LA HORA DE LA AUTOCRITICA
El film transcurre en la Unión Soviética en el año 1937. Miles de ciudadanos son acusados ilegalmente y detenidos. De manera casual, Alexander Kornyev, un fiscal recién nombrado y sin experiencia, se hace cargo de una de las víctimas. Consecuencia de ello, hace todo lo necesario por encontrar al responsable, el cual se encuentra prisionero de los agentes de la policía soviética.
Bolchevique de buena fe, sospecha que hay algo fuera de lugar. Cree en la justicia y buscará llegar a la Fiscalía General de Moscú para aclarar el episodio. La época que corre es la de las grandes purgas estalinistas y él es un novato que todavía tiene algo de decencia.
El director Sergei Lonitza es un es un joven director ucraniano de carácter documentalista que logra destacarse en mayo pasado en el transcurso del último festival de Cannes donde presentó esta película que nos ocupa, la cual es una adaptación cinematográfica de una novela de un autor soviético poco conocido fuera de Rusia. Se trata de Georgy Demidov, físico soviético (ya fallecido), que fue un perseguido político. Su obra es apreciada tanto por sus ficciones como sus documentales, los cuales exploran temas históricos y políticos de la Europa del Este.
Shakespeare ya lo ha dicho todo. El Cine cambia la forma de contarlo.
lunes, 24 de noviembre de 2025
DOS FISCALES de Sergei Loznitza
viernes, 14 de noviembre de 2025
“MODIGLIANI, Tres Días en Montparnasse” de Pascal Bonitzer
El film que cobija cuenta la historia de un buscavidas encantador, un tal Modigliani. La película es un film que invita a la platea a un viaje. la El film es la cuenta una historia que por otro lado es la opera prima de un actor como director y es un viaje a la intimidad de un artista al que el éxito le fue esquivo y debió esperar su reconocimiento, obra tras obra, hasta poder llegar a la cumbre.
André Masson es un empleado
de la famosa casa de subastas Scottie's. Un buen día, vía correo, recibe un informe que en la localidad de Mulhouse se había
descubierto en una casa un cuadro de
Egon Schiele. Con cierto nivel de escepticismo
se dirige al lugar que le han señalado y efectivamente encuentra un cuadro que se consideraba perdido.
Consecuencia de ello, se
hace cargo de los hechos. La obra es una obra de arte maestra que había desaparecida
en 1939, en manos de los nazis. Masson ha llegado a un lugar que los coloca en
lo más alto de su carrera, aunque sabe que ese descubrimiento será el comienzo de
una discusión acerca de la verosimilitud de la obra. . Afortunadamente, contará
con la ayuda de su ex esposa y colega Bertina, y de su becaria Aurore.
El film esta realizado con
una dinámica que deja sin alienta al espectador de la misma manera que sabe
conducirlo hacia lo que espera de ello. En primer lugar, sabe y es consciente
que lo que narra puede no responder a la realidad, es decir, la veracidad histórica.
Ello son los permisos que se toma el autor para narrar su obra. Pero por otro, se expresa dentro de un contexto histórico que
lo contiene.
Modigliani fue
influenciado por varias corrientes artísticas. Uno de sus aspectos más
influyentes fue la fusión del cubismo con el expresionismo.
sábado, 1 de noviembre de 2025
TRES POR UNO
BELEN de Dolores Fonzi
Belén, dirigida por Dolores Fonzi, es una película
argentina que destaca por sus cualidades actorales, pero sobretodo, por la
crudeza y la valentía con que encara un tema difícil en Argentina,
especialmente en el noroeste del país, como los es el de la maternidad de la madre
soltera.
El film expone libremente el tema y deja que el
espectador saque sus propias conclusiones, y en consecuencia, de alguna
manera, le pide al público que emitas su
propia decisión.
Como es costumbre cuando se trata de temas urticantes, el
cine argentino, el público prefiere no opinar. También es cierto que el cine
argentino no pasa por un buen momento de taquilla y en consecuencia, no hay
público en los cines que inciten la
confianza a la discusión pública de temas como los que
plantea la película.
LOCAMENTE de Paolo Genovese
Piero y Lara, dos personas
adultas, se conocen e instantáneamente surge entre ellos una relación
instantánea. Se conocen en una cena. Uno con el otro intentan atraerse pero en realidad,
se encuentran confundidos. Discuten y seducen a la vez y la mayoría de las
veces dejan que los nervios prevalezcan entre ellos. Dentro de cada uno convive
el deseo, la prudencia la inseguridad, y
a la vez, la ira y algunas más. ¿Podrán encontrarse a si mismos y formar una
pareja?
Cada
uno escucha sus voces interiores. El deseo, la prudencia, la inseguridad y la
ira se debaten y aconsejan a la vez que sabotean cada intento de conexión.
Genovese
presenta ese conflicto interno en una puesta coral que alterna entre el espacio
físico de la cita y el mental de los pensamientos, con un tono entre la comedia
romántica y el experimento psicológico.
El
resultado tiene encanto y ritmo, pero parece cosa ya vista. LocaMente funciona
un análisis en tono humorístico de cómo las emociones intentan tomar el control
de nuestras decisiones.
Genovese
aprovecha ese paralelismo para construir momentos divertidos y reconocibles,
aunque el desarrollo no logra trascender su concepto inicial.
A
PESAR DE TI de Josh Boone
Es un drama romántico al estilo del viejo
Hollywood, muy parecida a una telenovela. Adaptada de la novela de Colleen Hoover está protagonizada por Allison Williams y Mckenna Grace, donde se cuenta la
relación entre una madre y su hija logrando sostener hasta su final entreteniendo
sosteniendo el interés de la trama.
La primera escena del filme transcurre
diecisiete años atrás en un playa, donde los personajes se presentan, muestran
el mundo en que viven y sobre todo, expresan la seguridad que tienen el mundo
por delante. Parecen estar predestinados.
La vida transcurre y se relacionan con otras personas. Los accidentes
de la vida cambiarán sus destinos, donde el amor prevalecerá respecto del odio.
“A pesar de ti” de
Josh Boone es un experto en romances juveniles. Las actuaciones son buenas, el ritmo es adecuado, y el desarrollo de las
acciones correctas tiene un ritmo sostenido donde prevalece la comedia
pasatista con momentos tanto románticos, tal como debe ser la comedia.
domingo, 12 de octubre de 2025
UNA BATALLA TRAS OTRA de Paul Thomas Anderson
DE LA POLITICA AL CINE
Paul Thomas Anderson es un director, guionista y productor de cine americano que saltó a la fama tempranamente.
Tiene 55 años y ha dirigido diez largometrajes, entre ellos Boogie Nights, Magnolia, Embriagado de Amor,
The Master, Puro Vicio, Licorice Pizza y
la recientemente estrenada en nuestros cines: “Una Batalla Tras Otra”.
Esta, su última película escrita
y dirigida por él mismo, se ha transformado de la noche a la mañana en una
película de culto a la que todos quieren ver.
Basada en la novela “Vineland”
del escritor estadounidense Thomas Pynchon, ha sido protagonizada por Leonardo
DiCaprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Regina Hall, y elenco donde Di Caprio interpreta a Bob, un político rebelde que se especializa en
explosivos
El film es una mirada incorrectamente
política que se transforma de una comedia con cierto nivel de violencia. con salida
migratoria. Abierta y relacionada con mucho cinismo, nos lleva a analizar la
situación actual y sobre todo a la idea de libertad que propagan los Estados
Unidos de América, es decir, abrir fronteras y hacer de hecho el dejar hacer,
dejar pasar.
La película rápidamente adquiere la forma
de una comedia que resulta oportuna toda
vez que propone poner en descubierto ciertos aspectos respecto de la presunta
diversidad que pretende ostentar los Estados Unidos de América.
La película no solo se deja ver sino
también logra interesar al espectador porque transita una diversidad de
situaciones que pasan de la ironía a la acción,
bordeando sutilmente el drama para finalmente transitar la comedia.
La trama comienza con un político (Leonardo
Di Caprio) que se especializa en explosivos y pretende realizar operaciones de resistencia
en los límites entre Estados Unidos y México. Los protagonistas principales son
un viejo revolucionario y su hija adolescente, quienes intentan hacer una
revolución propia que sea capaz de eliminar fronteras.
El personaje de Penn se encuentra relacionado
con un grupo de supremacistas blancos bautizados como los "Aventureros de Navidad",
algo que da lugar al desarrollo tanto de la comedia como del drama
colocando a la película en un nivel de
tragicomedia.
“Después del estreno nos hemos vuelto menos
ridículos. Desde que rodamos la película, veo que la cultura se adapta para
tomarlo todo más en serio", dijo recientemente Penn en declaraciones al
New York Times.
DiCaprio le dijo al mismo periódico que la
película está "políticamente cargada, pero creo que tiene mucho que ver
con lo tribales que nos hemos vuelto".
miércoles, 24 de septiembre de 2025
EL GRAN VIAJE DE TU VIDA
El Gran Viaje de Tu Vida es una película romántica cuyos papeles
actorales están a cargo de Colin Farrel, Margot Robbie, Phoebe Waller-Bridge y
Kevin Cline, quienes con sus buenas actuaciones desarrollan esta interesante historia de amor.
El film destaca por los aspectos técnicos. Algunos diálogos están de espaldas. Otros se transforman en susurros, otros más por detrás de las puertas o cortinas, o sobresale la voz baja para aclarar.
La película es una especie de rompecabezas que se va armando de poco, lentamente, sin apuro, tratando de hacer un
film distinto, que definitivamente no sigue el modelo convencional y obliga al
espectador no solo a ver la película sino también descifrar a un film caracterizado
por las bajas voces, los susurros, los ruidos de la casa. Los diálogos
convencionales parecen de otra película.
Esta propuesta da lugar al espectador a interpretar la película de forma
muy personal.
El film es una vuelta de tuerca cinematográfica constituyendo un desafío
a las formas narrativas que han imperado por años y que nos ha acostumbrado el
cine americano. Obviamente el resultado es una película diferente, donde no
solo los actores se expresan sino también los paisajes, los ruidos, el viento, creando
una atmosfera diferente, especialmente para el espectador acostumbrado al cine
convencional.
viernes, 19 de septiembre de 2025
EL CUADRO ROBADO
La película es, en sintesis, un cuento moral
donde casi todos los personajes se caracterizan por tener doble personalidad, y
además, está basada en hechos reales.
Estos hechos se relacionan con la
reaparición de una obra pintada a fines de 1890 por Egon Schiele, la cual fue confiscada
por los nazis durante la segunda guerra mundial y más tarde devuelta a los
herederos del autor. Lo curioso del caso es que obra estuvo perdida por años y
encontrada mucho más tarde en el sótano de una familia humilde.
El director de la película, se basa en la realidad y se
pregunta qué habrá sido de ese cuadro, cuál habrá sido su itinerario mientras estuvo desaparecido, para comenzar a realizar una reflexión sobre
el mercado del arte, donde no todo es claro y suelen que provenir del mercado negro.
Desarrollado como una simple comedia, la trama se basa en
un suceso real que sorprende al espectador con personajes que están mintiendo
permanentemente hasta que comprenden que la verdad se impone siempre sobre la
mentira.
El Cuadro Robado es un film realizado en India con producción
de ese país, co financiado por Países Bajos, Luxemburgo, EEUU; y Bélgica y podrá ser sintetizada como una moraleja sobre el poder del dinero.
sábado, 6 de septiembre de 2025
LA MUJER DE LA FILA
Dirigida por Benjamin Avila es una coproducción Argentina
/Española que cuenta una historia simple sobre una mujer que busca el paradero
de su hijo después de haber sido arrestado por la policía poco después de
sucedido un levantamiento estudiantil en demanda de mejora de la condiciones
laborales de los maestros de escuela.
La mujer
de la fila es una madre una madre más que asiste a la protesta
respectiva y que padece todo tipo de respuestas después de terminada la
protesta. Su hijo ha sido detenido por la policía federal y ella intenta una y
otra vez sin obtener respuestas la liberación de su hijo que permanece
arrestado sin más motivo que el de haber participado en la protesta.
El film, realizado en blanco y negro, es austero, simple y
directo. La situación que plantea tiene mucho que ver con la demora que
plantean nuestras autoridades tanto policiales como más tarde tribunalicias
para resolver un simple caso donde se ha estallado una pequeña una protesta
estudiantil.
Protagonizada
por Natalia Oreiro como la sufriente madre, es acompañada por Alberto
Amman, es acompañada por Alberto Ammann y Federico Heinrich
El film apunta a esclarecer sobre las largas e impresisas
detenciones, tanto en tiempo como en lugares,
que soportan jóvenes que han participado de algún tipo de protestas, donde la
detención no solo se alarga sino también indeterminada en tiempo.
Este tipo de detenciones se ha vuelto moneda corriente en
Argentina y la película denuncia estos procedimientos donde al parecer se
terminan violando derechos adquiridos, dando lugar a procedimientos
burocráticos y prejuicios sociales.
No obstante ello, la película se ocupa del dolor del otro, en
este caso, la madre. Las condiciones de detención, la mayoría de las veces,
llevan al detenido incomunicado y en consecuencia, en este caso la madre, es la
victima que sufre los atropellos de la detención toda vez que se le prohíbe ver
a su hijo e incluso muchas veces siquiera le avisan el lugar de detención.
Consecuencia de ello, el film pasa de la atención sobre el
detenido a las consecuencias de las penurias que comienzan a padecer los
familiares de dichos detenidos convirtiéndose en las verdaderas víctimas de la
situación planteada.
Sin demasiados regodeos formales, la película es fría y
directa. Muestra claramente que las diversas peripecias atravesadas no solo
perjudican al reo sino también a su familia,
incluso poniendo en el papel mayor como víctima la esposa o la madre del
detenido.
El film da una vuelta de tuerca interesantísima mostrando
esta situación donde si bien el reo está en la cárcel, lo está también su
familia padeciendo un sufrimiento que esta más allá de la situación original.
martes, 2 de septiembre de 2025
ATRAPADO de Darren Aronofsky
Comienza y no para. Su único objetivo es entretener con buenas
armas cinematográficas. Es una simple película de acción, pero su mayor mérito
es su forma narrativa. Es cine puro por donde lo busques. La podes clasificar
como quieras, pero sobre todas las cosas que presenta es la de una coherencia narrativa
extraordinaria totalmente puesta al servicio del espectador.
Ello nos lleva a la otra orilla. Es un thriller que está
hecho para que el espectador disfrute y goce de una película de acción. No
pretende otra cosa. Simplemente, entretener.
Aronofsky es un director americano cuyo objetivo primordial
es entretener, y lo más importante es que lo logra. Nativo de Nueva york, su
cine representa una libertad y una personalidad que solo la gran city podría haberlo
habilitado. El film es absolutamente personal, se inscribe en el film de
acción, arranca y no para hasta su final. Su ritmo es a toda velocidad. No dudo
en clasificar como una sorpresa aunque la filmografía del director es lo
suficiente sólida como para apostarle una entrada.
El film transcurre en los años 90, y su protagonista es
una que está pasando problemas de alcohol. Montado en su moto, pareciera no
tener límites de comportamiento, y tampoco ninguna clase ataduras con las
normas de tránsito de la gran ciudad.
Montado en su moto, el hombre recorre a toda velocidad la
ciudad como si estuviera ensayando realizar un shock adrenalínico. Basado en la
novela Con guion de Charlie Huston, con muchas influencias del cine de Quentin Tarantino
en lo concerniente a la libertad con que encara la adaptación cinematográfica desplegando
corrida tras corrida una necesidad de encontrarse a si mimo.
Aronofsky siempre es
adepto a personajes con problemas, aquellos
que le impiden llegar a ala felicidad. Esa búsqueda los lleva a la obsesión, dejando
al desnudo la soledad sus soledades, incluso sus aspectos más destructivos. No parece
ser el caso, pero la toma de riesgos del protagonista haciendo piruetas con su
moto es permanente, y pareciera ser que su vida es un juego con la muerte.
No obstante todo ello, el film es un entretenimiento bien
realizado, bien actuado y mejor filmado, que mantiene el interés de la acción durante
toda la película. Vayan al cine que se van a divertir, esto es adrenalina en
estado puro.
martes, 26 de agosto de 2025
HOMO ARGENTUM de Mariano Cohn y Gaston Duprat
Escrita y dirigida por Mariano Cohn y Gaston Duprat el film
tiene las pretensiones de retratar a través de una estructura episódica el ser
argentino. Para ello, se nutre de buen
humor que ronda a lo largo del film, como así también en la melancolía que es
capaz de transmitir la capacidad actoral
que despliega Francella, proeza que implica dar vida a 16 personajes
diferentes.
El film tiene la pretensión de lograr una hazaña, la de
describir al ser argentino, el Homo Argentum que da título a la película. El
film es una comedia situacional que describir a través de una serie de
episodios el ser argentino.
No obstante, el film opera y cumple sin demasiadas
pretensiones. Realizada en base a 16 sketches que con el objetivo de poder dar
vida al “ser argento” pierde el ritmo de una comedia, se deshilvana como película
unitaria y se convierte en una serie de
mini comedias donde si bien luce la actuación de Franchela, no logra exponer su
objetivo de pretender la descripción del ser argentino a través del desarrollo
de 16 caracteres que interpreta con su vena de actor cómico.
El film si bien no pierde unidad temática, los sketches se
vuelven reiterativos y en definitiva la comedia termina transitando más por la
solvencia personal del actor que por los personajes que interpreta. Franchela
termina siendo Franchela ahogándose en sí mismo y dejando pasar una gran
oportunidad de la que no son ajenos los ya mencionados Cohn y Duplat.
Como dice el refrán, el que mucho abarca poco aprieta. La
intención fue buena pero el resultado no es el esperado. Las pretensiones eran
enormes. Parte de la responsabilidad es de lo productores. Pretender contar 16
historias para describir el ser argentino tal vez sea una meta difícil de
alcanzar. Pero más difícil todavía resulta que un solo actor monopolice todos
los tipos del ser argentino encarnados en un mismo actor.
El actor es muy capaz y hace lo que puede, pero los
directores, sobretodo el guion es donde se encuentra la mayor desventaja. Los
diversos estereotipos terminan siendo siempre Francella, un show a su medida
con el cual pretende definir el ser argentino. El film se vuelve reiterativo y
Francella termina aburriendo tratando de convencer que no hay un estereotipo
del argentino sino 16, un número que escapa a cualquier veracidad.
No obstante ello, el film permite el lucimiento personal de actor,
muestra una alta capacidad para mimetizarse en los diversos personajes delineando
al ser argentino. En el fondo, el film entretiene pero no llega a su objetivo
principal, el de encontrar al estereotipo. No obstante, cabe destacar esa larga
lista de personajes que en el fondo siempre es el mismo, pero permite que
Franchela termine mostrando una gran ductilidad para lograr su objetivo.
lunes, 25 de agosto de 2025
EL AMOR MATERIALISTA de Celine Song
La nueva película de
Celine Song transcurre en Nueva York y relata
el romance de un trio interpretado por Dakota Johnson, Pedro Pascal y Chris
Evans que transcurre en la ciudad de
Nueva York y trata sobre las relaciones sociales modernas entre ellas, las amorosas.
La protagonista principal es Lucy, quien más allá de sus propios problemas, se pone en todo
momento a prueba y en consecuencia su vida oscila entre sus propios deseos
personales y sus obligaciones de trabajo. No obstante, el amor es el tema
principal de la película, la cual profundiza sobre la realidad de esos
sentimientos, considerando lo primero como un ideal y lo segundo una realidad ligada
al acontecer diario. Nueva York se ofrece como un ámbito de despersonalizado
que opera como un centro de contención que permite todo tipo de relaciones.
No obstante, la
ciudad opera como un lugar de contención, como también un reflejo de la vida de
los personajes. La Gran Manzana siempre despierta se constituye en un elemento clave
que se transforma en un personaje más en la historia.
La directora Celine Song
es una coreana de 36 años que logra mantener un equilibrio entre el tono
realista de la vida en la ciudad, donde ocurren diariamente una enorme cantidad
de situaciones donde la misma ciudad es la que impone las reglas cuyo respeto
desarrolla ambas expectativas. Su debut
cinematográfico como directora tuvo lugar con Vidas Pasadas que se estrenó en 2023 en el Festival de Cine de
Sundance.
La propia ciudad personifica
las emociones diarias sirviendo de contraste con su ritmo acelerado. Song logra
conectar los entornos urbanos con el conflicto interno de sus personajes. Lucy autocrea una atmósfera donde las
frustraciones y triunfos de los personajes son eminentemente cinematográficos.
Dakota Johnson construye con solidez su personaje, el cual refleja la ambigüedad de sus problemas.
Su personaje es vulnerable, no obstante tiene
iniciativa propia y poder de convicción.
La banda sonora a
cargo de Japanese Breakfast genera el
respaldo adecuado, y el film escapa de los esquemas conformistas conformando en
primer lugar un sólido entretenimiento que permite reflexionar sobre la época
que vivimos, y la necesidad de amar para poder proyectarnos hacia nuestros
objetivos.
sábado, 9 de agosto de 2025
CUANDO CAE EL OTOÑO de Francois Ozon
Francios Ozon es uno de los herederos de la Novelle
Vague. Tal vez, el más importante, el que más se ha destacado. Su filmografía
ya ocupa un lugar importante en la historia del cine francés. Tiene en su haber
más de 20 películas estrenadas, más precisamente 24.
En Cuando Cae el otoño, se encuentra nuevamente frente a
un film cálido, donde poder manejar los sentimientos nos llevan,
particularmente a poder comunicarnos con los seres queridos y aquellos con
quienes queremos comunicarnos.
El film resulta una película interesante en lo
concerniente a la necesidad de comunicación que necesitan los seres humanos.
Sus personajes son unas señoras de unos 60/70 años que viven aisladas en casas
de campos. Su protagonista principal es Michelle, interpretada por Helene
Vincent, una mujer que transita los cerca 60 años, es actriz y acaba de
completar su primer protagónico. Vive sola en medio de una zona lejana a Paris.
Su vecina y mejor amiga
Michelle es una mujer anciana que vive preocupada en
mantener las relaciones familiares siempre latentes que se ve involucrada en
una trama familiar que le permite a Ozon desarrollar el relato haciéndolo
caminar por una cuerda floja que llena al film de suspenso. Michelle les cocina unas setas
silvestres que resultan ser tóxicas. Todo lo que acontece después parece fruto
del infortunio, pero la sombra de la duda crece cuando conoce al hijo de
Marie-Claude, que acaba de salir de prisión.
La narración adquiere fuerza para mantenerse a sí misma
sin trampas ni golpes bajos, dejando que el director se desprenda del modelo y
dando mayor dimensión a sus personajes. Un incidente inesperado saca de la
tranquilidad a los personajes encerrándolo en una especie de thriller familiar.
En todo momento el film es gobernado por la ambigüedad
del relato. Michelle hace una pregunta pero la respuesta nunca llega. La falta de certeza se apodera
del relato. La aparición de otro hijo recién salido de prisión complica más la
trama.
Los personajes toman fuertes decisiones, se equivocan,
otras veces, aciertan, pero el film late con fuerza. Una película interesante del director francés que
atrapa al espectador no solo por las buenas intenciones sino también por la excelente construcción de
un suspenso que logra mantener al espectador hasta el final mismo de la película.
miércoles, 6 de agosto de 2025
DONDE ESTÁ EL POLICIA? de Akiva Schaffer
Corrían los últimos meses de los años ´80. Los géneros
cinematográficos comenzaban a repetirse. El cine de acción estaba siendo dejado
de lado por modelos más atrevidos. Costaba mucho mofarse de sí mismo.
Sorpresivamente aparecieron los hermanos Zucker. Ellos, bajo
el ritmo de la comedia, intentaron hacer un policial diferente caracterizado
por un humor desfachatado. El riesgo valió la pena. La Pistola Desnuda se convirtió en un éxito, y se
transformó en un clásico de la comedia humorística.
Los años pasan y el cine por diferentes momentos. Ahora se
encuentra en un mal momento. Intenta reciclarse pero no lo consigue. Sorpresivamente,
aparece la figura de Akiva Daniel Schaffer, un escritor
estadounidense que escribe para Saturday Night Live, y que también es director
de cine, compositor, y miembro de The Lonely Island, un grupo de comediantes
que tuvieron éxito por Internet, intentando desarrollar un nuevo estilo de
humor realizando una la remake de la película mencionada al principio.
Volcado hacia el absurdo
total, Schaffer logra pasar con éxito el desafío que presenta esta remake que logra saltar a
través de los años y establecerse con seriedad de la mano de actores tales como
Liam Nesson, un señor actor inglés, acompañado por Pamela Anderson, Danny
Huston y Paul Michael Glaser.
La actuación de Nesson es
extraordinaria. Lo conocemos hace años y había brillado tanto en el teatro como
en el cine inglés. Pero pocas veces había tomado un papel tan lejano y riesgoso
como éste. Últimamente destacó en el policial, particularmente en el policial
inglés, dando vida a una docena de policías. Aquí tomo el toro por las astas e
hizo suya la película. Sin duda, interpreta a otro policía de investigación en
medio de un aquelarre donde todo lo que ocurre es exactamente lo opuesto a lo
esperado.
Aceptando el desafío del
absurdo, y con el monumental apoyo de Nesson, la película se alza con esa actuación
magistral del inglés colocándolo no solo en lo mejor del policial visto últimamente,
sino también lo coloca al tope de la comedia humorística, sorprendiendo con una
actuación diferente a lo acostumbrado levantando una comedia que terminará
haciendo época.
De por sí, La Pistola
Desnuda fue un éxito en su momento marcando una época. Sin lugar a dudas, vuelve
reciclada con las mismas honestas armas no solo para dejar establecido a Nesson
como un gran actor, sino también como un gran comediante, que en este caso, se
pone un viejo éxito al hombro y lo recicla y actualiza poniéndolo al tope del
cine de la comedia policial como género.
miércoles, 30 de julio de 2025
TRES AMIGAS de Emanuele Mouret
TRES AMIGAS de Emanuele
Mouret
LAS RELACIONES PASAJERAS
Joan ya no está enamorada
de Víctor. No obstante ello, sufre porque no mantiene una relación clara con
él. Su mejor amiga, Alice, trata de transmitirle tranquilidad dado que ella
misma ya no siente pasión por Eric, aunque su relación no se ha roto. No
obstante, ella no sabe que su marido tiene un amorío con su amiga Rebeca. Joan
decidirá dejar a Víctor y éste se irá desapareciendo, tratando de encontrar una
vida distinta.
El film de Mouret trata sobre
los sentimientos encontrados en las relaciones de un grupo de personas que se
conocen desde su juventud. Han crecido juntos, vivido experiencias comunes, e
incluso, desencontrado varias veces en sus vidas. Tanto sus emociones como sus tristezas
resultan creíbles. Sus personajes son personas comunes que se conocen desde su
infancia y se quieren porque se conocen de toda una vida.
Entre ellos no hay hipocresía. Son lo que son, espontáneos y auténticos.
Priorizan la amistad, resultan queribles, sus emociones responden al común de la gente. En consecuencia, el film
resulta conmovedor, sensato y realista en gran parte debido a las actuaciones creíbles
de un grupo de excelentes actores que cumplen su rol con eficacia y
verosimilitud.
El film es muy concreto. Las mujeres están pasando el inicio de una
crisis existencial. Son amigas que se apoyan entre ellas tratando de evitar
conversaciones que escuchen sus maridos. Viven con el celular en las manos y de
esa manera se conectan mutuamente.
El teléfono opera como si fuera un instrumento esencial de comunicación,
y sus catarsis operan baja esa misma cuerda. El teléfono opera como si fuera un
confesionario que expía todos los presuntos pecados.
El
director Emanuele Mouret elige un estilo Woody Allen donde las conversaciones
telefónicas reemplazan a los encuentros personales. Ello los lleva a
comunicarse diariamente por teléfono. Sus charlas son diarias y comunes. Facilita
la cuestión el conocerse desde la infancia. Entre ellos no existen los
secretos.
Cada
personaje arrastra una cruz. El plano central de la película lo monopoliza Joan.
Ella ha perdido interés en su marido, está sola y desea vincularse con oro hombre
al cual no encuentra. En consecuencia, se siente sola. Su amiga Alice finge un
amor que no siente. Eric es un hombre exigente y de una sola mujer. Y Rebecca completa
el cuadro viviendo su sexualidad desapasionadamente.
Con
planos limpios y diálogos claros, subrayado por la banda sonora de Benjamin
Esdraffo y climatizados por temas de Mozart, Ravel y Mendelson, el director
compone un ambiente de armonía y donde
ya ninguna relación es eterna, salvo aquellas que se crearon de niños.
jueves, 24 de julio de 2025
FUERA DE TEMPORADA de Stéphane Brizé
La melancolía es un estado de ánimo que tiene que ver con
la sensación de tristeza, profunda, sosegada y
permanente, nacida de causas físicas o morales, que quien la padece no
encuentre gusto ni diversión en nada, lo cual genera un estado de ánimo
que la mayoría de las veces lleva a la
separación de una pareja. Es un sentimiento que genera tristeza, profunda y prolongada
la mayoría de las veces, lo cual tiene que ver con la perdida.
La nueva película de Brizé encuentra a los protagonistas pasando una crisis amorosa
profunda que los ha llevado a la separación. Ambos han dejado la ciudad y han
viajado hacia la playa con la intención de reflexionar y encontrarse consigo
mismos.
No obstante, no han podido superar un estado de tristeza profunda
producto de un desencuentro donde los ánimos y los sentimientos se encuentran
confundidos. En consecuencia, los protagonistas se encuentran en un estado de
confusión propio relacionado con la separación reciente donde todavía cada uno
de ellos no logra ubicarse como tampoco
dilucidar qué es lo que quieren realmente de esa pareja que han compuesto
durante un tiempo importante pero que en ahora los encuentra en crisis.
El film, sin dudas, es una de las mejores películas
vistas estrenadas durante este año. Se trata de un film de amor sobre una
pareja que ha pasado un momento de crisis
amorosa. El director Brizé se concentra en narrar los sentimientos de confusión
que les genera esa situación..
La película se concentra en esos estados de ánimo
confusos producto de la crisis que los protagonistas están viviendo. La distancia
que han tomado uno del otro los ha alejado y desamparado. Se encuentran
perdidos y sin duda sin duda no saben
bien lo que quieren y buscan referencias que los ubiquen en esa nueva situación.
Guillaume Canet interpreta a Mathieu, un
actor mayúsculo
que en
algún momento sintió que le quedaba pendiente saltar a un escenario, por lo que
ensaya una obra de teatro, pero temeroso de un fracaso, se baja del proyecto
semanas antes del estreno y se va a un hotel en la costa, solo, sin su esposa
pretendiendo conseguir una temporada de relax, masajes, caminatas por la arena
junto al mar y lectura de guiones.
Y no va que, vaya casualidad, en esa ciudad balnearia, vive Alice, la
mujer con la que tuvo un romance hace años, y a la que él dejó... Pero no vamos
a contar más que eso.
miércoles, 2 de julio de 2025
F1 de Joseph Kosinski
SUUENA A REPETIDA
Corría el verano el verano de 1967 en Mar del Plata. Yo
era un adolescente amante del cine que esperaba las vacaciones ansiosamente
para poder ir a la playa pero sobre todo al cine para deleitarme con los grandes
estrenos de principios de temporada. En aquel momento, Grand Prix era el
estreno más esperado.
La película era un gran espectáculo, diferente a las
demás películas toda vez que refería a un deporte donde prevalecía el vértigo y
la emoción sobre la comedia o la tragedia.
Pete Aron, protagonizado
por James Garner, era un corredor de autos de Fórmula Uno que había sido expulsado
de su equipo por ser responsable de un accidente en una carrera que había dejado
gravemente herido a otro corredor de autos. Treinta años después, se encuentra
con su viejo compañero de equipo, un tal Cervantes, que se encuentra al borde
de la quiebra, y lo convence para que
Sony pueda volver a correr autos y salvar a su equipo.
El resultado es una
película entretenida que no aporta demasiado como gran espectáculo aunque llega
a enganchar al espectador dado al automovilismo deportivo dado que las carreras que presenta el film son
lo suficientemente atractivas como para mantener al espectador común..
No obstante, el film
pretende profundizar y en consecuencia, aparece el tema de la culpa, lo cual
reaviva la película en la mitad de su metraje dando lugar a una escaramuza del
guion en el cual un aparece un piloto que comete un error siendo obligado a
trabajar para un nuevo equipo menos famoso que le permitirá una nueva
oportunidad de demostrar su capacidad
conductiva.
La película no concede
pausas, y en consecuencia, permite que el espectador disfrute del espectáculo
sin necesidad de analizar la trama, ya sea cuestión del tema, tanto como a su desarrollo.
El resultado final es mediocre. Como remake, no tiene sentido,
sobre todo porque todo esto lo hemos visto durante muchos años. El lujo de la F1 solo entretiene pero el film no llega a destacar ni como espectáculo deportivo ni como gran película
donde las pasiones sobresalen sobre los
sentimientos. En una palabra, resulta reiterativa y no agrega nada a lo ya
visto.
domingo, 1 de junio de 2025
POR TODO LO ALTO de Emmaniel Courcol
lunes, 26 de mayo de 2025
MISION IMPOSIBLE de Christopher McQuarrie
Con solo mirar a los productores de la película (Paramount Pictures, Skydance Productions, Cruise/Wagner Productions, y Tom Cruise) salta a la vista la importancia que tiene el estreno de esta semana. No hay duda que se ha invertido mucho dinero en ella. Lamentablemente, los resultados cinematográficos no satisfacen las expectativas suscitadas.
El film tarda en aparecer. La acción se reserva hacia el final. Cuando todo parece terminado, aparece lo esperado. Los silencios son muy largos. Los diálogos, escasos. La acción es muy poca y de repente, aparece la acción y termina la película,
Para narrar eso ha trascurrido dos horas y cuarenta y cinco minutos. El personaje principal, Ethan Hunt ha conseguido impedir que Gabriel, el malo de la película, controle tecnológicamente el programa de IA conocido como ‘The Entity’” en un escena final que parece de otra película donde la acción se concentra en las acrobacias del personaje cruzando en un avión caza a cielo abierto.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como que nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de muy poca acción para serlo, y esa poca acción se concentra en una serie de acrobacias aéreas interpretadas por el propio Tom Cruise según se ha dado a conocer.
La acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese género. El film da la sensación que está hecho para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film, obviamente, termina siendo una clásica película de saga que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto de colmarse de repeticiones que no agregan nada. .A su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos, el film parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, las dos horas anteriores terminan siendo la espera de una señal que parece nunca llegar. Obviamente, el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas interpretadas por el propio actor de la película.
Siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde su propio comienzo en la televisión desde cuando era niño ha corrido mucha agua bajo el puente. He visto sus diversas puestas, tanto televisivas como cinematográficas, y reconozco que el film es un buen intento de actualización de la serie, en este caso cinematográfico, pero el film solo logra destacar en su final y para ello no solo debemos esperar cerca de dos horas de película para que despertemos de una siesta previa donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.
En esta última entrega de la saga, reina la incertidumbre, Es como si nadie es capaz de poner las cosas en su lugar. Es una película de acción pero la acción tarde en aparecer, De hecho, hay más silencio que acción, cosa rara en una película típica de ese género. El film da la sensación que está hecha para para concentrar el misterio en el final, pero tampoco es así. En consecuencia, uno sale del cine bastante confundido.
El film termina siendo la clásica película que está hecha para llegar al fanático, aquel que perdona todo pero se da el gusto. .Al su principal actor, Tom Hanks, le cuesta entrar en escena y por momentos parece perder el hilo narrativo. Hacia el final, parece que las dos horas anteriores son simplemente una presentación de alguien que está esperando una señal que nunca llega. Lo cierto es que el final llega, pero se concentra en las peripecias de un aviador capaz de hacer las mayores acrobacias aéreas.
En definitiva, siendo un fiel seguidor de la serie, que la he visto desde el comienzo mismo de la televisión aquí en Argentina, y la he continuado en sus sagas cinematográficas, tengo que reconocer que el film solo logra destacar en su final pero para ello hemos de esperar dos horas de película donde nuestro héroe Ethan Hunt se da el gusto de cerrar la película con una hazaña de carácter más circense que cinematográfica.
sábado, 17 de mayo de 2025
DESTINO FINAL de Mike Flanagan
Respondiendo a un género clásico, el suspenso y el terror
dicen presente con el estreno de Destino Final. Hace muchos años que eso no
ocurría. Parecía haber desinterés en el público
y seguridad en la taquilla. Como si el género hubiera pasado de moda. No
obstante ello, el género vuelve a aparecer. Destino Final es una auténtica película
de terror que responde totalmente a la forma del género.
Forma parte de una secuela de películas que se estrenarán
a partir de esta semana y que viene a llenar un espacio que había quedado vacío
y olvidado a pesar que el gran público siempre se ha sentido la existencia de un
vacío, un espacio desocupado en las salas de cine donde este género dejo de producirse.
La película opera y cumple con solvencia bajo la
dirección de Mike Flanagan, al cual no conozco, pero que se maneja con la debida
corrección como para salir airoso del desafío que constituye resucitar un género
que parecía olvidado o descartado por una parte del gran público y de todas las edades.
El film opera y cumple con solvencia respetando las
reglas de juego y llegando a buen puerto. La satisfacción de la platea se
manifiesta claramente con su aplauso final, pero lo más importante es la
recuperación de un género que pareciera muerto y que ha resucitado
satisfactoriamente.
Después de mucho tiempo de no ver películas de terror,
esta obra que estamos comentando nos ha permitido rencontrarnos con un cine que
pareciendo abandonado, resucita sorpresivamente y con éxito de taquilla.
miércoles, 14 de mayo de 2025
CONTADOR 2
Si bien planteado como un film de entretenimiento, la cuestión funciona como una narración que no da tregua, basada en el vértigo puro, transformándose en un ejemplo de un cine acelerado cuyo único objetivo es mantener enganchado al espectador de principio a fin de la narración
El vértigo es tal que
deja de importar lo que se está narrando
para que el espectador ponga toda su atención en ese vértigo que se transforma
en fuerza motriz de la película.
El protagonista del film es Ben
Affleck, quien interpreta a Christian
Wolff, un genio matemático que se dedica a manejar las finanzas declientes non
santos y ahora se ve envuelto en la
necesidad de dilucidar un asesinato cuya única pista es un mensaje poco claro,
casi críptico, que deberá resolver. Su
hermano Brax será su ayudante. La investigación comienza.
La película resulta una vorágine
de imágenes que son mostradas de acuerdo a un hilo conducente de la acción y a
una velocidad tal que en muchas oportunidades este espectador a perdido el sentido
de la narración aunque durante el metraje nunca ha dejado de prestar la debida
atención.
Ben Afflelck interpreta a un
hombre que trabaja como contador público pero en realidad es un genio de las matemáticas
pero vive del lavado de dinero. Además, sufre del síndrome de Asperger, es
decir, es un autista, un hombre que tiene dificultades para relacionarse con los
demás.
Dirige el film el
director Gavin O’Connor, un thriller complejo donde las relaciones,
los motivos y el dinero dan como resultado un film interesante, sobre todo en
lo formal, respaldado por un buen guion de Bill Dubuque.
El film resulta un entretenimiento complejo pero atrapante. En la
primera película quedó en claro que
tanto él como su hermano mayor Braxton fueron criados por un padre militar que
los entrenó hasta convertirlos en máquinas mortales de combate y que hermanos fueron
entrenados para enfrentar al mal personificado por todo tipo de delincuentes.
Sin
lugar a dudas, el film entretiene con buenas armas y con una velocidad
narrativa que no da tregua.