DOS FISCALES de Sergei Loznitza

 LA HORA DE LA AUTOCRITICA

El film transcurre en la Unión Soviética en 1937. Miles de ciudadanos son acusados ilegalmente y detenidos en consecuencia. De manera casual, Alexander Kornyev, un fiscal recién nombrado y lógicamente sin experiencia, se hace cargo de la víctima. Consecuencia de ello, hace todo lo necesario por encontrar al prisionero, víctima de  los agentes de la policía soviética.

Bolchevique de buena fe, sospecha que hay algo fuera de lugar. Cree en la justicia, en consecuencia buscará llegar a la Fiscalía General de Moscú para aclarar  el episodio. Es la época de las grandes purgas estalinistas y él es prácticamente un novato que todavía guarda decencia.

Lonitza logra destacarse en mayo pasado en ocasión del último festival transcurrido en Cannes con esta película que es una adaptación  de una novela  de un autor soviético  muy poco conocido en Occidente el cual es Georgy Demidov, físico soviético ya fallecido, que ha sido perseguido tal cual lo narra se lo narra en la película .

La paradoja de Demidov repite el derrotero de muchos soviéticos. La revolución los sacó de la miseria formándolos y transformándolos en científicos para que más tarde los castigara a un destierro injusto.

 

En 1958 fue rehabilitado y en consecuencia, reconocido como “el mejor inventor de la República Socialista Soviética Autónoma de Komi” y allí comenzó su vida como escritor.

 

No obstante, se opuso sistemáticamente a la publicación de sus historias en Occidente, lo que no impidió que hacia 1980 la KGN confiscara toda su obra, la cual le fue devuelta a su hija después de la muerte de su padre, en febrero de 1987.

 

No obstante, este film de Loznitsa no está basado en la vida de Demidov sino en un relato que el físico e ingeniero escribió hacia 1967 y que el cineasta adaptó con exactitud.

 

Los sonidos de la puerta de hierro de la prisión de Bryansk, cuyos goznes suenan cuando dejan entrar al fiscal Kornyev no anuncian nada bueno. La fotografía en sepia de Oleg Mutu muestra la cárcel como una morgue, a través de colores oscuros que expresan la desesperanza.

La espera a la que es sometido Kornyev antes de poder entrevistar a quien lo ha convocado es apenas la primera de una larga serie de dilaciones kafkianas.

“MODIGLIANI, Tres Días en Montparnasse” de Pascal Bonitzer

 

LOS ALTBAJ0S DE UN ARTISTA

 Se trata de la ópera prima de un actor consagrado, que ahora también ha decidido a realizar su propio cine. 

El film que cobija cuenta la historia de un buscavidas encantador, un tal Modigliani. La película es un film que invita a la platea a un viaje. la El film es la cuenta una historia que por otro lado es la opera prima de un actor como director y es un viaje a la intimidad de un artista al que el éxito le fue esquivo y debió esperar su reconocimiento, obra tras obra, hasta poder llegar a la cumbre. 

André Masson es un empleado de la famosa casa de subastas Scottie's. Un buen día, vía correo, recibe un informe  que en la localidad de Mulhouse se había descubierto en una  casa un cuadro de Egon Schiele. Con cierto nivel de  escepticismo se dirige al lugar que le han señalado y efectivamente encuentra  un cuadro que se consideraba perdido.

Consecuencia de ello, se hace cargo de los hechos. La obra es una obra de arte maestra que había desaparecida en 1939, en manos de los nazis. Masson ha llegado a un lugar que los coloca en lo más alto de su carrera, aunque sabe que ese descubrimiento será el comienzo de una discusión acerca de la verosimilitud de la obra. . Afortunadamente, contará con la ayuda de su ex esposa y colega Bertina, y de su becaria Aurore.

El film esta realizado con una dinámica que deja sin alienta al espectador de la misma manera que sabe conducirlo hacia lo que espera de ello. En primer lugar, sabe y es consciente que lo que narra puede no responder a la realidad, es decir, la veracidad histórica. Ello son los permisos que se toma el autor para narrar su obra. Pero por otro,  se expresa dentro de un contexto histórico que lo contiene.

Modigliani fue influenciado por varias corrientes artísticas. Uno de sus aspectos más influyentes fue la fusión del cubismo con el expresionismo.

TRES POR UNO

BELEN de Dolores Fonzi

Belén, dirigida por Dolores Fonzi, es una película argentina que destaca por sus cualidades actorales, pero sobretodo, por la crudeza y la valentía con que encara un tema difícil en Argentina, especialmente en el noroeste  del país,  como los es el de la maternidad de la madre soltera.

El film expone libremente el tema y deja que el espectador saque sus propias conclusiones, y en consecuencia, de alguna manera,  le pide al público que emitas su propia decisión.

Como es costumbre cuando se trata de temas urticantes, el cine argentino, el público prefiere no opinar. También es cierto que el cine argentino no pasa por un buen momento de taquilla y en consecuencia, no hay público en los cines que inciten  la confianza  a la  discusión pública de temas como los que plantea la película.

LOCAMENTEte de Paolo Genovese

Piero y Lara, dos personas adultas, se conocen e instantáneamente surge entre ellos una relación instantánea. Se conocen en una cena. Uno con el otro intentan atraerse pero en realidad, se encuentran confundidos. Discuten y seducen a la vez y la mayoría de las veces dejan que los nervios prevalezcan entre ellos. Dentro de cada uno convive el deseo, la prudencia  la inseguridad, y a la vez, la ira y algunas más. ¿Podrán econtrarse a si mismos y formar una pareja?

Cada uno escucha sus voces interiores. El deseo, la prudencia, la inseguridad y la ira se debaten y aconsejan a la vez que sabotean cada intento de conexión.

Genovese presenta ese conflicto interno en una puesta coral que alterna entre el espacio físico de la cita y el mental de los pensamientos, con un tono entre la comedia romántica y el experimento psicológico.

El resultado tiene encanto y ritmo, pero parece cosa ya vista. LocaMente funciona un análisis en tono humorístico de cómo las emociones intentan tomar el control de nuestras decisiones.

Genovese aprovecha ese paralelismo para construir momentos divertidos y reconocibles, aunque el desarrollo no logra trascender su concepto inicial.

 

A Pesar de Ti de Josh Boone

Es un drama romántico al estilo del viejo Hollywood, muy parecida a una telenovela. Adaptada  de la novela de Colleen Hoover está  protagonizada por Allison Williams y Mckenna Grace, donde se cuenta la relación entre una madre y su hija logrando sostener hasta su final entreteniendo sosteniendo el interés de la trama.

La primera escena del filme transcurre diecisiete años atrás en un playa, donde los personajes se presentan, muestran el mundo en que viven y sobre tdo, expresan la seguridad que tienen el mundo por delante. Parecen estar predestinados.

La vida transcurre  y se relacionan con otras personas. Los accidentes de la vida cambiarán sus destinos, donde el amor prevalecerá respecto del odio.

“A pesar de ti” de Josh Boone es un experto en romances juveniles. Las actuaciones son buenas, el ritmo es adecuado, y el desarrollo de las acciones correctas tiene un ritmo sostenido donde prevalece la comedia pasatista con momentos tanto románticos, tal como debe ser la comedia.

UNA BATALLA TRAS OTRA de Paul Thomas Anderson

DE LA POLITICA AL CINE

Paul Thomas Anderson es un  director, guionista y productor  de cine americano que saltó a la fama tempranamente. Tiene 55 años y ha dirigido diez largometrajes, entre ellos  Boogie Nights, Magnolia, Embriagado de Amor, The Master, Puro Vicio,  Licorice Pizza y la recientemente estrenada en nuestros cines: “Una Batalla Tras Otra”.

Esta, su última película escrita y dirigida por él mismo, se ha transformado de la noche a la mañana en una película de culto a la que todos quieren ver.

Basada en la novela “Vineland” del escritor estadounidense Thomas Pynchon, ha sido protagonizada por Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, y elenco donde Di Caprio interpreta a Bob, un político rebelde que se especializa en explosivos

El film es una mirada incorrectamente política que se transforma de una comedia con cierto nivel de violencia. con salida migratoria. Abierta y relacionada con mucho cinismo, nos lleva a analizar la situación actual y sobre todo a la idea de libertad que propagan los Estados Unidos de América, es decir, abrir fronteras y hacer de hecho el dejar hacer, dejar pasar.

La película rápidamente adquiere la forma de una  comedia que resulta oportuna toda vez que propone poner en descubierto ciertos aspectos respecto de la presunta diversidad que pretende ostentar los Estados Unidos de América.

La película no solo se deja ver sino también logra interesar al espectador porque transita una diversidad de situaciones que pasan de la ironía a la acción,  bordeando sutilmente el drama para finalmente transitar la comedia.

La trama comienza con un político (Leonardo Di Caprio) que se especializa en explosivos y pretende realizar operaciones de resistencia en los límites entre Estados Unidos y México. Los protagonistas principales son un viejo revolucionario y su hija adolescente, quienes intentan hacer una revolución propia que sea capaz de eliminar fronteras.

El personaje de Penn se encuentra relacionado con un grupo de supremacistas blancos bautizados  como los "Aventureros de Navidad", algo que da lugar al desarrollo tanto de la comedia como del drama colocando  a la película en un nivel de tragicomedia.

“Después del estreno nos hemos vuelto menos ridículos. Desde que rodamos la película, veo que la cultura se adapta para tomarlo todo más en serio", dijo recientemente Penn en declaraciones al New York Times.

DiCaprio le dijo al mismo periódico que la película está "políticamente cargada, pero creo que tiene mucho que ver con lo tribales que nos hemos vuelto".

EL GRAN VIAJE DE TU VIDA

 

EL NUEVO CINE AMERICANO 

El Gran Viaje de Tu Vida es una película romántica cuyos papeles actorales están a cargo de Colin Farrel, Margot Robbie, Phoebe Waller-Bridge y Kevin Cline, quienes con sus buenas actuaciones desarrollan  esta interesante historia de amor. 

El film destaca por los aspectos técnicos. Algunos diálogos están de espaldas. Otros se transforman en susurros, otros más por detrás de las puertas o cortinas, o sobresale la voz baja para aclarar.  

La película es una especie de rompecabezas que se va armando de poco,  lentamente, sin apuro, tratando de hacer un film distinto, que definitivamente no sigue el modelo convencional y obliga al espectador no solo a ver la película sino también descifrar a un film caracterizado por las bajas voces, los susurros, los ruidos de la casa. Los diálogos convencionales parecen de otra película. 

Esta propuesta da lugar al espectador a interpretar la película de forma muy personal. 

El film es una vuelta de tuerca cinematográfica constituyendo un desafío a las formas narrativas que han imperado por años y que nos ha acostumbrado el cine americano. Obviamente el resultado es una película diferente, donde no solo los actores se expresan sino también los paisajes, los ruidos, el viento, creando una atmosfera diferente, especialmente para el espectador acostumbrado al cine convencional.

EL CUADRO ROBADO

 

Pascal Bonitzer es guionista, director de cine, actor y ex crítico de cine francés de Cahiers du cinéma. Ha escrito 48 películas y ha actuado en 30 peliculas desde 1967 hasta el presente. Además, protagonizó La Vocación Suspendida, una película de Raúl Ruiz de 1978. 

Ahora nos narra  El Cuadro Robado, una historia relacionada con el trafico de obras de arte, en la que André Masson,  un especialista en  que trabaja en París para una importante casa de subastas, es el hombre sencillo  y de correctos modales que atiende a todos. Entre ellos, una mujer que lo contacta con el propósito de venderle un cuadro porque desea impedirle que llegue a poseerlo.

 La película es, en sintesis, un cuento moral donde casi todos los personajes se caracterizan por tener doble personalidad, y además, está basada en hechos reales.

Estos hechos se relacionan con la reaparición de una obra pintada a fines de 1890 por Egon Schiele, la cual fue confiscada por los nazis durante la segunda guerra mundial y más tarde devuelta a los herederos del autor. Lo curioso del caso es que obra estuvo perdida por años y encontrada mucho más tarde en el sótano de una familia humilde.

El director de la película, se basa en la realidad y se pregunta qué habrá sido de ese cuadro, cuál habrá sido su itinerario  mientras estuvo desaparecido,  para comenzar a realizar una reflexión sobre el mercado del arte, donde no todo es claro y suelen que provenir del  mercado negro.

Desarrollado como una simple comedia, la trama se basa en un suceso real que sorprende al espectador con personajes que están mintiendo permanentemente hasta que comprenden que la verdad se impone siempre sobre la mentira.

El Cuadro Robado es un film realizado en India con producción de ese país, co financiado por Países Bajos, Luxemburgo, EEUU;  y Bélgica y podrá ser sintetizada como una  moraleja sobre el poder del dinero. 

 

LA MUJER DE LA FILA

SENSIBLE Y PROFUNDA

Dirigida por Benjamin Avila es una coproducción Argentina /Española que cuenta una historia simple sobre una mujer que busca el paradero de su hijo después de haber sido arrestado por la policía poco después de sucedido un levantamiento estudiantil en demanda de mejora de la condiciones laborales de los maestros de escuela.

La mujer de la fila es una madre una madre más que asiste a la protesta respectiva y que padece todo tipo de respuestas después de terminada la protesta. Su hijo ha sido detenido por la policía federal y ella intenta una y otra vez sin obtener respuestas la liberación de su hijo que permanece arrestado sin más motivo que el de haber participado en la protesta.

El film, realizado en blanco y negro, es austero, simple y directo. La situación que plantea tiene mucho que ver con la demora que plantean nuestras autoridades tanto policiales como más tarde tribunalicias para resolver un simple caso donde se ha estallado una pequeña una protesta estudiantil.

 Protagonizada por Natalia Oreiro como la sufriente madre, es acompañada por Alberto Amman, es acompañada por Alberto Ammann y Federico Heinrich

El film apunta a esclarecer sobre las largas e impresisas detenciones, tanto en tiempo como en  lugares, que soportan jóvenes que han participado de algún tipo de protestas, donde la detención no solo se alarga sino también indeterminada en tiempo.

Este tipo de detenciones se ha vuelto moneda corriente en Argentina y la película denuncia estos procedimientos donde al parecer se terminan violando derechos adquiridos, dando lugar a procedimientos burocráticos y prejuicios sociales.

No obstante ello, la película se ocupa del dolor del otro, en este caso, la madre. Las condiciones de detención, la mayoría de las veces, llevan al detenido incomunicado y en consecuencia, en este caso la madre, es la victima que sufre los atropellos de la detención toda vez que se le prohíbe ver a su hijo e incluso muchas veces siquiera le avisan el lugar de detención.

Consecuencia de ello, el film pasa de la atención sobre el detenido a las consecuencias de las penurias que comienzan a padecer los familiares de dichos detenidos convirtiéndose en las verdaderas víctimas de la situación planteada.

Sin demasiados regodeos formales, la película es fría y directa. Muestra claramente que las diversas peripecias atravesadas no solo perjudican al reo sino también a su familia,  incluso poniendo en el papel mayor como víctima la esposa o la madre del detenido.

El film da una vuelta de tuerca interesantísima mostrando esta situación donde si bien el reo está en la cárcel, lo está también su familia padeciendo un sufrimiento que esta más allá de la situación original.

ATRAPADO de Darren Aronofsky

 SHOCK ADRENALINICO

Comienza y no para. Su único objetivo es entretener con buenas armas cinematográficas. Es una simple película de acción, pero su mayor mérito es su forma narrativa. Es cine puro por donde lo busques. La podes clasificar como quieras, pero sobre todas las cosas que presenta es la de una coherencia narrativa extraordinaria totalmente puesta al servicio del espectador.

Ello nos lleva a la otra orilla. Es un thriller que está hecho para que el espectador disfrute y goce de una película de acción. No pretende otra cosa. Simplemente, entretener.

Aronofsky es un director americano cuyo objetivo primordial es entretener, y lo más importante es que lo logra. Nativo de Nueva york, su cine representa una libertad y una personalidad que solo la gran city podría haberlo habilitado. El film es absolutamente personal, se inscribe en el film de acción, arranca y no para hasta su final. Su ritmo es a toda velocidad. No dudo en clasificar como una sorpresa aunque la filmografía del director es lo suficiente sólida como para apostarle una entrada.

El film transcurre en los años 90, y su protagonista es una que está pasando problemas de alcohol. Montado en su moto, pareciera no tener límites de comportamiento, y tampoco ninguna clase ataduras con las normas de tránsito de la gran ciudad.

Montado en su moto, el hombre recorre a toda velocidad la ciudad como si estuviera ensayando realizar un shock adrenalínico. Basado en la novela Con guion de Charlie Huston, con muchas influencias del cine de Quentin Tarantino en lo concerniente a la libertad con que encara la adaptación cinematográfica desplegando corrida tras corrida una necesidad de encontrarse a si mimo.

Aronofsky siempre es adepto a personajes  con problemas, aquellos  que le impiden llegar a ala felicidad.  Esa búsqueda los lleva a la obsesión, dejando al desnudo la soledad sus soledades, incluso sus aspectos más destructivos. No parece ser el caso, pero la toma de riesgos del protagonista haciendo piruetas con su moto es permanente, y pareciera ser que su vida es un juego con la muerte.

No obstante  todo ello, el film es un entretenimiento bien realizado, bien actuado y mejor filmado, que mantiene el interés de la acción durante toda la película. Vayan al cine que se van a divertir, esto es adrenalina en estado puro.

 

HOMO ARGENTUM de Mariano Cohn y Gaston Duprat

Escrita y dirigida por Mariano Cohn y Gaston Duprat el film tiene las pretensiones de retratar a través de una estructura episódica el ser argentino. Para  ello, se nutre de buen humor que ronda a lo largo del film, como así también en la melancolía que es capaz de transmitir la capacidad actoral  que despliega Francella, proeza que implica dar vida a 16 personajes diferentes.

El film tiene la pretensión de lograr una hazaña, la de describir al ser argentino, el Homo Argentum que da título a la película. El film es una comedia situacional que describir a través de una serie de episodios el ser argentino.

No obstante, el film opera y cumple sin demasiadas pretensiones. Realizada en base a 16 sketches que con el objetivo de poder dar vida al “ser argento” pierde el ritmo de una comedia, se deshilvana como película unitaria  y se convierte en una serie de mini comedias donde si bien luce la actuación de Franchela, no logra exponer su objetivo de pretender la descripción del ser argentino a través del desarrollo de 16 caracteres que interpreta con su vena de actor cómico.    

El film si bien no pierde unidad temática, los sketches se vuelven reiterativos y en definitiva la comedia termina transitando más por la solvencia personal del actor que por los personajes que interpreta. Franchela termina siendo Franchela ahogándose en sí mismo y dejando pasar una gran oportunidad de la que no son ajenos los ya mencionados  Cohn y Duplat.

Como dice el refrán, el que mucho abarca poco aprieta. La intención fue buena pero el resultado no es el esperado. Las pretensiones eran enormes. Parte de la responsabilidad es de lo productores. Pretender contar 16 historias para describir el ser argentino tal vez sea una meta difícil de alcanzar. Pero más difícil todavía resulta que un solo actor monopolice todos los tipos del ser argentino encarnados en un mismo actor.

El actor es muy capaz y hace lo que puede, pero los directores, sobretodo el guion es donde se encuentra la mayor desventaja. Los diversos estereotipos terminan siendo siempre Francella, un show a su medida con el cual pretende definir el ser argentino. El film se vuelve reiterativo y Francella termina aburriendo tratando de convencer que no hay un estereotipo del argentino sino 16, un número que escapa a cualquier veracidad.

No obstante ello, el film permite el lucimiento personal de actor, muestra una alta capacidad para mimetizarse en los diversos personajes delineando al ser argentino. En el fondo, el film entretiene pero no llega a su objetivo principal, el de encontrar al estereotipo. No obstante, cabe destacar esa larga lista de personajes que en el fondo siempre es el mismo, pero permite que Franchela termine mostrando una gran ductilidad para lograr su objetivo.

EL AMOR MATERIALISTA de Celine Song

 

EL AMOR... Y LA VIDA MODERNA

La nueva película de Celine Song transcurre en Nueva York  y relata el romance de un trio interpretado por Dakota Johnson, Pedro Pascal y Chris Evans que transcurre en la ciudad de Nueva York y trata sobre las relaciones sociales modernas entre ellas, las amorosas.

La protagonista principal es Lucy, quien más allá de sus propios problemas, se pone en todo momento a prueba y en consecuencia su vida oscila entre sus propios deseos personales y sus obligaciones de trabajo. No obstante, el amor es el tema principal de la película, la cual profundiza sobre la realidad de esos sentimientos, considerando lo primero como un ideal y lo segundo una realidad ligada al acontecer diario. Nueva York se ofrece como un ámbito de despersonalizado que opera como un centro de contención que permite todo tipo de relaciones.

No obstante, la ciudad opera como un lugar de contención, como también un reflejo de la vida de los personajes. La Gran Manzana siempre despierta se constituye en un elemento clave que se transforma en un personaje más en la historia.

La directora Celine Song es una coreana de 36 años que logra mantener un equilibrio entre el tono realista de la vida en la ciudad, donde ocurren diariamente una enorme cantidad de situaciones donde la misma ciudad es la que impone las reglas cuyo respeto desarrolla ambas expectativas. Su debut cinematográfico como directora tuvo lugar con Vidas Pasadas que  se estrenó en 2023 en el Festival de Cine de Sundance.

La propia ciudad personifica las emociones diarias sirviendo de contraste con su ritmo acelerado. Song logra conectar los entornos urbanos con el conflicto interno de sus personajes. Lucy autocrea una atmósfera donde las frustraciones y triunfos de los personajes son eminentemente cinematográficos.

Dakota Johnson construye con solidez su personaje, el cual refleja la ambigüedad de sus problemas. Su personaje es vulnerable, no obstante  tiene iniciativa propia y poder de convicción.

La banda sonora a cargo de Japanese Breakfast genera el respaldo adecuado, y el film escapa de los esquemas conformistas conformando en primer lugar un sólido entretenimiento que permite reflexionar sobre la época que vivimos, y la necesidad de amar para poder proyectarnos hacia nuestros objetivos.

CUANDO CAE EL OTOÑO de Francois Ozon

 UN FIM SOBRE LOS SENTIMIENTOS

Francios Ozon es uno de los herederos de la Novelle Vague. Tal vez, el más importante, el que más se ha destacado. Su filmografía ya ocupa un lugar importante en la historia del cine francés. Tiene en su haber más de 20 películas estrenadas, más precisamente 24.

En Cuando Cae el otoño, se encuentra nuevamente frente a un film cálido, donde poder manejar los sentimientos nos llevan, particularmente a poder comunicarnos con los seres queridos y aquellos con quienes queremos comunicarnos.

El film resulta una película interesante en lo concerniente a la necesidad de comunicación que necesitan los seres humanos. Sus personajes son unas señoras de unos 60/70 años que viven aisladas en casas de campos. Su protagonista principal es Michelle, interpretada por Helene Vincent, una mujer que transita los cerca 60 años, es actriz y acaba de completar su primer protagónico. Vive sola en medio de una zona lejana a Paris. Su vecina y mejor amiga

Michelle es una mujer anciana que vive preocupada en mantener las relaciones familiares siempre latentes que se ve involucrada en una trama familiar que le permite a Ozon desarrollar el relato haciéndolo caminar por una cuerda floja que llena al film de suspenso. Michelle les cocina unas setas silvestres que resultan ser tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece cuando conoce al hijo de Marie-Claude, que acaba de salir de prisión.

La narración adquiere fuerza para mantenerse a sí misma sin trampas ni golpes bajos, dejando que el director se desprenda del modelo y dando mayor dimensión a sus personajes. Un incidente inesperado saca de la tranquilidad a los personajes encerrándolo en una especie de thriller familiar.

En todo momento el film es gobernado por la ambigüedad del relato. Michelle hace una pregunta pero la respuesta  nunca llega. La falta de certeza se apodera del relato. La aparición de otro hijo recién salido de prisión complica más la trama.

Los personajes toman fuertes decisiones, se equivocan, otras veces, aciertan, pero el film late con fuerza. Una  película interesante del director francés que atrapa al espectador no solo por las buenas intenciones  sino también por la excelente construcción de un suspenso que logra mantener al espectador hasta el final mismo de la película.

 

 

DONDE ESTÁ EL POLICIA? de Akiva Schaffer

 LA PROEZA DE HACER REIR

Corrían los últimos meses de los años ´80. Los géneros cinematográficos comenzaban a repetirse. El cine de acción estaba siendo dejado de lado por modelos más atrevidos. Costaba mucho mofarse de sí mismo.

Sorpresivamente aparecieron los hermanos Zucker. Ellos, bajo el ritmo de la comedia, intentaron hacer un policial diferente caracterizado por un humor desfachatado. El riesgo valió la pena. La  Pistola Desnuda se convirtió en un éxito, y se transformó en un clásico de la comedia humorística.

Los años pasan y el cine por diferentes momentos. Ahora se encuentra en un mal momento. Intenta reciclarse pero no lo consigue. Sorpresivamente, aparece la figura de  Akiva Daniel Schaffer, un escritor estadounidense que escribe para Saturday Night Live, y que también es director de cine, compositor, y miembro de The Lonely Island, un grupo de comediantes que tuvieron éxito por Internet, intentando desarrollar un nuevo estilo de humor realizando una la remake de la película mencionada al principio.

Volcado hacia el absurdo total, Schaffer logra pasar con éxito el desafío  que presenta esta remake que logra saltar a través de los años y establecerse con seriedad de la mano de actores tales como Liam Nesson, un señor actor inglés, acompañado por Pamela Anderson, Danny Huston y Paul Michael Glaser.

La actuación de Nesson es extraordinaria. Lo conocemos hace años y había brillado tanto en el teatro como en el cine inglés. Pero pocas veces había tomado un papel tan lejano y riesgoso como éste. Últimamente destacó en el policial, particularmente en el policial inglés, dando vida a una docena de policías. Aquí tomo el toro por las astas e hizo suya la película. Sin duda, interpreta a otro policía de investigación en medio de un aquelarre donde todo lo que ocurre es exactamente lo opuesto a lo esperado.

Aceptando el desafío del absurdo, y con el monumental apoyo de Nesson, la película se alza con esa actuación magistral del inglés colocándolo no solo en lo mejor del policial visto últimamente, sino también lo coloca al tope de la comedia humorística, sorprendiendo con una actuación diferente a lo acostumbrado levantando una comedia que terminará haciendo época.

De por sí, La Pistola Desnuda fue un éxito en su momento marcando una época. Sin lugar a dudas, vuelve reciclada con las mismas honestas armas no solo para dejar establecido a Nesson como un gran actor, sino también como un gran comediante, que en este caso, se pone un viejo éxito al hombro y lo recicla y actualiza poniéndolo al tope del cine de la comedia policial como género.    

TRES AMIGAS de Emanuele Mouret

TRES AMIGAS de Emanuele Mouret

LAS RELACIONES PASAJERAS

Joan ya no está enamorada de Víctor. No obstante ello, sufre porque no mantiene una relación clara con él. Su mejor amiga, Alice, trata de transmitirle tranquilidad dado que ella misma ya no siente pasión por Eric, aunque su relación no se ha roto. No obstante, ella no sabe que su marido tiene un amorío con su amiga Rebeca. Joan decidirá dejar a Víctor y éste se irá desapareciendo, tratando de encontrar una vida distinta.

El film de Mouret trata sobre los sentimientos encontrados en las relaciones de un grupo de personas que se conocen desde su juventud. Han crecido juntos, vivido experiencias comunes, e incluso, desencontrado varias veces en sus vidas. Tanto sus  emociones como sus tristezas resultan creíbles. Sus personajes son personas comunes que se conocen desde su infancia y se quieren porque se conocen de toda una vida.

Entre ellos no hay hipocresía. Son lo que son, espontáneos y auténticos. Priorizan la amistad, resultan queribles, sus emociones responden  al común de la gente. En consecuencia, el film resulta conmovedor, sensato y realista en gran parte debido a las actuaciones creíbles de un grupo de excelentes actores que cumplen su rol con eficacia y verosimilitud.

El film es muy concreto. Las mujeres están pasando el inicio de una crisis existencial. Son amigas que se apoyan entre ellas tratando de evitar conversaciones que escuchen sus maridos. Viven con el celular en las manos y de esa manera se conectan mutuamente.

El teléfono opera como si fuera un instrumento esencial de comunicación, y sus catarsis operan baja esa misma cuerda. El teléfono opera como si fuera un confesionario que expía todos los presuntos pecados.

El director Emanuele Mouret elige un estilo Woody Allen donde las conversaciones telefónicas reemplazan a los encuentros personales. Ello los lleva a comunicarse diariamente por teléfono. Sus charlas son diarias y comunes. Facilita la cuestión el conocerse desde la infancia. Entre ellos no existen los secretos.

Cada personaje arrastra una cruz. El plano central de la película lo monopoliza Joan. Ella ha perdido interés en su marido, está sola y desea vincularse con oro hombre al cual no encuentra. En consecuencia, se siente sola. Su amiga Alice finge un amor que no siente. Eric es un hombre exigente y de una sola mujer. Y Rebecca completa el cuadro viviendo su sexualidad desapasionadamente.

Con planos limpios y diálogos claros, subrayado por la banda sonora de Benjamin Esdraffo y climatizados por temas de Mozart, Ravel y Mendelson, el director compone un ambiente de armonía  y donde ya ninguna relación es eterna, salvo aquellas que se crearon de niños.

De lo mejor que ha presentado el cine francés en los últimos tiempos

FUERA DE TEMPORADA de Stéphane Brizé

LA MELANCOLIA Y EL AMOR

La melancolía es un estado de ánimo que tiene que ver con la sensación de tristeza, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que quien la padece no encuentre gusto ni diversión en nada, lo cual genera un estado de ánimo que la mayoría de las veces lleva a la separación de una pareja. Es un sentimiento que genera tristeza, profunda y prolongada la mayoría de las veces, lo cual tiene que ver con la  perdida.

La nueva película de Brizé encuentra a los  protagonistas pasando una crisis amorosa profunda que los ha llevado a la separación. Ambos han dejado la ciudad y han viajado hacia la playa con la intención de reflexionar y encontrarse consigo mismos.

No obstante, no han podido superar un estado de tristeza profunda producto de un desencuentro donde los ánimos y los sentimientos se encuentran confundidos. En consecuencia, los protagonistas se encuentran en un estado de confusión propio relacionado con la separación reciente donde todavía cada uno de ellos no logra ubicarse  como tampoco dilucidar qué es lo que quieren realmente de esa pareja que han compuesto durante un tiempo importante pero que en ahora los encuentra en crisis.

El film, sin dudas, es una de las mejores películas vistas estrenadas durante este año. Se trata de un film de amor sobre una pareja que ha pasado  un momento de crisis amorosa. El director Brizé se concentra en narrar los sentimientos de confusión que les genera esa situación..

La película se concentra en esos estados de ánimo confusos producto de la crisis que los protagonistas están viviendo. La distancia que han tomado uno del otro los ha alejado y desamparado. Se encuentran perdidos y sin duda  sin duda no saben bien lo que quieren y buscan referencias que los ubiquen en esa nueva situación.

Guillaume Canet interpreta a Mathieu, un actor mayúsculo que en algún momento sintió que le quedaba pendiente saltar a un escenario, por lo que ensaya una obra de teatro, pero temeroso de un fracaso, se baja del proyecto semanas antes del estreno y se va a un hotel en la costa, solo, sin su esposa pretendiendo conseguir una temporada de relax, masajes, caminatas por la arena junto al mar y lectura de guiones.

Y no va que, vaya casualidad, en esa ciudad balnearia, vive Alice, la mujer con la que tuvo un romance hace años, y a la que él dejó... Pero no vamos a contar más que eso.

La película es una maravilla, consigue establecer un fuera de tiempo donde los personajes logran encontrarse consigo mismos más allá del flirteo o el enamoramiento. Es una película madura, honesta, clara en la vorágine de sentimiento que desarrolla, con personajes creíbles. Es de lo mejor que se ha visto en esta temporada

F1 de Joseph Kosinski

SUUENA A REPETIDA

Corría el verano el verano de 1967 en Mar del Plata. Yo era un adolescente amante del cine que esperaba las vacaciones ansiosamente para poder ir a la playa pero sobre todo al cine para deleitarme con los grandes estrenos de principios de temporada. En aquel momento, Grand Prix era el estreno más esperado.

La película era un gran espectáculo, diferente a las demás películas toda vez que refería a un deporte donde prevalecía el vértigo y la emoción sobre la comedia o la tragedia.

Pete Aron, protagonizado por James Garner, era un corredor de autos de Fórmula Uno que había sido expulsado de su equipo por ser responsable de un accidente en una carrera que había dejado gravemente herido a otro corredor de autos. Treinta años después, se encuentra con su viejo compañero de equipo, un tal Cervantes, que se encuentra al borde de la quiebra, y lo convence  para que Sony pueda volver a correr autos y salvar a su equipo.

El resultado es una película entretenida que no aporta demasiado como gran espectáculo aunque llega a enganchar al espectador dado al automovilismo deportivo  dado que las carreras que presenta el film son lo suficientemente atractivas como para mantener al espectador común..

No obstante, el film pretende profundizar y en consecuencia, aparece el tema de la culpa, lo cual reaviva la película en la mitad de su metraje dando lugar a una escaramuza del guion en el cual un aparece un piloto que comete un error siendo obligado a trabajar para un nuevo equipo menos famoso que le permitirá una nueva oportunidad de demostrar su  capacidad conductiva.

La película no concede pausas, y en consecuencia, permite que el espectador disfrute del espectáculo sin necesidad de analizar la trama, ya sea cuestión del tema, tanto como  a su desarrollo.

El resultado final  es mediocre. Como remake, no tiene sentido, sobre todo porque todo esto lo hemos visto durante muchos años. El lujo de la F1 solo entretiene  pero el film no llega a destacar  ni como espectáculo deportivo ni como gran película  donde las pasiones sobresalen sobre los sentimientos. En una palabra, resulta reiterativa y no agrega nada a lo ya visto.

POR TODO LO ALTO de Emmaniel Courcol

LOS LAZOS AFECTIVOS

Se trata de una película francesa realizada en 2024 que se estrena en esta semana en Argentina y se transforma en  una verdadera sorpresa descubriendo también a un director muy capaz, que se maneja básicamente con la extraordinaria destreza actoral de un intérprete como es el actor francés  Benjamin Levernee.

El argumento del film es simple y conciso. No anda con vueltas de ningún tipo. Se trata de un hombre cincuentón que por esas cuestiones del destino descubre que tiene un hermano menor que nunca ha conocido que entrara a formar parte indisoluble de su vida a través de la facilitación de un trasplante.

Ese muchacho, ya adulto, que trabaja en un comedor escolar pero cuya pasión es casualmente, la música. Este joven es el trombonista de una banda escolar en un lugar lejano a Paris en el norte de Francia,  La película los presenta como dos opuestos que no tienen que ver un  con el otro, pero casualmente, en una convencionalidad del guion, los une el gusto por la música.

Al detectar las excepcionales habilidades musicales de su hermano, Thibaut se propone reparar la injusticia del destino. Jimmy entonces comienza a soñar con otra vida..

Emmanuel Courcol, como director, logró en su segunda película como director, un éxito total con un millón seiscientos mil entradas vendidas en su país de origen. Y es que la espontaneidad que brilla en su actuación es la misma que genera como director del film llevando hacia delante una trama  que apela a los sentimientos sin generar atisbos de sensiblería,El film comienza con un director de orquesta que está enfermo y necesita un trasplante pero no consigue un donante compatible. Dado que tiene un hermanastro, con quien no tiene una relación cercana, apela a su familia.

La película transita por el borde justo de lo ridículo sin caer nunca en ello. Ello es gracias al muy buen guion escrito por el propio director e Irène Muscari. La solvencia del guion se basa en la naturalidad del contenido, un film que apunta directamente al centro de una relación de hermandad que nace del uno con el otro, donde el espacio en común que transitan es el amor por la música.

MISION IMPOSIBLE de Christopher McQuarrie

REALMENTE IMPOSIBLE

Con solo mirar a los productores de la película (Paramount Pictures, Skydance Productions, Cruise/Wagner Productions, y Tom Cruise) salta a la vista la importancia que tiene el estreno de esta semana. No hay duda que se ha invertido mucho dinero en ella. Lamentablemente, los resultados cinematográficos no satisfacen las expectativas suscitadas.
Dos problemas al mismo tiempo saltan a la vista. En primer término, la película es muy lenta. Lejos está de las obras iniciales donde todas las cuestiones se resolvían con altura a través de un trabajo en equipo, y no se perdía tiempo en ningún tipo de divagaciones. Ahora sucede lo contrario. Todo es lento, y cuesta encontrar el núcleo de la narración. No olvidemos que la saga se caracteriza por el uso de la acción y el suspenso.
El film tarda en aparecer. La acción se reserva hacia el final. Cuando todo parece terminado, aparece lo esperado.  Los silencios son muy largos. Los diálogos, escasos. La acción es muy poca y de repente, aparece la acción y termina la película,
Para narrar eso ha trascurrido dos horas y cuarenta y cinco minutos. El personaje principal, Ethan Hunt ha conseguido impedir que Gabriel, el malo de la película,  controle tecnológicamente el programa de IA conocido como ‘The Entity’” en un escena final que parece de otra película donde la acción se concentra en las acrobacias del personaje cruzando en un avión caza a cielo abierto.
No hay duda que mantener una franquicia siempre vigente es un éxito. En esta época se ha vuelto difícil mantener ese standard. Tal vez el género de acción y suspenso no esté pasando  por un buen momento. Lo cierto es que la saga de Misión Imposible siempre había logrado salir adelante. Por esa razón sacó fama de serie inteligente, además de ser capaz tanto de entretener como de interesar al espectador al mismo tiempo. Proviniendo de la televisión, el éxito cinematográfico, ha sido más que satisfactorio.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como que nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de muy poca acción para serlo, y esa poca acción se concentra en una serie de acrobacias aéreas interpretadas por el propio Tom Cruise según  se ha dado a conocer.
La acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese  género. El film da la sensación que está hecho para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film, obviamente, termina siendo una clásica película de saga que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto de colmarse de repeticiones que no agregan nada. .A su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos, el film parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, las dos horas anteriores terminan siendo la espera de una señal que parece nunca llegar. Obviamente, el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas interpretadas por el propio actor de la película.
Siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde su propio comienzo en la televisión desde cuando era niño ha corrido mucha agua bajo el puente.  He visto sus diversas puestas, tanto televisivas como cinematográficas, y reconozco que el film es un buen intento de actualización de la serie, en este caso cinematográfico, pero el film solo logra destacar en su final y para ello no solo debemos esperar cerca de dos horas de película  para que despertemos de una siesta previa donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como si nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de acción pero la acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese  género. El film da la sensación que está hecha para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film termina siendo la clásica película que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto. .Al su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, parece que las dos horas anteriores son simplemente una presentación de alguien que está esperando una señal que nunca llega. Lo cierto es que el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas.
En definitiva, siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde el comienzo mismo de la televisión aquí en Argentina, y la he continuado en sus sagas cinematográficas, tengo que reconocer que el film solo logra destacar en su final pero para ello hemos de esperar dos horas de película donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.

DESTINO FINAL de Mike Flanagan

Recuperación de un Género Clásico

Respondiendo a un género clásico, el suspenso y el terror dicen presente con el estreno de Destino Final. Hace muchos años que eso no ocurría. Parecía haber desinterés  en el público y seguridad en la taquilla. Como si el género hubiera pasado de moda. No obstante ello, el género vuelve a aparecer. Destino Final es una auténtica película de terror que responde totalmente a la forma del género.

Forma parte de una secuela de películas que se estrenarán a partir de esta semana y que viene a llenar un espacio que había quedado vacío y olvidado a pesar que el gran público siempre se ha sentido la existencia de un vacío, un espacio desocupado en las salas de cine donde este género dejo de producirse.

La película opera y cumple con solvencia bajo la dirección de Mike Flanagan, al cual no conozco, pero que se maneja con la debida corrección como para salir airoso del desafío que constituye resucitar un género que parecía olvidado o descartado por una parte  del gran público y de todas las edades.

El film opera y cumple con solvencia respetando las reglas de juego y llegando a buen puerto. La satisfacción de la platea se manifiesta claramente con su aplauso final, pero lo más importante es la recuperación de un género que pareciera muerto y que ha resucitado satisfactoriamente.

Después de mucho tiempo de no ver películas de terror, esta obra que estamos comentando nos ha permitido rencontrarnos con un cine que pareciendo abandonado, resucita sorpresivamente y con éxito de taquilla.