NADA POR PERDER de Delphine Deloget

NADA POR PERDER de Delphine Deloget

UNA MADRE ES SIEMPRE MADRE

El cine francés puede estar tranquilo. Delphine Deloget, directora de la película que acabamos de ver, sin lugar a dudas recoloca al cine francés en una posición de privilegio en las carteleras del mundo.   Esta obra de una debutante en el largo metraje encara una película de carácter intimista que hace al prestigio del cine francés, es decir, un cine que se expresa totalmente con imágenes, encarando dos temas siempre vigentes, por un  lado, la crianza de  los niños de madres solteras  y por otro, la intervención estatal Estado que intenta ayudar y no siempre lo consigue, sino más bien, lo complica.

El film no se inspira en un hecho real, sino de una ficción que retrata la vida de una madre soltera que tiene dos hijos y a los cuales le es difícil mantener. Ella tiene la tenencia de los niños pero necesita de la ayuda del Estado que no siempre alcanza. Consecuencia de ello, el Estado pretende dar la tenencia de uno de los niños a otra persona.

El film expone un drama de tipo familiar que se transforma en una obra de suspenso.  El acoso hacia la mujer permanente, tanto diario como legal, generando por parte del Estado una persecución anormal pretendiendo poner las cosas en su lugar donde en el fondo de la cuestión no hace más que complicar la misma. Si algo debe estar claro en la película es que los niños nunca vivieron con sus padres pero siempre estuvieron bajo la tutela de su madre.

El director utiliza un montaje rápido que genera por sí mismo tensiones que hacen a la situación de tirantez que atraviesa la madre, como así también, aporta una fotografía en color donde prevalecen las sombras que de esa manera generan en el film un suspenso sostenido que mantiene al espectador firme en la butaca.

La fotografía en blanco y negro llena de luces y sombras generando un ambiente de persecución permanente. El exacto el manejo de las luces y las sombras caracteriza a los protagonistas del relato, el cual está magníficamente narrado y transforma al film en una obra dramática compuesta en un blanco y negro que supone la polarización entre una Madre y un Estado, transformando a ella como una víctima de las convenciones sociales del medio en que viven.

La pareja ya no funciona como tal desde hace mucho tiempo. Ella se ha arreglado sola, y el distanciamiento de su ex pareja ha genera una atmosfera de tirantez permanente, Ahora, además de todos esos problemas, el Estado pretende entrometerse nuevamente para quitarle la tenencia de uno de los niños.

El sólido guion del director, la exacta fotografía en blanco y negro y la extraordinaria actuación de todo el elenco, definen a la película como una tragedia moderna. Las convenciones sociales, pero sobretodo las exigencias de la acción social del estado exigen un comportamiento que le impide a una familia a  vivir su elección de vida en paz

El director Deloget evita el melodrama, arma su película desde la fortaleza de los sentimientos, y esencialmente trata de escapar de las convenciones sociales dando vida a un personaje inolvidable y haciendo crecer una película que no solo entretiene sino atrapa al espectador por la valentía de la propuesta, cuestionando el tejido social y defendiendo la libertad personal del individuo.

LA FAVORITA DEL REY de Maïwenn

LA HISTORIA DE UNA CORTESANA

Estrenada esta semana en Buenos Aires, escrita, dirigida y actuada por Maïwenn le Besco, una cineasta francesa, trata sobre las relaciones sexuales entre el grupo de cortesanas y el rey, Ellas eran mujeres que ocupaban un lugar importante en la vida del monarca. Eran sus amantes y no solo se ocupaban de satisfacerlo sexualmente sino también recibían un trato diferencial dado que se destacaban por su nivel cultural. La mayoría de ellas  pertenecían a alta sociedad de aquella época.

Jeanne Becú, hija de un monje y una cocinera, era una de ellas. Era conocida como Madame Du Barry, de procedencia humilde que, más tarde, por su inteligencia y sensualidad, se convertiría en la amante preferida del Rey.

Francia era conducida por el rey Luis XV,  un hombre mayormente preocupado por sus amoríos. No obstante, destacaba por sus contribuciones a la cultura y las artes. No le importaba demasiado el qué dirán de la monarquía francesa, y en consecuencia su vida particular, y sobre todo, amorosa, le preocupaba más que la política. Consecuencia de ello, Francia se debilitó política y militarmente. La muerte de Madame Pompadour en 1764 dejó un espacio que ocupó de hecho ocupó la consejera y cortesana favorita.

Maïwenn propone en la película una versión romántica de una mujer bella, inteligente e instruida, dotada de una gran fortaleza para tolerar el rechazo del entorno de una corte. La directora pinta ese ambiente con ligereza dando lugar a la  parodia. El tono que elige esquiva la solemnidad, donde destaca un Johnny Depp que juega  con una gestualidad por momentos excesivamente descontrolada.
El film es la historia de una mujer que quiere ser libre pero termina siendo  víctima, no solo de las circunstancias sino de la hipocresía y el devenir de la aristocracia francesa, y se transforma en un objeto de deseo y envidia de sus pares.

Lamentablemente,  el film se vuelve confuso en su desarrollo porque el personaje principal pierde presencia cuando una mujer que oficia de cortesana del rey logra sobreponerse a todas sus pares de la corte, y termina siendo despreciada por  el ejército de rivales de su propio género.

La mirada del film es honestamente feminista.  Cuando Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la  pinte en desnudo, ella dice “Ese mi cuerpo”, dando a entender que su cuerpo no se vendía.
Maïwenn consigue pintar el ambiente aquella corte en un tono que bordea la parodia. No obstante, logra sobreponerse al ejército de mujeres rivales que la han despreciado por su sometimiento. La incomprensión de los hombres que la rodeaban, los que la valoraban en su justa medida o la deseaban,  la mantenían protegiéndola del qué dirán, y de la envidia que generaba entre sus pares.

Hacia el final del relato Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la pinte desnuda. Alega que es su cuerpo, y que  ese cuerpo no se vende. Allí, en ese final, aparece un síntoma de cambio de época. La mujer comienza a tomar sus propias decisiones.

El film esta realizado por una mujer y la mirada del film es honestamente feminista.  Cuando Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la  pinte en desnudo, ella dice “Ese mi cuerpo”, dando a entender que su cuerpo no se vendía.

Maïwenn consigue pintar el ambiente aquella corte en un tono que bordea la parodia. No obstante, logra sobreponerse al ejército de mujeres rivales que la han despreciado por su sometimiento. La incomprensión de los hombres que la rodeaban, los que la valoraban en su justa medida o la deseaban,  la mantenían protegiéndola del qué dirán, y de la envidia que generaba entre sus pares.

Hacia el final del relato Jeanne se niega a quitarse la ropa para que un artista la pinte desnuda. Alega que es su cuerpo, y que  ese cuerpo no se vende. Allí, en ese final, aparece un síntoma de cambio de época. La mujer comienza a tomar sus propias decisiones.

GOLPE DE SUERTE EN PARIS de Woody Allen

UN ALLEN DIFERENTE

Es el nuevo film del director americano, esta vez estacionado en Paris, donde con 4 actores franceses y un equipo técnico del mismo origen, se dedica full time a encarar una comedia bien a la francés pero escrita y dirigida por el gran director americano.

Allen esta solo detrás de las cámaras aunque previamente y, como siempre lo ha hecho, es también responsable de haber escrito el guion de esta nueva película.

Obviamente se lo extraña como actor de la misma. La película sin él no es lo mismo. Su ausencia fuera del cast vuelve a la película como contenida, con poca reacción, demasiado formal, como si hiciera falta que el director americano  tuviera que rendir un examen y aprobarlo para calificar como director internacional todo terreno,

Pero no nos engañemos. El film es un típico exponente del cine de su autor. De ninguna manera pueda pensarse que se trata de un film afrancesado o europeizado. Tampoco que se trate de una obra menor. Es simplemente, un Woody Allen diferente, Y no podemos dejar de preguntarnos, qué es lo diferente en este nuevo film.

Lo diferente pasa por su ausencia y por la rigidez de la obra. Por momentos parece esforzarse en la formalidad, es decir, el pegamiento a las formas cinematográficas y sobretodo, al sentimiento de necesidad de aparecer afrancesado.

Esta formalidad lo lleva a Francia, justamente donde nació el cine, con un cast totalmente francés, donde aparece después de realizar una filmografía mayúscula. Es posible que Allen se esté dando un gusto de carácter personal,  pero su nivel de formalidad lo ubica en el papel de un principiante que parece decirse a sí mismo “estoy para un 10”.

No hay duda que Allen se tomó muy en serio esta peripecia francesa. Todos los rubros lucen parejos y en un alto nivel. Nadie desentona. Ni la fotografía, ni la música, mucho menos el cast. El propio Allen no aparece más que en lo títulos y lo hace en forma despersonalizada.

La formalidad del film es inobjetable. Su ausencia personal se hace notar  en el casting, pero su destreza narrativa en lo cinematográfico, es la misma de siempre, esta vez, con una mayor pulcritud.

Lo que no llego a entender es la ausencia de Allen en el cast. El guionista y director americano cumple solamente esos papeles.  El elenco luce totalmente francés. De hecho la película esta hablada en ese idioma. No obstante, el resultado formal es una especie de hibrido donde por un lado brilla la formalidad cinematográfica y actoral, y por otro, se extraña esa rebeldía, una especie de inconformismo, cierta falta de prolijidad que hace a la espontaneidad de un film que en ciertas partes parece homenajear más que al cine francés al cine sueco de los años sesenta, más precisamente, a la obra de Ingmar Bergman, películas como El Séptimo Sello (1957), Persona (1966) y Hanna y sus Hermanas (1969).

EL TIEMPO QUE TENEMOS de John Crowley

EL TIEMPO SERA TIRANO

De la noche a la mañana, te cambia la vida. Un examen médico y un resultado negativo. De repente, la noticia te congela el alma. Lo das a conocer o te lo guardas como algo propio. Se acerca tu esposa y dudas, Se lo digo o no lo digo. Depende mucho de cuan cerrada es la persona.

Un nuevo film de amor, que transcurre a lo largo de un solo día. La narración de esa jornada  no es lineal, sino sujeta a una sucesión de pantallazos que van describiendo ese día en las vidas de sus protagonistas retratando y pintándolos tal como son.

John Crowley es un director de cine británico que dirigió, algunos años atrás, precisamente en 2015,  una espléndida película llamada Brooklyn, que también atinaba a describir un día en la vida de una persona  (una joven que comenzaba a transformarse en mujer), narrando con un esquema de realismo concentrándose en la descripción de ese personaje.

Esta nueva película de dicho director plantea desde su inicio una situación trágica que sufre una pareja. Tobías es un hombre joven al cual le han diagnosticado un cáncer de características fatales. Él sabe lo que sufre, es plenamente consciente de su enfermedad y destino, pero guarda la noticia como propia.

Almut es su esposa, y cuando se entera del diagnóstico de su marido se siente desesperada. No queda otra salida que asumir la realidad, luchar contra la enfermedad y tratar de aceptar lo que ese destino depare.

La película comienza dando a conocer su final. En consecuencia, su objetivo es narrar los acontecimientos un día muy especial en su vida., el cual es el que conducen a ello. La cuestión es como asume la noticia el propio enfermo y sobre todo, como se lo transmite a su esposa y demás miembros de su familia.

Andrew Garfield  y Florence Pughson forman una pareja de actores que logran verosimilitud  y en todo momento evitan el tono trágico que encierra el film., logrando dar verosimilitud a sus personajes  y en consecuencia al relato.

La estructura del guion evita la tragedia que se avecina y se concentra en el factor sorpresa, aquello surge que impensadamente de un día para otro, y no da tiempo a asumir la enfermedad dejando al enfermo en una situación de shock que lo aísla de la realidad.

En consecuencia, el drama se transforma en la  tragicomedia de un hombre en soledad. La película oscila permanentemente  entre la tragedia y la comedia, dejando que la realidad transcurra en un segundo plano que si bien existe logra ser ignorado.

Florence Pugh y sobre todo Andrew Garfield hacen un gran trabajo. Tienen carisma, hay química en sus escenas de amor, y transitan con fluidez tanto el drama como la comedia.

John Crowley vuelve a lucir su capacidad narrativa resolviendo una historia que comienza en drama y transforma en comedia,  evitando en todo momento la risa fácil, concentrándose en las características del personaje, dando lugar a una comedia que dará  que hablar.

EL APRENDIZ de Alí Abbasi

 

EL JOVEN TRUMP

La película trata sobre la niñez y la formación adolescente de Donald Trump, hoy ex presidente  y nuevamente candidato a presidente de los Estados unidos de América.  Protagonizada por Sebastián Stan en el papel principal de la película, donde comienza a perfeccionarse en el rubro inmobiliario de la Nueva York de los años ´70 y ´80.

Estrenada en el último Festival de Cannes, destaca por sus valores cinematográficos, ello es una narración fluida y la descripción cuidadosa de un entorno familiar que  sabe cómo contener a un joven cuyo destino será nada menos que ser presidente de los Estados  Unidos de América.

Por otro lado, el film enfatiza en el padrinazgo de Roy Cohn, interpretado por Jeremy Strong, un abogado que lo formó minuciosamente en su juventud, y lo acompañó en su carrera política. Hoy en día, Trump vuelve a ser nuevamente candidato a la presidencia de su país.

Como película política, es interesante y entretenida, transformando en personaje, primero a un niño, más tarde a un joven, cuyo destino será ocupar la presidencia de los Estados Unidos de América.

La cuestión resulta entretenida, pero sobretodo, logra dar vida como personaje a alguien que, si bien conocemos a distancia, será una persona joven que está destinada a ser el futuro presidente de uno de los mayores países del mundo.   

La película muestra el ámbito donde se cría y educa el personaje, los lugares que frecuentaba de joven y el momento cuando, a sus 27 años, se incorpora a Le Club, un restaurante famoso de Nueva York, lugar por excelencia de cafés, almuerzos y cenas de políticos, jueces, abogados y empresarios de primer nivel en aquella ciudad.

Cuando llega a aquel lugar entra acompañado de una modelo. Desde su inicio mismo muestra su capacidad de llevarse el mundo por delante y saber mostrarse. A esta altura de las cosas, ya tiene decidido su destino político, y lo único que le interesa  es comenzar a ser conocido y poder generar relaciones con los grandes comerciantes, industriales y especialmente políticos que ostentan el poder.

Sebastián Stan juega el rol del Joven Trump. Otro de esos señores influyentes es Roy Cohn, alguien que bordea lo mafioso y que se ocupa de limpiar o eliminar lo que no está claro o en su lugar. Ese es el personaje que explica en pocas palabras su credo; Uno: atacar y no dejar de atacar. Dos: Negar, negar y negar. Tres: No mostrar debilidad ni aceptar derrota alguna. Finamente: Dar siempre batalla y declararse ganador.

El film  logra entretener, y además, a partir del relato de la vida de un joven, se convierte en apoyatura política de una candidatura que, como cinematográfica, no tiene otras pretensiones que las de promover la candidatura de Donald Trump a la presidencia de los Estados Unidos de América. Con el resultado revelado, sabemos, ya sabemos que Trump ha sido nuevamente elegido como Presidente de los Estados Unidos de  América.

Alí Abbasi dirige con corrección y ductilidad el film pintando correctamente no solo al personaje  sino también para transformarlo en propaganda política en un film que resulta sumamente entretenido.

Cannes.

LA HABITACION DE AL LADO de Pedro Almodóvar

La Vida y la Muerte

Ante todo, estamos ante un Almodóvar auténtico. El film es extraordinario en todos sus aspectos. Almodóvar ya no quiere transgredir sino que, tal vez más cercano al fin de su carrera, pone en escena uno de sus films más personales y trascendentes de su vida como cineasta.

Somos testigos de una de sus películas más personales donde la cuestión de estar muy cerca del fin de la vida, el director ha decidido contarlo con una naturalidad total, asumiendo que la vida hay que vivirla hasta que el Supremo decida lo contrario. Hasta ese momento hay vida y debe ser disfrutada.

El film tiene dos aspectos. Por un lado, el del guion al que se ciñe, que sin duda marca el paso de los hechos que cuenta. Pero por otro lado, encierra los sentimientos de una persona que está en lo que cree y por otro, en un lugar muy cercano al borde de su vida.

No se trata de un film filosófico, pero si es un film que trata sobre el ser humano, su vida, las acciones que forman parte de ella, incluidos sus seres más queridos y sobre todo, sus amigos y colegas de trabajo.

La labor del director encierra la obra prácticamente en un departamento. La idea es la proximidad de la muerte a una determinada edad. Acá no se cuestiona si el personaje es más joven o más viejo, sino el sentimiento de esa sensación de amenaza.

La vida no existe sin la muerte. Son opuestos  que se complementan. La existencia de uno depende la del otro. Uno se necesita al otro.

Basada en la novela de Digrid Nunez denominada Cuál es tu tormento,, narra la historia de una escritora de mucho prestigio, protagonizada por Julianne Moore, quien regresa a Nueva York para presentar su nuevo libro  y encuentra en esa ciudad a su amiga Martha (Tilda Swinton), que es una corresponsal de guerra, que y está de paso por esa ciudad. Ellas no se ven desde hace tiempo y se entera que su amiga está internada con pronóstico reservado, al sufrir un cáncer aparentemente terminal.

Los actores están extraordinarios en sus papeles, luciendo una naturalidad que muestra la solvencia con que se han preparado para asumir sus roles. La película vuelve a indicar la dualidad de caminos. Por un lado, el que se deja morir, y por el otro, el que está dispuesto a luchar hasta su último momento. La lucha de los opuestos siempre está presente en el cine de Almodóvar.

Esta maravilla que acabamos de ver es prácticamente una obra de cámara creada por 4 directores, dos actores y un fotógrafo excepcional. Cercana al cine de Ingmar Bergman, es un soplo de vida para todos aquellos que luchan por ella.

ALAS BLANCAS de Marc Foster

ALAS BLANCAS de Marc Foster

MÁS DE LO MISMO

El protagonista quiere ser alumno de un conocido  colegio pero ha sido expulsado del mismo por maltratar a un compañero de clase. Para ayudar a su rehabilitación, su abuela le cuenta una historia  de su juventud que transcurre en la Francia ocupada por el ejército nazi, donde ella conoció a su primer amor. Alas Blancas está basada en una novela gráfica que ya tuvo una pre cuela con el título de “Extraordinario”.

Esta segunda parte comienza en Alsacia, en el otoño de 1942. Sara (Ariella Glaser), tiene quince años y es una adolescente típica. Su vida fluye fuera de la zona de ocupación. No obstante, los nazis tienen una presencia cada vez mayor, al igual que el antisemitismo que fomentan. Su madre (Olivia Ross)  se aferra a la idea negacioncita  respecto a  que su familia judía pueda ser objeto de los arrestos y deportaciones a los campos de concentración. Por otra parte, su padre (Ishai Golan) cree que se les esté acabando el tiempo para huir.

La abuela pretende guiarlos por un camino distinto, haciéndolos entender que el castigo no sirve sino el encuentro consigo mismo, lo cual determina un equilibrio interior cuyo resultado podría ser  sintetizado en transformarse en una persona común. Su regreso a Manhattan, los re encuentra con  su abuela, interpretada por la siempre eficaz Helen Mirren. Allí ella se da cuenta que  comienza a comprender la moral de su nieto, muy  diferente a la suya. Por lo tanto, ella trata de influirlo, buscando que el muchacho se vuelva una buena persona, y comience a tener respeto hacia los demás, y sea alguien capaz de ayudar a su prójimo, quienquiera que sea.

Repentinamente, la acción retrocede a 1942, en un lejano lugar de la costa norte de Francia, donde prevalece el nazismo. Sara (Ariella Glaser)  es una adolescente que no tiene conciencia de la gravedad que está viviendo. Los nazis intentan tomarla prisionera por ser una estudiante judía. Pero logra escapa y escondiéndose en un altillo de la casa.

Marc Forster es un director hábil cuya capacidad narrativa es efectiva. Esa destreza resulta grata en este nuevo intento de adaptar la novela juvenil de R.J. Palacio llamada “White Bird, una pieza de época que mezcla el Holocausto y el romance adolescente.  Astutamente. El director se concentra en algunos de los elementos más simples de la historia, logrando un resultado aceptable que por momentos alcanza  niveles de buen cine, sin perder emoción.

El libro es conciso y directo, carece de simbolismos y es narrado con claridad. Foster aporta sus años de experiencia volcando la historia en imágenes claras y contundentes sobre lo que se está mostrando. La película se filmó en República Checa, en medio de un paisaje campesino que colabora mostrando como el idilio puede transformarse de la noche a la mañana en un infierno.

El protagonista quiere ser alumno de un conocido  colegio pero ha sido expulsado del mismo por maltratar a un compañero de clase. Para ayudar a su rehabilitación, su abuela le cuenta una historia  de su juventud que transcurre en la Francia ocupada por el ejército nazi, donde ella conoció a su primer amor. Alas Blancas está basada en una novela gráfica que ya tuvo una pre cuela con el título de “Extraordinario”.

Esta segunda parte comienza en Alsacia, en el otoño de 1942. Sara (Ariella Glaser), tiene quince años y es una adolescente típica. Su vida fluye fuera de la zona de ocupación. No obstante, los nazis tienen una presencia cada vez mayor, al igual que el antisemitismo que fomentan. Su madre (Olivia Ross)  se aferra a la idea negacioncita  respecto a  que su familia judía pueda ser objeto de los arrestos y deportaciones a los campos de concentración. Por otra parte, su padre (Ishai Golan) cree que se les esté acabando el tiempo para huir.

La abuela pretende guiarlos por un camino distinto, haciéndolos entender que el castigo no sirve sino el encuentro consigo mismo, lo cual determina un equilibrio interior cuyo resultado podría ser  sintetizado en transformarse en una persona común. Su regreso a Manhattan, los re encuentra con  su abuela, interpretada por la siempre eficaz Helen Mirren. Allí ella se da cuenta que  comienza a comprender la moral de su nieto, muy  diferente a la suya. Por lo tanto, ella trata de influirlo, buscando que el muchacho se vuelva una buena persona, y comience a tener respeto hacia los demás, y sea alguien capaz de ayudar a su prójimo, quienquiera que sea.

Repentinamente, la acción retrocede a 1942, en un lejano lugar de la costa norte de Francia, donde prevalece el nazismo. Sara es una adolescente que no tiene conciencia de la gravedad que está viviendo. Los nazis intentan tomarla prisionera por ser una estudiante judía. Pero logra escapa y escondiéndose en un altillo de la casa.

Marc Forster es un director hábil cuya capacidad narrativa es efectiva. Esa destreza resulta grata en este nuevo intento de adaptar la novela juvenil de R.J. Palacio llamada “White Bird, una pieza de época que mezcla el Holocausto y el romance adolescente.  Astutamente. El director se concentra en algunos de los elementos más simples de la historia, logrando un resultado aceptable que por momentos alcanza  niveles de buen cine, sin perder emoción.

El libro es conciso y directo, carece de simbolismos y es narrado con claridad. Forster aporta sus años de experiencia volcando la historia en imágenes claras y contundentes sobre lo que se está mostrando. La película se filmó en República Checa, en medio de un paisaje campesino que colabora mostrando como el idilio puede transdormarse de la noche a la mañana en un infierno.

EL JOCKEY de Luis Ortega

FRIO Y FORMALISTA

Es un film diferente, eso le suma a favor, pero cierto toque surrealista  la vuelve monótona e intrascendente más allá de la formas, donde la película brilla por su formalidad olvidando que está contando una historia.

Más allá de su exhibición  formal, el film cae reiteradamente en baches que vuelven al film complejo, que logra ser sostenido únicamente por su rigurosidad formal. Por momentos transitan escenas de tipo realista, en otros, se vuelve repentinamente sub realista. No obstante, va más allá y  destaca por el uso de sonidos que oscilan, en otros, lo onírico.

Lamentablemente, la película se queda en eso, una especie de nada, olvidando enteramente la emoción, esa búsqueda de empatía donde el desarrollo de personajes  nunca llega a la credibilidad.

Los personajes de la película son insólitos, desprecian la realidad y se expresan a través de diálogos poéticos que poco agregan al desarrollo de una trama convencional o de una idea  que vaya más allá de las formas de contar una historia.

Remo Manfredini (Pérez Biscayart) es un ídolo del turf pero se está volviendo viejo, El consumo alcohol le provocan crecientes accidentes en las carreras que terminan en su internación hospitalaria. Ahora comienza a tener una rival. Ella es Abril, una jocketa joven  y novia de Remo, que en su mejor momento queda embarazada y no sabe si continuar con la gestación.

El punto débil del film es que parece más orientado a lo visual que al contenido, a tal punto  que la idea principal fuera lograr un film puramente estético pero sin contenido, como si las formas se impusieran sobre los contenidos, y ello condujera simplemente a un disfrute visual derivado de las imágenes más que por contenido de los mensajes.

No obstante, el sentido de lo estético se mantiene durante todo el film y en ello encuentra que hay más cuidado en la forma que en el contenido. Las luces y las sombras, más allá de la sobriedad de los colores usados, van de lo opaco hacia lo luminoso, como si la complejidad de una carrera de caballos pusiera el ritmo adecuado al drama de la angustia que genera  el aguante del caballo y su lugar de llegada,

Obviamente,  la película resulta extraña, no es lineal  ni de fácil interpretación, pero está dirigida con destreza narrativa lo cual logra no solo enganchar al espectador sino también, sobre todo por la descripción de un mundo muy particular como es el  del hipismo y sobretodo el de las apuestas.  Refleja  un mundo hostil, donde la competencia oprime y devora a las personas, y el hombre explota al animal en la competencia, más allá de las pasiones turfisticas.

“El Jockey” será la película que representará a la Argentina en la próxima entrega de los Oscar. Está narrada con muy buen tacto. Se introduce tanto en lo onírico  como en el sub realismo, sin dejar de lado el acompañamiento de una excelente banda sonora, y sobre todo de una excelente fotografía.

SIN CODIGOS de Thomas Arslan

LA NOCHE, LA OSCURIDAD Y EL CRIMEN

Trojan regresa a Berlín después de 12 años. Las cosas no le han ido bien. Necesita un cambio, pero sobre todo, necesita dinero. Alguien le ofrece participar de un trabajo. Se trata del robo de un cuadro que ha sido restaurado en un museo, Puede ser una salida momentánea. Pero hay otros interesados en el tema.

El film abreva en el policial negro, donde todo luce decadente y terminal, tal como luce el cuadro robado. Todo resulta incierto, donde sobresale el medio tono. Nada está dicho y casi todo esta supuesto.

La película luce por su simpleza, pero todo se irá complicando en la medida que avanza el metraje, tomando al ocaso de la vida como el verdadero motor sobre el cual gira la misma, ello es la incertidumbre y la falta de certezas.

El personaje principal, Trojan, es un ladrón en el ocaso de su vida. Un hombre solitario, un ladrón que ha hecho del robo su profesión y de esa manera se gana la vida. Es un ser taciturno al cual algunas cosas no le andan bien. Ha perdido la juventud, no ha llegado a ser nadie, y ha quedado solo en la vida, Solo le queda cierta habilidad para el robo.

Su vida se le ha pasado volando. Ya no es un hombre joven  y el riesgo de sus trabajos no le rinden como antes. Necesita volver a las grandes ligas. Llama a sus conocidos pero casi no encuentra respuestas. Y de repente, aparece algo parecido a una oportunidad. Se trata de un robo en los suburbios de Berlín.

No obstante, no puede hacerlo solo. Necesita gente, y que esa gente le sea confiable. Conoce poca gente y a casi nadie de los que presuntamente van a participar. No obstante, no le queda otra opción que asumir el riesgo.

El tiempo pasa  y los códigos cambian. También cambian las certezas, e incluso, los códigos del hampa. El personaje principal  se ha vuelto desconfiado. El mundo del hampa también ha cambiado y las viejas reglas del juego ya no son las mismas.

El film abreva en el policial francés de  los años ´70. Rinde tributo a aquellos policiales que se volvieron famosos dando lugar al policial negro (el film noir), aquellos que contaban la historia desde el lado de los malos y no de los buenos, donde los franceses como Jean Pierre Melville revolucionaba el género con películas tales como El Samurai, o Claude Chabrol con El Carnicero. Nadie llegó a mostrar el peligroso mundo del hampa como lo hicieron esas películas francesas, entre otras,  no podemos dejar de nombrar El  Círculo Rojo (1970), a las cuales, este film rinde culto.

El horizonte se amplia. El film transcurre durante la noche. Berlín brilla como si fuera una enorme ciudad europea, no obstante, es simplemente el medio donde se desarrollan los acontecimientos. Nada se desaprovecha. La noche brilla tanto como el centro de Berlín y sus adyacencias. 

Thomas Arslan dirige la película con propiedad. Sin duda, abreva en los grandes directores del género. Su capacidad de síntesis es propia., y es un digno heredero de la Escuela de Berlín. El film brilla honestamente con virtudes propias. Sin duda es un film personal cuyo director seguramente tiene por delante un porvenir asegurado, al menos, en este nuevo cine alemán.

TRANSMITZVAH de Daniel Burman

LA CUADRA, EL BARRIO, LA CIUDAD

La nueva película de Daniel Burman vuelve a girar sobre la cuestiones de la identidad, esta vez basado en la búsqueda de un adolescente de descendencia judía cuya propósito es convertirse en mujer.

Lamentablemente, el resultado es el de una obra fallida, que más allá del espíritu claro costumbrista de la obra, no tiene una armadura heterogénea que permita mantener una obra de hora y media de narración sin buscar una línea que marque acontecimientos que permitan la pintura de un ambiente, en este caso, una colectividad.

En comparación con sus obras anteriores, la nueva película del director parece una obra fallida, que da la sensación que está  hecha a las apuradas, como si hubiera filmado de compromiso, dejando de lado muchos aspectos que pintaran la riqueza del barrio y sus habitantes con total naturalidad.

La obra transcurre en el barrio del Once, un lugar donde vive una gran colectividad judía, donde se respetan y mantienen costumbres propias ancestrales que tiene muchos años de desarrollo en nuestro país.

El film trata sobre un niño que quiere ser mujer,  y además, ser un músico de rock and roll, por lo cual, vuelve al barrio volviendo que lo vio nacer en busca de su identidad. Su regreso  es la vía es inevitable para encontrarse asimismo. En otras palabras, es la historia de un muchacho joven que se siente mujer y no sabe cómo asumirlo.

El cine de Burman siempre se ha destacado por la corrección de los aspectos técnicos y esta vez no es la excepción.  Los actores están perfectos en sus papeles y el desarrollo de la acción podría haberse abierto en otras direcciones pero se ha mantenido en una especie de relato costumbrista donde los personajes están muy bien delineados en base a actuaciones creíbles y espontaneas.

STELLA, UNA VIDA de Killiam Riedhof

STELLA, UNA VIDA  de Kiliam Riedhof

GUERRA Y SUPERVIVENCIA

Estamos en Alemania. Corre el mes de febrero de 1943. La Alemania nazi está en su esplendor y sueña con apoderarse del mundo. Stella Goldschlag es una hermosa joven alemana que le encanta el jazz y sueña en convertirse en una cantante famosa. Pero la cuestión está muy difícil y va para peor. El estallido de la Segunda Guerra Mundial la coloca en la marginalidad, y es apresada por la Gestapo. Torturada, es obligada a delatar compañeros para poder salvarse no solo ella sino también sus padres.

El film es una aguda reflexión sobre la traición en un estado de sometimiento absoluto de quien no tiene otra alternativa que corromperse y convertirse en delatora. Se trata de un dilema de orden moral de quien se encuentra en una situación extrema. Es la persona que se encuentra entre la espada y la pared. En la realidad, es la persona que delata o pierde la vida.

Stella es capturada y queda atrapada en un dilema de orden moral: O delata a sus compañeros o pierde la vida. Basada en una situación real, el film hace hincapié en una situación extrema donde el término medio no existe. Se trata de una situación donde solo existen dos extremos. Hacer lo que se quiere y asumir la consecuencia, o entregarse mansamente al enemigo.

El personaje se nutre de una dura realidad como lo es una guerra donde en primer lugar se encuentra la sobrevivencia, y en segundo lugar rige la colaboración con el enemigo para primero evitar la deportación, y el exterminio, e incluso,  la denuncia, donde atrapar a otros judíos, algo abominable, a veces justifica salvar la propia vida. 

Kilian Riedhof dirige esta pequeña obra de arte que pasó casi desapercibida tanto por la prensa como por el público. Se trata de un director alemán, también guionista, con una amplia carrera en la televisión alemana, que ya a tratado otras tramas que hacen hincapié en la situación moral de una persona.

El film intenta comprender la difícil situación en que se encuentra la protagonista, situada sin lugar a dudas en un costado equivocado de la historia. El desarrollo del personaje, no obstante, respeta su propia conciencia, sabe en la situación que se encuentra, y sobre toda las cosas, privilegia la vida sobre la muerte.

No se trata de esquivar la responsabilidad de los hechos, en este caso, la responsabilidad de la delación. El fin apunta a otra cosa, ello es la necesidad de transformarse en una delatora para poder sobrevivir a una situación completamente adversa.

Ella no niega su responsabilidad. Simplemente le toca asumir el papel de alguien que privilegia la vida sobre la muerte. Ello no implica negar su responsabilidad sobre la delación, El film, no justifica. En todo caso, observa el privilegio de la vida sobre la muerte. Es el caso de alguien que se convierte en verdugo para poder sobrevivir.

JOKER 2 de Todd Philips

 RESBALÖN NO ES CAIDA

A una semana del estreno, las nuevas andanzas de Guasón han determinado un fracaso de taquilla que parece ya irremediable. Puede pasar. Es muy probable que esté más ligado con una decepción prematura de una audiencia exigente que a una realidad, pero lo cierto es que cuando el de boca en boca corre adversamente, es difícil de mantener el control de la taquilla.

Existen al menos, dos tipos de cines. El cine comercial y el Cine de Arte. Lo es uno, o lo es otro, pero obtener las dos cosas al mismo tiempo es un logro difícil. El fracaso de taquilla que acaba de cosechar Joker 2 posiblemente tiene más que ver con un exceso de pretensiones que determina un film que aspira a tantas cosas que no se atreve por ser una cosa ni la otra. En otras palabras, no satisface ni al público infantil ni tampoco, a sus mayores.

El director Todd Philips parece tenerlo todo. Un muy buen elenco encabezado por Joaquín Phoenix, y Lady Gaga, y además, un productor y director que minimizaba los riesgos artísticos. El proyecto no podía fallar. Sin embargo, sorpresivamente, la taquilla le dio la vuelta a la cara.

La película no solo resulta reiterativa sino que se transforma en vacía e insignificante. Philips, también productor del film, pone toda la carne al asador y se deja despellejar sin anestesia. El gran error en que cae es haber creído que estaba realizando un proyecto para toda la familia cuando solo estaba filmando una simple secuela para niños. Con el propósito de ganar la taquilla adulta, ha olvidado que su propósito final es el de una película para niños.

Consecuencia de ello, los aspectos técnicos y estéticos, comienzan a tener más importancia que los argumentales, y en consecuencia, el film se regodea en la originalidad de una puesta  en escena casi deslumbrante mientras a la vez que el argumento se diluye en la intrascendencia, rozando la incomunicación su platea. Lo argumental no logra comunicar la historia que relata. No logra interesar al espectador porque los regodeos  formales pierden no solo la forma sino sobre todo, la línea argumental, y en consecuencia, la película queda a la deriva.

Por otro lado, el film no parece estar orientado a los niños sino más bien, a los adolescentes.   Ese ha sido un error de producción relevante toda vez que por largos momentos parece estar simplemente exponiendo una pintura que adquiere movimiento pero olvida su esencia narrativa.

Detrás de todo ello, los objetivos del film eran satisfacer tanto al público infantil tanto como al adolescente e incluso, al adulto. Lejos de ello, el film se estanca en el regodeo estético perdiendo en el camino el objetivo principal que es el entretenimiento de los niños.

El film resulta una pena porque llegar objetivamente a ambos públicos debería ser el target principal de la propuesta. Lejos de ello, el film se queda en lo puramente exterior sin aportar absolutamente nada a sus antecesoras, como tampoco logra entusiasmar a los adultos. Para Todd Philips, director y productor del film, el fracaso es doble.

MAGICAL MISTERY de Arne Felhusen

UN VIAJE A TRAVES DE LA RECONSTRUCCIÓN ALEMANA

Estamos a principios de la década del noventa   en la ciudad de Colonia en Alemania. Karl Schmidt es un señor de unos 35/40 años que vive en soledad en esa ciudad y está bajo tratamiento psiquiátrico a raíz de una crisis nerviosa producida por un consumo excesivo de drogas. Él es un músico en recuperación que ha debido separarse de su grupo musical como consecuencia de esa adicción.

Karl necesita un trabajo que le permita volver a conectarse con su medio. Para ello debe mantenerse sobrio. Busca trabajo y encuentra uno como chofer de un grupo musical que lo contrata para llevarlo por toda Alemania, pero especialmente, para pueda mantenerse sobrio. Todo un desafío para él.

La película es un reflejo de la resurrección alemana de la posguerra, la nueva prosperidad, el nuevo hombre. El film transita los años noventa del siglo pasado donde la pesadilla del nazismo ya había terminado, aunque también había dejado huellas, habiendo creado un  nuevo sentido de la responsabilidad social. El país había retomado la buena senda y se estaba recolocando entre los países aspirando a acceder a una nueva confortabilidad social generando mayores oportunidades.

La narración toma un camino de paralelismo entre la representación de la vida del personaje y la historia de la nación europea. El film festeja  ambos acontecimientos. Ello es la recuperación de la nación alemana por un lado, y por otro, el de un hombre alcohólico que logra mantenerse en sobriedad. Es un hombre que ha sido vencido por las drogas pero tiene la oportunidad de curarse y reinsertarse socialmente. Así como Alemania salió del horror, ese hombre trata de salir de su ostracismo.

El director Ame Feldhusen, es un hombre  de 53 años nacido en Schleswig-Holstein  en Alemania en 1971, que tiene en su haber una extensa filmografía, pero sobre todo, una larga carrera en televisión. Su filmografía consta solo de tan solo dos películas de largometraje, no vistas comercialmente en Argentina.

La que nos ocupa es una obra adulta y de gran actualidad, cuya profundidad conceptual, la torna en una de las películas más interesantes de los últimos tiempos.  Por otro lado, bien actuada, musicalizada, con una excelente narrativa destaca  con un actor expresivo en un ambiente callejero que pinta permanentemente por un lado la soledad del protagonista, y por el otro, el conglomerado social que lo contiene,

Esta película no está en cartelera sino que ha estado disponible y en la reseña de los días sábados en el  Museo del Mar., en Mar el Plata.

“ROMPER EL CIRCULO” de Justin Baldoni

 ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA 

Basado en el libro del mismo nombre, la protagonista del film es Lili, quien se ha enamorado de Ryle y está comenzando a disfrutar de su primer amor cuando repentinamente decide revaluar su relación de pareja como consecuencia del surgimiento de conductas violentas en la misma que le hacen recordar las peleas domesticas de sus padres.

La novela habla sobre el amor y la necesidad de lograr un equilibrio en la pareja, y hace hincapié en que no hay mejor relación que la que se basa en el respeto mutuo.

El film comienza cuando Atlas (Brandon Sklenar), su primer amor, reaparece después de varios años de no verse, generando una crisis en su relación de pareja. En consecuencia,  Lily debe tomar una decisión. La obra se remonta al pasado para indagar en los problemas de su infancia conflictiva.

Un reencuentro lleva a Lily a reevaluar la relación con Ryle, pero comienzan a aparecer  conductas de violencia en la relación que le hacen recordar a la conflictiva relación de sus padres,

Pasan unos años. Lily ahora vive en Boston. Trabaja de moza en un restaurante. Ha madurado y puede ver con más claridad su conflictiva relación..

El film resulta una película entretenido, un melodrama que se sostiene por sí mismo, sobre todo por las buenas actuaciones de sus protagonistas. La novela

La conflictiva vida de Atlas comienza a distenderse cuando ya más adulto comienza a trabajar en un restaurant en Boston, lejos de los problemas de su madre.

El director  Baldoni, narra una relación intensa y emocionalmente que también pone de relieve el tema de la violencia familiar, en este caso, relacionado con su madre. Los traumas de Lily encuentran remedio en su propia capacidad de enfrentar y superarla.

lake Lively interpreta a Lily Bloom, una mujer atrapada entre dos amores, en esta intensa adaptación cinematográfica.

Colleen Hoover se ha consolidado como una figura influyente en la literatura contemporánea abordando temas sociales significativos.(Crédito: Ed. Planeta)

El film profundiza en la necesidad de superar los traumas y la capacidad de cambiar y tomar decisiones que nos siempre son gratuitas.                              

EL VIEJO ROBLE de Ken Loach

ACTITUD Y POSITIVISMO

En el cine del director británico hay una clara actitud política que se repite una y otra vez manifestando su inconformismo  haciéndose eco y voz de todos aquellos que proliferan por los suburbios  de la sociedad cuya situación manifiesta claramente es la marginalidad  de todos los que no gozan de una comodidad social.

Esta nueva película se concentra en un punto de vista muy particular, el cual es el de una adolescente de aproximadamente 18 años, emigrada de la Europa del Este y que repentinamente va a parar a un rincón de Inglaterra en la costa del noroeste.

La sensibilidad del director británico transforma al personaje principal en una emigrante de Europa del Este, un ser joven y querible, que lejos de sus padres, busca encontrar su camino a través de la honestidad.

La debutante Ebla Mari encarna a Yara, robándose la película de punta a punta en base a su expresiva sensibilidad. Ella hace sentir al espectador no solo la soledad del emigrante sino también la necesidad de conocer gente y abrirse hacia los demás en busca de una empatía que le permita la sociabilización que aspira para poder insertarse en un medio social diferente al que ha nacido y vivido.

Loach desarrolla su obra desde el ostracismo que genera la soledad del recién llegado. Yara no conoce a nadie y desde esa soledad trata de construir pequeños lazos de relación con los cuales aspira a integrarse en una nueva sociedad que es absolutamente diferente respecto donde ella ha nacido.

El director inglés maneja el material con absoluta idoneidad para construir una película sensible donde el espectador rápidamente toma parte de la situación del personaje y comparte ese devenir que necesita para facilitar su integración social.

El cine de Loach siempre se ha nutrido de la realidad. Su característica principal es el verismo, y una  vez más sale adelante  con sus consignas, en este caso, la convicción del  que persevera y triunfarás. Yara es un ser apocado. No conoce el inglés como idioma, no tiene demasiado dinero disponible, está sola. Ha llegado a un puerto donde no conoce a nadie. Pero su actitud es siempre positiva y en consecuencia, encuentra  pequeñas soluciones que le permiten dar un pequeño paso adelante en su situación de marginalidad.

La película nos hace reflexionar sobre la necesidad de vencer la adversidad. El personaje tiene siempre una actitud positiva, lo cual la transforma en un elemento de superación personal. Por otra parte, el pueblo, que alguna vez lucio la bonanza de la extracción de las minas de carbón de la zona, ahora está tan venido a menos como la misma situación de los inmigrantes. En el fondo de la cuestión, uno y otros están en una encrucijada de la cual no tiene otra que unirse y tratar de salir adelante.

La película es lenta y en blanco y negro, pero está muy bien escrita, mejor llevada a la pantalla y sobre todo, extraordinariamente  actuada. No tengo mucho más que decir. Vaya al cine y disfrútela. No hay mejor opción que la de manos a la obra. Los personajes de esta película adhieren a ese dogma. Para bien del film, es una película que no solo deja verse, sino también deja la dulzura del que ha llegado a algo bueno.

LONGLESS (COLECCIONISTA DE ALMAS) de Oswood Perkins

UN POLICIAL RENOVADO

Es una película transgresora de un género, heredera de aquellas películas de los 70, tales como The French Conexión (1971). La Gran Estafa de Don Siegel (1973) o Taxi Driver de Martin Scorsese (1976).

Su trama es simple. Lee Harker, agente del FBI, investiga un caso donde encuentra un denominador común: Un asesino ha atacado y matado familias enteras. Más tarde se suicida  y deja una nota con símbolos satánicos. Harker investiga y descubre una serie de coincidencias. Por lo tanto, decide tomar el caso.

La película es la historia de la obsesión que genera el persecutor respeto de su perseguido, el cual permanece la mayor parte del metraje fuera de campo. El film destaca en los aspectos técnicos y especialmente, en la forma de la narración. En lo visual, sobresalen los grandes angulares, la forma de la iluminación difusa, la abundancia de primeros planos y la homogeneidad del uso de los colores, donde tienden a repetirse los rojos, los azules y los grises.s. Por otro lado, el sonido altera abruptamente el pasaje de los silencios al subrayado de la acción.

Otro aspecto interesante del film es que el malo de la película es quien domina la acción. La mayor parte de la película gira en torno al mismo. En ese aspecto, hace recordar a los grandes exponentes del género, donde la personalidad del villano sobresale de tal manera que aun cuando no está, su presencia se hace sentir en todo momento. Eso conduce a un clima de pesadilla que envuelve a toda la película.

El director pone en escena un film de género al cual nutre con una puesta en escena que sobresale por su modernidad, ello es la utilización de diversos recursos que utiliza para narrar y dar fluidez a una historia que si bien convencional, logra atrapar al espectador con buenas artes, obligándolo a ir más allá de lo que ve, para poder entender un mundo totalmente desquiciado y fuera de órbita.

Para ello se vale de grandes primeros planos, juega en forma permanente con una iluminación de tipo expresionista, e incluso, con cambios de colores donde prevalecen el rojo, el gris y el azul, acompañado de una banda de sonido cuyos chirreos buscan subrayar el ámbito de encierro y desesperación del protagonista, un asesino encarnado por  Nicolas Cage, que aunque difícil de reconocer, destaca con una actuación impecable, muy bien dirigido, y acompañado por un buen cast que nunca desentona.

TIEMPOS DE GENTILEZA de Yorgos Lanthimus

UN TRASPIÉ QUE GENERA CAIDA

El verano pasado vimos con mucho agrado la primera parte de esta película dirigida por el cineasta griego, del cual tengo buenas referencias dado que su filmografía esta constituida por películas tales como Colmillos (2007), Langosta (2015), El Sacrificio del Ciervo (2017), La Favorita (2018),y  Pobres Criaturas (2023) que en general, no hemos olvidado.

No obstante ello, el estreno de Tiempos de Gentileza genera un traspié impensable en esta segunda parte de una novela literaria, especialmente, porque la primera parte había generado expectativas positivas y por otra, dado el éxito de la primera parte, podría haber facilitado el traslado del segundo libro que obviamente es una continuación del primero.

Relatada desprolijamente, como si el director hubiera filmado desganadamente o fuera de tiempo, el resultado del film es un acumulamiento de hechos que no se conectan entre sí, ni estéticamente lucen como obra de suspenso, ni mucho menos un pasaje por el surrealismo.

En otras palabras, la deuda generada es enorme. De la novela, queda poco y nada. El desgano es total, desde la puesta en escena hasta la actuación, nada luce ni tampoco logra atrapar por el camino del absurdo.

Tiempos de Gentileza necesita una revancha. Queda abierta esa posibilidad. No puede creerse un resultado tan pobre de una novela tan rica.