UNA BATALLA TRAS OTRA de Paul Thomas Anderson

DE LA POLITICA AL CINE

Paul Thomas Anderson es director, guionista y productor  de cine americano que saltó a la fama tempranamente . Tiene 55 años y ha dirigido diez largometrajes, entre ellos  Boogie Nights, Magnolia, Embriagado de Amor, The Master, Puro Vicio,  Licorice Pizza y la recientemente estrenada en nuestros cines: “Una Batalla Tras Otra”.

Esta, su última película escrita y dirigida por él mismo, se ha transformado de la noche a la mañana en una película de culto a la que todos quieren ver.

Basada en la novela “Vineland” del escritor estadounidense Thomas Pynchon, ha sido protagonizada por Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, y elenco donde Di Caprio interpreta a Bob, un político rebelde que se especializa en explosivos

El film es una mirada incorrectamente política que se transforma de una comedia con violencia en una serie de redadas migratorias. Abierta y relacionada con mucho cinismo, nos conduce a analizar la situación actual y sobre todo a la idea de libertad que propagan los Estados Unidos de América, es decir, abrir fronteras y hacer de hecho el dejar hacer, dejar pasar.

La película rápidamente adquiere la forma de una  comedia que resulta oportuna toda vez que propone poner en descubierto ciertos aspectos complicados respecto de la presunta diversidad que se pretende ostentar en los Estados Unidos de América.

La película no solo se deja ver sino también logra interesar al espectador porque transita una diversidad de situaciones que pasan de la comedia a la acción,  bordeando sutilmente el drama para finalmente transitar la comedia.

La trama comienza con un político (Leonardo Di Caprio) que se especializa en explosivos y pretende realizar operaciones de resistencia en los límites entre Estados Unidos y México.

Los protagonistas principales son un viejo revolucionario y su hija adolescente, quienes intentan hacer una revolución propia que sea capaz de eliminar fronteras.

El personaje de Penn se encuentra relacionado con un grupo de supremacistas blancos bautizados  como los "Aventureros de Navidad", algo que da lugar al desarrollo tanto de la comedia como del drama colocando  a la película en un nivel de tragicomedia.

“Después del estreno nos hemos vuelto menos ridículos. Desde que rodamos la película, veo que la cultura se adapta para tomarlo todo más en serio", dijo recientemente Penn en declaraciones al New York Times.

EL GRAN VIAJE DE TU VIDA

 

EL NUEVO CINE AMERICANO 

El Gran Viaje de Tu Vida es una película romántica cuyos papeles actorales están a cargo de Colin Farrel, Margot Robbie, Phoebe Waller-Bridge y Kevin Cline, quienes con sus buenas actuaciones desarrollan  esta interesante historia de amor. 

El film destaca por los aspectos técnicos. Algunos diálogos están de espaldas. Otros se transforman en susurros, otros más por detrás de las puertas o cortinas, o sobresale la voz baja para aclarar.  

La película es una especie de rompecabezas que se va armando de poco,  lentamente, sin apuro, tratando de hacer un film distinto, que definitivamente no sigue el modelo convencional y obliga al espectador no solo a ver la película sino también descifrar a un film caracterizado por las bajas voces, los susurros, los ruidos de la casa. Los diálogos convencionales parecen de otra película. 

Esta propuesta da lugar al espectador a interpretar la película de forma muy personal. 

El film es una vuelta de tuerca cinematográfica constituyendo un desafío a las formas narrativas que han imperado por años y que nos ha acostumbrado el cine americano. Obviamente el resultado es una película diferente, donde no solo los actores se expresan sino también los paisajes, los ruidos, el viento, creando una atmosfera diferente, especialmente para el espectador acostumbrado al cine convencional.

EL CUADRO ROBADO

 

Pascal Bonitzer es guionista, director de cine, actor y ex crítico de cine francés de Cahiers du cinéma. Ha escrito 48 películas y ha actuado en 30 peliculas desde 1967 hasta el presente. Además, protagonizó La Vocación Suspendida, una película de Raúl Ruiz de 1978. 

Ahora nos narra  El Cuadro Robado, una historia relacionada con el trafico de obras de arte, en la que André Masson,  un especialista en  que trabaja en París para una importante casa de subastas, es el hombre sencillo  y de correctos modales que atiende a todos. Entre ellos, una mujer que lo contacta con el propósito de venderle un cuadro porque desea impedirle que llegue a poseerlo.

 La película es, en sintesis, un cuento moral donde casi todos los personajes se caracterizan por tener doble personalidad, y además, está basada en hechos reales.

Estos hechos se relacionan con la reaparición de una obra pintada a fines de 1890 por Egon Schiele, la cual fue confiscada por los nazis durante la segunda guerra mundial y más tarde devuelta a los herederos del autor. Lo curioso del caso es que obra estuvo perdida por años y encontrada mucho más tarde en el sótano de una familia humilde.

El director de la película, se basa en la realidad y se pregunta qué habrá sido de ese cuadro, cuál habrá sido su itinerario  mientras estuvo desaparecido,  para comenzar a realizar una reflexión sobre el mercado del arte, donde no todo es claro y suelen que provenir del  mercado negro.

Desarrollado como una simple comedia, la trama se basa en un suceso real que sorprende al espectador con personajes que están mintiendo permanentemente hasta que comprenden que la verdad se impone siempre sobre la mentira.

El Cuadro Robado es un film realizado en India con producción de ese país, co financiado por Países Bajos, Luxemburgo, EEUU;  y Bélgica y podrá ser sintetizada como una  moraleja sobre el poder del dinero. 

 

LA MUJER DE LA FILA

SENSIBLE Y PROFUNDA

Dirigida por Benjamin Avila es una coproducción Argentina /Española que cuenta una historia simple sobre una mujer que busca el paradero de su hijo después de haber sido arrestado por la policía poco después de sucedido un levantamiento estudiantil en demanda de mejora de la condiciones laborales de los maestros de escuela.

La mujer de la fila es una madre una madre más que asiste a la protesta respectiva y que padece todo tipo de respuestas después de terminada la protesta. Su hijo ha sido detenido por la policía federal y ella intenta una y otra vez sin obtener respuestas la liberación de su hijo que permanece arrestado sin más motivo que el de haber participado en la protesta.

El film, realizado en blanco y negro, es austero, simple y directo. La situación que plantea tiene mucho que ver con la demora que plantean nuestras autoridades tanto policiales como más tarde tribunalicias para resolver un simple caso donde se ha estallado una pequeña una protesta estudiantil.

 Protagonizada por Natalia Oreiro como la sufriente madre, es acompañada por Alberto Amman, es acompañada por Alberto Ammann y Federico Heinrich

El film apunta a esclarecer sobre las largas e impresisas detenciones, tanto en tiempo como en  lugares, que soportan jóvenes que han participado de algún tipo de protestas, donde la detención no solo se alarga sino también indeterminada en tiempo.

Este tipo de detenciones se ha vuelto moneda corriente en Argentina y la película denuncia estos procedimientos donde al parecer se terminan violando derechos adquiridos, dando lugar a procedimientos burocráticos y prejuicios sociales.

No obstante ello, la película se ocupa del dolor del otro, en este caso, la madre. Las condiciones de detención, la mayoría de las veces, llevan al detenido incomunicado y en consecuencia, en este caso la madre, es la victima que sufre los atropellos de la detención toda vez que se le prohíbe ver a su hijo e incluso muchas veces siquiera le avisan el lugar de detención.

Consecuencia de ello, el film pasa de la atención sobre el detenido a las consecuencias de las penurias que comienzan a padecer los familiares de dichos detenidos convirtiéndose en las verdaderas víctimas de la situación planteada.

Sin demasiados regodeos formales, la película es fría y directa. Muestra claramente que las diversas peripecias atravesadas no solo perjudican al reo sino también a su familia,  incluso poniendo en el papel mayor como víctima la esposa o la madre del detenido.

El film da una vuelta de tuerca interesantísima mostrando esta situación donde si bien el reo está en la cárcel, lo está también su familia padeciendo un sufrimiento que esta más allá de la situación original.

ATRAPADO de Darren Aronofsky

 SHOCK ADRENALINICO

Comienza y no para. Su único objetivo es entretener con buenas armas cinematográficas. Es una simple película de acción, pero su mayor mérito es su forma narrativa. Es cine puro por donde lo busques. La podes clasificar como quieras, pero sobre todas las cosas que presenta es la de una coherencia narrativa extraordinaria totalmente puesta al servicio del espectador.

Ello nos lleva a la otra orilla. Es un thriller que está hecho para que el espectador disfrute y goce de una película de acción. No pretende otra cosa. Simplemente, entretener.

Aronofsky es un director americano cuyo objetivo primordial es entretener, y lo más importante es que lo logra. Nativo de Nueva york, su cine representa una libertad y una personalidad que solo la gran city podría haberlo habilitado. El film es absolutamente personal, se inscribe en el film de acción, arranca y no para hasta su final. Su ritmo es a toda velocidad. No dudo en clasificar como una sorpresa aunque la filmografía del director es lo suficiente sólida como para apostarle una entrada.

El film transcurre en los años 90, y su protagonista es una que está pasando problemas de alcohol. Montado en su moto, pareciera no tener límites de comportamiento, y tampoco ninguna clase ataduras con las normas de tránsito de la gran ciudad.

Montado en su moto, el hombre recorre a toda velocidad la ciudad como si estuviera ensayando realizar un shock adrenalínico. Basado en la novela Con guion de Charlie Huston, con muchas influencias del cine de Quentin Tarantino en lo concerniente a la libertad con que encara la adaptación cinematográfica desplegando corrida tras corrida una necesidad de encontrarse a si mimo.

Aronofsky siempre es adepto a personajes  con problemas, aquellos  que le impiden llegar a ala felicidad.  Esa búsqueda los lleva a la obsesión, dejando al desnudo la soledad sus soledades, incluso sus aspectos más destructivos. No parece ser el caso, pero la toma de riesgos del protagonista haciendo piruetas con su moto es permanente, y pareciera ser que su vida es un juego con la muerte.

No obstante  todo ello, el film es un entretenimiento bien realizado, bien actuado y mejor filmado, que mantiene el interés de la acción durante toda la película. Vayan al cine que se van a divertir, esto es adrenalina en estado puro.

 

HOMO ARGENTUM de Mariano Cohn y Gaston Duprat

Escrita y dirigida por Mariano Cohn y Gaston Duprat el film tiene las pretensiones de retratar a través de una estructura episódica el ser argentino. Para  ello, se nutre de buen humor que ronda a lo largo del film, como así también en la melancolía que es capaz de transmitir la capacidad actoral  que despliega Francella, proeza que implica dar vida a 16 personajes diferentes.

El film tiene la pretensión de lograr una hazaña, la de describir al ser argentino, el Homo Argentum que da título a la película. El film es una comedia situacional que describir a través de una serie de episodios el ser argentino.

No obstante, el film opera y cumple sin demasiadas pretensiones. Realizada en base a 16 sketches que con el objetivo de poder dar vida al “ser argento” pierde el ritmo de una comedia, se deshilvana como película unitaria  y se convierte en una serie de mini comedias donde si bien luce la actuación de Franchela, no logra exponer su objetivo de pretender la descripción del ser argentino a través del desarrollo de 16 caracteres que interpreta con su vena de actor cómico.    

El film si bien no pierde unidad temática, los sketches se vuelven reiterativos y en definitiva la comedia termina transitando más por la solvencia personal del actor que por los personajes que interpreta. Franchela termina siendo Franchela ahogándose en sí mismo y dejando pasar una gran oportunidad de la que no son ajenos los ya mencionados  Cohn y Duplat.

Como dice el refrán, el que mucho abarca poco aprieta. La intención fue buena pero el resultado no es el esperado. Las pretensiones eran enormes. Parte de la responsabilidad es de lo productores. Pretender contar 16 historias para describir el ser argentino tal vez sea una meta difícil de alcanzar. Pero más difícil todavía resulta que un solo actor monopolice todos los tipos del ser argentino encarnados en un mismo actor.

El actor es muy capaz y hace lo que puede, pero los directores, sobretodo el guion es donde se encuentra la mayor desventaja. Los diversos estereotipos terminan siendo siempre Francella, un show a su medida con el cual pretende definir el ser argentino. El film se vuelve reiterativo y Francella termina aburriendo tratando de convencer que no hay un estereotipo del argentino sino 16, un número que escapa a cualquier veracidad.

No obstante ello, el film permite el lucimiento personal de actor, muestra una alta capacidad para mimetizarse en los diversos personajes delineando al ser argentino. En el fondo, el film entretiene pero no llega a su objetivo principal, el de encontrar al estereotipo. No obstante, cabe destacar esa larga lista de personajes que en el fondo siempre es el mismo, pero permite que Franchela termine mostrando una gran ductilidad para lograr su objetivo.

EL AMOR MATERIALISTA de Celine Song

 

EL AMOR... Y LA VIDA MODERNA

La nueva película de Celine Song transcurre en Nueva York  y relata el romance de un trio interpretado por Dakota Johnson, Pedro Pascal y Chris Evans que transcurre en la ciudad de Nueva York y trata sobre las relaciones sociales modernas entre ellas, las amorosas.

La protagonista principal es Lucy, quien más allá de sus propios problemas, se pone en todo momento a prueba y en consecuencia su vida oscila entre sus propios deseos personales y sus obligaciones de trabajo. No obstante, el amor es el tema principal de la película, la cual profundiza sobre la realidad de esos sentimientos, considerando lo primero como un ideal y lo segundo una realidad ligada al acontecer diario. Nueva York se ofrece como un ámbito de despersonalizado que opera como un centro de contención que permite todo tipo de relaciones.

No obstante, la ciudad opera como un lugar de contención, como también un reflejo de la vida de los personajes. La Gran Manzana siempre despierta se constituye en un elemento clave que se transforma en un personaje más en la historia.

La directora Celine Song es una coreana de 36 años que logra mantener un equilibrio entre el tono realista de la vida en la ciudad, donde ocurren diariamente una enorme cantidad de situaciones donde la misma ciudad es la que impone las reglas cuyo respeto desarrolla ambas expectativas. Su debut cinematográfico como directora tuvo lugar con Vidas Pasadas que  se estrenó en 2023 en el Festival de Cine de Sundance.

La propia ciudad personifica las emociones diarias sirviendo de contraste con su ritmo acelerado. Song logra conectar los entornos urbanos con el conflicto interno de sus personajes. Lucy autocrea una atmósfera donde las frustraciones y triunfos de los personajes son eminentemente cinematográficos.

Dakota Johnson construye con solidez su personaje, el cual refleja la ambigüedad de sus problemas. Su personaje es vulnerable, no obstante  tiene iniciativa propia y poder de convicción.

La banda sonora a cargo de Japanese Breakfast genera el respaldo adecuado, y el film escapa de los esquemas conformistas conformando en primer lugar un sólido entretenimiento que permite reflexionar sobre la época que vivimos, y la necesidad de amar para poder proyectarnos hacia nuestros objetivos.

CUANDO CAE EL OTOÑO de Francois Ozon

 UN FIM SOBRE LOS SENTIMIENTOS

Francios Ozon es uno de los herederos de la Novelle Vague. Tal vez, el más importante, el que más se ha destacado. Su filmografía ya ocupa un lugar importante en la historia del cine francés. Tiene en su haber más de 20 películas estrenadas, más precisamente 24.

En Cuando Cae el otoño, se encuentra nuevamente frente a un film cálido, donde poder manejar los sentimientos nos llevan, particularmente a poder comunicarnos con los seres queridos y aquellos con quienes queremos comunicarnos.

El film resulta una película interesante en lo concerniente a la necesidad de comunicación que necesitan los seres humanos. Sus personajes son unas señoras de unos 60/70 años que viven aisladas en casas de campos. Su protagonista principal es Michelle, interpretada por Helene Vincent, una mujer que transita los cerca 60 años, es actriz y acaba de completar su primer protagónico. Vive sola en medio de una zona lejana a Paris. Su vecina y mejor amiga

Michelle es una mujer anciana que vive preocupada en mantener las relaciones familiares siempre latentes que se ve involucrada en una trama familiar que le permite a Ozon desarrollar el relato haciéndolo caminar por una cuerda floja que llena al film de suspenso. Michelle les cocina unas setas silvestres que resultan ser tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto del infortunio, pero la sombra de la duda crece cuando conoce al hijo de Marie-Claude, que acaba de salir de prisión.

La narración adquiere fuerza para mantenerse a sí misma sin trampas ni golpes bajos, dejando que el director se desprenda del modelo y dando mayor dimensión a sus personajes. Un incidente inesperado saca de la tranquilidad a los personajes encerrándolo en una especie de thriller familiar.

En todo momento el film es gobernado por la ambigüedad del relato. Michelle hace una pregunta pero la respuesta  nunca llega. La falta de certeza se apodera del relato. La aparición de otro hijo recién salido de prisión complica más la trama.

Los personajes toman fuertes decisiones, se equivocan, otras veces, aciertan, pero el film late con fuerza. Una  película interesante del director francés que atrapa al espectador no solo por las buenas intenciones  sino también por la excelente construcción de un suspenso que logra mantener al espectador hasta el final mismo de la película.

 

 

DONDE ESTÁ EL POLICIA? de Akiva Schaffer

 LA PROEZA DE HACER REIR

Corrían los últimos meses de los años ´80. Los géneros cinematográficos comenzaban a repetirse. El cine de acción estaba siendo dejado de lado por modelos más atrevidos. Costaba mucho mofarse de sí mismo.

Sorpresivamente aparecieron los hermanos Zucker. Ellos, bajo el ritmo de la comedia, intentaron hacer un policial diferente caracterizado por un humor desfachatado. El riesgo valió la pena. La  Pistola Desnuda se convirtió en un éxito, y se transformó en un clásico de la comedia humorística.

Los años pasan y el cine por diferentes momentos. Ahora se encuentra en un mal momento. Intenta reciclarse pero no lo consigue. Sorpresivamente, aparece la figura de  Akiva Daniel Schaffer, un escritor estadounidense que escribe para Saturday Night Live, y que también es director de cine, compositor, y miembro de The Lonely Island, un grupo de comediantes que tuvieron éxito por Internet, intentando desarrollar un nuevo estilo de humor realizando una la remake de la película mencionada al principio.

Volcado hacia el absurdo total, Schaffer logra pasar con éxito el desafío  que presenta esta remake que logra saltar a través de los años y establecerse con seriedad de la mano de actores tales como Liam Nesson, un señor actor inglés, acompañado por Pamela Anderson, Danny Huston y Paul Michael Glaser.

La actuación de Nesson es extraordinaria. Lo conocemos hace años y había brillado tanto en el teatro como en el cine inglés. Pero pocas veces había tomado un papel tan lejano y riesgoso como éste. Últimamente destacó en el policial, particularmente en el policial inglés, dando vida a una docena de policías. Aquí tomo el toro por las astas e hizo suya la película. Sin duda, interpreta a otro policía de investigación en medio de un aquelarre donde todo lo que ocurre es exactamente lo opuesto a lo esperado.

Aceptando el desafío del absurdo, y con el monumental apoyo de Nesson, la película se alza con esa actuación magistral del inglés colocándolo no solo en lo mejor del policial visto últimamente, sino también lo coloca al tope de la comedia humorística, sorprendiendo con una actuación diferente a lo acostumbrado levantando una comedia que terminará haciendo época.

De por sí, La Pistola Desnuda fue un éxito en su momento marcando una época. Sin lugar a dudas, vuelve reciclada con las mismas honestas armas no solo para dejar establecido a Nesson como un gran actor, sino también como un gran comediante, que en este caso, se pone un viejo éxito al hombro y lo recicla y actualiza poniéndolo al tope del cine de la comedia policial como género.    

TRES AMIGAS de Emanuele Mouret

TRES AMIGAS de Emanuele Mouret

LAS RELACIONES PASAJERAS

Joan ya no está enamorada de Víctor. No obstante ello, sufre porque no mantiene una relación clara con él. Su mejor amiga, Alice, trata de transmitirle tranquilidad dado que ella misma ya no siente pasión por Eric, aunque su relación no se ha roto. No obstante, ella no sabe que su marido tiene un amorío con su amiga Rebeca. Joan decidirá dejar a Víctor y éste se irá desapareciendo, tratando de encontrar una vida distinta.

El film de Mouret trata sobre los sentimientos encontrados en las relaciones de un grupo de personas que se conocen desde su juventud. Han crecido juntos, vivido experiencias comunes, e incluso, desencontrado varias veces en sus vidas. Tanto sus  emociones como sus tristezas resultan creíbles. Sus personajes son personas comunes que se conocen desde su infancia y se quieren porque se conocen de toda una vida.

Entre ellos no hay hipocresía. Son lo que son, espontáneos y auténticos. Priorizan la amistad, resultan queribles, sus emociones responden  al común de la gente. En consecuencia, el film resulta conmovedor, sensato y realista en gran parte debido a las actuaciones creíbles de un grupo de excelentes actores que cumplen su rol con eficacia y verosimilitud.

El film es muy concreto. Las mujeres están pasando el inicio de una crisis existencial. Son amigas que se apoyan entre ellas tratando de evitar conversaciones que escuchen sus maridos. Viven con el celular en las manos y de esa manera se conectan mutuamente.

El teléfono opera como si fuera un instrumento esencial de comunicación, y sus catarsis operan baja esa misma cuerda. El teléfono opera como si fuera un confesionario que expía todos los presuntos pecados.

El director Emanuele Mouret elige un estilo Woody Allen donde las conversaciones telefónicas reemplazan a los encuentros personales. Ello los lleva a comunicarse diariamente por teléfono. Sus charlas son diarias y comunes. Facilita la cuestión el conocerse desde la infancia. Entre ellos no existen los secretos.

Cada personaje arrastra una cruz. El plano central de la película lo monopoliza Joan. Ella ha perdido interés en su marido, está sola y desea vincularse con oro hombre al cual no encuentra. En consecuencia, se siente sola. Su amiga Alice finge un amor que no siente. Eric es un hombre exigente y de una sola mujer. Y Rebecca completa el cuadro viviendo su sexualidad desapasionadamente.

Con planos limpios y diálogos claros, subrayado por la banda sonora de Benjamin Esdraffo y climatizados por temas de Mozart, Ravel y Mendelson, el director compone un ambiente de armonía  y donde ya ninguna relación es eterna, salvo aquellas que se crearon de niños.

De lo mejor que ha presentado el cine francés en los últimos tiempos

FUERA DE TEMPORADA de Stéphane Brizé

LA MELANCOLIA Y EL AMOR

La melancolía es un estado de ánimo que tiene que ver con la sensación de tristeza, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que quien la padece no encuentre gusto ni diversión en nada, lo cual genera un estado de ánimo que la mayoría de las veces lleva a la separación de una pareja. Es un sentimiento que genera tristeza, profunda y prolongada la mayoría de las veces, lo cual tiene que ver con la  perdida.

La nueva película de Brizé encuentra a los  protagonistas pasando una crisis amorosa profunda que los ha llevado a la separación. Ambos han dejado la ciudad y han viajado hacia la playa con la intención de reflexionar y encontrarse consigo mismos.

No obstante, no han podido superar un estado de tristeza profunda producto de un desencuentro donde los ánimos y los sentimientos se encuentran confundidos. En consecuencia, los protagonistas se encuentran en un estado de confusión propio relacionado con la separación reciente donde todavía cada uno de ellos no logra ubicarse  como tampoco dilucidar qué es lo que quieren realmente de esa pareja que han compuesto durante un tiempo importante pero que en ahora los encuentra en crisis.

El film, sin dudas, es una de las mejores películas vistas estrenadas durante este año. Se trata de un film de amor sobre una pareja que ha pasado  un momento de crisis amorosa. El director Brizé se concentra en narrar los sentimientos de confusión que les genera esa situación..

La película se concentra en esos estados de ánimo confusos producto de la crisis que los protagonistas están viviendo. La distancia que han tomado uno del otro los ha alejado y desamparado. Se encuentran perdidos y sin duda  sin duda no saben bien lo que quieren y buscan referencias que los ubiquen en esa nueva situación.

Guillaume Canet interpreta a Mathieu, un actor mayúsculo que en algún momento sintió que le quedaba pendiente saltar a un escenario, por lo que ensaya una obra de teatro, pero temeroso de un fracaso, se baja del proyecto semanas antes del estreno y se va a un hotel en la costa, solo, sin su esposa pretendiendo conseguir una temporada de relax, masajes, caminatas por la arena junto al mar y lectura de guiones.

Y no va que, vaya casualidad, en esa ciudad balnearia, vive Alice, la mujer con la que tuvo un romance hace años, y a la que él dejó... Pero no vamos a contar más que eso.

La película es una maravilla, consigue establecer un fuera de tiempo donde los personajes logran encontrarse consigo mismos más allá del flirteo o el enamoramiento. Es una película madura, honesta, clara en la vorágine de sentimiento que desarrolla, con personajes creíbles. Es de lo mejor que se ha visto en esta temporada

F1 de Joseph Kosinski

SUUENA A REPETIDA

Corría el verano el verano de 1967 en Mar del Plata. Yo era un adolescente amante del cine que esperaba las vacaciones ansiosamente para poder ir a la playa pero sobre todo al cine para deleitarme con los grandes estrenos de principios de temporada. En aquel momento, Grand Prix era el estreno más esperado.

La película era un gran espectáculo, diferente a las demás películas toda vez que refería a un deporte donde prevalecía el vértigo y la emoción sobre la comedia o la tragedia.

Pete Aron, protagonizado por James Garner, era un corredor de autos de Fórmula Uno que había sido expulsado de su equipo por ser responsable de un accidente en una carrera que había dejado gravemente herido a otro corredor de autos. Treinta años después, se encuentra con su viejo compañero de equipo, un tal Cervantes, que se encuentra al borde de la quiebra, y lo convence  para que Sony pueda volver a correr autos y salvar a su equipo.

El resultado es una película entretenida que no aporta demasiado como gran espectáculo aunque llega a enganchar al espectador dado al automovilismo deportivo  dado que las carreras que presenta el film son lo suficientemente atractivas como para mantener al espectador común..

No obstante, el film pretende profundizar y en consecuencia, aparece el tema de la culpa, lo cual reaviva la película en la mitad de su metraje dando lugar a una escaramuza del guion en el cual un aparece un piloto que comete un error siendo obligado a trabajar para un nuevo equipo menos famoso que le permitirá una nueva oportunidad de demostrar su  capacidad conductiva.

La película no concede pausas, y en consecuencia, permite que el espectador disfrute del espectáculo sin necesidad de analizar la trama, ya sea cuestión del tema, tanto como  a su desarrollo.

El resultado final  es mediocre. Como remake, no tiene sentido, sobre todo porque todo esto lo hemos visto durante muchos años. El lujo de la F1 solo entretiene  pero el film no llega a destacar  ni como espectáculo deportivo ni como gran película  donde las pasiones sobresalen sobre los sentimientos. En una palabra, resulta reiterativa y no agrega nada a lo ya visto.

POR TODO LO ALTO de Emmaniel Courcol

LOS LAZOS AFECTIVOS

Se trata de una película francesa realizada en 2024 que se estrena en esta semana en Argentina y se transforma en  una verdadera sorpresa descubriendo también a un director muy capaz, que se maneja básicamente con la extraordinaria destreza actoral de un intérprete como es el actor francés  Benjamin Levernee.

El argumento del film es simple y conciso. No anda con vueltas de ningún tipo. Se trata de un hombre cincuentón que por esas cuestiones del destino descubre que tiene un hermano menor que nunca ha conocido que entrara a formar parte indisoluble de su vida a través de la facilitación de un trasplante.

Ese muchacho, ya adulto, que trabaja en un comedor escolar pero cuya pasión es casualmente, la música. Este joven es el trombonista de una banda escolar en un lugar lejano a Paris en el norte de Francia,  La película los presenta como dos opuestos que no tienen que ver un  con el otro, pero casualmente, en una convencionalidad del guion, los une el gusto por la música.

Al detectar las excepcionales habilidades musicales de su hermano, Thibaut se propone reparar la injusticia del destino. Jimmy entonces comienza a soñar con otra vida..

Emmanuel Courcol, como director, logró en su segunda película como director, un éxito total con un millón seiscientos mil entradas vendidas en su país de origen. Y es que la espontaneidad que brilla en su actuación es la misma que genera como director del film llevando hacia delante una trama  que apela a los sentimientos sin generar atisbos de sensiblería,El film comienza con un director de orquesta que está enfermo y necesita un trasplante pero no consigue un donante compatible. Dado que tiene un hermanastro, con quien no tiene una relación cercana, apela a su familia.

La película transita por el borde justo de lo ridículo sin caer nunca en ello. Ello es gracias al muy buen guion escrito por el propio director e Irène Muscari. La solvencia del guion se basa en la naturalidad del contenido, un film que apunta directamente al centro de una relación de hermandad que nace del uno con el otro, donde el espacio en común que transitan es el amor por la música.

MISION IMPOSIBLE de Christopher McQuarrie

REALMENTE IMPOSIBLE

Con solo mirar a los productores de la película (Paramount Pictures, Skydance Productions, Cruise/Wagner Productions, y Tom Cruise) salta a la vista la importancia que tiene el estreno de esta semana. No hay duda que se ha invertido mucho dinero en ella. Lamentablemente, los resultados cinematográficos no satisfacen las expectativas suscitadas.
Dos problemas al mismo tiempo saltan a la vista. En primer término, la película es muy lenta. Lejos está de las obras iniciales donde todas las cuestiones se resolvían con altura a través de un trabajo en equipo, y no se perdía tiempo en ningún tipo de divagaciones. Ahora sucede lo contrario. Todo es lento, y cuesta encontrar el núcleo de la narración. No olvidemos que la saga se caracteriza por el uso de la acción y el suspenso.
El film tarda en aparecer. La acción se reserva hacia el final. Cuando todo parece terminado, aparece lo esperado.  Los silencios son muy largos. Los diálogos, escasos. La acción es muy poca y de repente, aparece la acción y termina la película,
Para narrar eso ha trascurrido dos horas y cuarenta y cinco minutos. El personaje principal, Ethan Hunt ha conseguido impedir que Gabriel, el malo de la película,  controle tecnológicamente el programa de IA conocido como ‘The Entity’” en un escena final que parece de otra película donde la acción se concentra en las acrobacias del personaje cruzando en un avión caza a cielo abierto.
No hay duda que mantener una franquicia siempre vigente es un éxito. En esta época se ha vuelto difícil mantener ese standard. Tal vez el género de acción y suspenso no esté pasando  por un buen momento. Lo cierto es que la saga de Misión Imposible siempre había logrado salir adelante. Por esa razón sacó fama de serie inteligente, además de ser capaz tanto de entretener como de interesar al espectador al mismo tiempo. Proviniendo de la televisión, el éxito cinematográfico, ha sido más que satisfactorio.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como que nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de muy poca acción para serlo, y esa poca acción se concentra en una serie de acrobacias aéreas interpretadas por el propio Tom Cruise según  se ha dado a conocer.
La acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese  género. El film da la sensación que está hecho para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film, obviamente, termina siendo una clásica película de saga que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto de colmarse de repeticiones que no agregan nada. .A su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos, el film parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, las dos horas anteriores terminan siendo la espera de una señal que parece nunca llegar. Obviamente, el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas interpretadas por el propio actor de la película.
Siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde su propio comienzo en la televisión desde cuando era niño ha corrido mucha agua bajo el puente.  He visto sus diversas puestas, tanto televisivas como cinematográficas, y reconozco que el film es un buen intento de actualización de la serie, en este caso cinematográfico, pero el film solo logra destacar en su final y para ello no solo debemos esperar cerca de dos horas de película  para que despertemos de una siesta previa donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como si nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de acción pero la acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese  género. El film da la sensación que está hecha para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film termina siendo la clásica película que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto. .Al su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, parece que las dos horas anteriores son simplemente una presentación de alguien que está esperando una señal que nunca llega. Lo cierto es que el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas.
En definitiva, siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde el comienzo mismo de la televisión aquí en Argentina, y la he continuado en sus sagas cinematográficas, tengo que reconocer que el film solo logra destacar en su final pero para ello hemos de esperar dos horas de película donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.

DESTINO FINAL de Mike Flanagan

Recuperación de un Género Clásico

Respondiendo a un género clásico, el suspenso y el terror dicen presente con el estreno de Destino Final. Hace muchos años que eso no ocurría. Parecía haber desinterés  en el público y seguridad en la taquilla. Como si el género hubiera pasado de moda. No obstante ello, el género vuelve a aparecer. Destino Final es una auténtica película de terror que responde totalmente a la forma del género.

Forma parte de una secuela de películas que se estrenarán a partir de esta semana y que viene a llenar un espacio que había quedado vacío y olvidado a pesar que el gran público siempre se ha sentido la existencia de un vacío, un espacio desocupado en las salas de cine donde este género dejo de producirse.

La película opera y cumple con solvencia bajo la dirección de Mike Flanagan, al cual no conozco, pero que se maneja con la debida corrección como para salir airoso del desafío que constituye resucitar un género que parecía olvidado o descartado por una parte  del gran público y de todas las edades.

El film opera y cumple con solvencia respetando las reglas de juego y llegando a buen puerto. La satisfacción de la platea se manifiesta claramente con su aplauso final, pero lo más importante es la recuperación de un género que pareciera muerto y que ha resucitado satisfactoriamente.

Después de mucho tiempo de no ver películas de terror, esta obra que estamos comentando nos ha permitido rencontrarnos con un cine que pareciendo abandonado, resucita sorpresivamente y con éxito de taquilla.

CONTADOR 2

VERTIGO PURO

Si bien planteado como un film de entretenimiento, la cuestión funciona como una narración que no da tregua, basada en el vértigo puro, transformándose en un ejemplo de un cine acelerado cuyo único objetivo es mantener  enganchado al espectador de principio a fin de la narración

El vértigo es tal que deja  de importar lo que se está narrando para que el espectador ponga toda su atención en ese vértigo que se transforma en fuerza motriz de la película.

El protagonista del film es Ben Affleck, quien interpreta  a Christian Wolff, un genio matemático que se dedica a manejar las finanzas declientes non santos  y ahora se ve envuelto en la necesidad de dilucidar un asesinato cuya única pista es un mensaje poco claro, casi críptico,  que deberá resolver. Su hermano Brax será su ayudante. La investigación comienza.

La película resulta una vorágine de imágenes que son mostradas de acuerdo a un hilo conducente de la acción y a una velocidad tal que en muchas oportunidades este espectador a perdido el sentido de la narración aunque durante el metraje nunca ha dejado de prestar la debida atención.

Ben Afflelck interpreta a un hombre que trabaja como contador público pero en realidad es un genio de las matemáticas pero vive del lavado de dinero. Además, sufre del síndrome de Asperger, es decir, es un autista, un hombre que tiene dificultades para relacionarse con los demás.

Dirige el film el director Gavin O’Connor, un thriller complejo donde las relaciones, los motivos y el dinero dan como resultado un film interesante, sobre todo en lo formal, respaldado por un buen guion de Bill Dubuque.

El film resulta un entretenimiento complejo pero atrapante. En la primera película  quedó en claro que tanto él como su hermano mayor Braxton fueron criados por un padre militar que los entrenó hasta convertirlos en máquinas mortales de combate y que hermanos fueron entrenados para enfrentar al mal personificado por todo tipo de delincuentes.

Sin lugar a dudas, el film entretiene con buenas armas y con una velocidad narrativa que no da tregua.

MAZEL TOV de Adrián Suar

 MAZEL TOV de Adrián Suar

TODO PASA Y TODO QUEDA…

Mazel Tov, estrenada la semana pasada, es una película argentina de características costumbrista, que narra las peripecias de una familia judía en el momento de la muerte del padre.

La película tiene todas las características del cine argentino que año tras año no deja de repetir la misma fórmula que se encasilla en modelo costumbrista, más allá o más acá del melodrama.   

Adrián Suar dirige el film tratando de escapar de las convenciones de ese cine argentino tratando de lograr una narración fluida  lo cual consigue en gran parte del film aunque no logra escapar de ciertos manierismos del cine local. Protagonizada por el propio Suar, Fernán Mirás, Natalie Pérez y Benjamín Rojas consiguen interpretar a un grupo familiar judío en estado de trance.

Consecuencia de ello, logra superar la convencionalidad acostumbrada de nuestro cine y logra desarrollar una película entretenida e interesante en la mayor parte de su metraje.

El propio Suar interpreta al hijo mayor de la familia y paciera en él buscar un objetivo que se le niega que no es otro que el de la unión familiar. No obstante, él vive en nueva York y ha vuelto a la argentina como consecuencia que ha muerto su padre. Como suele suceder, es otra película más sobre el crecimiento de un ser humano que se enfrenta cada vez más con una realidad que el espejo no miente. .Dario es el protagonista del encuentro con la realidad. La muerte de su padre lo enfrenta a sí mismo para dejarlo solo consigo mismo.

Si bien el regreso de Dario coincide con el de la muerte de su padre en forma absolutamente casual, lo cierto es que esa pérdida familiar, como hermano mayor que es, lo deja en una situación crítica en el sentido que al perder el apoyo familiar que tenía con su padre en vida pasa a desaparecer para dejarlo consigo mismo.

El film, si bien contado como un momento de crisis familiar ante la situación de duelo, pone a su protagonista en el centro de la construcción familiar, dejándolo huérfano y obligándolo a tomar decisiones para consigo mismo.

Lo cierto es que el film funciona como una obra madura de un joven director que tiene vocación por el cine costumbrista y logra en esta, creo que es su segunda película, una obra valiosa en el sentido que logra despegarse de muchos de los convencionalismos del cine nacional y lograr una obra de carácter bastante personal.

Sin lugar a dudas esta película está por encima de la media del cine nacional y nos deja una esperanza de recuperación de un cine que pueda llegar e interesar al gran público con el objetivo de mantener una cinematografía siempre vigente.

DIAMANTI de Ferzan Ozpetek

LA OTRA CARA DE LA LUNA

Fernan Ozpetek es un cineasta turco conocido en nuestro país unos años atrás cuando se estrenó su película denominada El Baño Turco. El director está nuevamente en nuestros cines a raíz del estreno en Buenos Aires de Diamanti, su última película.

Esta nueva película es una obra singular que se destaca presentando varios relatos que tienen que ver con el desarrollo de la propia identidad. En consecuencia, el film gira en torno de dos temas claves: la constitución familiar y la identidad personal de cada miembro de la familia, construyendo tramas de tipo coral que se relacionan con la búsqueda de los secretos familiares.

Su cine tiene estructuras corales que se van relacionando unas con otras mientras se desvelan secretos que rompen en situaciones  que  artificiales o reales conmueven la vida familiar,  dentro de un entramado social.

El film se construye en un mundo femenino a través de pequeños relatos de mujeres que trabajan en el sector de vestuarios donde se cuentan pequeñas escaramuzas, exhibiendo las vicisitudes de un equipo de vestuaristas  cuyas que visten a personajes y cobra vida a través de la personalidad  de un vestuario. 

El film está dedicado a tres grandes actrices del séptimo arte italiano. Ellas son Mariangela Melato, Virna Lisi y Mónica Vitti. Tres mujeres que han ayudado con creces a la consttrucción de la película.

El trabajo de Özpetek se concentra en la mirada de universo femenino pero también un costado muy particular en el mundo cinematográfico como lo es el desarrollo de un vestuario. La mayor dificultad fue trabajar con dieciocho actrices que por supuesto se pusieron a disposición del director italiano, dando lugar a la filmación del film.

Con mucho de las propias experiencias personales del realizador y la vestuarista; mientras las costureras que se debaten entre los problemas familiares, el film se desarrolla logrando entretener e interesar al espectador. El resultado es el de una excelente comedia dramática.

THE AMATEUR de James Hawes

 UNA TRAGEDIA CLASICA

En una actuación extraordinaria, Rami Malek, un actor que ha destacado en papeles mayoritariamente secundarios, asume un protagónico que gira durante todo su metraje en torno suyo, contando la historia de un momento de  tensión en una calle de Londres causado por un ataque terrorista callejero en pleno centro de la capital inglesa.

James Hawes, responsable de esta película,  no es un neófito en el tema. Director de carrera en la televisión inglesa, es un hombre de mucha experiencia que, una vez más, logra salir airoso en esta propuesta cinematográfica que transcurre prácticamente en tiempo real, es decir, la duración de un accidente automovilístico.

Más allá de la excelente composición de Malek, la película luce como una obra de género muy personal que se transforma en una especie de llamado de atención sobre el accionar de la muchedumbre en momentos picos de tránsito, dando lugar a un episodio que prácticamente pasa desapercibido, pero que tiene mucho que ver con el comportamiento del prójimo, el cual ignora el accidente que tan solo dura un instante. En otras palabras, el publico en general esta metido en si mismo sin considerar lo que pasa a su alrededor.

La trama se concentra en ese hecho, un accidente vial en pleno centro de Londres, donde un empleado de la CIA sufre un accidente en la vía publica. El accidentado resulta ser  Malek, protagonista principal de la película, quien resulta ser un experto en análisis de casos, descifrar códigos y datos que trabaja en un sótano de la sede de la CIA en Langley.

Su vida normal transcurre junto a su esposa Sarah (Rachel Brosnahan), en plena armonía hasta que ella, de viaje a Londres para un congreso corporativo, es tomada como rehén por un grupo terrorista. Dominado por la difícil  situación y por la bronca que siente frente a la pasividad de sus superiores, el típico burócrata se convertirá en un impiadoso cazador y saldrá en busca de los responsables de los hechos.

La película resulta un master píese que dará mucho que hablar, particularmente porque es una película de bajo presupuesto pero de máxima efectividad de taquilla. Vende bien, tiene buena actuación principal, opera y cumple en todos los rubros técnicos, y todos los personajes que transitan la vista están perfectamente interpretados por actores profesionales..

Lejos de Bond  y otros héroes, El Amateur se destaca por presentar un personaje que se transforma  como consecuencia de un accidente callejero, rescatando a una persona dando lugar a la heroicidad de un hombre común, el cual responde a simples señales de necesidad de supervivencia. Esa cuestión humanista genera una cuestión de resistencia que queda lejos de los super héroes pero muy cerca de un vale todo por salvar una vida. Esa cuestión transforma al drama en una aventura que no es otra cosa que la vida misma.