MRS. HARRIS

UN SUEÑO HECHO REALIDAD

“Sueña el rico en su riqueza,  que más cuidados le ofrece; sueña el pobre que padece su miseria y su pobreza; sueña el que a medrar empieza, sueña el que afana y pretende, sueña el que agravia y ofende, y en el mundo, en conclusión, todos sueñan lo que son, aunque ninguno lo entiende”. Pedro Calderón de la Barca, La vida es sueño (1635).

Basada en la novela de Paul Gallico, y editada a principios de los años 50, Mrs Harris Go to Paris  es un libro que se ha leído en muchos colegios durante la escuela secundaria y que nos habla de la fuerza que tienen nuestros sueños para que podamos volverlos realidad.

En la película, Mrs. Harris es interpretada por Leslie Manville quien brilla con una actuación descollante en el papel principal, dándole no solo vida al personaje sino componiéndolo con una gama muy amplia de matices.

Mrs. Harris es una mujer viuda que no ha tenido hijos, vive sola en un pequeño departamento en los barrios bajos de Londres, y sueña con tener un vestido del modisto Christian Dior. No obstante, ella es una persona muy consciente de sus limitaciones. Ha enviudado, trabaja por horas como mucama en casas de familia y acepta mansamente la vida que le ha tocado en suerte.

El inteligente guión de Carroll Cartwright y Antothony Fabian no se queda en la simple descripción del personaje sino que primero lo pinta en base a sus valores, tales como la feminidad, la honestidad, la adaptabilidad, su ubicuidad, su humor, y sobre todo, su sentido común. Luego, acciona. Típicamente, una señora mayor inglesa.

Un día cualquiera por la tarde, mientras realiza la limpieza de una casa, ve un vestido que “la vuelve loca”.  Instantáneamente, quiere ese vestido. Lo desea, pero el vestido no está en Londres sino en otra ciudad, ello es Paris, Francia.

Un espíritu aventurero aparece en ella de manera que con toda decisión comienza a ahorrar dinero de a poco con el propósito de viajar a aquella ciudad para poder comprar el vestido.

La película se convierte en la transformación de una mujer simple y común en otra impulsada por un deseo. Desaparece de ella una vida sin expectativas para dar lugar a una oportunidad para realizar un sueño. La transformación será total. Una mujer simple, una mucama sin esperanzas se transformará en una mujer con un objetivo que parece inalcanzable para su condición.

Pero ella no carece de valores ni fortalezas. No tiene medios económicos pero no le sobra  tenacidad y perseverancia. Además, posee un sentido de la disciplina económica financiera, ella es capaz de ahorrar, libra tras libra, para poder comprar un pasaje de ida y vuelta a Paris y comprar el vestido de sus sueños.

La película se convierte en una especie de lección de buenos valores, por otra parte muy didáctica tales como la paciencia, la perseverancia, el esfuerzo, la honradez, la visión de futuro, pero también afloran aspectos personales como su carisma, su respeto hacia los demás, conocer su objetivo, saber lo que quiere, y mostrar firmeza, entre otros.

Con este film, el cine ingles recupera, entre otras cualidades, algunas de las formalidades del free cinema, un cine que recuperaba la pintura del personaje a la vez de exponer con naturalidad las pasiones como sus comportamientos, tan abiertamente como sus ansiedades, deseos, sufrimientos y desencuentros.

Mrs. Harris es una muy grata sorpresa que avizora un nuevo camino del cine ingles despojado de sus viejas formalidades que la vez, conserva un sentido del humor y una factura lineal muy prolija que destaca que el camino puede estar cargado de piedras pero la voluntad, y sobre todo, el deseo de alcanzar un sueño lo puede todo. El film es simple y didáctico, pero la firmeza del personaje y su claridad de objetivos, lo convierten en una obra importante del nuevo cine inglés.

EL FOTÓGRAFO DE MINAMATA de Andrew Levitas

EN POS DE UNA VIDA NATURAL

W. Eugene Smith fue un fotógrafo profesional que trabajó durante mucho tiempo para la revista Times volviéndolo famoso. La película lo encuentra en 1971 en Nueva York, ya cansado de su trabajo aunque acepta tras una larga discusión con su Jefe, viajar a Japón para  documentar los efectos del envenenamiento por mercurio en la población de las costas de Minamata.

Johnny Depp encarna en la ficción al famoso fotógrafo componiendo quizás la mejor actuación de su carrera, donde se muestra como un hombre con un tesón y una paciencia a toda prueba para obtener la fotografía que solo aquella revista podía publicar.

La película es prácticamente una sucesión de primeros planos del actor donde expresa su conocimiento para lograr una fotografía que no solo está destinada a pasear por todo el mundo sino también a transformarse en un icono de época.

Con un riguroso y bien armado guion, el film va adquiriendo interés no solo porque la descripción del fotógrafo es extraordinaria sino porque logra la atención del espectador respecto del tema ambientalista con ideas genuinas pero sobre todo por aquello de saber hacer un trabajo con honestidad y estoicismo

En ese aspecto, destaca su sentido de oportunidad, como también, su capacidad para trabajar con la gente que lo rodea, no solo su jefe de redacción en Nueva York sino también las relaciones que desarrolla en su vida cotidiana con la gente del pueblo de Minamata.

La película avanza de a poco con paso lento pero firme como un documento sobre algo que está por suceder. El fotógrafo sabe de su trabajo. Ello es estar allí, para dar fe y registrar lo ocurrido.

Simple y concisa, logra interesar en el plano ambientalista, pero sobretodo, sale airosa como una película donde sobresalen virtudes que hacen a la persona, ello es la calma, la subordinación, la disciplina, la tenacidad y la decencia que permite sobresalir en un trabajo.

66 PREGUNTAS A LA LUNA de Jacqueline Lentzou

UNA HENDIJA EN LA INTIMIDAD

De vez en cuando, el cine remonta a sus origines y recuerda la idea del montaje cinematográfico. Creo, después de haber visto mucho cine, que el montaje es una de las claves más importantes en la realización cinematográfica y que, en este caso, constituye la parte principal de la puesta en escena de este film.

Se trata de una ópera prima, la de la griega Jacqueline Lentzou, que se mete de lleno en el melodrama a través de una trama que enfoca la difícil relación entre un padre y una hija,  donde en el medio existe una tercera parte que si bien ni calla ni otorga, deja establecido a un tercero en  discordia. No obstante, en su esencia, busca la siempre vigente pregunta sobre de dónde venimos, cómo vivimos y cuál es nuestro destino.

Lo notable del caso es que la obra, esencialmente teatral, no es resuelta de esa manera sino todo lo contrario. 66 Preguntas es una gran lección de cine.

La narración encierra prácticamente a sus personajes en un pequeño pasillo y en una habitación. En ese ámbito hay tan solo tres personas. Un enfermo, su hija y un tercero que casi no participa de la conversación. Es un momento dramático. Queda claro que hay cierta incomodidad. Algo de aquello de lo que no se habla y que es aquello que encierra las 66 preguntas del título.

La gran virtud de esta joven directora griega es que logra resolver la puesta en escena escapando de lo teatral y resolviendo la película en términos absolutamente visuales, ello es, a través del montaje. Pocas veces en el cine es el  montajista quien se lleva los laureles. En este caso, lo es. Sin lugar a dudas, Smaro Papaevangelou es quien ha realizado una labor suprema logrando montar la película siguiendo los diálogos, una obra de cámara que destaca como una puesta teatral a través de medios totalmente cinematográficos, ello es la conjugación de la imagen, el sonido, y sobre todo, montaje.

Debe quedar en claro que la película no constituye un cuestionario de 66 preguntas, sino en una sola. Incluso, sea obvia. Pero la mano inteligente de la joven directora nunca lo da a conocer y lo mantiene como un gancho que atrapa al espectador sabiendo que la intriga no es la cuestión de la película sino el descubrimiento tardío de que la relación padre-hija es posible.

La película atrapa al espectador con estrictas armas cinematográficas, montaje de primeros planos, actuación notable de los actores, sobre todo por la dicción, ritmo y entonación de las palabras, y el desarrollo de una trama que alude a un tiempo perdido, a un descubrimiento del otro, a la imposibilidad de futuro.

 En síntesis, una película muy interesante que enfoca un encuentro familiar entre un padre y su hija en una situación límite cuando ya no hay tiempo para reparar los hechos aunque siempre existe la posibilidad de la reconciliación.

ENNIO, EL MAESTRO de Giuseppe Tornatore

EL HOMENAJE DEL ALUMNO

Ante todo, es un film homenaje que Tornatore dirige con la sensibilidad propia de un alumno destacado que ha sufrido la dolorosa perdida de un gran maestro, un músico talentoso, Ennio Morricone, compositor y director de orquestra, capaz, no solo de subrayar la música de una película sino también de ganar un lugar entre los grandes músicos de cine del mundo generando un estilo propio.

Hijo de un trompetista de una orquesta de jazz, eligió también el camino de la música, y se volvió famoso como compositor y director de orquesta destacándose en el mundo cinematográfico en oportunidad de ser convocado para musicalizar las escenas de un espagueti western, genero italiano por excelencia, que satirizaba al western americano tradicional, dirigida por su amigo de la infancia Sergio Leone.

La película es un documental que recrea la obra del músico a través de las películas más famosas en las que participó desde 1955, primero como arreglador musical de otros autores y más tarde debutando en 1961 en una serie de televisión.  Fue reconocido tres años después componiendo la banda sonora de Por un Puñado de Dólares. Cabe agregar que como compositor y director de orquesta Tornatore trabajó ininterrumpidamente hasta 2020, año en el que falleció a los 91 años, subrayando musicalmente cerca de 500 películas.

Tornatore realiza “Ennio”, como un gran homenaje a su maestro musical, dado que todas menos su opera prima, llevaron la música de este autor, entre ellas, algunas inolvidables como Cinema Paradiso (1987), Stanno Tutti Bene (1990),  La Sconosciuta (2006), entre otras.

La película resulta muy entretenida evocando una época muy especial del cine italiano, un momento de cambio, donde la rebeldía de una época de transición se hacía escuchar con la protesta que el cine reflejaba  con estilos nuevos que buscaban dejar atrás los convencionalismos de la época. Era hora de algo nuevo. Los arreglos musicales influenciados por la música clásica pedían un cambio. Y ese cambio llegó de Italia y por el maestro Morricone, cuya experiencia era escasa pero su capacidad de cambio era notable.

El método era muy simple. Se basaba en sonidos básicos que uniéndolos musicalmente  generaban una banda sonora que subrayaba las imágenes del film dándole un ritmo diferente, seco y contundente, como un enojo o creando una atmosfera que determinaba el estallido de la acción.

Su música nacía del tarareo, al cual trasladaba a la composición, y de allí a la musicalización cinematográfica. Un dechado de sentido común, simpleza y capacidad de innovación que enfatizaba la capacidad de transmisión de la propia imagen.

Tornatore dirige el film con la misma simpleza de su maestro, buscando material de archivo donde encuentra registros notables que nos van dando pistas a través de escenas sumamente ingeniosas y elocuentes, a la vez que la banda de sonido muestra como una idea musical, tal como un silbido, se va convirtiendo lentamente en un acompañamiento de una orquesta. Gran trabajo didáctico del director.

ARGENTINA 1985 de Santiago Mitre

UN ACTOR DESCOMUNAL

Todos conocemos la historia argentina de los últimos años pero no todos la hemos vivido. No obstante, cada uno tiene su punto de vista.  La experiencia vivida nos facilita sacar conclusiones. Aun así, todos tenemos una opinión sobre lo que se ha vivido y lo que ha pasado.

La película de Santiago Mitre se concentra en el trabajo de un fiscal y su equipo que buscan pruebas contundentes para poder enjuiciar a las Juntas Militares que gobernaron el país para desarrollar la acusación correspondiente, llevar a cabo los juicios y lograr una sentencia definitiva sobre el accionar de las Juntas Militares durante los años ´70 y parte de los´80.

Hacer justicia implica la revisión de lo actuado por  dichas Juntas. Para ello, la justicia cuenta con los fiscales del Estado cuya actuación radicaba en la investigación de los hechos para determinar los abusos cometidos. Uno de sus  protagonistas principales en esta historia del siglo XX ha sido el abogado Julio Strassera, un fiscal del Estado que con su equipo de abogados e investigadores, participaron buscando todas las pruebas necesarias para poder enviar a Juicio y determinar sobre las responsabilidades y abusos de las juntas militares que dirigieron el país durante esa década.

La película se concentra en la actuación de este fiscal durante los juicios llevados a cabo, y quien asume el papel de Strassera es un gran actor argentino, Ricardo Darin, cuya actuación es descomunal dando vida a un hombre que cree en la justicia, y cuyo apego a la ley ha sido total.  Su compenetración con el papel, apoyado en el buen guion  del propio director, crea un personaje de ficción que cobra vida de una manera tan natural que quienes no conocimos al fiscal en vida no dudaríamos ni un instante en creer que el propio Strassera estaba allí presente frente a las cámaras cinematográficas.

Darin es un gran actor y sus películas, generalmente, fueron acompañadas por el éxito de público, tanto en la pantalla grande como también en televisión y teatro. Su actuación en esta película es un dechado de naturalidad frente a las cámaras que crea una realidad que supera la ficción de la actuación, haciéndonos creer permanentemente que estamos ante el propio fiscal de estado.

Ni Darin ni nosotros hemos conocido personalmente al fiscal, pero el actor nos convence que ese personaje extraído de una realidad y que ha sido protagonista de un hecho histórico es quien está frente a nosotros más allá de la ficción.

También se deben destacar dos aspectos que conciernen al director y guionista Santiago Mitre. Su guion no solo se ciñe a la verdad, sino también mérito de su excelente dirección, logra rescatar el interés histórico de la obra a la vez de entretener al público durante todo el metraje de la película.

Acompaña a Darin el actor Peter Lanzani en el papel del fiscal Moreno Ocampo, y en un papel menor pero inolvidable, Norman Briski como un fiscal y viejo amigo, un guía de ruta en la peregrinación de la búsqueda de la verdad.

Esta película argentina nos llena de orgullo no solo porque rescata un hecho de la historia reciente de nuestro país, sino porque lo hace desde un punto de vista totalmente cinematográfico, un cine honesto y justo que no permite remitirnos al pasado ni a tomar una posición política sino solo evocar un recuerdo, la de un fiscal de estado cuyo compromiso es llegar a la verdad para que su recuerdo evoque una mirada crítica que rescata la necesidad de establecer la vedad de los hecho y no permita el olvido. 

PEQUEÑOS MOMENTOS DE FELICIDAD de Daniele Luchetti

UN FELIZ RESURGIMIENTO

Recién estrenada en Buenos Aires aunque originalmente realizada en 2019, es una producción italiana dirigida por Daniele Luchetti, sobre un guión propio basado en la novela de Francesco Piccolo, que narra la historia de un hombre muy ocupado, que siempre anda corriendo y que un día comete una distracción en una hora pico de transito que le cuesta la vida.

Con un humor muy italiano, Luchetti nos cuenta una historia sobrenatural en la que Pif (el protagonista de la historia), logra negociar con Dios una hora de vida adicional para poder despedirse de todos su seres queridos, incluidas sus amantes, tratando de encontrar el sentido de su vida.

La película no solo deja verse sino reverdece la famosa comedia a la italiana, toda vez que un hecho grave y dramático es narrado desde un humor convencional que consigue lograr el interés del espectador en un relato donde lo que sobresale es la pintura de la época que vivimos.

Muy fiel a sus orígenes, el film de Luchetti abreva en el cine de los ´80, más precisamente en los films  de  Nanni Moretti y sobretodo de Ettore Scola, donde nada parece extraordinario sino tan solo ocurrente, seres pintados con una trocha gruesa que parece remarcar que tanto virtudes como defectos son características humanas que van más allá del ser italiano.

No es casual que Pif sea un exponente cabal de esta época, un hombre común que debe esforzarse diariamente trabajando todo el día haciendo horas extras para dar de comer a su familia, su mujer y sus hijos, y alguna amante para poder escapar de una realidad que lo fagocita.

La película, ligera, amable y entretenida, expone con total naturalidad y fluidez ese día negociado con Dios, pintando un día de un hombre común con todas sus angustias, sus obligaciones y licencias.

NO TE PREOCUPES de Olivia Wilde

UN NUEVO SUEÑO AMERICANO?

Con una puesta en escena muy moderna, el inicio de la película nos hace pensar que estamos ante una nueva película americana que pre anuncia una resurrección de un cine sesentista llena de buenas intenciones, con muchas ansias de cambiar las formas y desarrollar un discurso que parece recuperar una renovación de las formas y el lenguaje de un nuevo cine americano (Kubrick parecería alumbrar el film).

El film nos habla de una pareja joven, Alice y Jack,  aparentemente feliz durante la década del ¨50, que viven una ciudad en medio del desierto en California, en una casa cuyo alquiler es pagado por la empresa donde trabaja Jack. Al principio todo luce perfecto, pero poco a poco, Alice comienza a preguntarse qué hace su marido no encontrando respuesta alguna, a la vez que en la ciudad comienzan a generarse raros disturbios.

Al principio, el film, parecería plantear una renovación de las formas narrativas con pretensiones de indagación en el fracaso del famoso sueño americano, aquel que se centra en los ideales de prosperidad y éxito personal, generando una superación de las clases sociales, dando oportunidades a cada uno de los ciudadanos en función de su capacidad y su esfuerzo.

Lejos de ello, el film se vuelve reiterativo, y lo que parecían nuevas formas narrativas, se transforma lentamente en repeticiones inconducentes que no hacen más que complicar la narrativa, dejando de lado todo hecho revolucionario para afincarse en la comodidad de lo establecido, pero lo que es peor, olvidando el discurso y diluyendo toda posibilidad de crítica social y cambio.

Obviamente, más allá de su lujosa presentación, la película se va volviendo anodina, prácticamente aburrida, su discurso se diluye a medida que avanza el metraje, para terminar desconcertando al espectador. La idea de libertad que persiguen los protagonistas se esfuma  prontamente al encontrarse viviendo en una sociedad que los encierra y sofoca, lejos de la búsqueda de sus objetivos.

Estamos ante un film cuya  fotografía (Matthew Libatique) brilla por los cuatro costados de la pantalla, acompañada por un montaje perfecto pero que en su interior no se encuentra nada, es decir, una cascara carente de contenido. Al comienzo genera expectativas de un desarrollo  de cine de carácter social que se diluye rápidamente dentro de una cinematografía donde solo destaca lejos la calidad fotográfica como envoltorio de una serie de ideas que no conducen a nada, acompañada por un par de buenas actuaciones de parte de sus protagonistas principales.

La película queda en deuda con el espectador, toda vez que, como exponente del cine del Este americano, concretamente de Nueva York, las expectativas despertadas siempre fueron satisfechas en la gran pantalla. Ahora solo nos queda una gran decepción.

PASAJE AL PARAISO de Ol Parker

 

UNA COMEDIA PASATISTA

La idea de juntar a George Clooney con Julia Roberts parecía una idea genial, la resurrección de la comedia americana después de años de ostracismo. Pero Pasaje al Paraíso no satisface las expectativas generadas sino más bien genera un “opera y cumple” que solo mantiene la simpatía de sus protagonistas durante todo el metraje pero que no logra superar la medianía actual del cine americano post pandémico.

La base argumental, más que convencional, junta a un cincuentón buen mozo de unos 50 años con su ex esposa para asistir al casamiento de su hija en Bali, una de las islas del Archipiélago Malayo, frente a la costa de Australia, dado que la muchacha se ha enamorado de un joven de aquel lugar y ha decidido contraer matrimonio.

No obstante ello, el verdadero núcleo argumental no es el casamiento, sino el re encuentro de la pareja protagónica,  los padres de la novia, un par de divorciados que obviamente, como es esperable, continúan atrayéndose más allá de su estado civil.

El film intenta ser una comedia pasatista que trata de emular a las viejas películas del Hollywood de los años ´40, pero su convencionalidad es tan grande que pierde toda capacidad de mantener atrapado al espectador dado que el 95 por ciento del metraje está ocupado por la famosa pareja, en un juego verbal de directas e indirectas que vuelve al film totalmente previsible.

Clooney y Roberts destacan por su simpatía y ambos disfrutan de los roles que interpretan. El resto lo pone el hermoso paisaje de la isla. Pero el film, como comedia romántica que es, no termina de levantar nunca vuelo y salir de sus convencionalidades que la vuelven totalmente previsible e incluso insustancial, con un final que está cantado a los 10 minutos de su comienzo, sin tener ninguna capacidad de sorprender con algún tipo giro interesante  al espectador.

En síntesis, un film pasatista que solo nos deja el recuerdo de hermosos días de playa. 

EL BRINDIS de Laurent Tirard

 EL CINE EN PRIMERA PERSONA

Se trata un unipersonal cinematográfico, es decir, el relato del protagonista que a sus 40 años nos cuenta un día en su vida. Narrado desde un único punto de vista, el de su relator es la historia de un hombre joven que, durante un mismo día le suceden tres cosas que lo superan: Por la mañana, se entera que su novia quiere romper el noviazgo y comienza por no  contestarle  sus llamadas telefónicas. Al mediodía, es invitado a una cena familiar, idea que le resulta aburrida, y al atardecer, su futuro cuñado le pide que pronuncie un discurso el día de su boda. 

Adrián, el personaje que interpreta el actor Benjamin Lavernhe, es una persona  que se siente contrariado y perseguido. Necesita paz y sosiego. Además, tiende a la soledad. No le gusta el gentío ni ser el protagonista principal. El film lo muestra y lo describe como un buen tipo, bastante tímido, que se siente sobrepasado por todo lo que pretenden de él.

 La película describe ese momento complicado en su vida.  Todo girará en torno suyo. La comedia avanza al ritmo de un unipersonal que no solo logra pintar la personalidad de su protagonista sino también echar una mirada sumamente crítica que trata de entender el mundo moderno que le toca vivir, sobre todo, la atmosfera familiar que lo hace sentir encerrado y condicionado.

Basada en un “comic” del francés Fabrice Caro, logra mostrar  durante un corto periodo de tiempo al hombre de nuestra época, de unos 40 años, algo neurótico, dando lugar a la fantasía de un tema universal como “el ser uno mismo”, sin dejar de establecer relaciones con la familia, y poder encontrar su lugar en el mundo.

Para colmo de males, Sonia, su novia, acaba de abandonarlo cansada de su apatía. En consecuencia, Adrián entra en crisis, se siente abandonado y cuenta los días, las horas y los minutos que lleva sin ella. La relación entre ambos era normal, pero imprevistamente, hubo un roce, una discusión y ella lo abandonó condenándolo a la soledad. 

El Brindis es una comedia situacional de características teatrales, desarrollada a lo largo de un día en tres momentos diferentes de un día (mediodía, tarde y anochecer), en un mismo escenario, donde su protagonista nos contará su relación con el resto del mundo: sus aburridos familiares, su mala vinculación amorosa,  y su distante vida laboral, lo cual describe en detalle con mucho humor lleno de ironía. 

Con varios monólogos recitados directamente a cámara, conversaciones telefónicas y una voz en off, los flashbacks y las proyecciones psicológicas del personaje se intercalan de forma fluida para transmitir su caótico estado mental.  La película de Laurent Tirard, avanza al ritmo del flujo de conciencia de su protagonista, poniendo en escena la soledad del protagonista y sus dificultades para desarrollar relaciones tanto familiares como amorosas o laborales en estos tiempos de soledad, donde la carencia de tiempo nos llevan a andar a las corridas a costa de la vida familiar tanto como de  pareja, mostrándonos lo difícil que resulta encontrar nuestro lugar en el mundo.

VERTIGO (FALL) de Scott Mann

LA AVENTURA AL LÍMITE

Becky pierde a su esposo cuando él trataba de hacer cima en una de las montañas cercanas a Seattle. El accidente tiene lugar debido a que uno de los ganchos que lo sostiene se desprende sorpresivamente, dejándolo caer en el vacío. El hecho, la sumerge en un duelo profundo, la abate una pena muy grande  y una angustia prolongada. Meses después, aparece otra de sus amigas que la desafía a escalar una torre de telecomunicaciones de 600 metros de altura abandonada en medio de un desierto.

Scott Mann, director de la película, es un inglés que desarrolla su carrera cinematográfica en los Estados Unidos. En este caso, escribe y dirige esta película filmada en el desierto del Mojave, estado de California en los Estados Unidos de América, concentrándose en una situación límite que pone a sus personajes al filo de la propia muerte.

Este es un film que trata sobre un auto desafío, en este caso, el de dos escaladoras interpretadas por Grace Caroline Currey (Becky)  y Virginia Gardner (Shiloh), cuyo objetivo es escalar una torre de comunicaciones abandonada en medio del desierto, dotadas tan solo de un par de zapatillas y el enorme entusiasmo que les genera llegar a esa cima.

En este juego entre la vida y la muerte, ambos personajes adquieren una dimensión épica. Solas en medio del desierto, irán en busca de su destino. Como es lógico esperar en un thriller de suspenso bien elaborado, las dificultades para subir a la torre son tanto o más difíciles de sortear que las de bajar. Obviamente, la cuestión no será fácil de resolver.

La simplicidad del argumento desarrolla una trama que solo adquiere sentido en función de la pasión que sienten por escalar. Pareciera en ellas existir un solo objetivo: llegar a la cima. Pero la cuestión es más compleja. Se trata de un viaje de ida y vuelta cuyas dificultades parecen ignorar.

La intención del film es mostrar, más allá de la aventura, que la actitud de las dos jóvenes escaladoras juegan inconscientemente exponiéndose al vacío sin ninguna clase de ataduras, y también, no asumiendo responsabilidad alguna de sus actos más allá de vivir al día a día e ignorando la existencia de un futuro.

El resultado de la trama es una parábola sobre la supervivencia tan terminante como obvia, que deja abierta al espectador la posibilidad de profundizar. Cabe agregar que la película es muy entretenida, deja verse, y en el mejor de los casos, deja implícita la idea que haber alcanzado una cima no basta sino que hay que tener fuerzas suficientitas para poder volver y poder transformar el esfuerzo en experiencia, aunque a veces el costo a pagar sea demasiado alto.

Estamos ante una película que deja mucho lugar para el análisis y la discusión. Es una propuesta interesante para una cartelera anémica en títulos de interés, sobre todo para todos aquellos que pretendemos ver un cine más ligado a la realidad que a la fantasía. No quedan dudas que Becky y Shiloh, bien interpretadas por sus respectivas actrices, dan credibilidad a su aventura y nos dejan pensando sobre el conocimiento de nosotros mismos y la necesidad de nuestros propios límites.

NUNCA VOLVERÁ A NEVAR de Malgorzata Szumowska

RECORDANDO A POLANSKI

La escritora, productora y directora polaca Malgorzata Szumowska  es una de las cineastas polacas más destacadas de la actualidad. Nacida en Cracovia en 1973, ha escrito, producido y dirigido cine tanto de ficción como documental, recibiendo varios premios en diferentes festivales de cine internacional. Es una pena que su cine no haya sido divulgado comercialmente en Argentina. Afortunadamente, esta semana ha llegado a nuestras pantallas su última obra, la cual nos ocupa  y nos pone en contacto con una directora creativa y singular.

La película tiene como protagonista casi excluyente a Zhenia, un inmigrante ruso proveniente de Ucrania, que entra como masajista en una comunidad polaca aislada por el frio y la nieve. Los allí residentes emiten un dejo de tristeza, una especie de deseo de cumplimiento imposible. Parecen extrañar otra época, y sienten aflojar sus cuerpos.

Las manos de un  misterioso protagonista parecen ser el instrumento más adecuado para la sanación. Sus masajes  evitan todos los padecimientos provenientes del frio, la nieve y seguramente la añoranza de un tiempo mejor. Su acento ruso, no casualmente  suena como una canción, tal vez una invocación al pasado comunista, o recuerdos de una infancia que lo lleva a pensar en una sociedad más igualitaria y segura. La cuestión es que Zhenia es capaz de mejorar sus vidas, aunque su poder sea tan solo el de un masajista cuasi milagroso.

El cine de Szumowska parece salido de los pasillos de la escuela de Lodz. La claridad expositiva, la perfección del montaje, el acompañamiento musical, y la actuación no solo son parejos sino también se combinan en busca de un apoyo a una línea argumental que si bien simple, nunca pierde la línea, mantiene un extraño suspenso y  no suelta la atención del espectador durante todo su metraje.

Resulta imposible no recordar a Polanski. La prolijidad del montaje, la perfección de la imagen, el acompañamiento musical, pero sobretodo la calidad interpretativa del elenco, transforman a este film en un delicado ejercicio de voyerismo a partir del cual, el espectador queda enganchado y no puede soltarse hasta que llegue el final.   

El espectador simplemente se transforma en un voyeur, un observador capaz de percibir la doble capacidad de mostrar que tiene la imagen y el sonido para construir un clima opresivo que necesariamente nos remite al cine de aquel inolvidable director polaco. Los climas creados, la fotografía en color, el trabajo de arte, el manejo del sonido remiten al mejor cine de Polanski, capaz de explorar en la oscuridad de la mente humana e indagar en la motivación del personaje principal de la película.

BUENA SUERTE, LEO GRANDE de Sophie Hyde

 

LA SEXUALIDAD A LOS ´60

Absolutamente interesante al comienzo, mantiene atrapado al espectador hasta aproximadamente las mitad del metraje, para terminar cayendo como un castillo de naipes en su final, cuando la inteligencia del guión se va degastando rápidamente, en obviedades absolutamente previsibles.

No obstante, la película se rescata a sí misma en gran medida porque su pareja protagónica tiene un feeling muy particular y obviamente porque se trata de un tema atrapante, a la vez que es interpretado por dos actores que asumen con total honestidad y pasión los papeles que les corresponden, dotándolos de una humanidad, que rápidamente los vuelve creíbles. Ellos son Emma Thompson y Daryl McCormack en los papeles de Nancy Sotkes y Leo Grande, respectivamente.

La estructura del film encierra a los actores en una habitación de hotel, en 6 escenas en las que tiene lugar la acción, donde una mujer mayor de aproximadamente 60 años contrata los servicios sexuales de un taxi boy. Ella es una mujer que nunca ha podido gozar del sexo durante su vida marital. Ese acto siempre ha sido una carga para ella, y ahora, ha decidido sacarse ese peso de encima y descubrir esa sexualidad.

El film se desarrolla durante seis escenas que responden al encuentro de una mujer con un “taxi boy” en un hotel por horas. El devenir de esas escenas adquiere la forma de una de puesta de tipo teatral: Dos personas en una habitación inician una contrato de tipo comercial donde uno (el hombre) le proveerá servicios sexuales al otro (la mujer). Ello dará lugar a una relación donde uno descargará en el otro sus penurias, involucrándolo en forma personal.

El desarrollo se vuelve rápidamente repetitivo, lo cual, es lamentable dado que hace caer la atención del espectador. El film, que había comenzado con mucha fuerza se va diluyendo en un camino donde la relación con lo moral, en el tipo de “el qué dirán”, comienza a imponerse sobre el propio devenir de una relación sexual adulta que es lo que se propone en las instancias iniciales del film.

La mujer es Nancy Stokes, interpretada magistralmente por Emma Thompson, quien ha estado casada desde muy joven con un hombre mayor que ella, el cual no ha podido satisfacerla sexualmente. Por lo tanto, ella desconoce dicho placer y ahora, sexagenaria, desea conocerlo.

Pasados el primer y segundo encuentros, el film se vuelve totalmente repetitivo y pierde fuerza dramática. No obstante ello, cabe disfrutar la pareja despareja que constituyen Nancy Stokes (Emma Thompson) y Leo Grande (Daryl McCormack), en dos papeles, en principio, totalmente opuestos que con el pasar de la película se van transformando, pasando prácticamente de lo sexual, a lo  psicoanalítico para terminar en lo parental, la de una madre con su hijo donde claramente ella transforma a Leo Grande en el hijo que nunca tuvo.

El film el film no solo se sostiene en base a las dos estupendas actuaciones de sus actores principales, sino también porque desarrollan un tema que pudiera ser considerado tabú sin ningún tipo de prejuicios, aunque cabe acordar que el abierto y desafiante impulso del inicio del film se va perdiendo paulatinamente en pos de una posición más tradicional y pacata.

UNA CASA EN LA TOSCANA de James D´Arcy

 EQUILIBRADA, CONVENCIONAL Y POSITIVA

Esta película que data de 2020 y que ha hecho esperar su estreno, pandemia mediante, es una obra interesante del director James D´Arcy, que resulta también muy entretenida  toda vez que busca retratar un momento en la vida de un padre y un hijo que se han distanciado por esas cosas de la vida, y que se vuelven a encontrar después de mucho tiempo por un tema sucesorio.

El problema es del muchacho que proyecta realizar una galería de arte y para eso necesita un dinero que no tiene. Consecuencia de ello, acude a su padre, que tiene una casa  prácticamente abandonada en la Toscana italiana. El hombre, un pintor ya entrado en la madurez, con ánimo de colaborar con su hijo, lo invita a viajar a Italia y ver en aquel país que probabilidades tienen de vender la casa y obtener el dinero que el joven necesita.

D´Árcy, director y guionista del film, maneja con soltura el material y lo desarrolla de manera dinámica para que el espectador logre interesarse en un tema conocido, logrando sacarlo a flote en base a las homogéneas y convincentes actuaciones de todo el elenco y al adecuado equilibrio con que describe las relaciones personales que se entablan entre el personaje principal interpretado por Michael Richardson (el hijo),  tanto con su padre (Liam Neeson) como con su vecina (Valeria Nielo).  

El film, con buena predisposición, busca siempre el encuentro. Padre e hijo han estado separados durante bastante tiempo, se han visto poco y resultan dos extraños cuando Michael reaparece en la vida de su padre para pedirle dinero. Esta situación podría marcar de entrada un conflicto de características pecuniarias. Pero no será así. Ni el padre ni el hijo son personas materialistas. Entre ellos no existen ese tipo de diferencias. Además, ambos creen en el esfuerzo del trabajo.

El padre es un pintor bohemio, mayor de 60 años, que está pasando una especie de crisis creativa y necesita hacer un cambio. Su hijo ve una oportunidad en desarrollar una galería de arte pero carece del dinero necesario. Está convencido que su futuro está en ello. Parece ser que más que el amor filial es el arte quien los une.

El hijo convencerá a su padre de realizar el proyecto, quien tendría un vehículo para exponer sus obras y ganar dinero en el terreno que lo apasiona: el arte.

La llegada a La Toscana los encuentra con una casa semi derruida. Después de ese primer gran impacto comienzan a pensar en positivo y se dan cuenta que nada es imposible. La película  avanza en todo momento y no se detiene. Los personajes van madurando a medida que se van encontrando.

Una casa en la Toscana es sobretodo un film que destaca la experiencia y donde la esperanza es posible. La aparición de cada personaje es casi una solución para el otro. Su positivismo es manifiesto, lo cual permite superar el pasado, dejando tan solo alguna cicatriz. Esa idea de abandonar el pasado y permanentemente buscar un camino hacia el futuro la vuelve sumamente atractiva más allá de cualquier idea de inocencia que pudiera parecer.

Los personajes siempre se mueven dejando atrás cuestionamientos como si no hubiera facturas pendientes entre ellos. El futuro se impone haciendo que el presente se transforme en un hacer permanente.

Film agradable de ver, entretenido, algo predecible, muy bien actuado (el Robert de Liam Neeson será recordable porque además lo saca de los papeles convencionales de sus policiales negros), bien sonorizado, expresando una experiencia que facilita y permite las realizaciones de sus personajes. Por otro lado, los paisajes de la Toscana como telón de fondo son un lugar aparte que si bien aísla, también seguramente brindan ese ambiente tan íntimo y especial que desarrolla la película, aunque su belleza real supera largamente a las fotografías que con mucho tino ilustran el lugar donde se desarrollan las escenas más importantes del film.

RECETA PERFECTA de Bárbara Topsoe-Rothenborg

 UNA COMEDIA DIFERENTE

Transcurre en nuestros días y sus personajes son personas mayores que rodean los setenta años, y aunque no lo parezca, se trata de una gran comedia sobre el amor senil, contada desde una situación dramática (una separación) que continua como una real comedia de la vida, acompañando a sus personajes principales durante un viaje de búsqueda  de paz y sosiego hacia  Italia.

Es muy interesante la forma en que la directora y guionista dinamarquesa maneja este material, construyendo el film  desde pequeños detalles que parecen surgir espontáneamente y que contribuyen siempre con utilidad ayudando a la fluidez narrativa, a la vez que  nunca decae el interés. Antes de ver al film el espectador podría pensar “es una comedia más sobre el amor“. Pero lo cierto es que no lo es. Esta vez, las convencionalidades, los lugares comunes, son dejadas de lado. Marie es abandonada por su marido que, de un día para otro, se va detrás de otra mujer que no es precisamente una mujer mucho más joven. Despechada, busca consuelo buscando a sus amigas y contando la traición a la que se siente sometida. Junto a ellas, comenzará un viaje hacia Italia de rehabilitación personal.

Dicho viaje tendrá como destino los montes de Pulía, en el centro de aquel país, cerca del mar Tirreno, lugar donde operará una especie de catalizador. Sus amigas la contendrán en forma práctica llevándosela hacia el sur, a un hermoso Hotel en medio de un bosque donde todo parece ocurrir con un enorme sentido común, que siempre permite mantener un ritmo adecuado sin que nunca caiga en lo chabacano del cine italiano de unas décadas atrás.

Lo interesante del asunto es que ese sentido común del que se habla no solo tiene que ver con los resortes que maneja la comedia sino más bien con pequeños detalles en el comportamiento de los personajes que van operando desde el propio estilo de la comedia a la italiana pero llevado a través de situaciones prácticamente minimalistas que no transitan los convencionalismos propios del género.

Esta comedia atrapa por lo distinto. No solo por lo que cuenta sino porque lo que dice, lo cual la transforma formalmente en diferente, fuera de lo visto, casi me arriesgaría a decir, revolucionaria, porque no maneja el disparate, como es habitual, sino que construye desde el minimalismo situacional hasta delinear perfectamente a cada uno de sus personajes.  O sea, apela a lo esencial, dejando de lado todo lo que no interesa.

El film nos transmite una idea de necesidad de búsqueda de equilibrio en nuestras vidas, lo cual nos debe llevar siempre a concentrarnos en los hechos más importantes. Receta Perfecta, como film, justamente transita ese enfoque. Deja que la vida transcurra. Hay hechos felices y otros tristes. Algunos absolutamente intranscendentes. Veamos el lado bueno de las cosas sin dejar de ignorar las malas. Resolvamos problemas, que de hecho existen, y que la mayoría de las veces tienen una solución. Todas las etapas de la vida son distintas. El film parece afirmar: “Respira profundamente, piensa y ocúpate del problema”.

Así, casi simplemente, transcurre Receta Perfecta y se transforma en una gran comedia, una de las mejores películas vistas en este año de transición en el que el cine le cuesta hacer pie.

ELVIS de Baz Luhrmann

UNA BIOPIC MÁS

Filmada con absoluta pulcritud formal, esta película de Luhrmann no agrega nada a lo que ya conocemos y hemos visto de este artista idolatrado en los Estados Unidos. Elvis, por Elvis Presley, es una película más sobre la vida de este cantante americano, ídolo de multitudes durante los ‘50 y ´60, y que perdió su vida tempranamente a causa de una enfermedad constituyéndose no solo en uno de los padres del rock and roll, sino en una leyenda americana.

Luhrmann evoca la vida del artista a través de las canciones lo cual transforma a la película en una especie de long play o recital en vivo que sigue cronológicamente la carrera del artista, obviamente respaldado en una producción realizada a todo lujo en la cual destaca la actuación de Austin Butler en el rol del cantante, y en un rol secundario, Tom Hanks haciendo el papel de su manager, el Colonel Tom Parker.

El film resulta entretenido. No obstante, lo que más molesta en la película es la chatura con que se enfoca la vida de este ídolo de la música moderna. La idea de Luhrmann pareciera querer generar una vorágine concéntrica cuyo objetivo es permitir observar como la vida del cantante es jaqueada por sus cuatro costados de manera tal de no permitirle ir más allá de lo conveniente a sus managers y en menor medida sus familiares más cercanos, en un ahogo que lo deja solo, lo abandona frente a la masa fanática que lo sigue y simultáneamente, lo transforma en ídolo.

Presley sufrió una especie de falta de contención por parte de su círculo. Me refiero a su familia en primer lugar que no supo contenerlo de la locura fanática que generaban sus actuaciones, en aquella época siempre en vivo, que lo obligaba a verdaderas cabalgatas. Pero tampoco lo supo contener su descubridor y posteriormente manager cuya mayor dedicación era contratarle la mayor cantidad  de eventos posibles sin cuidar absolutamente ni su imagen y mucho menos su salud.

Este último tema es una cuestión aparte. Su salud era precaria y la falta de descanso necesario era ignorada tanto por su familia, como también por su manager y su productora discográfica. Todo en su vida sucedió rápido. Elvis no solo se transformó de la noche a la mañana en un ídolo popular sino también en una máquina de facturar que lo mimaba monetariamente, a la vez que transformaba en millonarios todo a su alrededor: padres, manager y sello discográfico.

La actuación de Austin Butler como el rey del Rock and Roll es notable. Luhrman no le quita la cámara de encima y lo transforma en una figura absolutamente monolítica en el film. El actor se convierte en Elvis simplemente con sus gestos y bailes. Su actuación es brillante! La película, como ya hemos dicho, se deja ver. Pero como film, lamentablemente no brilla. Es cosa ya vista. Un long play ilustrado y entretenido.

MEMORIA de Apichatpong Weerasethakul

CONTEMPLACIÓN TOTAL

Estamos frente a la obra de un creador absolutamente personal. Su cine es diferente a casi todos los cines que estamos acostumbrados a ver. En Memoria, su última obra presentada en Buenos Aires, nos muestra un film absolutamente contemplativo, donde parece no suceder nada pero nos deja intuir muy sutilmente, que algo está pasando por la mente, o mejor dicho, por la vida de su personaje, en este caso, una mujer en medio de la selva colombiana.

Película lenta, describe y acompaña la trayectoria de esa mujer madura, de unos 40 años de edad, interpretada por la actriz inglesa Tilda Swinton, que se encuentra de vacaciones en Colombia, en lo que parece ser un viaje de descubrimiento pero sobre todo, un encuentro de ella consigo misma.

El film  es lento, lentísimo, donde los desplazamientos de los personajes son mínimos y la mayoría de las escenas son motivo de una contemplación que posiblemente dará lugar al descubrimiento. El film presenta una estructura no convencional, ello es una obra que no responde a los lineamientos clásicos sino que está contada disruptivamente, siguiendo la experiencia de la propia protagonista. No estamos ante ninguna de las convencionalidades del cine comercial.

Esta idea de contemplación nos lleva a un film absolutamente diferente a lo acostumbrado a ver. Nos describe una trayectoria donde el personaje experimenta un cambio apenas perceptible por el espectador pero que sin lugar a dudas es importante para la protagonista.

Ella es una extranjera, una mujer inglesa. De hecho, su visión es la de una persona acostumbrada a la ciudad. Sus vacaciones en la selva son una excentricidad establecida por el director,  que posiblemente, porque no hay certeza alguna, está realizando un viaje de descubrimiento lejos de su país y sus costumbres, o está alejándose de algo que quiere dejar atrás. Por lo tanto, su visión tiene un dejo de necesidad de descubrimiento, un estado de fascinación y de extrañeza al mismo tiempo.

La obra está compuesta por escenas largas y silenciosas donde el director manipula luces y sombras construyendo pequeños puentes que intentan construir una idea entre lo que el cineasta piensa y lo que resulta de la puesta en escena dejando que el tiempo pase y la cámara registre. Ello deja abierta innumerables posibilidades de interpretación que me animaría a afirmar tantas como espectadores tenga la película.

Las películas de Weerasethakul, por lo general, filmadas en pueblos rurales y bosques habitan un territorio que invita al espectador a internarse en el mundo subjetivo de la memoria y el deseo profundo. Para ello, expande y contrae la duración de la toma generado una sensación del tiempo jugado con los conceptos de veracidad y linealidad: la obra del director responde a una visión muy personal que se sitúa cómodamente en un mundo creado a su medida.

Su cine es absolutamente distinto. Alejado de las convenciones del cine comercial, sus proyectos artísticos y sobretodo sus películas han  ganado notoriedad y participado en numerosos festivales, recibiendo reconocimiento internacional, lo cual incluye tres premios muy importantes como el Festival de Cannes: A Certain Regard para Blissfully Yours en 2002, el Prix du Jury a Tropical Malady en 2004, y en 2010, Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives recibió la Palme de Oro.

Sin duda, su cine es controvertido y no responde a cualquier tipo de público. El riesgo, espectador, sin dudas es suyo.

ALICIA Y EL ALCALDE de Nicolas Parisier

 

UN FASCINANTE “TU Y YO”

El film se concentra en una relación casi imposible que nace y se desarrolla con total casualidad y gran intensidad, cuestión que no solo encuentra su asidero en el excelente guion del propio director sino también en su exacta puesta en escena que permite un desarrollo ameno y claro de los acontecimientos que narra.

La película aborda las relaciones entre una joven intelectual y un experimentado y maduro hombre político que se transforman en una pareja despareja en la que poco tiene que ver con el amor sino con la política. Él es un alcalde sesentón que está llegando al fin de su carrera pública que encuentra casi casualmente a una veinteañera recién recibida en ciencias  políticas, una mujer en la que no solo puede confiar sino también una consejera política que se hace escuchar y lo obliga a reflexionar.

El ritmo de comedia fluye con absoluta naturalidad apoyado en las grandes actuaciones de la pareja protagónica, sino también por la capacidad de Parisier (guionista y director del film) de poner en escena una comedia que no da lugar al romanticismo aunque juega con ello, generando una pareja que atrae el interés por todo lo contrario, ello es, su intelectualidad.

El resultado es óptimo. El film es una de las mejores películas mostradas durante el presente año. Se trata de una obra muy inteligente que siempre resulta entretenida aunque su desarrollo sea más bien pasivo que activo, toda vez que el mismo se concentra en una serie de estupendos encuentros y diálogos. Aquí no hay gato ni ratón. Tampoco aparece una joven doncella en búsqueda de su príncipe azul. Por el contrario, el film transita solo el camino de la inteligencia. El intelecto y la experiencia resulta la fuerza de atracción del uno hacia el otro.

Fabrizio Luchini y Anais Demoustier más allá de la complicidad que desarrollan, mezclan  la política con la filosofía, la comunicación con el arte, la tradición con la amistad, logrando que la comedia cobre vuelo por sí misma y se transforme en un entretenimiento de notable características, sin recurrir siquiera a temas sensacionalistas o escandalosos como el crimen, el sexo o la corrupción.

Quizás el enfoque relajado y ligeramente humorístico, el guión escrito por el propio Nicolas Pariser (quien también es el director de la película) alcanza con mayor eficacia aspectos de la corrupción sistémica más profunda de la maquinaria política francesa.

La película no solo resulta divertida, sino inteligente, ingeniosa e inquietante en su mirada a las tensas relaciones que plantea, más allá de las incompatibilidades existentes entre política y filosofía, o sea, entre la práctica y la teoría. Ganadora del Europa Cinemas Label Award en la sección Quincena de Realizadores de Cannes 2019, aunque tardíamente estrenada, Alicia y el Alcalde resulta una muestra notable del cine francés: es cine en estado puro, entretenido y hasta fascinante.

MAMMA ROMA de Pier Paolo Pasolini

“Mis subproletarios viven aún en la antigua prehistoria, en la verdadera prehistoria, mientras que el mundo burgués, el mundo de la tecnología,
el mundo neocapitalista, se encamina hacia una nueva prehistoria”. PPP.

Auspiciada por la Cinemateca Italiana, el año pasado se produjo un hecho poco frecuente, la restauración de Mamma Rosa, una película emblemática de Pier Paolo Pasolini, uno de los realizadores más talentosos que registra la historia del cine italiano originalmente estrenada en 1962. Consecuencia de ello, en la actual cartelera de cines, podemos ver su reposición en un estado de copia óptima del original, de lo cual, lo más importante es que no registra ninguna cicatriz de la nefasta censura de aquella época.

Mamma Roma relata un momento en la vida de una prostituta. Ella tiene un hijo entrando en la adolescencia y sueña con el  bienestar pequeño-burgués que se ha generado en Italia después de la posguerra. El film transcurre a principios de los años ´60, en un barrio marginal en la afueras de Roma donde la protagonista, una ex prostituta, trabaja en un puesto del mercado de frutas. Ha tenido un hijo, Héctor, del cual desconoce al padre, un muchacho apocado al que le cuesta hacer amigos. Cuando crece y se vuelve adolescente, conoce a Bruna, se enamora de ella, y descubre el amor. Pero no es correspondido.

Desde la escena inicial se intuye estar frente a una tragedia moderna aunque el film comienza con una fiesta de casamiento. Pero no todo es lo que parece. El retorno a casa después de la fiesta, en medio de la oscuridad, deja intuir que el evento no solo ha terminado sino lo difícil que es volver a la realidad. El camino a casa no solo representa la falta de dialogo entre madre e hijo, sino también la lejanía que hay entre ellos. Ella es una mujer cuarentona y su hijo apenas comienza su adolescencia.

Pasolini maneja su guion con una naturalidad como si describiera y  repasara su propia vida. Comienza a mostrar a esos dos sobrevivientes (madre e hijo) revelando que si bien la guerra ha terminado hace más de 15 años, todo ese bienestar de posguerra que significó la restauración italiana, nunca alcanzó para sacar totalmente al pueblo de la pobreza que había generado aquella guerra.

El film se concentra en esos dos personajes que quieren pertenecer e integrarse a una sociedad,  pero no pueden. Su incapacidad de pertenecer es manifiesta. Pasolini, un hombre de la izquierda italiana, observa a sus personajes sin posibilidad de salida.

La madre, Mamma Rosa (una actuación inolvidable de Anna Magnani, es una mujer combativa, de la que siempre ponen el cuerpo (no casualmente ha trabajado de prostituta), y de hecho busca ciegamente una oportunidad. Pero Ettore (Ettore Garofalo) es un tierno, un muchacho apocado al que le cuesta relacionarse. En la villa (miseria) que viven apenas se comunican con los demás, y cuando lo intentan, la mayoría de las veces es rechazado.

Por otro lado, los estigmas marcan a las personas, las inmoviliza y aísla. A Ettore le atrae la calle, y se enamora de una joven prostituta tal como ha sido su madre. La ciudad de Roma se ve como una prisión. Amurallada por edificios de apartamentos, cuyos arcos de entrada la hacen ver más antigua de lo que es. Ettore vive su vida entre esas ruinas olvidadas que quizás presagian su propio futuro. De ello no puede culpar a Mama Roma, que de hecho, siempre es proactiva.

Pasolini transita el drama de estos dos personajes abandonados por el destino con una sencillez notable, realizando uno de sus films capitales (los otros pueden ser Edipo Rey, 1967; El Decamerón, 1971) retratando una clase social que intenta escapar de sus costumbres solo para fracasar en el intento. Su lucidez narrativa, su sinceridad, su honestidad no dejan dudas acerca de su coherencia con su militancia política, su espíritu crítico y su necesidad de tomar posición en un momento en que Italia se manejaba dubitativa en cuanto a su devenir político. El film es también una mirada poética sobre el amor materno contaminado por los sentimientos (políticos, sociales, amorosos) del mundo real. Pasolini los expresa con la fuerza de una tragedia griega. Nos obliga a ver. Nos lleva a reflexionar