CODIGO NEGRO de Steven Soderbergh

 

DE ESPIAS Y MATRIMONIOS

Es una película británica que luce como obra de arte a partir de una trama de índole familiar, por un lado, y por otro, se desliza como una comedia clásica de espionaje con ciertos toques de modernismo que hace pensar que nos encontramos con una obra que es algo menos que lo que parece.

Muy bien actuada por dos actores que están cómodamente colocados en la cabecera del cine británico, y con ello, las posibilidades de experimentar sobre bases clásicas, destaca la actuación de Michael Fassbender y Cate Blnachet que con su simpatía logran atrapar el interés del espectador.

La película funciona como un relojito durante la primera media hora de película pero de a poco, como sui se tratara de una comedia de enredos, comienza a ratear el motor de arranque y le cuesta encontrar un camino donde pueda desarrollar con soltura lo que a priori parecía ser obvio.

En consecuencia, el film de espías comienza a perderse, se encierra en el departamento de la pareja, aparecen trapitos al sol y el film se desarma. La pequeña trama subyacente de espionaje rescata la película desde el punto de vista de la trama de espionaje, pero lo cierto es como esas personas que viven aparentando y escondiendo secretos, consiguen tener una relación fluida con el otro y los demás, que si bien no aparecen en el film, están omnipresentes.

No obstante lo señalado, el film, dentro de una cartelera bastante pobre, se destaca como una obra que en todo momento busca distanciarse de los estereotipos y por si misma encuentra el camino. Es una obra diferente de los arquetipos, y dentro del cine inglés, luce como una película que busca diferenciarse por el lado del verismo, narrando con honestidad en una búsqueda de cine verdad.

La necesidad de comunicarse con el otro, salir del encierro propio, son dos puntos cruciales para socializar y poder desarrollar relaciones humanas positivas que permitan primero el desarrollo de la pareja y el encuentro con el otro, y el resto de la sociedad,

PRESENCIA de Steven Soderbergh

UNA CASA ENBRUJADA

Película incuestionable de autor, Soderbergh asume las responsabilidades de dirección, edición y fotografía  logrando hacer  volver a nuestras pantallas un cineasta creativo capaz de realizar un cine personal a la vez que aferrado a los géneros.

Desde la primera escena experimentamos su punto de vista: con una cámara recorre un caserón vacío. Acto seguido llega la familia Payne, quienes compran la vivienda a instancias de la fría Rebeca (Lucy Liu), quien considera que su ubicación beneficiará la carrera deportiva de su hijo Tyler (Eddy Maday), por el que siente una clara predilección en detrimento de su hija Cloe (Callina Liang).

El film nos propone  asumir el papel de un mirón en una casa embrujada, donde existe un ogro que nos complicará la vida. La acción se desarrolla en New Jersey, en una casa de tres pisos, donde el director se mueve con soltura y maneja los hilos de la trama con conocimiento  de los objetivos que se propone alcanzar, el cual es desarrollar un film de terror tradicional pero sumamente actualizado a los tiempos que vivimos, donde un cierto cinismo mueve a los personajes. Por otra parte, el director logra destacarse construyendo un film inteligente y entretenido, que sin dudas, también tiene ansias y aspira a renovación del género.

La película no engaña al espectador, y en consecuencia, logra desarrollar una trama atrapante protagonizada por Lucy Liu, Chris Sullivan y Callina Liang,  donde una familia que acaba de mudarse comienza a darse cuenta que la casa está  también habitada por un fantasma.

La trama se desarrolla totalmente dentro de una casa de familia y emplea un punto de vista único que el propio director la presenta como un “emocionante viaje cinematográfico que subraya el estatus del director como que pone a la cabeza al  cine independiente estadounidense”. También destaca la justeza del guion y algunas imágenes capaces de impresionar espectador. 

Como experimento, sigue siendo interesante la solvencia  de una experiencia importante. La presencia fantasmal  nunca se materializada pero ahonda  la idea, sobretodo en el final, donde parece que aquella figura realmente ha tomado forma. 

Presencia, sin duda alguna, rejuvenece al cine de clase B, y muestra la solidez autoral de director, que sin duda trabaja con personajes  bien dibujados que, no obstante, pueden ser objeto de diversas interpretaciones. Su devenir es como una serie de cortometrajes donde una presencia se mueve por la casa, y se transforma en testigo de eventos en la vida de sus residentes. La película sugiere que hay cosas más peligrosas en este mundo que no son corpóreas sino sobrenaturales, y en consecuencia, es una película que admite diferentes lecturas.

MARIA CALLAS de Pablo Larrain

NO EXISTE VIDA FUERA DE UN ESCENARIO

Mujer de un gran atractivo, no solo por su belleza física sino también por su voz, que sin lugar a dudas, ha logrado maravillar a millones de personas. Por otra parte, su vida pasó por diversas vicisitudes. Ella logró atraer no solo a los amantes de la lírica sino también al gran público, ya sea por su vida agitada y tumultuosa como el de una mujer que supo amar, incluso con devoción.

Esta quinta puesta cinematográfica se ubica en el cine de arte, no solo como tributo a la diva lirica sino sobre todo a su persona, pintándola desde dos puntos de vista, por un lado el de su voz, y por otro, por su atractivo personal y su don de buena gente, más allá de todo el barullo periodístico toda vez que fue noticia.

Esta película que se destaca como una obra de cine arte, donde la puesta se concentra casi más que en la propia vida de la diva, en retratarla como una figura extraordinaria, fuera de todo tipo de comparación, colocando su voz como una pieza más de su propio arte, una persona más allá del bien y del mal, sino alguien capaz de conectarse con un público diverso pero fundamentalmente educado y sobretodo sibarita, aquel relacionado que sabe disfrutar de los placeres de la vida y el refinamiento.   

La puesta del film caracteriza por su aspecto estético y sobre todo por el uso del color, mayormente concentrado en la diversidad de los tonos ocre, que dan una sensación de lejanía, de algo pasado que la fotografía rescata exactamente dando el carácter de la película, la cual narra desde una óptica lejana al espectador como si se tratara de una obra de museo, obviamente aludiendo a un pasado de esplendor que se ha disipado, tan solo resistiendo el recuerdo.

En ese aspecto relacionado con  el recuerdo, el film evita las situaciones particulares de la vida del protagonista, focalizándose, sobre todo, en aquellos momentos cumbres de sus actuaciones. En ese sentido, es una biopic diferente que no transita las vulgaridades de los hechos principales de su vida sino que va señalando los momentos cruciales que marcaron una vida llena de méritos, el de una mujer con una voz y un canto privilegiados, que además supo rodearse de la alta sociedad de su época, como así también de mantener un decoro digno de una vida cuyo objetivo principal  era el de marcarse con su talento como una figura fuera de toda época.

Dirige esta película Pablo Larraín Matte, un cineasta chileno, joven, también guionista y productor, nominado al Oscar en 2013 por su película “NO”. También fue director de otras películas, entre ellas Jackie, donde evocó la vida de Jaqueline Kennedy, esposa del presidente americano asesinado en 1963

LA PERSECUCIÓN de Teddy Luci-Modeste

Situación Equivocada

Estamos en un colegio. Julien es un joven profesor que felicita a una alumna. Ella interpreta equivocadamente dicho gesto. Repentinamente, se siente acosada por él.

El profesor es un hombre joven. Está haciendo sus primeras experiencias en la docencia. Es simpático y rápidamente  establece comunicación con sus alumnos.  En una de sus clases, ante una pregunta bien resuelta por su alumna, la felicita y elogia a su peinado. Esto, rápidamente, se transformará en  un problema para él.

Su propósito es destrabar la frialdad de la clase y lograr alentar la participación. Pero sus recaudos son tomados mal por su alumna denunciándolo a las autoridades escolares por acoso sexual.

La película está muy bien lograda. El joven profesor, si bien no se extralimita respeto de su alumna, con su simpatía hacia ella, parece acercarse más de lo debido marcando una especie de insinuación que nada tiene que ver con la clase sino más bien con una conexión personal entre profesor y alumno que va más allá de los límites que establece la enseñanza.

El film está basado en hechos reales ocurridos en una escuela en Francia en la actualidad. El incidente ocurrió realmente y generó discursos  y acusaciones, algunas de ellas fueron mal interpretadas causando un daño moral al maestro,  es decir, todo lo contrario a lo que supuestamente se pretendía.

El propósito de la película es reflejar un estado en el que impera el cambio, donde la sociedad (Francia) todavía mantiene dejos de racismo. Los personajes  principales son adolescentes, es decir, constituyen un medio inestable donde el cambio se vuelve permanente, y comienza a regir incomprensión, algunos miedos, y falta de límites.

El escenario principal de los acontecimientos es un colegio secundario, donde un alumno de primer año es acusado de acosar a Leslie (Toscane Duquesne), luego de utilizarla como un ejemplo para explicar una metáfora. Hablan sobre la seducción. Leslie dice: “Con este nuevo peinado estoy especialmente bella”, y los alumnos gritan que están enamorados de Leslie. Más tarde, Leslie escribirá una carta donde dice que se sintió acosada en el aula, y sus padres harán una denuncia policial.

Septiembre 5 de Martin Felhbaum

Un Recuerdo Nefasto 

Basada en hechos reales, el film, visto desde el periodismo, relata un acontecimiento que nos avergüenza como seres humanos. Se trata del ataque que propinara el 5 de setiembre de 1972 la organización terrorista Septiembre Negro contra la Villa Olímpica de Múnich donde el día 26 de aquel año habían comenzado la Olimpiada  XX.

Aquel día, un comando terrorista palestino asesinó a dos atletas israelíes, y tomaron como rehenes a otros nueve, reclamando la liberación de más de un centenar de presos, generando una masacre donde murieron  9 rehenes y un oficial de la policía de Alemania Occidental, como también 5  de 8 terroristas que habían participado del ataque a la villa Olímpica.

El día siguiente fue de duelo mundial. El mundo se sentía consternado. A pesar de lo ocurrido, los juegos consiguieron seguir con normalidad. Solo fueron suspendidos tan solo por veinticuatro horas. No obstante, algunos atletas abandonaron la villa olímpica de Múnich sin alterar su desarrollo. Esta versión de los juegos constituía la primera entrega en vivo y en directo para la televisión mundial.

El film, concretamente, se concentra en la figura de un periodista, Geoff (John Magaro), un periodista de la cadena deportiva americana ABC, que lejos de enfrentar  a los terroristas, trata de seguir los hechos sin moverse desde donde se encuentra atrapado por los acontecimientos. Es un periodista que se encuentra en una situación inesperada, y lejos de tratar de escapar de la situación  en que se encuentra, decide seguir transmitiendo las noticias a través de llamadas telefónicas. Su nombre es Roone Arledge, interpretado por el actor Peter Sasgard, que obviamente, se roba la película en una actuación inolvidable, donde pone a su disponibilidad toda su ductilidad interpretativa. Lo  acompañan en el cast Roone Arledge, Leoni Benesch y Marvin Bader.

El film se transforma en una verdadera obra maestra en su género, el hecho periodístico en sí mismo, un ataque terrorista que encuentra al periodismo en el lugar de los hechos. El mismísimo “en vivo y en directo”, donde ellos podrían haber sido las víctimas de los propios terroristas que azolaban el canal de televisión.

Esta película es una obra cuya trascendencia resulta sorprendente por su perfección narrativa, el nivel de sus intérpretes y sobre todo, la calidad de su puesta en escena que sin lugar a dudas, atrapa al espectador con honestidad y mejores recursos.

AUN ESTOY AQUÍ de Walter Salles

DE ESO NO SE HABLA

Basada en hechos reales, nos traslada a la década del 60/70 en Sudamérica, concretamente en Brasil, donde grupos de izquierda pretendían realizar la toma del gobierno central, al igual que en otros países sudamericanos, con el propósito de establecer gobiernos revolucionarios con el objetivo de establecer mejores condiciones de vida basada en la igualdad social.

El film que nos ocupa no es una obra política sino más bien la pintura de una época donde la revolución todavía no ha generado ningún cambio de status, sino que surge un deseo colectivo que pretende lograr un estado de igualdad social aunque ese viraje solo se dirige hacia una mayor decadencia social, la aparición del miedo, la censura, y las peores formas dictatoriales.

Se trata de un film de encierro, donde una familia, padre, madre y cuatro hijos en edad escolar, viven inmersos en el “mejor no te metas”, dando lugar a un propio encierro que da lugar a un grupo de extraordinarias actuaciones que da lugar a un drama que pinta toda una época nefasta.

La institución familiar es la que sufre el encierro donde no solo de eso no se habla, sino que tampoco se hace demasiado para tratar de eludir la comodidad de aquel encierro dado que miles de personas han sido encerradas en las cárceles populares y en la vía pública no se permite siquiera hablar.

Walter Salles no es un director debutante. Se caracteriza por recurrir a temas como el exilio y la búsqueda de identidad en sus películas. Se hizo famoso en 1995 con su película Tierra Extranjera (1995), transformándose en un cineasta comprometido con la realidad de su país, siendo reconocido en festivales de cine con diversos premios.

De Eso No se Habla es una muestra más de su talento cinematográfico. Una obra de madurez, en la que brilla su calidad expositiva, donde un 90 % de  la obra está encerrada en un departamento de clase media  en la ciudad de Rio, donde su principal protagonista vive una situación de encierro con el propósito de mantenerse aislado y con ello eludir toda posibilidad de tener contacto con el prójimo y poder evitar todo compromiso.

Sin lugar a dudas, el estreno de esta semana es una obra meritoria que recoloca al cine brasileño en un primer plano con una película no solo interesante sino también muy bien hecha, sobriamente actuada y fotografiada, donde la carencia social se interpone a toda posibilidad de desarrollar una vida sana y en sociedad con parientes, vecinos, amigos, compañeros de trabajo, y muchos más.

UNA VIDA SOÑADA de Morgan Simon

LA MADRE Y EL HIJO ADOLESCENTE

Interpretada en los papeles centrales por una excelente  Valeria Bruni Tedeschi, en el papel de  la madre, y Félix Lefebre, como su hijo adolescente, es un fiel reflejo de un periodo de la vida en el cual los hijos comienzan a hacerse grandes y requieren vivir su propia vida.

Las discusiones entre madre e hijo se vuelven insufribles e interminables. Cualquier  cosa deriva en un conflicto de carácter familiar, incluso con capacidad de expansión.

Bruni Tedeschi sobresale  en su creación una  mujer soletera, madre de un hijo quinceañero,  que ha llegado a los 52 años de edad y está de vuelta en la vida. Vive sola en un edificio  que pertenece al ejido municipal, no tiene trabajo un trabajo estable y está muy sola en la vida, carente de cualquier tipo de relación, ya sea de amistad como de amor. Es una mujer que se priva de todo, y todo le cuesta mucho, especialmente, lidiar con un hijo adolescente que si bien no es un mal chico, es un muchacho en plena rebeldía. Ella ha sobrepasado los 50 años y ha comenzado a envejecer. Eso se refleja más en frente de su hijo que de su espejo.

Su hijo, interpretado  por Feliz Lefebre, está en una edad difícil donde demanda ser él mismo. Necesita más libertad que tutela. Casi no soporta a su madre. Está en ese periodo de rebeldía en el que necesita encontrarse a sí mismo lejos de las reglas maternales, Está en una edad en la cual ¨quiere encontrarse y ser él mismo”.

Morgan Simon dirige esta película con pericia y sin fisuras. Es consciente que maneja un material de características universales. La relación madre / hijo así lo es. Su obra es sencilla y honesta. No describe otra cosa que un periodo de la vida familiar donde los hijos pretenden querer comenzar a manejar sus propias vidas, tomar algunas decisiones e ir desprendiéndose de a poco de la tutela de sus padres.

El film describe un momento de la vida contemporánea donde miles de personas se encuentran en un estado de soledad donde falta trabajo, no hay amistades ni amores, donde su hijo reclama a su madre una libertad que ella misma no tiene.

Gran película de Morgan Simon, un director cuya obra aun es desconocida en los cines argentinos. Obviamente, esta no es su opera prima, ni es un director principiante. De hecho, la película comentada, recientemente estrenada, es una obra tanto de madurez como de libertad personal. Su cine es concreto, va al grano y no se regodea en preciosismos visuales. Por el contrario, narra en forma directa, sin preciosismos, logrando llegar a su objetivo con recursos naturalmente cinematográficos y actorales.

EL BRUTALISTA de Brady Corbet

LA ILUSION DE UN MUNDO MEJOR

La mudanza de Hollywood a Nueva York ha comenzado a rendir sus frutos. Sabemos que los grandes estudios de Hollywood se han desmantelado, y algunos de ellos han emigrado hacia la meca de la televisión, es decir, Nueva York.  Todo es posible en el mundo del cine y la televisión.

Consecuencia de ello, la televisión neoyorkina ha comenzado a producir cine en gran escala. Es decir, no solamente produce televisión donde sin lugar a dudas ha atenido relevancia absoluta, sino también películas de largo metraje con un propósito más cinematográfico que televisivo.

Posiblemente El Brutalista se transforme en la nave insignia de ese cambio. Es una obra de casi cuatro horas de duración divididas en dos partes con un intermedio que abreva en un neo realismo moderno ya no con el espíritu de generar un cine propiamente realista sino el de poder filosofar con el propósito de analizar el pasado y concluir sus consecuencias.

El film no deja de preguntar ni de cuestionar. Es básicamente, un examen del pasado. ¿Realmente ha tenido lugar el fin de la guerra? ¿Acaso han logrado vivir mejor los emigrantes en Estados Unidos? ¿América ha respondido con generosidad a los sueños de esa gente?

El film deja un gusto acido. Ni muy dulce ni tan amargo, deja una tan solo una respuesta concreta. Obviamente, el americano típico es un descendiente. Hijo de un europeo autentico,  la emigración hacia el nuevo continente ha permitido una inclusión vasta y generosa. No se puede decir que los Estados Unidos no han sido un país generoso con la emigración. Es más, se puede afirmar que es un país de emigrantes.  Pero lo que importa en el film es el dejo que arrastra el emigrante, la añoranza de lo dejado atrás, que si bien permite la asimilación, se acostumbra y se incorpora socialmente, aunque no deja de añorar un poco de aquel pasado que ha abandonado.

Esa decisión, seguramente, ha sido estudiada, pensado, meditado y ha tomado una decisión que es la de emigrar. Buena parte de nuestras familias son descendientes de emigrantes. La película deja pensando que ese inmigrante que nunca dejará de serlo. Arrastrará como una cruz invisible que lo vincula con un pasado que en un momento lo dejó en crisis, y que lo mantiene endeudado con ese abandono. El cine se vuelve sentimiento.

La película es cine en un estado puro. Está cargado de silencios que invitan a encontrarse consigo mismo. Las imágenes mandan y suenan  como una caja de resonancia que siempre remite a un pasado.  Y ese pasado se ha transformado en una especie de silencio que remite a una culpa, a un abandono, a una necesidad de explicación, a entender el presente.

Por otro lado, parece preguntar qué ha pasado con el sueño americano, con esa infinita grandeza y prosperidad que transformó Estados Unidos como la Meca americana  en medio de aquella en aquellos tiempos de posguerra y desazón?

Sin lugar a dudas en una de las películas más significativas e interesante que ha realizado el cine americano. Está a la altura de obras tales  como Citizen Kane de Orson Wells (1941), El Padrino de Francis Ford Coppola (1972) o La Lista de Schindler  de Steven Spielberg  (1993). Todas aquellas obras que supieron marcar un antes y un después.

CONCLAVE de Edward Berger

EL PODER DE LA IGLESIA

El tema religioso no ha sido evitado por el cine.Varias películas pueden ser recordadas tanto por sus valores espirituales como políticos. Una de mis más recordadas es un film llamado El Cardinal de Otto Preminger (1963), otra de las muy populares fue Las Sandalias del Pescador (1969), como también Ángeles y Demonios (2009). En esa lista no podemos dejar de recordar un film muy estilizado  como Amen, dirigida por Costa-Gavras en 2002, en la que se narra la supuesta complicidad con que la Santa Sede y varios países del mundo toleraron que Alemania avanzara en el exterminio de judíos durante la Segunda Guerra Mundial.

Ahora aparece un director de origen alemán con un film denominado “Conclave”, una obra rigurosa  desde lo estético pero algo alargada en lo cinematográfico que nos lleva a un momento en la Iglesia Católica donde el tema fundamental se concentra en el ejercicio del poder, el cual es minimizado en una serie de encuentros y desencuentros entre dignatarios de la Santa Sede a partir de la muerte de un Papa, momento en el cual todo el aparato se vuelve tambaleante donde los ejercicios espirituales dejan paso a las pretensiones de aquellos más hombres más poderosos de la iglesia y las simpatías particulares que cada uno de ellos sepa generar con el propósito de quedarse con el primer puesto.

El film deviene en una serie de charlas, algunas abiertas, otras  más cerradas, incluso la necesidad de poner en marcha en forma inmediata el ejercicio de poder para marcar la cancha, si bien logra entretener desnudando a través de las conversaciones cada una de las pretensiones de los diversos dignatarios no llevan hacia otra cosa que no sea el poder.

Bien escrito y mejor actuado, el film es un ejercicio de estilo que sale adelante porque no solo desarrolla un tema interesante, destapando aquellas minucias que ponen pequeñas pero molestas piedras en el camino en el camino hacia el poder.

EMILIA PEREZ de Jacques Audiard

UNA  BUSCQUEDA DEL EQUILIBRIO SOCIAL

Estamos ante una película francesa dirigida por Jacques Audiard que transita el género  musical. Basada en una novela Ecoute de Boris Razon, su personaje principal es Rita, una abogada que acepta trabajar para un capo de la mafia, interpretada por Zoe Saldaña, acompañada de un importante elenco femenino. Rita es una abogada mexicana que acepta ayudar a un capo mafia a fingir su muerte para poder llegar a ser la mujer que siempre quiso ser.

Rita gana el caso pero su vida se complica. Descontenta con una vida poco lucrativa, acepta trabajar con un capo de la mafia, el cual es un hombre que pertenece a un cartel de distribución de drogas, cuyo mayor deseo es someterse a una cirugía con el propósito de comenzar una nueva vida. De repente encuentra un cirujano que lo ópera, le cambia su fisonomía y después de ello, se traslada a Suiza, para garantizar su seguridad, donde recibe una suma de dinero a cambio de ello. Manitas finge estar muerto y comienza una nueva vida bajo el nombre de Emilia Pérez.

Cuatro años después, en Londres, Rita se encuentra con Emilia, que quiere reunirse con sus hijos, y llevar a Jessi y a los niños a Ciudad de México a vivir con Emilia, presentándola como una prima lejana de Manitas que se ha ofrecido como voluntaria para ayudar a criar a los niños. Jessi no reconoce a Emilia y se opone al acuerdo, y finalmente solo acepta regresar a México para reunirse con Gustavo Brun, un antiguo amante con quien tuvo una aventura durante los últimos años de su matrimonio.

El film no deja a nadie indiferente y muestra una capacidad narrativa prodigiosa, donde  destaca la puesta en escena y la inventiva visual del director francés. Manitas no quiere ser un narco de curtido de rostro varonil sino una mujer y en consecuencia desde hace dos años el lleva a cabo un proceso hormonal que le facilitará una operación para un cambio de sexo.

En el último festival de Cannes aplaudieron la audacia con que Audiard aborda la realidad mexicana a partir de personajes particulares. Más allá de eso, el film admite las licencias narrativas que el director americano ha utilizado. Su film da muestras de una libertad, una ambición y una apuesta por el riesgo que siempre es de celebrar. Emilia Pérez es una película notable porque no solo toma riesgos sino también  logra llegar al gran público con armas nobles, es decir, una enorme capacidad narrativa.

ANORA de Sean Baker

LA CENICIENTA EN NUEVA YORK

Es  la nueva comedia del director neoyorquino Sean Baker.  Escrita por el mismo director, es protagonizada por Sean Baker, acompañado por Mikey  Madison, es la historia de un joven ruso que está de paso en Nueva York y tiene la oportunidad d de viajar a Las Vegas.

Muy bien dirigida y actuada por Mickey Madison como Anora, el film es el ganador del último Festival de Cannes, donde recibió no solo los aplausos de la crítica y del público, sino sobre todo, un prestigio que le facilita su carrera comercial en los cines, y seguramente será candidata a algún premio Oscar en la próxima entrega en el mes de febrero..

Anora es el personaje principal, en una actuación descollante de una trabajadora sexual de Brooklyn, que tiene la oportunidad de protagonizar la historia de Cenicienta cuando conoce al hijo de un millonario y se casa con él, pero cuando sus padres se enteran en Rusia, deciden viajar a los Estados Unidos para deshacer el matrimonio de la joven pareja. 

Todos conocemos la historia ni vamos a revelar incógnitas., pero la película marca la diferencia toda vez que sin dejar de lado la historia conocida, tiene la virtud de enganchar al espectador y recorrer el camino de cenicienta hasta el final. La puesta en escena es sencillamente descollante, Moderna, ágil, bien actuada, con un espléndido escenario donde destacan, sobretodo, los tonos los rojizos que tienen que ver con una puesta pasional de características teatrales que nunca dejan de ser cine. Esto, claramente es cine. No es una puesta teatral aunque lo parezca. 

Sean Baker es un director de cine independiente, indudablemente talentoso, uno de sus más talentosos que ahora descuella en las boleterías y que sin lugar a dudas va en busca de un merecido premio Oscar por la excelencia de su guion, tanto como la de su nivel interpretativo y todos los rubros técnicos.   

En síntesis, un trabajo descollante del director americano que sin duda logra su mejor película hasta el presente. El film tiene la estructura de una comedia clásica heredera de la segunda tanda, la de los años sesenta, con intérpretes como Jack Lemmon y Doris Day. Aquí las estrellas no son dos consagrados sino dos principiantes con ganas de hacer bien las cosas. El resultado es sorprendente, deja huella y marca un camino. Es para aplaudir. Pocas veces se ve una película tan agradable y entretenida como esta con un con un nivel parejo tanto en lo interpretativo como en los rubros técnicos.    

HASTA EL FIN DEL MUNDO de Vigo Mortensen

UNA VUELTA A LOS PRINCIPIOS

Hoy, cuando pareciera que el cine de Hollywood está muriendo y los estudios desapareciendo, aparece una película de género, un western, producido, dirigido e interpretado por el actor Vigo Mortensen que hace gala al mejor cine americano de los últimos años.

La acción transcurre en los Estados Unidos de América donde una pareja de inmigrantes busca encontrar su destino cuando estalla una guerra civil   que los separa transitoriamente cuando él decide alistarse y participar de esa guerra en el convencimiento que su futuro será suyo una vez que el territorio americano deje de ser colonia.

Es una apuesta difícil del guionista y director americano hijo de inmigrantes daneses. El fin tiene varios aspectos a considerar. En primer término,  es una vuelta al lejano oeste en un momento clave de la historia americana. Se  acaba de declarar la independencia del país, y reinaba un gran alboroto. No obstante, la ley del más fuerte desviaba el paso a la constitución recién sancionada,  y una gran mayoría desconfiaba porque aún imperaba la ley del más fuerte.

Mortensen asume el desafío y a mi entender, sale airoso de ello. Enclavada en un momento histórico del país, un hombre busca su destino. Decide afincarse en una tierra lejana y poblada mayormente por indígenas de ese lugar, donde pretende vivir su vida con su familia. En consecuencia, el lejano oeste americano será su destino y el de su propia familia, rodeado por la naturaleza del lugar elegido. Deberá aprender a cultivar la tierra, tendrá que  adaptarse al nuevo lugar  y hacer frente a toda calamidad que pueda imaginarse en un lugar que en ese momento le será ajeno en todo sentido.

Los aciertos de Mortensen son notables.  Lejos de las convenciones del western, la trama se concentra en el descubrimiento de una nueva tierra, todavía hostil, que va camino a la civilización  regida por la ley, comenzando por el pago al derecho a la tierra, sus correspondientes impuestos, el respeto hacia sus vecinos y la naturaleza del lugar. 

El film destaca ese momento de cambio con claridad. Se trata de un momento civilizatorio. Aquí comienza a imperar la ley en un territorio apenas transitado y sobre todo, habitado por indígenas del lugar. El film comienza el camino hacia el lejano oeste.

Hasta el Fin del Mundo es un film sobre la determinación de un cambio de destino, de la necesidad de adaptarse a las consecuencias, de asumir la realidad que nos toca vivir. Impecablemente actuado y mejor dirigido, el film está orientado a una audiencia interesada no solo  en el entretenimiento sino en señalar que la vida está llena de alternativas, donde si el hombre busca, encuentra soluciones, sobre todo , cuando se trata tanto de cambios de época como de lugar. La necesidad de enfrentar dichos cambios debe tener presente la capacidad de adaptarse a lo que no nos es propio, pero debemos respetar.

NADA POR PERDER de Delphine Deloget

NADA POR PERDER de Delphine Deloget

UNA MADRE ES SIEMPRE MADRE

El cine francés puede estar tranquilo. Delphine Deloget, directora de la película que acabamos de ver, sin lugar a dudas recoloca al cine francés en una posición de privilegio en las carteleras del mundo.   Esta obra de una debutante en el largo metraje encara una película de carácter intimista que hace al prestigio del cine francés, es decir, un cine que se expresa totalmente con imágenes, encarando dos temas siempre vigentes, por un  lado, la crianza de  los niños de madres solteras  y por otro, la intervención estatal Estado que intenta ayudar y no siempre lo consigue, sino más bien, lo complica.

El film no se inspira en un hecho real, sino de una ficción que retrata la vida de una madre soltera que tiene dos hijos y a los cuales le es difícil mantener. Ella tiene la tenencia de los niños pero necesita de la ayuda del Estado que no siempre alcanza. Consecuencia de ello, el Estado pretende dar la tenencia de uno de los niños a otra persona.

El film expone un drama de tipo familiar que se transforma en una obra de suspenso.  El acoso hacia la mujer permanente, tanto diario como legal, generando por parte del Estado una persecución anormal pretendiendo poner las cosas en su lugar donde en el fondo de la cuestión no hace más que complicar la misma. Si algo debe estar claro en la película es que los niños nunca vivieron con sus padres pero siempre estuvieron bajo la tutela de su madre.

El director utiliza un montaje rápido que genera por sí mismo tensiones que hacen a la situación de tirantez que atraviesa la madre, como así también, aporta una fotografía en color donde prevalecen las sombras que de esa manera generan en el film un suspenso sostenido que mantiene al espectador firme en la butaca.

La fotografía en blanco y negro llena de luces y sombras generando un ambiente de persecución permanente. El exacto el manejo de las luces y las sombras caracteriza a los protagonistas del relato, el cual está magníficamente narrado y transforma al film en una obra dramática compuesta en un blanco y negro que supone la polarización entre una Madre y un Estado, transformando a ella como una víctima de las convenciones sociales del medio en que viven.

La pareja ya no funciona como tal desde hace mucho tiempo. Ella se ha arreglado sola, y el distanciamiento de su ex pareja ha genera una atmosfera de tirantez permanente, Ahora, además de todos esos problemas, el Estado pretende entrometerse nuevamente para quitarle la tenencia de uno de los niños.

El sólido guion del director, la exacta fotografía en blanco y negro y la extraordinaria actuación de todo el elenco, definen a la película como una tragedia moderna. Las convenciones sociales, pero sobretodo las exigencias de la acción social del estado exigen un comportamiento que le impide a una familia a  vivir su elección de vida en paz

El director Deloget evita el melodrama, arma su película desde la fortaleza de los sentimientos, y esencialmente trata de escapar de las convenciones sociales dando vida a un personaje inolvidable y haciendo crecer una película que no solo entretiene sino atrapa al espectador por la valentía de la propuesta, cuestionando el tejido social y defendiendo la libertad personal del individuo.

LA FAVORITA DEL REY de Maïwenn

LA HISTORIA DE UNA CORTESANA

Estrenada esta semana en Buenos Aires, escrita, dirigida y actuada por Maïwenn le Besco, una cineasta francesa, trata sobre las relaciones sexuales entre el grupo de cortesanas y el rey, Ellas eran mujeres que ocupaban un lugar importante en la vida del monarca. Eran sus amantes y no solo se ocupaban de satisfacerlo sexualmente sino también recibían un trato diferencial dado que se destacaban por su nivel cultural. La mayoría de ellas  pertenecían a alta sociedad de aquella época.

Jeanne Becú, hija de un monje y una cocinera, era una de ellas. Era conocida como Madame Du Barry, de procedencia humilde que, más tarde, por su inteligencia y sensualidad, se convertiría en la amante preferida del Rey.

Francia era conducida por el rey Luis XV,  un hombre mayormente preocupado por sus amoríos. No obstante, destacaba por sus contribuciones a la cultura y las artes. No le importaba demasiado el qué dirán de la monarquía francesa, y en consecuencia su vida particular, y sobre todo, amorosa, le preocupaba más que la política. Consecuencia de ello, Francia se debilitó política y militarmente. La muerte de Madame Pompadour en 1764 dejó un espacio que ocupó de hecho ocupó la consejera y cortesana favorita.

Maïwenn propone en la película una versión romántica de una mujer bella, inteligente e instruida, dotada de una gran fortaleza para tolerar el rechazo del entorno de una corte. La directora pinta ese ambiente con ligereza dando lugar a la  parodia. El tono que elige esquiva la solemnidad, donde destaca un Johnny Depp que juega  con una gestualidad por momentos excesivamente descontrolada.
El film es la historia de una mujer que quiere ser libre pero termina siendo  víctima, no solo de las circunstancias sino de la hipocresía y el devenir de la aristocracia francesa, y se transforma en un objeto de deseo y envidia de sus pares.

Lamentablemente,  el film se vuelve confuso en su desarrollo porque el personaje principal pierde presencia cuando una mujer que oficia de cortesana del rey logra sobreponerse a todas sus pares de la corte, y termina siendo despreciada por  el ejército de rivales de su propio género.

La mirada del film es honestamente feminista.  Cuando Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la  pinte en desnudo, ella dice “Ese mi cuerpo”, dando a entender que su cuerpo no se vendía.
Maïwenn consigue pintar el ambiente aquella corte en un tono que bordea la parodia. No obstante, logra sobreponerse al ejército de mujeres rivales que la han despreciado por su sometimiento. La incomprensión de los hombres que la rodeaban, los que la valoraban en su justa medida o la deseaban,  la mantenían protegiéndola del qué dirán, y de la envidia que generaba entre sus pares.

Hacia el final del relato Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la pinte desnuda. Alega que es su cuerpo, y que  ese cuerpo no se vende. Allí, en ese final, aparece un síntoma de cambio de época. La mujer comienza a tomar sus propias decisiones.

El film esta realizado por una mujer y la mirada del film es honestamente feminista.  Cuando Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la  pinte en desnudo, ella dice “Ese mi cuerpo”, dando a entender que su cuerpo no se vendía.

Maïwenn consigue pintar el ambiente aquella corte en un tono que bordea la parodia. No obstante, logra sobreponerse al ejército de mujeres rivales que la han despreciado por su sometimiento. La incomprensión de los hombres que la rodeaban, los que la valoraban en su justa medida o la deseaban,  la mantenían protegiéndola del qué dirán, y de la envidia que generaba entre sus pares.

Hacia el final del relato Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la pinte desnuda. Alega que es su cuerpo, y que  ese cuerpo no se vende. Allí, en ese final, aparece un síntoma de cambio de época. La mujer comienza a tomar sus propias decisiones.

GOLPE DE SUERTE EN PARIS de Woody Allen

UN ALLEN DIFERENTE

Es el nuevo film del director americano, esta vez estacionado en Paris, donde con 4 actores franceses y un equipo técnico del mismo origen, se dedica full time a encarar una comedia bien a la francés pero escrita y dirigida por el gran director americano.

Allen esta solo detrás de las cámaras aunque previamente y, como siempre lo ha hecho, es también responsable de haber escrito el guion de esta nueva película.

Obviamente se lo extraña como actor de la misma. La película sin él no es lo mismo. Su ausencia fuera del cast vuelve a la película como contenida, con poca reacción, demasiado formal, como si hiciera falta que el director americano  tuviera que rendir un examen y aprobarlo para calificar como director internacional todo terreno,

Pero no nos engañemos. El film es un típico exponente del cine de su autor. De ninguna manera pueda pensarse que se trata de un film afrancesado o europeizado. Tampoco que se trate de una obra menor. Es simplemente, un Woody Allen diferente, Y no podemos dejar de preguntarnos, qué es lo diferente en este nuevo film.

Lo diferente pasa por su ausencia y por la rigidez de la obra. Por momentos parece esforzarse en la formalidad, es decir, el pegamiento a las formas cinematográficas y sobretodo, al sentimiento de necesidad de aparecer afrancesado.

Esta formalidad lo lleva a Francia, justamente donde nació el cine, con un cast totalmente francés, donde aparece después de realizar una filmografía mayúscula. Es posible que Allen se esté dando un gusto de carácter personal,  pero su nivel de formalidad lo ubica en el papel de un principiante que parece decirse a sí mismo “estoy para un 10”.

No hay duda que Allen se tomó muy en serio esta peripecia francesa. Todos los rubros lucen parejos y en un alto nivel. Nadie desentona. Ni la fotografía, ni la música, mucho menos el cast. El propio Allen no aparece más que en lo títulos y lo hace en forma despersonalizada.

La formalidad del film es inobjetable. Su ausencia personal se hace notar  en el casting, pero su destreza narrativa en lo cinematográfico, es la misma de siempre, esta vez, con una mayor pulcritud.

Lo que no llego a entender es la ausencia de Allen en el cast. El guionista y director americano cumple solamente esos papeles.  El elenco luce totalmente francés. De hecho la película esta hablada en ese idioma. No obstante, el resultado formal es una especie de hibrido donde por un lado brilla la formalidad cinematográfica y actoral, y por otro, se extraña esa rebeldía, una especie de inconformismo, cierta falta de prolijidad que hace a la espontaneidad de un film que en ciertas partes parece homenajear más que al cine francés al cine sueco de los años sesenta, más precisamente, a la obra de Ingmar Bergman, películas como El Séptimo Sello (1957), Persona (1966) y Hanna y sus Hermanas (1969).

EL TIEMPO QUE TENEMOS de John Crowley

EL TIEMPO SERA TIRANO

De la noche a la mañana, te cambia la vida. Un examen médico y un resultado negativo. De repente, la noticia te congela el alma. Lo das a conocer o te lo guardas como algo propio. Se acerca tu esposa y dudas, Se lo digo o no lo digo. Depende mucho de cuan cerrada es la persona.

Un nuevo film de amor, que transcurre a lo largo de un solo día. La narración de esa jornada  no es lineal, sino sujeta a una sucesión de pantallazos que van describiendo ese día en las vidas de sus protagonistas retratando y pintándolos tal como son.

John Crowley es un director de cine británico que dirigió, algunos años atrás, precisamente en 2015,  una espléndida película llamada Brooklyn, que también atinaba a describir un día en la vida de una persona  (una joven que comenzaba a transformarse en mujer), narrando con un esquema de realismo concentrándose en la descripción de ese personaje.

Esta nueva película de dicho director plantea desde su inicio una situación trágica que sufre una pareja. Tobías es un hombre joven al cual le han diagnosticado un cáncer de características fatales. Él sabe lo que sufre, es plenamente consciente de su enfermedad y destino, pero guarda la noticia como propia.

Almut es su esposa, y cuando se entera del diagnóstico de su marido se siente desesperada. No queda otra salida que asumir la realidad, luchar contra la enfermedad y tratar de aceptar lo que ese destino depare.

La película comienza dando a conocer su final. En consecuencia, su objetivo es narrar los acontecimientos un día muy especial en su vida., el cual es el que conducen a ello. La cuestión es como asume la noticia el propio enfermo y sobre todo, como se lo transmite a su esposa y demás miembros de su familia.

Andrew Garfield  y Florence Pughson forman una pareja de actores que logran verosimilitud  y en todo momento evitan el tono trágico que encierra el film., logrando dar verosimilitud a sus personajes  y en consecuencia al relato.

La estructura del guion evita la tragedia que se avecina y se concentra en el factor sorpresa, aquello surge que impensadamente de un día para otro, y no da tiempo a asumir la enfermedad dejando al enfermo en una situación de shock que lo aísla de la realidad.

En consecuencia, el drama se transforma en la  tragicomedia de un hombre en soledad. La película oscila permanentemente  entre la tragedia y la comedia, dejando que la realidad transcurra en un segundo plano que si bien existe logra ser ignorado.

Florence Pugh y sobre todo Andrew Garfield hacen un gran trabajo. Tienen carisma, hay química en sus escenas de amor, y transitan con fluidez tanto el drama como la comedia.

John Crowley vuelve a lucir su capacidad narrativa resolviendo una historia que comienza en drama y transforma en comedia,  evitando en todo momento la risa fácil, concentrándose en las características del personaje, dando lugar a una comedia que dará  que hablar.

EL APRENDIZ de Alí Abbasi

 

EL JOVEN TRUMP

La película trata sobre la niñez y la formación adolescente de Donald Trump, hoy ex presidente  y nuevamente candidato a presidente de los Estados unidos de América.  Protagonizada por Sebastián Stan en el papel principal de la película, donde comienza a perfeccionarse en el rubro inmobiliario de la Nueva York de los años ´70 y ´80.

Estrenada en el último Festival de Cannes, destaca por sus valores cinematográficos, ello es una narración fluida y la descripción cuidadosa de un entorno familiar que  sabe cómo contener a un joven cuyo destino será nada menos que ser presidente de los Estados  Unidos de América.

Por otro lado, el film enfatiza en el padrinazgo de Roy Cohn, interpretado por Jeremy Strong, un abogado que lo formó minuciosamente en su juventud, y lo acompañó en su carrera política. Hoy en día, Trump vuelve a ser nuevamente candidato a la presidencia de su país.

Como película política, es interesante y entretenida, transformando en personaje, primero a un niño, más tarde a un joven, cuyo destino será ocupar la presidencia de los Estados Unidos de América.

La cuestión resulta entretenida, pero sobretodo, logra dar vida como personaje a alguien que, si bien conocemos a distancia, será una persona joven que está destinada a ser el futuro presidente de uno de los mayores países del mundo.   

La película muestra el ámbito donde se cría y educa el personaje, los lugares que frecuentaba de joven y el momento cuando, a sus 27 años, se incorpora a Le Club, un restaurante famoso de Nueva York, lugar por excelencia de cafés, almuerzos y cenas de políticos, jueces, abogados y empresarios de primer nivel en aquella ciudad.

Cuando llega a aquel lugar entra acompañado de una modelo. Desde su inicio mismo muestra su capacidad de llevarse el mundo por delante y saber mostrarse. A esta altura de las cosas, ya tiene decidido su destino político, y lo único que le interesa  es comenzar a ser conocido y poder generar relaciones con los grandes comerciantes, industriales y especialmente políticos que ostentan el poder.

Sebastián Stan juega el rol del Joven Trump. Otro de esos señores influyentes es Roy Cohn, alguien que bordea lo mafioso y que se ocupa de limpiar o eliminar lo que no está claro o en su lugar. Ese es el personaje que explica en pocas palabras su credo; Uno: atacar y no dejar de atacar. Dos: Negar, negar y negar. Tres: No mostrar debilidad ni aceptar derrota alguna. Finamente: Dar siempre batalla y declararse ganador.

El film  logra entretener, y además, a partir del relato de la vida de un joven, se convierte en apoyatura política de una candidatura que, como cinematográfica, no tiene otras pretensiones que las de promover la candidatura de Donald Trump a la presidencia de los Estados Unidos de América. Con el resultado revelado, sabemos, ya sabemos que Trump ha sido nuevamente elegido como Presidente de los Estados Unidos de  América.

Alí Abbasi dirige con corrección y ductilidad el film pintando correctamente no solo al personaje  sino también para transformarlo en propaganda política en un film que resulta sumamente entretenido.

Cannes.