecución en lancha, clásica de este tipo de películas. Lo primero que hace , es llenarla de humor. Kuryaki lo pierde a Solo, quien se cae de la lancha y nada hacia la orilla, donde encuentra un camión. Sube y pone la radio, y mientras Kuryaki es perseguido por varios malvados, Napoleón Solo escucha a Luigi Tenco cantando "Il Mio Regno", música que termina acompañando toda la persecución de Kuryaki, o sea, una ruptura notable entre el vertigo visual y la lentitud del tema musical. En el final, repite con Nina Simone en su fabulosa versión de "Take Care of Business" cuando todo el complot es desbaratado por los agentes. Es decir, la ruptura de la realidad hacia la fantasía es constante, y hay muy pocos directores que lo hagan tan bien.

En pocas palabras, el nuevo Agente de CIPOL puede verse como una aventura pre psicodélica y sobretodo subrealista. Poco tiene que ver con la vieja serie de nuestra infancia y mucho con el interesante cine que hace Guy Ritchie, un cine de ruptura de géneros y de quien hay que reconocer que en esta oportunidad se sacó los tabúes de encima y encaró con luz propia este aggiornamiento de El Agente de CIPOL. Los resultados obtenidos son buenos. No está a la atura de sus anteriores Snacht (2000) o especialmente de la extraordinaria "Rokanrolla"(2008), pero uno puede ir al cine sin salir defraudado del mismo. El nuevo CIPOL es una muestra de un cine muy moderno y entretenido.

TERAPIA EN BROADWAY (SHE´S FUNNY THAT WAY) de Peter Bogdanovich

 HOMENAJE A LA GRAN COMEDIA AMERICANA

Terapia en Broadway, tal como se le ha dado en llamar en Argentina, no solo es la mejor comedia del año, y seguramente de los últimos años, sino también una película  muy interesante.

Comenzando por su título en inglés podemos ya encontrar alguna pista de lo que se ha propuesto Bogdanovich. El titulo en inglés alude a  una forma en que alguien  es gracioso, y ese alguien, más que un personaje, puede ser la misma comedia americana. Porque lo que hoy vemos como comedia americana es un compendio de situaciones escatológicas que poco tienen que ver con el buen gusto y muchísimo menos con la gran comedia americana. Y justamente, esta película, es todo lo contrario a ello. Abreva  mayormente en el cine de varias décadas atrás, en el de la comedia brillante.

Por eso estuve pensando un rato como titular esta nota, y finalmente, elegí este subtitulo simple y directo que describe al film tal cual es. Porque el film todo es un gran homenaje a los grandes directores de comedias,  desde el Hawk de "Bringing Up, Baby, 1939" y el Lubitsch de "An Ciertan Feeling,  1941"; pasando por el mejor Bily Wilder: "Some Like it Hot,1959" y "The Apartment" 1960", el Blake Edwards de "Breakfast at Tiffany´s, 1961" y "The Party, 1968", para llegar finalmente a Woody Allen, en el cual, la ciudad de New York y la terapia, parecen ser marcas de fábrica.

Lo cierto es que "She´s Funny  That Way" se sostiene sola  porque está muy bien escrita (el propio Bogdanovich con Louisse Stratten) y  mejor dirigida. Bogdanovich arma el film como si fuera una cebolla. En él hay varias capas superpuestas. En el inicio aparece la primera capa. Se trata de un reportaje a una actriz jovencita que acaba de alcanzar el estrellato. La periodista que la está entrevistando, la guía con su preguntas para que ella vaya aclarando como ha sido ese sinuoso camino a la fama. Allí aparece su vida como "acompañante de famosos" y su comienzo de relación con el director de la obra, dando comienzo a una segunda capa que,  como en toda buena comedia de enredos, se complica hasta el mismo infinito. De esa relación surgirá una tercera capa, que dará le dará a la aspirante a actriz una oportunidad para participar del montaje de una comedia en Broadway.  Y a todo esto, habrá que agregarle una cuarta  capa en el rol de una psicóloga indiscreta que casualmente es la esposa del autor de la obra y la terapista de casi todo el elenco, con lo cual, secretos y mentiras saldrán a luz de la forma más alocada y ocurrente.

Obviamente, ni un muy buen guión y una dirección magistral alcanzan para lograr una joyita. Por eso, la película cuenta con un  vasto elenco que acompaña a Bogdanovich tan excelentemente  como la película misma, y la actuación de la inglesita Imogen Poots en el rol de Isabella Patterson es  descollante, por lo tanto, consagratorio. Sin lugar a dudas, Hollywood ha ganado una estrella. Y tampoco es menor la labor de musicalización, en la cual brillan temas clásicos americanos como "Cheeck to Cheeck" y "Stepping Out with My Baby" ambos de Irving Berlín, cantada por el inolvidable Fred Astaire, como también la ambientación y el color de la película, típicamente sesentista.

Queda claro que esta notable película americana no hubiera sido posible sin la creatividad de ese maestro olvidado que es Peter Bogdanovich. Crítico cinematográfico en los 60, con importantes libros publicados sobre la obra de los directores  fundadores del cine sonoro americano,  como Howard Hawks y John Ford, y más tarde devenido en autor y director de films como "The Las Picture Show, 1971", film que hace unos años fue designado como Tesoro Nacional por la Biblioteca  del Congreso Americano, "What´s Up, Doctor, 1972", una joya absoluta de la "screwball commedy" moderna, y "Paper Moon, 1973", un soberbio trabajo que abreva en el Ford de "Viñas de la Ira". Por lo tanto, no podemos menos que alegrarnos que este film notable haya llegado silenciosamente a los cines argentinos y haya sido visto por una cantidad de público aceptable en su primera semana de estreno.  Film absolutamente recomendable para pasar un momento feliz.

EL CLAN de Pablo Trapero

DE LA NOCHE MAS OSCURA A LA MISERIA MORAL

1. Trapero. El cine de Trapero me atrapó tempranamente cuando a mediados de los 90 vi su" Mundo Grúa", película con la cual contribuyó a la renovación de un anquilosado cine nacional dando lugar al nacimiento del denominado "nuevo cine argentino". Su carera siempre ha sido ascendente, cada película suya ha significado un paso hacia adelante, ya sea en lo formal como en el contenido de sus propuestas y  la claridad de su discurso fílmico. Trapero no solo ha crecido como guionista sino también como director cinematográfico. Ha logrado que sus historias se desarrollen sin tropiezos y que corran como arroyos cristalinos hasta desembocar en finales interesantes.

2. El cine social. Si tuviéramos que encasillar al cine de Trapero, claramente deberíamos colocarlo dentro de las fronteras del cine social. Sus personajes siempre están contenidos en un medio amplio en el cual se mueven manifestando sus problemáticas, conflictos que van desde los individual a lo plural, y la mayor parte de sus films han retratado como nadie la vida en el conurbano bonaerense. En general, sus personajes, al igual que él mismo, pertenecen a ese medio, y desde ese medio habla y retrata problemas que alcanzan al propio ser nacional.

3. La época y sus cambios. Su cine refleja el tiempo que vive. Normalmente su películas transcurren en el presente, y si no me equivoco, con "El Clan" es la primera vez que se traslada al pasado. A diferencia  de sus películas anteriores, esta vez, el pasado le permitirá reflexionar sobre le presente.  Y considero que en este sentido, no importa tanto la cuestión politica que clara y críticamente retrata en su película sino sus consecuencias, tanto en lo social como en lo individual. "El Clan" es el retrato del deterioro al que ha llegado la institución familiar durante estos últimos 30 años.

La película transcurre en los tempranos años 80, entre fines de la dictadura militar y el advenimiento de la democracia encabezada por el Dr. Alfonsín. La familia Puccio es una familia de "aparente" clase media acomoda que vive en el primer cordón de ese conurbano bonaerense, en la localidad de San Isidro. Este cordón es el de la clase media más acomodada y el más cercano a la Capital Federal. No obstante, detrás de esa apariencia de clase, se esconden miserias que van más allá de económico. Esa miseria escondida es la miseria moral, aquella que aparece como un espantoso legado de la última dictadura militar que gobernó nuestro país durante 7 años entre 1976 y 1983. Es aquella dictadura que hacía transcurrir nuestras vidas bajo un aparente marco de normalidad, pero que paradójicamente hacia desaparecer personas como forma de eliminación de enemigos políticos del régimen, y de elementos capaces de alterar el orden de esa normalidad aparente. La película esboza que el mantenimiento de esa normalidad no hubiera sido posible sin la participación tanto activa como pasiva de la propia civilidad.

 Y allí aparecen Arquímides Puccio y su familia. Una familia que bajo la apariencia de la normalidad esconde en sus entrañas al mismisimo diablo en la figura de Puccio (Francella).  Una familia con roles bien definidos, con  padres rectos y presentes, hijos estudiosos y deportistas, que viven una vida apacible en una casa de barrio, donde los lazos del cariño parecen siempre someterse a la autoridad paternal. Los Puccio son conocidos y en apariencia, están integrados a la sociedad en que viven.

Por otro lado, Arquímides mantiene fuertes lazos personales con militares encargados de la represión. Es indudable que ha trabajado para ellos en estas tareas. Ahora transcurren nuevos y democráticos tiempos. La represión ha cesado y mucha mano de obra ha quedado desocupada. Puccio no hace más que liderar un clan que continua con un trabajo sucio y bastardo. Ya no secuestra presuntos opositores políticos sino vecinos adinerados capaces de pagar un rescate.

Puccio no ha perdido "la discreción" de otrora, y para ello no solo sigue con una par de fieles secuaces, sino que opera básicamente, basándose en la confianza que le inspira su propia familia, apoyándose fundamentalmente en sus hijos mayores. Todos conocen el "modus vivendis" de la familia, por lo tanto, todos son cómplices en el"negocio familiar". Aquí el esbozo de la participación y en consecuencia de la corrupción de la institución familiar comienza a ser evidente en el discurso de Trapero.

Y no hay duda que los cambios sociales ocurridos en aquella época afectaron el rol de la familia en la sociedad moderna. Años de dictadura implicaron años de estado de sitio. Cualquier reunión de más de 4 personas en la calle daba motivo a la detención de personas. En consecuencia, la reclusión hacia la vida familiar, más allá de la carestía de la vida afectada por el fenómeno de una inflación galopante que iría a estallar años más tarde en una hiperinflación, era inexorable. Es decir, la vida social comenzó a disociarse, casi disolverse, dando lugar, primero, a un mayor individualismo y después de la segunda gran crisis ocurrida a fines del 2001, a transformarse en un sálvese quien pueda que coloca a toda la sociedad en un proceso divergente que la empuja hacia un tobogán de corrupción sin precedentes en el país.

La corrupción no es un tema nuevo en Trapero. Lo desarrolló de diferentes maneras en diferentes películas. Aparecía claramente en "El Bonaerense" bajo lo forma de lo policial, se repetía en la extraordinaria "Carancho", donde el tema pegaba por lo judicial y hospitalario, y regresaba  en la fabulosa descripción de las vivencias de ese cura villero que es "Elefante Blanco".  "El Clan", inexorablemente,  lleva a reflexionar sobre el proceso corruptivo que ha arrasado al país durante los últimos 30 años. La corrupción no es otra cosa que la rotura de la moral.

4.Logros del guión, de la dirección, y la utilización de la música. Trapero dirige con mano firme a partir de un guión muy bien elaborado repleto de situaciones eminentemente cinematográficas que le permite nutrirse tanto del cine testimonial a la italiana, como tomar elementos del cine americano de suspenso y de terror. Maneja con maestría tensiones y pausas del relato. Sabe imponer el ritmo cinematográfico que el guión le solicita. Para ello se vale e también de noticieros de la época. El discurso del Dr. Alfonsín al comienzo del film es una añoranza sobre la república perdida. Y un elemento fundamental es la sonorización, donde se vale de una banda de sonido repleta de clásicos americanos que me parecen anteriores a la época que retrata el film pero que sin lugar a dudas constituyen a lograr un  ambiente de irrealidad, como si el film fuera una lujosa comedia que encierra la más grande de las tragedias.

5. La actuación de Francella es prácticamente impecable y sin lugar a dudas es su protagónico más importante de cuantos haya realizado en cine, el resto del elenco esta a su altura, brillando particularmente Peter Lanzani.

 "El Clan" será seguramente, la mejor película argentina del año. Pero más allá de esas predicciones, está la realidad de una muy buena película que despierta el interés por meritos propios respaldados tanto por el interés del tema que plantea como por sus méritos artísticos, un guión muy bien escrito basado en hechos reales, una actuación de un elenco sobresaliente, y la notable dirección de Pablo Trapero, que supo mantener  un delicado equilibrio para que todo esto fuera posible.

FAIR PLAY de Andrea Sedlácková

NOTABLE METÁFORA SOBRE LA LIBERTAD DEL INDIVIDUO

Corren los primeros años de los ´80. La guerra fría está en plena ebullición. Anna tiene alrededor de 18 años, y es hija de padres separados. Vive con su madre, una ex tenista a la que el régimen  checoslovaco ha condenado a trabajar como personal de limpieza de un teatro oficial a raíz que su marido, el padre de Anna, ha elegido el exilio desde unos años atrás, y por lo tanto, ha pasado a ser sospechosa de actividades anticomunista. La pasión de Anna es el atletismo y su madre la alienta a correr. Anna está entrenando para formar parte del equipo nacional que competirá en las Olimpiadas de Los Ángeles, USA, en 1984.

La directora Sedláková, autora también del guión de la película, narra esta historia con pulcritud y simpleza. Va directo al grano y no se distrae en observaciones paralelas. Lo suyo no pretende ser un fresco de época ni un fuerte alegato sino una simple  exaltación de la libertad individual cuando la misma se ve afectada por regímenes autoritarios y corruptos. Su blanco es el sometimiento del individuo a una autoridad despótica, la cual emana de algún centro de poder que se termina manifestando socialmente a través de las personas que nos rodean. En este caso, las maneras dictatoriales del entrenador, el condicionado apoyo del Estado a la utilización de anabólicos para mejorar las performances deportivas, la persecución de la madre por mantener relaciones con disidentes observados por un simple comisario de distrito.

El circulo se va cerrando de a poco y ahogando a sus personajes en una atmosfera totalmente controlada donde se minimizan su decisiones particulares, hasta que ocurre un episodio detonante que genera una pequeña rebelión individual sin ningún alcance de tipo social pero que al menos logra un pequeño espacio para el desarrollo personal fuera del contralor todopoderoso del Estado.

Película necesaria, sobre todo por provenir de un país que soportó durante casi 30 años el régimen que se critica, para mantener conciencia,  cuando ya caído el Muro de Berlín y derrotado el comunismo, algunos países de Latinoamérica aún continúan siendo seducidos por la demagogia y el populismo de políticos que pretenden realizar la revolución socialista.

MI MADRE de Nanni Moretti

VIAJE HACIA UNA LUZ INFINITA

No hay duda que hay mucho de personal en este nuevo film de Moretti. De hecho, él mismo lo ha dicho en las entrevistas que ha dado en Cannes en mayo pasado con motivo de la presentación internacional de su film. Es como si el fallecimiento de su madre, acontecimiento único en la vida de todo hombre, no solo lo hubiera colocado al borde de un abismo emocional muy grande sino también de una soledad existencial que lo hace emerger a un mundo nuevo que lo lleva a expresarse con una madurez diferente, aquella que toma conciencia que la muerte de los padres dejan al hijo sin red protectora alguna y lo encaminan hacia un nuevo estado donde como persona  adquiere una individualidad total y única.

Ese mismo" yo" de Moretti  es el protagonista de Mía Madre, un film intimista, emotivo y personal que pareciera ser la segunda parte de su "Caro Diario", aquella película de 1993 que lo llevara a la presentación internacional de su cine. Pero con una gran diferencia, el paseo que propone ahora no es el paseo exterior por la siesta romana sino un paseo interior por la confusión de sentimientos que produce el enorme acontecimiento que relata.

Para aproximarse a este viaje existencial, Moretti se desdobla en dos personajes: una pareja de hermanos. Margarita (Margarita Buy),  y Giovanni (el mismo Moretti). Margarita asumirá el rol del alter ego de Moretti, una directora de cine que se encuentra en pleno rodaje de un film durante la convalecencia de su madre. Margarita es la personalidad inestable que está llena de contradicciones. Es el clásico personaje frágil e inseguro que caracteriza a Moretti. Al comienzo de la película corta una relación amorosa que está llevando con un actor posiblemente algo menor que ella, y al que citará sin sentido alguno a un bar cuando la película  promedia para poder darse cuenta de algo obvio, es decir, que esa relación es una relación terminada. Margarita tampoco sabe cómo manejar la convalecencia de su madre. La irrita, la intranquiliza, le hacen perder el sueño, le traen pesadillas. Sus visitas a la clínica la ponen nerviosa. Discute con los médicos, con las enfermeras. De la misma manera, tiene conflictos con su hija, una adolescente en plena rebeldía, pero  paradójicamente, logra apoyarse en su ex marido. Esta sumergida en el rodaje de su nuevo film, una película de contenido social que narra un conflicto de características laborales. Para mayor complicación, ha contratado a un actor americano (John Turturro), que es la esencia del actor puro de Hollywood, un mitómano que dice haber trabajado durante 3 meses con Kubrick en Londres, que no acierta con ninguna escena y que en el fondo, lo único que pretende es tener unas buenas vacaciones pagas en Roma. No obstante, con el productor y con la misma Margarita generan una escena desopilante, heredera de "Caro Diario", que se trata de un paseo en auto por la noche romana que termina siendo un enorme homenaje al cine italiano de los ´60 con Fellini y su "Boccacio" a la cabeza. Por otro lado, la inseguridad de Margarita está magistralmente expresada cuando  como directora de cine les pide a los actores que sean ellos mismos, que se pongan al lado del personaje, un concepto que ningún actor ni ella misma logra entender. Pero Moretti no solo se cita a si mismo ni homenajea al mejor cine italiano, sino que todas las escenas de la filmación que dirige Margarita remiten también  a "La Noche Americana" del querido François Truffaut, donde se alude a una realidad paralela, a esa, a veces imposible, separación de la realidad de la fantasía, expresada en ese desdoblamiento de la realidad que es la realidad recreada en el propio set de filmación.

Giovanni, su hermano, por el contrario, es la introspección total: Un solitario, posiblemente solterón. Cerca de los 60 años, ha pedido una licencia especial en su trabajo para ocuparse de su madre.   Pero no hay duda de dos cosas. Giovanni ya no quiere trabajar más y solo desea jubilarse porque lo que más desea es vivir tranquilo. Se ocupa con esmero de su madre. Habla y entiende a los médicos y enfermeras. Es quien es capaz de parar la pelota y pensar en la mejor alternativa. Es el buen hermano que escucha, piensa y toma decisiones. Es también un tipo responsable.  Será  él quien decida sacar a su madre del hospital y llevarla a morir tranquilamente a su casa.

Es en esa casa donde Moretti exaltará la unión familiar como un valor fundamental de las relaciones sociales. En la vuelta al hogar de Ada (una extraordinaria actuación de Giulia Lazzarini), pese a lo inevitable del desenlace, la familia logrará un equilibrio, se pasaran los últimos momentos al lado de un ser querido y luminoso (la clase de latín de la abuela a la nieta es memorable por su calidez), y todos alcanzaran la paz tan deseada sabiendo que han hecho lo mejor que han podido: cuidar y estar al lado de su madre.

Además del desdoblamiento del personaje, Moretti hace uso de lo onírico , saliéndose de la realidad como nunca antes lo había hecho. Margarita despertando de un sueño y encontrando su casa inundada de agua, Giovanni renunciando a su trabajo en una conversación  con su jefe, Margarita soñando con su madre muerta en una noche dormida en una sala de hospital, son escenas que dibujan notablemente la interioridad de los personajes, una representación de los miedos más profundos a lo que inexorablemente los personajes  deberán de enfrentarse.

Tal vez el film más profundo  y personal de Moretti. Transitado por la tragicomedia como género, y como ya lo mencionamos, una continuación de "Caro Diario" en la comedia y de la "La Habitación del Hijo" en lo dramático, "Mía Madre" es un viaje hacia el alma humana, una gran catarsis, un tránsito hacia la tranquilidad de consciencia,  un film absolutamente sincero y conmovedor que merece ser visto aunque uno termine con los ojos mojados embargado  por  la emoción que este streap tease de sentimientos nos produce.

MISIÓN IMPOSIBLE: NACION SECRETA de Christopher Mc Quarrie

 ENTRETENIMIENTO EN ESTADO PURO

Los que siguen mis críticas saben qué tipo de cine me gusta. El llamado cine de autor me gusta más que el cine masivo, asi como el cine europeo lo prefiero sobre el cine americano, o las de suspenso sobre las de acción o el drama sobre la comedia. No obstante, reconozco la paternidad del cine americano y sobre todo, a sus más grandes maestros. Poco me gusta el cine seriado y de superhéroes, pero reconozco que dentro de este cine , me gustan las películas de James Bond y las del Agente Ethan Hunt. Ayer, el estreno de Misión Imposible 5 fue una oportunidad para reencontrarme con éste último.

Con la muy buena dirección de Christopher Mc Quarrie, el filme se muestra muy equilibrado entre la acción, el suspenso y la comedia, estructurado episódicamente (tal como fue concebida la serie de televisión de los años 60 por Bruce Geller) pero con una unidad temática, respaldado por un excelente guión del propio director que le da una lógica continuidad a todo el relato, logra una película que no solo se deja ver sino que se instala entre una de las más solidas de la serie.

Los aciertos de Mc Quarrie no terminan aquí. No solamente logra darle continuidad al relato sino que lo vuelve claro, simple, e imaginativo dentro de lo que es una trama que se desarrolla en medio de las complejas relaciones internacionales que afectadas por el fenómeno del terrorismo, han devuelto la importancia del desarrollo de la agencias de inteligencia en todo el mundo . En este caso, ante la reapertura de la CIA en los Estados Unidos, la IMF se convierte en una fuerza clandestina. Desconocida desde su propio país de origen (el propósito de la CIA es desactivar al IMF) y jaqueada por miembros disidentes de la inteligencia británica (El Sindicato), la misión de Hunt será recuperar una lista de agentes que se encuentra en un fortificado servidor subacuático que opera en Marruecos, a la vez de vengar la muerte de su contacto en Londres.

La acción viajará de Londres a Washington, de esta a Viena, más tarde a Marruecos, para terminar nuevamente en Londres. El inicio del film, una escena corta, plena de acción y comicidad, que transcurre durante el despegue de un avión militar en Rusia, definirá el estilo de la película y se transformará en una simple y espectacular excusa para que la famosa música de Lalo Schifrin haga su aparición y presente los títulos. La tercera gran escena ocurrirá en la Opera de Viena durante una puesta de Turandot, donde asistirá el premier austriaco, y será absolutamente antológica. Y el ritmo ya no decaerá hasta el final. El acompañamiento musical, en toda la película, estará cumpliendo un rol fundamental en la creación de las atmósferas del filme. El final dejará implícitamente establecido que el nuevo director de la CIA (Alec Baldwin) será el nuevo jefe del IMF.

Apoyada en el gran espectáculo, en grandes escenas de acción, en la comicidad más pura basada en la complicidad que los personajes ya tienen con el público, esta nueva entrega cumple con todos los requisitos para convertirse en un éxito y mantener en pie el nombre de la franquicia para alguna posible continuación. Misión Imposible 5 es entretenimiento en estado puro.

JURASSIC WORLD de Colin Trevorrow

6 RAZONES POR LAS QUE ME GUSTO JURASSIC WORLD

1) No es una película más de la serie (aunque lo parezca). Es más, ninguna película de esta serie resulta igual que la anterior aunque el mundo que pinta no es más que el propio universo spielberiano en toda su extensión.

2) En todo momento priva el espíritu del entretenimiento. El nuevo protagonista, Owen Grady, es un adiestrador / domador de dinosaurios, que lleva consigo un gran parecido a Indiana Jones más que al propio Dr. Alan Grant. Es, sobre toda las cosas, un aventurero.

3) De la pareja de hermanitos, el más pequeño se prende en todas y parece un hermano del niño de E.T. El escape en la Giro-esfera perseguidos por el Indominus Rex, un nuevo, más grande e inteligente dinosaurio creado en la Isla Moblar, tiene el mismo encanto y suspenso que la huida de Elliot con el E.T. en bicicleta.

4) Spielberg apela a un mundo auto referencial, cinematográficamente propio. Será finalmente un Tiburonsaurio, atracción principal de la gigantesca piscina estilo Sea World que domina el parque, quien devolverá el orden natural al caos que el propio hombre ha contribuido a generar saliéndose de las reglas y del sentido común.

5) Se repite el mensaje de continuar con el desarrollo de la investigación científica y que la misma debe estar al servicio del hombre y de la paz. Y que todo intento de militarizar dichas investigaciones corre con el serio riesgo de provocar un nefasto desequilibrio natural como el que ya se vivió en oportunidad de la generación de la bomba atómica.

6) El Mundo de Spielberg está repleta de personajes en vías de extinción, cuyas aventuras no solo representan el espíritu de la sobrevivencia sino también una oposición al nuevo cine cargado de superhéroes con poderes especiales. Los héroes spilberianos recurren a su propia inteligencia y habilidades para salir siempre airosos de sus confrontaciones.

En definitiva, Jurassic World me gustó porque respeta las reglas de todo el cine de Spielberg, donde el espíritu de aventura y el sentido del humanismo siempre han estado presentes.

WOMAN IN GOLD de Simon Curtis

LA REAFIRMACIÓN DE LA IDENTIDAD

Esta es una de esas películas que uno va al cine a ver sin muchas expectativas y se encuentra sorpresivamente con una historia interesante y bien contada. Reconozco haber subestimado esta película que me encontré casi de casualidad en cartelera sin tener  ningún conocimiento previo de ella. Pero sin duda fue el carisma de su intérprete, Helen Mirren, una estupenda actriz inglesa, la que me atrajo a verla, sobretodo porque  ella  es una de esas actrices que me gustaría  ver actuar personalmente  en el teatro dado que su capacidad interpretativa es tal que aún en el cine son capaces de componer un personaje.

Y este es el caso que nos ocupa. La Mirren interpreta aquí a María Altmann, una mujer judía que ha logrado escapar del nazismo y de  su Viena natal en el comienzo mismo de la 2da Guerra Mundial y se ha exiliado en los Estados Unidos. La acción comienza en 1998 cuando muere la hermana de María y ella se queda completamente sola . Ha llevado una buena vida como inmigrante y aun conserva en su ingles parte del acento de su alemán natal. Viuda, vive tranquilamente,   en la ciudad de  Los Ángeles y se dedica a atender su propia tienda de ropa para damas cuando se entera que el Gobierno austriaco ha sancionado una ley de reparación de bienes a las víctimas del Holocausto ocurrido 40 años atrás.

A raíz de ello, María  busca entre sus recuerdos y aparece uno muy importante. Es el cuadro de su Tía Adele que ha posado nada menos que para el pintor austriaco más famosos: Gustav Klimt. Ese cuadro se encuentra en el famoso Museo Belvedere de Viena y forma parte del patrimonio cultural austriaco, después de haber sido confiscado a la familia Altmann por las fuerzas nazis operantes en la Austria de 1940. La película se transforma entonces en la larga lucha judicial por la tenencia de dicho cuadro, y algunas otras obras más que formaban parte del patrimonio cultural de esta familia.

Uno podría pensar que se trata de una película más sobe un juicio. Pero no es así. Ayudada por el hijo abogado de una amiga, María regresa por primera vez en 40 años  a Viena, y no solo se enfrentará con el gobierno de Austria sino con sus propios recuerdos y fantasmas, sus afectos perdidos, las amigos que ya no están, y la negativa del gobierno a devolver algo que consideran patrimonio cultural de la nación. Consecuencia de ello inicia una serie de juicios, tanto en Austria como en Estados Unidos  que no solo darán lugar a reparaciones  pecuniarias y restitución de bienes sino también generarán cuestiones de jurisprudencia de valor internacional.

El abogado patrocinante de María es Randol Schoenberg, si bien judío, es sobre todo el  nieto de dos famosos compositores austriacos: Arnold Schoenberg y Eric Zeiisl. La música de sus abuelos es el orgullo que arrastra Randy . Para él holocausto ha sido una tragedia ocurrida en el pasado pero que poco o nada ha influido en su vida, dado que ha nacido y criado en Los Ángeles como un típico muchacho de clase media judía americana en pleno esplendor del "american way o life". Su relación con María es meramente profesional. Él la alienta a realizar el juicio porque sobretodo, es consciente que de ganar cobrará una fortuna en honorarios. Además, está a punto de ser padre. Pero cuando inicia el viaje con María y comienza a acompañarla en esa entrada al pasado, comienza a descubrir su propias raíces judías y empieza a sentir una transformación que ya no lo hará trabajar solamente por dinero sino que lo hará en función de una cruzada que tiene que ver también con la recuperación y el respeto de su propia identidad.

En la búsqueda de esas raíces es donde el film encuentra sus mayores méritos, en esa descripción de un viaje hacia el interior de si mismos, el rescate de una identidad que tiene ver más allá de lo que la persona es sino también con lo que la persona tiene y ha logrado tener en la vida. Un rescate que cuestiona la controversia del "ser ó tener", derivándola hacia un materialismo más trascendente que acepta el  "el ser y el tener" como una unidad indisoluble .  Bajo este punto de vista, la película se transforma en un extraordinario alegato sobre el derecho de propiedad, colocándolo al mismo nivel de los fundamentales derechos de libertad e igualdad ante la ley. Pero el discurso llega aún más lejos, considerando el derecho a respetar una identidad y la necesidad de protección de esa identidad.

Simon Curtis, director cuya larga carrera se desarrolla fundamentalmente en  televisión,  que en 2011 había presentado la muy interesante "Una Semana con Marylin" regresa al cine con esta pequeña joyita que es "Woman in Gold", película muy prolija, extraordinariamente actuada por la Mirren, que se transforma en un canto a la vida después de haber recorrido el horror y el dolor del  nazismo, y haber logrado el reconocimiento pecuniario y la devolución de la tenencia de obras de arte de un valor incalculable a quienes han sido sus verdadero s propietarios antes del holocausto. No obstante, siempre queda  la duda de si todas las reparaciones e indemnizaciones recibidas por las víctimas o familiares de ellas pueden reparar tanto dolor causado, y cabe preguntarse porque en nombre de un movimiento político la ciudadanía deja convertirse en masa, apoyando y transformándose en medio que permite  el desarrollo de matanzas que determinan holocaustos.

LA PATOTA de Santiago Mitre

SOBRE PATOTAS Y OTROS DEMONIOS

                                                  

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Protagonizada por Dolores Fonzi y Oscar Martinez, la nueva versión de La Patota no resiste más allá de la excelente primera escena del film. Es que en esa escena se plantea un sinfín de cuestiones sociales, incluso  temas generacionales, entre una hija abogada graduada con honores en la Universidad de Buenos Aires y un padre, abogado también, que ha llegado a ser juez en la Provincia de Misiones. Es el retorno de esta muchacha a su pueblo que vuelve para contarle a su padre que ha decidido dejar una Maestría en Derecho para dedicarse a un proyecto de Asistencia Social Educativa en el interior de su provincia que, entiende, es la única forma que ve para poder cambiar la injusticia social en que se vive en dicho lugar. Obviamente el Padre, ante tal proyecto, lo primero que observa es el desmoronamiento de su propio sueño clase media, el de "mi hijo, el doctor",  pero también sacude toda la estructura de su pensamiento, aquel cuyo convencimiento está en que el cambio se produce de arriba hacia abajo como consecuencia y funcionamiento de un orden político, legislativo y judicial que se encolumna  en torno a los derechos básicos del individuo heredado de los principios de la Revolución Francesa de Igualdad, Libertad y Fraternidad. En consecuencia la discusión entre padre e hija deriva a un cuestionamiento de tipo generacional que pone al Juez no solo frente a la cruda realidad de un estado social calamitoso, sino que casi logra convencerlo para que le dé su apoyo a su proyecto. Esa discusión es lo mejor de la película, que de allí en más, comienza a desbarrancarse sin poder salir de la obviedad.

Lo primero que cuesta entender es porqué Santiago Mitre adaptó el buen guión original que escribió Eduardo Borrás a fines de los 50 y que finalmente rodó Daniel Tinayre en 1960 con el protagónico de Mirta Legrand, y que con el tiempo se fuera transformando en una de las mejores  películas  de la historia del cine argentino y de la famosa década de 60 en particular.

Si bien ambas "Patotas" tienen en común un hilo argumental y un tema principal importante que es "el sentimiento de culpa", los que las hace completamente diferentes es el lugar donde transcurre la historia y sobre todo, el tipo de culpa que trata.

En La Patota original, la acción transcurría en la Capital Federal  y en un barrio de conurbano bonaerense. Hasta allí llegaba Paulina Vidal Ugarte, una joven de clase media acomodada, católica practicante, recién graduada en Filosofía y Letras, a dar clases de Literatura un grupo de alumnos de una escuela secundaria. Una noche, Paulina sale de Colegio, camina unas cuadras hacia la estación de trenes, y es violada al pasar por un galpón por una patota, al ser confundida con una prostituta del lugar.

Lo que sigue después es un sordo enfrentamiento entre padre e hija, dado que Paulina , de fuerte convicción católica, decide volver a su colegio para continuar dando sus clases. Allí comienza a generar el respeto de sus alumnos. Y al tomar una prueba, uno de sus alumnos, escribe su confesión como partícipe del hecho. De allí en más, el film continuará con un discurso que cierra perfectamente el circulo de "pecado, culpa, arrepentimiento, confesión, y perdón".

Dos notas adicionales sobre aquel primer film. 1. Consagra a Mirta Legrand como actriz dramática. 2. Daniel Tinayre se muestra como el gran director que fue, en la plenitud de sus facultades narrativas, con una gran fluidez cinematográfica, con mucha influencia de la novelle vague y  con una estupenda utilización del flash back como recurso narrativo.

En la nueva Patota, Santiago Mitre sigue su discurso como puede, con mucha dificultad y poca claridad, confundido. Utiliza, con menos fluidez narrativa, el flash back, y la película se lee con una mayor linealidad que paradojamente no la lleva a una mayor claridad expositiva. La violación de Paulina transcurre en primer plano, y la confusión sobre el sujeto violado no parece tal porque en la nueva patota ya no hay homogeneidad social. Cercana a la triple frontera, los alumnos que concurren a la escuela rural ya no parecen misioneros, mucho menos argentinos,  sino los habitantes de una babel fronteriza. Desde la llegada misma de Paulina a la escuela, la hostilidad hacia ella será intensa  y el primitivismo de los personajes incluso hace pensar que la violación no solo es posible sino también que es un  acto de castigo social dentro de un marco de referencia al que no le es absolutamente ajeno.

Cuando alguien delata a los agresores frente a Paulina, Paulina no acudirá al perdón para la propia liberación de su pena sino que sentirá culpa, como si se hiciera cargo de una culpabilidad social que provoca ese estado de injusticia social en medio de la selva misionera. Es la misma culpa de la que habla y quiere hace sentir  a su padre al comienzo de la película. Solo que acá ya no habrá arrepentimiento ni perdón. Quedará la propia soledad de Paulina en un ámbito que le es hostil, y que siempre le será así dado que no es su ámbito natural. Paulina no es más que una pretenciosa joven de clase media que quiere imponer su "progresismo" en un medio diferente al suyo.  En el fondo, Paulina es una colonizadora, una especie de conquistadora civil, alguien que en nombre de la injusticia social quiere cambiar un estado de las cosas que le es ajeno y transformarlo sin pedir permiso a nadie, y en consecuencia, encuentra resistencias. Acaso tenemos el derecho de obrar en nombre de una supuesta civilización frente a otras culturas de vida?

Santiago Mitre ganó fama como guionista y realizador en los circuitos marginales de distribución con una película realmente extraordinaria que se llamó "El Estudiante" hace 4 años atrás. En ella contaba la historia de un muchacho que venía del interior a estudiar en Buenos Aires y por 3ra vez comenzaba una carrera universitaria. Esta vez se metía en Filosofía y Letras y se convertía en un activista político laburando en el Centro de Estudiantes. En aquella película, la metamorfosis y adaptación del personaje era fenomenal. El medio era distinto y el personaje era el que quería su propio cambio. En La Patota, esa premisa no le cabe a Paulina. Le es ajena por completo. El medio le es hostil y nunca podrá ser su medio. Transformar un medio que nos es hostil difícilmente se logre por el camino de la persuasión y la politica sino más bien por el de la conquista. En ello radica el mayor error de Mitre y de la nueva Patota.

Correcta en las actuaciones y sobre todo en los rubros técnicos,  el problema de La Patota no  es solo el de la adaptación de su guión. El problema principal pasa por el tono acusatorio de Paulina, que no solo parece dirigido a su padre sino a la platea toda. Ella, con su falso progresismo no parece darse cuenta que la igualdad es tan solo un derecho fundamental cuyo ejercicio es posible con tal solo respetar la ley que lo contiene.