LA NOCHE DEL CRIMEN de Dominik Moll

RADIOGRAFIA DE UNA CLASE MEDIA ADORMECIDA

Estamos en los suburbios de Paris. La ciudad luz se torna oscura y pueblerina. Algunos vecinos se visitan. Pocos andan por la calle.

Clara, una joven adolescente visita una amiga. Conversan y se ríen de cuestiones cotidianas. Se hace de noche. Se despide y se va. Desde las sombras, sorpresivamente, emerge un sátiro, quien la ataca y la mata.

Yohan será el detective policial destacado para investigar el caso. Con escasos elementos sobre la mesa, trata de seguir algunas pistas. Es poco lo que tiene. Se guía por corazonadas y experiencias más que por una rigurosa investigación de los hechos. Sigue un camino que en el fondo conduce  a ninguna parte.

El film se transforma en una inspección de las mínimas posibilidades que la policía tiene para descubrir, detener, concluir y llevar a juicio a un crimen. Un asesino anda suelto. Por un lado, se observan los hábitos de una clase media absolutamente enfrascada en sus rutinas diarias, de las cuales emerge anestesiada sin ninguna capacidad de reacción frente a una realidad a la que ignora en su aislamiento.

La película recorre un barrio donde no parece haber ocurrido algo tan siniestro como un asesinato. Solo el punto de vista de un policía nos transmite la urgencia de la investigación. La misma, no arroja resultados de ninguna naturaleza.

El crimen se sumerge en la oscuridad de la nada y se transforma en una gran mirada sobre la indiferencia de una sociedad ensimismada en una rutina diaria, de un de casa al trabajo y del trabajo a la casa donde el tercero, el otro, no parece existir. Las aspiraciones sociales básicas: educación, casa, y auto, se superponen a la falta de seguridad aunque a la vuelta de la esquina, esté al acecho un asesino suelto y esa amenaza llegue incluso al crimen.

Por otro lado, el film es una descripción de las costumbres de una clase media acomodada, metida en sí misma, cuyas preocupaciones son mantener un status cuyas rutinas diarias son despertar, desayunar, ir a trabajar, regresar a casa, cenar, mirar televisión, e ir a la cama para dormir.

El esfuerzo de un investigador policial solitario que se interesa en el caso y trata de obtener pruebas para poder esclarecer el crimen no es suficiente para dilucidar el caso y lograr un acto de justicia.

Una obra contundente del joven director francés que tiene 4 películas en su haber aunque solo se ha visto en Argentina “Un Amigo que te Quiere” realizada y vista en el año 2000.

La Noche del Crimen ganó del Premio Cesar  del cine francés. Es a su vez, una de las películas más galardonadas de la temporada. La sutileza de su narración, pequeños detalles que cobran significación a lo largo de su metraje, su mirada sobre la indiferencia de todo un barrio frente a un crimen horrendo, las bajas aspiraciones y la chatura de la vida, la convierten en una nueva gran joyita del cine francés.

EL HIJO de Florian Zeller

UN DRAMA FAMILIAR

Un hombre se ha separado de su esposa, con quien convivía y había tenido un hijo. Ahora, ha formado una nueva pareja, y ha nacido otro niño. Su vida se complica. Se transforma en una tragedia.

El film es el ir y venir de esa persona que necesita estar en distintos lugares al mismo tiempo. Desarrollada como un drama, la trama se concentra en una larga charla entre un padre y su hijo,  que nunca pierde su equilibrio, manteniendo siempre el interés y la atención de espectador.

Detrás de esa faceta, la película nos habla de otras cosas. Por un lado, los sentimientos de un padre para con su hijo. Por otro, los de su propio hijo. Una trama sobre la paternidad y la crisis  de un adolescente que deviene en una depresión profunda.

Todo padre ha sido hijo. Nunca dejamos de ser hijos y en consecuencia, encontramos dificultades para ser padres. Y esa incompatibilidad suele generar problemas entre padres e hijos.

La película también habla sobre los sentimientos. Ese padre necesita generar un vínculo, educar un hijo, y dejar crecer al niño para que se vuelva un adolescente y finalmente se haga un hombre. Pero a su vez, ese padre arrastra un hijo como una carga. Le da de comer, paga sus estudios, lo tolera en las buenas y en las malas. El resultado será dramático. El volverse hombre no impide dejar de ser hijo. Y en esa condición, en esa situación forzada e incómoda, el personaje trata de comunicarse con su hijo.

El hombre se equivoca porque nunca encuentra su punto de apoyo. No asume su papel de padre. No entiende el rol. Trata de entender la situación desde el adolescente y se asume como tal para entenderlo. Pero en consecuencia, confunde su lugar, y no transmite la seguridad que el hijo reclama para poder crecer.

Como consecuencia de ello, sobreviene un periodo de orfandad. El padre, separado de la madre del adolescente, se ha vuelto a casar, tiene otro hijo, un bebe que reclama su tiempo, que lo absorbe y lo aísla. Lo obliga a ser padre. El primogénito reclama su condición de hijo. El más pequeño, lo pide todo. El drama se impone sobre la comedia.

Película compleja, bien y claramente narrada, atrapa la atención del espectador, y no la suelta hasta su final. La actuación de Hugh Jackman es notable en el rol del padre, como así también la del adolescente Zen Mc Grath como su primogénito. Laura Dern acompaña al trio como la madre abandonada, y Vanessa Kirby como la nueva esposa. La fotografía, marcada por los primeros planos de los actores, y el excelente trabajo de ese montaje, nos deja un film notable, magníficamente actuado, de características teatrales que montaje mediante, esta excelentemente adaptado al cine.

1976 de Manuela Martelli

SILENCIO Y OSCURIDAD

Corre el año de 1976. Las democracias de Argentina y Chile han caído bajo dictaduras militares que han generado miedo, persecución, encierro, y muerte.

El film de Martelli no hace un discurso político pero si describe con suma inteligencia el momento vivido. La película habla del “eso no se dice” logrando transmitir a la audiencia esa cerrazón de boca, esa angustia  que genera la falta de libertad de expresión, de la situación de sospecha permanente, del saber que está sucediendo algo grave pero mejor “no meterse”. Un país en crisis. Una mujer con sentido común se da cuenta de la situación.

La película se sostiene en dos aspectos claves: un guion excelente y en una actuación maravillosa de la chilena Alina Kuppenheim. Su naturalidad es total.

El guion firmado por la propia directora está escrito con suma pulcritud. Prácticamente es un monologo que alude a un momento donde la realidad se manifiesta a través de la violencia. Un tiroteo en la calle que la sorprende mientras hace compras, lo cual comienza a generar en ella el “darse cuenta” de una situación que tiene que ver con el “de eso no se habla.”

Filmada en base a primeros planos, prácticamente un monologo del personaje central que vive en una situación de inocencia e incredulidad sobre lo que está pasando no solo a su alrededor sino también en la situación política del país, la realidad encuentra un clima de violencia extrema en la que la desaparición de personas se vuelve moneda corriente.

Hay un gran trabajo de fotografía y montaje que permite darle al film un ritmo pausado pero siempre significativo que describe la toma de conciencia de una mujer madura, en una intriga hitchcokiana que hace recordar a La Ventana Indiscreta.

Muy bien resuelta, sobre todo en lo concerniente al clima de opresión personal del personaje, donde rápidamente, aparecen titulares de los diarios y televisión en blanco y negro nos permite situarnos en aquellos duros años de mediados de los ´70. El país está en una crisis difícil de resolver y los secuestros y las desapariciones se repiten de todos los días.

Considerando que es la opera prima de la directora chilena, el film no solo interesa como obra de un revisionismo de época, sino por la descripción de un personaje que sale de un estado de total inocencia  no solo de una situación política sino de la verdadera pesadilla que significaba la dictadura chilena.

El gran trabajo de actuación de Aline Kuppenheim, y la recreación de la atmosfera encerrada por una dictadura totalmente alejada de la democracia y la libertad del individuo, hacen que este film resulte una gran sorpresa cuyo interés no solo radica en lo político sino en la acertada descripción de una ama de casa cuya vida parece transcurrir plácidamente, donde la realidad la obliga a pasar a la acción. 

EL ENGAÑO de Mehdi Bersaoui

RELATO EN PRIMERA PERSONA

Estrenada esta semana con el título de El Engaño (en su idioma original respondería a El Hijo), se trata de la ópera prima del director tunecino Mehdi Bersaoui, un drama ético de carácter personal que atraviesa un hombre, un padre, cuyo hijo necesita un trasplante de hígado en un país donde la religión no lo permite.

Se trata de un debut muy promisorio de un joven director destacado en el cortometraje quien realiza su primer largo con una película de factura impecable, narrada en primera persona del singular.

El director se concentra en relatar los resultados de esa espera que supone  una operación de trasplante no autorizada, toda vez que la utilización de un órgano vital es considerada como una violación a los restos mortales de la persona fallecida, en este caso, un niño.

El conflicto se concentra en torno a la figura del padre, quien siente la responsabilidad de conducir el automóvil que manejaba durante un accidente de tránsito en una ruta de vuelta de unas vacaciones en la playa.

El relato se concentra en la sala de espera de una clínica donde el niño está siendo sufriendo un trasplante. Lo notable de la narración es la concentración lograda de una espera interminable. El niño debe someterse a una operación  de un trasplante de hígado para salvar su vida. Su padre lo acompaña y sufre. No solo está en juego la vida de su hijo sino también sus creencias. Un debate en torno del ser o no ser.

El film no admite desvíos ni segundas intenciones. Film austero y profundo a la vez. Por un lado, la visión de la lucha entre la vida y la muerte. Por otro, un padre que se siente responsable o incluso, culpable del daño producido a su hijo.

Narrado con paciencia, construyendo el relato con pequeños detalles, el guionista y director tunecino logra su objetivo, narrar con claridad una parábola sobre la responsabilidad paterna de un hombre divorciado. No es ajeno a ello la excelente dirección de fotografía de Antoine Heberlé, y sobre todo, la sobresaliente actuación de Sami Bouajila. Un film de alta contenido humano.

LA BALLENA de Darren Aronofsky

 PREJUICIO Y CULPA

La Ballena tiene una base teatral, y su mayor mérito es que en su paso al cine no traiciona dicho origen. Su adaptación cinematográfica ha sido excelente. Su traslado de medio ha elegido al montaje cinematográfico como forma de lenguaje, logrando recrear un unipersonal que básicamente describe un momento de crisis en la vida de un hombre.

Se trata de la vida de Charlie, un escritor y autor de teatro, homosexual, casado y separado, padre de una hija adolescente,  cuya vida transcurre en el encierro de un departamento de un ambiente  donde su obesidad casi no le permite moverse libremente para  acarrear todo el peso la crisis amorosa que está sufriendo, más su enorme y engordecido cuerpo.

Brendan Fraser interpreta un papel que ha sido nominado al Oscar y probablemente gane. Su trabajo es prácticamente un unipersonal que la cámara registra minuciosamente. Su personaje, Charlie, es un actor teatral que en la película está permanentemente expuesto en la pantalla, y lo obliga a cargar no solo con un cuerpo, sino también con una homosexualidad que ha reprimido por años, le ha costado un divorcio, y, ahora mismo, asistir financieramente a una hija adolescente al borde  de comenzar la universidad a la que solo pareciera importarle el dinero que le da su padre.

Película de características teatrales, está  excelentemente adaptada al cine. Su puesta cinematográfica ha sido filmada minuciosamente y destaca por el ritmo del montaje, realizado en velocidad y en infinitos planos de corta duración, logrando atrapar el interés de espectador desde su mismo inicio, para no  soltarlo hasta su final.

Es una obra de encierro, no sólo  sino también estructural. El film es eminentemente cinematográfico. Es una obra de montaje en un estricto trabajo de unir fotogramas y dar velocidad narrativa, logrando una edición que brilla por sus cortes exactos y precisos que permite mantener no solo un ritmo narrativo adecuado para la traslación al cine de lo que es una obra teatral, sino también un excelente trabajo que se caracteriza por su minuciosidad y bastedad.

Dicho trabajo avanza desde los primeros planos hacia planos generales, narrados siempre en velocidad, dando al film un ritmo que adecua correctamente a la descripción del personaje y a la crisis que sufre el mismo.

El film nunca esconde su origen teatral teatral, no obstante es una película plenamente lograda. Es, por otra parte, una excelente muestra de adaptación, del paso de un lenguaje teatral a un medio como el cinematográfico. Años atrás, The Dresser  (2015), Cyrano de Bergerac, (1990), Un Tranvía Llamado Deseo (1951)  fueron excelentes adaptaciones para el cine. Pero La Ballena es otra cosa. Nunca traiciona sus orígenes teatrales, pero siempre logra expresar en términos de cine puro, aquel que nace del corte y que sobre todo, determina el ritmo cinematográfico de la película. En este caso, un montaje hecho añicos que va desde un primer plano a un plano general, narrando en una velocidad adecuada y justa.

La película termina atrapando al espectador en base al interés que despierta un relato. Un hombre en plena crisis existencial que logra llamar la atención del espectador en base a una narración clara y concisa, bien actuada y dirigida, pero sobre todo, excelentemente montada.

EL IMPERIO DE LA LUZ de Sam Mendes

 EL MANDATO DE LOS SENTIMIENTOS

Podemos decir que Sam Mendes es un director consagrado. Ganador de un Oscar en 1999 por su trabajo de dirección en “Belleza Americana” (1999) y reconocido por otras obras importantes como el film bélico “1917” (2019), donde demostró su capacidad creativa generando una de las secuencias  bélicas más realista y aterradora de la historia del cine.

Ahora vuelve con otra película muy personal y trascendente donde logra registrar el mundo de los sentimientos que va más allá de la mera emoción, al dar vida a un grupo de personajes notablemente interpretados que escapa de la soledad yendo al cine.

En este nuevo film reflexiona sobre el cine mismo, sobre su destino, dando vida a una historia en torno a un cine de la costa inglesa donde un grupo de personas, algunos mayores y otros más jóvenes, continúan yendo a una sala de cine para disfrutar de una película.

Los motivos para ir al cine pueden ser diversos. Algunos lo harán para entretenerse, otros para olvidarse de los problemas de la vida, o para enterarse de cosas que pasan, o simplemente, ver una película, ficcional  o documental. No importará el género, ni la procedencia, ni los actores o directores. El público será constituido por un pequeño grupo que es fiel, fan del cine. Personas que se sienten encantadas de mirar una pantalla casi en soledad. Es una pequeña audiencia que disfruta de una narración creada por imágenes y sonido que suele fascinarlos, los convence de volver y les crea un hábito.

Paradójicamente, el film habla de un fenómeno extraño. Pareciera que el cine está muriendo, no obstante, existe una renovación de público. Sigue habiendo gente que continua yendo al cine. El cine sigue siendo algo fuera algo fuera de lo común. Tal vez no importan los actores, ni los directores, fotógrafos o músicos. Para esos espectadores, el cine es  inmortal. Ni la televisión ni Netflix pueden  cambiar el objetivo de ese “ir al cine” que solo tiene el objetivo de ver una película en una sala oscura con una pantalla grande.

El Imperio de la Luz no es solo eso. Va mucho más allá. Mendes es un director hábil y obviamente un cinéfilo natural. Su obra no solo rescata la vieja sala de cine sino que re vive los géneros y sobre todo a los personajes, sino crea seres ficcionales que son puro sentimiento, donde la existencia del otro no es una simple complejidad sino un compartimiento de sensaciones.

En su visión del cine, el público no es una masa. Cada espectador es un ser diferente que tiene sus propios gustos y sus propias referencias. No constituyen una cofradía ni mucho menos. Algunos de ellos son mayores, otros adultos, y muchos son jóvenes  dispuestos a descubrir el cine o que ya lo han descubierto y se han unido al grupo.

Con gran lucidez, Mendes se las arregla para construir en torno al cine una idea de la realidad, donde el público no solo es un espectador sino una persona con una vida real, que tienen sentimientos, sufre penurias, el día le sucede como a todos y donde la fantasía se encuentra en la oscuridad de la sala constituyendo un pasa tiempo que por otro lado, paradojicamnete, es manejado por una industria poderosa que marca pautas y costumbres.

En ese mundo, destacan particularmente los besos, las caricias, los abrazos, los odios, gestos de humanidad donde la gente busca a la gente compartiendo un espacio común, risas y lágrimas, dando fe que el cine no está muerto.

Cambiaran  los espacios, las salas, los proyectores, los actores, las actrices, los guionistas, los directores, los fotógrafos pero todo seguirá siendo ¨cine¨ y tan solo se reduce al gusto de ver una proyección de imágenes que ha determinada velocidad crea una ilusión de movimiento que sigue encantado a mucha gente.

LOS ESPIRTUS DE LA ISLA de Martin Mc Donagh

 LA VIDA Y EL DESTINO

En carrera hacia el premio Oscar 2023, con antecedentes interesantes  tales como Escondidos en Brujas en 2008), y Tres Anuncios para un Crimen en 2017, esta película británica del director irlandés Martin Mc Donagh, suena como firme candidata en la carrera de los premios Oscar. Interpretada por el joven Collin Farrel y el veterano Brendan Gleeson narra una historia simple sobre la amistad y el amor a la tierra, a la vez, de la imperiosa necesidad de aceptar los cambios de época e incluso, abandonar el terruño.

Dos amigos dejan de hablarse. Son vecinos. Uno joven y otro viejo. El film narra sus vidas en una aldea de principios del siglo XX en una región campesina de Irlanda. Los protagonistas llegan a un punto de intersección donde saben que inexorablemente sus destinos se separarán debido al paso del tiempo, el cambio de las costumbres, la tierra que se vuelve yerma, y encima pone a prueba a sus habitantes. El cariño por el lugar que nos vio nacer no basta. A veces, marca la necesidad de emigrar.

El viejo deja de saludar al joven como indicando que la situación no da para más. La esperanza de vida disminuye, los recursos escasean, y el abandono de la tierra se vuelve una necesidad para iniciar la búsqueda de un nuevo destino. El joven sabe que debe irse. Pero le cuesta, no se anima.

Parábola sobre la vida, narrada en el tiempo justo, sin prisa pero sin pausa, el film del director inglés se transforma en una joyita, una notable reflexión sobre la vida, el paso del tiempo, la necesidad de crecer, de conocer otros horizontes, la obligación de tomar decisiones: irse para probar suerte, y poder encontrar una nueva vida.

Contada con simpleza, los dos protagonistas toman distancia, y se miran de reojo durante gran parte de la película. Ambos son conscientes de su destino. El viejo sabe que tuvo la oportunidad, hizo su vida, y solo le queda la satisfacción de ser un buen hombre. Hizo lo justo, crio sus hijos, trabajó su tierra, cumplió con su destino. El joven es trabajador, intuye que vive otros tiempos. Sabe que debe irse, tomar otro camino, crecer y encontrar su propio destino. Se avecina una época diferente.

Los aciertos del  guionista y director son varios, uno de ellos es la simpleza de su relato y la austeridad de la puesta en escena. El film se llena de miradas expresivas que preanuncian un destino que inexorablemente cambiará el estado de las cosas.

La gran puesta en escena tiene mucho que ver con las notables actuaciones de sus dos actores principales,  ambos contenidos donde importa menos lo que hacen que lo que expresan. La escena final los encuentra juntos, mirando hacia delante. Sus miradas perdidas en el horizonte lo dicen todo. La necesidad de crecer, de vivir, de ganarse la vida, llegar a ser alguien.

El trabajo de cámara es también muy importante porque marca el ritmo justo, tanto las pausas como la acción que lleva hacia delante. Expresa permanentemente un devenir. El tiempo pasa, no para y suceden cosas. Es el retrato de la vida misma.

Film personal, muy propio del director, es un relato manejado con cierto estilo del absurdo que enfatiza en la relación de dos vecinos, donde uno de ellos comienza a evitar al otro, sin ninguna causa aparente, donde el silencio mismo mostrará una situación que ya no va más, volviendo imperiosa esa necesidad de cambio, silenciosamente, posiblemente por ese temor.

La edad de los dos protagonista marca también una diferencia notable indicando que el más viejo intuye un cambio de época que marca una necesidad, la de dejar el terruño y buscar un nuevo horizonte. El más joven todavía no entiende lo que pasa. Pero el film, inteligentemente, se queda en la mirada hacia el futuro de los dos protagonistas dejando que el espectador saque sus propias conclusiones.

TAR de Todd Field

RETRATO DE UNA MUJER

Todd Field es un director americano que debutó en el largometraje en 2001 con “En el Dormitorio” (In the Room), un film que presagiaba un estilo alejado del cine Hollywood, realizando tan solo 3 películas en 22 años, logrando que todas ellas brillaran siempre en la cartelera de nuestros cines.

Ahora está nuevamente en cartel con su última realización: Tar, un film escrito y dirigido por él mismo, donde se da el gusto de contar con una gran actriz, Cate Blanchet, que realiza una actuación magistral dando vida en la pantalla a Lidia Tar, una compositora y directora de orquestas sinfónicas que atraviesa un momento de una crisis afectiva. Muy bien escrita y dirigida por Field, la actuación de la gran actriz americana da vida al personaje principal  (Lydia Tar), una mujer de mediana edad, soltera, lesbiana, de profesión arquitecta, muy independiente, que atraviesa un momento  personal de características propias de una sociedad moderna donde la realización personal (estudio universitario, titulo, desarrollo profesional) deja poco espacio a lo afectivo y que confunde con la mera necesidad sexual.
La película nos pinta unos pocos días en la vida de Lydia en la que se encuentra perdida en una crisis de índole existencial donde no encuentra satisfacción sexual, ni afectiva, ni profesional, donde no logra captar en el otro nada que se transforme en un lazo, una atención, un vínculo, una amistad, un compañerismo o algo parecido al amor. La inteligente trama encierra a Tar en sí misma, incomunicándola con el resto del mundo. Su soledad la aísla porque su crisis está en su “yo” personal, una persona que se siente distinta, posiblemente superior a los demás, pero que esencialmente, es diferente. En consecuencia, se encuentra sola, poco comunicativa, algo soberbia, mandona, y sobretodo, superior a los demás.
Su crisis hace un tope cuando su licencia de vacaciones termina y debe abocarse a las diversas obligaciones que como directora debe asumir para dirigir una orquesta que debe interpretar una sinfonía de Mahler en Berlín, donde ella se exige al máximo a si misma impidiendo todo forma de fracaso. Paradójicamente, eso la aleja, la encierra,  y la sumerge en una crisis existencial que la pone al borde de un abismo.
Muy bien escrita, bien dirigida y excelentemente actuada, Tar describe excelentemente a una mujer de nuestro tiempo, profesional, liberal, que tiene en claro su trabajo y sus objetivos pero que cae en un momento de confusión en un momento de su vida donde las exigencias de su trabajo no le permiten ocuparse de sí misma, y en consecuencia, entra en dicha crisis.
No solo la actuación de Blanchet es elogiable sino también todos los aspectos técnicos, sobretodo la fotografía de Florian Hoffmeister, cuyos encuadres callejeros en las calles de Nueva York son soberbios, sino también, la música de Hildur Guðnadóttir que sabe encontrar el tono necesario para sentir lo que la protagonista siente.

TODO EN TODAS PARTES AL MISMO TIEMPO de Dan Kwan y Daniel Scheinert

UNA MIRADA SOCIAL

Más que nada, resulta una película sorprendente. Con un gran sentido del humor, pasa revista a la mayor parte de los clichés en el que se vive en una sociedad capitalista abrumada por el incentivo al consumo y a la propaganda mediática.

Se trata de una película inclasificable, podríamos decir, narrado desde un punto de vista sumamente crítico, respecto de la actual sociedad de consumo, visto como una parodia de la realidad.

No obstante, su prolijidad narrativa avanza a paso seguro, a alta velocidad, apoyándose en un trabajo de edición interesante, que puebla la pantalla de iconos de una sociedad típica donde la venta de un producto se impone claramente por sobre todos hábitos de una persona, especialmente por aquella que disfruta de una vida que cree acomodada en la medida que alcanza un nivel de consumo satisfactorio.

“Todo en Todas Partes” es un film diferente que oscila entre la realidad y la ficción más pura. Una ruptura dimensional cambia una realidad por otra. El mundo entra en una crisis terminal donde aparece “una nueva” súper héroe, inmigrante china llamada Evelyn (Michelle Yeoh), la cual recibe la orden de salvar al mundo.

La situación no da respiro. Estalla una guerra, hay colapso ambiental y agitación social. La televisión muestra las imágenes del caos. No se observa ninguna posibilidad de encontrar una solución a una situación desesperante en el corto plazo.

Metáfora sobre el mundo actual,  sorprende de entrada como un falso documental pero termina interesando no solo por su propuesta fílmica sino por la propuesta de discusión que propone.

Como película inclasificable que no responde a los géneros, es una rara mezcla de humor y tragedia, drama y comedia al mismo tiempo, que termina provocando un estado de perplejidad a la vez que una reflexión sobre el estado de un mundo falto de comprensión y amor al prójimo.

El film resulta ciertamente original. No obstante, es imposible dejar de lado la sensación de extrañeza que transmite, la cual es permanente durante todo su metraje. Así y todo, su formal propuesta, su seriedad de objetivos deja atónito al espectador desprevenido generándole una incomodidad, invitándolo a seguir un análisis de lo visto después de acabada la proyección.

Su humor sorprendente, nos deja pensando a la salida del cine. Escrita y dirigida por Daniel Kwan y Daniel Scheinert (esta es su segunda obra y no he visto la anterior), es una película difícil de encasillar en los géneros, aunque no no es un film que capaz de provocar una revolución de los mismos. 

En su final, en las oficinas del gobierno, lejos del mundo y las estrellas, el film ironiza sobre un mundo burocratizado lejos de los sueños y las estrellas que pueblan nuestro firmamento y hace soñar con la existencia de un mundo mejor. 

HOLY SPIDER Ali Abasi

 ASESINO SUELTO EN UNA GRAN CIUDAD

Estamos ante una producción dinamarquesa que financia una película de Ali Abasi, un director turco, nacido en Teherán, Irán. El film se enrola en el género, dando lugar a un policial cargado de suspenso que no develará el resultado de su trama hasta minutos antes de que llegue su  final.

Asesino Suelto… transcurre en aquel país y la protagonista principal es una periodista que desarrolla su trabajo para un diario donde realiza una investigación de carácter social sobre la prostitución femenina, en la ciudad de Mashad y que a poco de comenzar, observa que una cantidad de mujeres  están siendo misteriosamente asesinadas.

La película resulta un gran fresco social que se ajusta al género policial tradicional que se basa en un caso real ocurrido en aquella ciudad, que resultó con la muerte de 16 prostitutas. El film se impone por un suspenso sostenido donde el espectador puede especular sobre quién de los protagonistas es el asesino responsable de la matanza  donde todos parecen sospechosos.

La habilidad de Ali  Abasi como director está en su capacidad de sostener el suspenso hasta el final a la vez que genera un fresco de carácter social. Por otra parte, dibuja sus dos personajes principales. Por un lado, una joven periodista comprometida con causas sociales y su necesidad de impulsar un rol más activo de la mujer en una sociedad machista, y por otro, describe a un hombre obsesionado por mantener la pureza de su cuerpo y de su alma, que paradójicamente, no duda en convertirse en un despiadado asesino.

En esta dicotomía, plantea un debate entre una fuerte influencia religiosa (siempre presente), que se contrapone con la necesidad de prostitución de muchas mujeres como un medio de sostenibilidad de vida., La historia desarrolla una serie de asesinatos donde la policía parece ausente, y solo una mujer, desde su posición de periodista, trata de indagar sobre esos crímenes que nunca terminan de ser resueltos simplemente por que las víctimas son mujeres en una sociedad donde reinan los hombres.

Desde un punto de vista formal es film es irreprochable. Funciona como una pintura social en la que impresiona la supremacía masculina sobre la fémina, donde los hombres son fuertes y sabios y las mujeres están destinadas a tan solo a tareas hogareñas o menores. La libertad de la mujer se aprecia solo como un acompañante del hombre. Paradójicamente, la prostitución no está prohibida.

El personaje principal, una abogada que investiga los crímenes de prostitutas acaecidos en la ciudad, es quien tiene la capacidad de observar el rol secundario de la mujer y los obstáculos que se observan para que ella pueda resolver su trabajo.

Holy Spider es una aguda reflexión sobre la sociedad turca, una mirada crítica sobre un estado de cosas que perduran a través de los años ignorando los cambios de época. En forma solapada pero clara y contundente, revisa profundamente el estado de una sociedad estancada en el tiempo, exigiendo un cambio social respecto a la igualación de los sexos. Expresa un no rotundo a la supremacía del hombre sobre la mujer, igualdad de sexos e indirectamente propone un cambio en la organización social, el cual es asumir  una posición social a la par del hombre. 

En síntesis, Holy Spider es una obra sumamente interesante de un nuevo director turco de dilatada carrera en televisión pero que prácticamente debuta en el cine con esta película. El figura deja al desnudo la gran diferencia entre los derechos del hombre y los de la mujer en una sociedad desigual, a la vez que deja ver las tensiones sociales que provocan estas diferencias. También deja al descubierto el fanatismo religioso, la desigualdad de derechos entre hombre y mujer, la parcialidad en la forma de administrar justicia y como consecuencia de ello, el rol secundario de la mujer como miembro de una sociedad en una sociedad machista y represiva que claramente opera como factor de estancamiento social.

ALERTA EXTREMA de Jean François Richet

 OTRO ACCIDENTE AEREO

Hemos visto varias películas sobre accidentes aéreos y son todas parecidas. En este caso, es un vuelo complicado por una tormenta que obliga a los pilotos a realizar un aterrizaje forzoso. El avión lleva pocos pasajeros, pero destaca uno en particular, un convicto peligroso,  joven, de raza negra, llamado Louis Gaspare (Mike Colter),  que a la postre, se convertirá en uno de los héroes. El otro futuro héroe será Brodie Torrance (Gerard Butler), un piloto experimentado, que sabrá aterrizar un avión en falla en medio de la selva y quedar a merced de un grupo guerrillero con poca o ninguna voluntad de ayudar.

La película resulta entretenida. Es coherente en su argumento y obviamente, debemos respetar la experiencia del piloto y el heroísmo del convicto, que se verán en figurillas después del aterrizaje forzoso cuando lleguen a un poblado en plena lucha revolucionaria.

Lo interesante de la propuesta es la conversión de roles que desarrollan los dos personajes principales. Es también interesante la rotura del estereotipo respecto del personaje de Mike Colter que, lejos de ser un criminal peligroso, se convierte en un héroe toda vez que socorre al  resto de los pasajeros, mostrando sus bondades, totalmente lejanas a las que podrían suponer las primeras tomas de su personaje.

Lo mismo ocurre con el otro personaje central, Brodie Torrant, un piloto con experiencia, un hombre que está de vuelta en la vida, que espera también una segunda oportunidad, algo que el film leda, la falla de un motor como consecuencia de una tormenta, que lo pone en una situación límite. El hombre conoce el avión, sabe que las condiciones atmosféricas son malas, esta sobrevolando una selva a baja altura. Tiene todo en contra. Pero se mantiene frio y estable. Domina el avión, tranquiliza a sus pasajeros, y logra aterrizarlo.

No hay mucho más de la película. Es un film para pasar el momento. Dentro del género, no agrega nada  pero tampoco desentona. Deja verse y entretiene, está bien hecha, y los dos protagonistas se aseguran un futuro de pareja o de héroes del cine de súper  acción. Lo increíble es aterrizar un avión en las condiciones antes mencionadas. Pero más allá, nos espera mucha acción y un final inesperado.

LOS FABELMAN de Steven Spielberg

 SOBRE EL CRECIMEITO Y LA ADULTEZ

Ante de los títulos, Spielberg anuncia que la película trata sobre su vida y su familia, es decir, es un film absolutamente auto referencial. No es un documental. Es una ficción que recrea su vida adolescente. Describe y analiza la relación con sus padres, hermanos, compañeros del colegio y sus amigos más cercanos durante esa época.

Diferente a todas las otras películas que haya hecho, desde el inicio mismo, pre anuncia que es “su película”, y la trama que desarrolla, pasa revista a sus relaciones más íntimas: sus padres, sus hermanos, sus compañeros de colegio, y algún amor adolescente. Es una película autorreferencial desarrollada a partir de aquellos hechos que lo han signado en su vida, desde su nacimiento hasta el momento que el percibe que su destino será ser director de cine.

Agradable de ver, tratada siempre en torno de comedia que hurga en aquellos momentos de su vida en los cuales todavía no llega a entender todo lo que pasa, sobre todo el mundo de los adultos e incluso, y su propia adolescencia, asumiendo lo que está pasando e intuyendo que en la vida no todo es color de rosa.

La trama que presenta puede ser dividida en dos aspectos. El primero, es obviamente, su etapa de crecimiento: su infancia y más tarde su adolescencia. El segundo, es su relación con sus padres. Tal vez, lo más interesante.

Su infancia es la de un niño normal cuya vida comienza a complicarse, como es habitual,  después de los 15 años. Aquí es donde comienza a mostrar su interés por la fotografía y el cine. Después, descubrirá que sus padres tienen problemas matrimoniales que, obviamente, lo afectarán a él, aunque su problema, es no entender que parte de lo que sucede en su vida es un problema entre sus padres. Con el paso del tiempo, crece y se enamora por primera vez.

Lejos está este film de su obra anterior. Esta es una obra de cámara, auto referencial, poco convencional, cuyo interés se concentra en la parte final de la historia donde su personaje, o sea, él mismo, descubre sus gustos personales y descifra la complejidad de las relaciones amorosas y sus consecuencias.

Este es un film totalmente diferente al resto de toda su obra. No se parece a ninguna de sus otras películas. Puede interesar, llegar a entretener, generar indiferencia, o incluso aburrir. Es su propia mirada sobre un mundo desconocido: la infancia y la adolescencia, y la lejana relación con sus padres. Él, un work alcoholic  obsesionado por su trabajo y sostener una familia, y su madre, una muy buena mujer que siempre ha estado enamorada de otro hombre pero que nunca ha abandonado a su familia.

Spielberg narra todo como una mirada hacia su pasado familiar con la sobriedad y calidad expositiva que corresponde a un film tan intimista sin perder nunca esa capacidad de contar, de narrar su propia historia, incluidos  sus padres y hermanos, constituyendo una gran aventura de vida.

Como consecuencia de ello, el film que resulta ameno y entretenido, enganchando al espectador respecto de la saga familiar, y hasta nos hace pensar que otra vez logra lo imposible, “renovar“ el género. Porque “Los Fabelman” no es una biopic más, es una obra muy personal, muy diferente, que cambia la narrativa, agilizando la rigidez y la previsibilidad del relato pero sobre todo, incorpora emoción a hechos del pasado, sobre los cuales prefiere no emitir juico entendiendo el sentimiento del otro, sabiendo que los hechos del pasado no se pueden modificar. Son lo que son.

Esta película también puede verse como una obra de madurez, toda vez que infancia y adolescencia son etapas carenciales en las cuales pueden percibirse ciertas anomalías familiares que el adolescente no alcanza o no quiere entender y mucho menos, debe    intervenir. Spielberg filma ahora, en su vejez, su vida de niño, tratando de recordar libremente aquellas cosas de las cuales no se habla. La historia de sus padres ha sido motivo de ello: la infidelidad de su madre, el work alcoholismo de su padre han sido motivo de conflicto familiar, del “de eso no se habla”… No obstante, en sus relaciones familiares parece haber prevalecido  el amor por sus padres, hermanos y amigos. Hoy, con esta película, les rinde su culto.

BABILON de Damián Chazelle

  ERASE UNA VEZ EN CALIFORNIA

Voy a comenzar por el final. No me gustó ni pude engancharme en el relato. Comienza mucho antes que el cine existiera, cuando aparecen las primeras grabadoras. Lucen las escenas de enormes fiestas llenas de gente en medio de un Los Ángeles paradisíaco. Pero a medida que va avanzando, la peli se va estirando perdiendo interés. Comienza a repetirse con más de lo mismo, pierde por su previsibilidad, y termina aburriendo.

No obstante, todo está contado con un gran lujo detalles y belleza artesanal. Los rubros artísticos son todos notables. Maquillaje, vestuario y decorados son de altísimo nivel. Las actuaciones de Brian Pitt y Margot Robín son sólidas. Pero lo que falla es el guion y mucho más la dirección del propio guionista y director: Damián Chazelle: Whiplash (2014); La, La, Land (2016) y First Man (2018), todas estrenadas en Argentina.
La ambición de Chazelle es grande. Nos habla desde la historia. Trata de narrar cómo se instaló la meca del cine, es decir, como nació Hollywood. Pero en lugar de ir directo al grano, cuenta desde dos personajes marginales: Jack Conrad y Nelly Le Roy, emigrantes extranjeros, él mexicano y ella francesa, ambos aspirantes a ser alguien en la vida y creen encontrar la oportunidad en California, una especie de tierra prometida que dará lugar a la inmigración. Es como si se confundieran dos momentos de desarrollo distintos en la tierra de las oportunidades: Una, cuando llegan los primeros colonos al lugar (sitio por antonomasia del western), y otra diferente, mucho después, cuando se inician los desarrollos industriales.
Pero acá ya estamos en la década del 20, terminada la primera guerra mundial y antes de la gran depresión. El viento del desarrollo económico ya había comenzado con la instalación industrial básica, y  aquellos lugares de servicio. Se estaban abriendo las puertas de grandes restaurantes con números en vivo donde se podía cenar, a la vez de escuchar música y bailar. Es la época en que California se moderniza, deja atrás la caravana y los pistoleros, y comienza a desarrollar teatros, se descubre el interés por la difusión radial, y allá a lo lejos,  se vislumbra la posibilidad de desarrollar una industria audio visual. Pero primero llegará el teatro, años después las grabaciones y aparecerán los discos, y entonces, si, después el cine.
Si bien Chazelle narra apoyado en datos históricos, por otro lado, da vida a dos personajes centrales que desarrollo mediante, van perdiendo objetividad y credibilidad en su ansia de transformar la historia en una novela y sobretodo, pasar de lo objetivo a lo sustantivo, de lo escrito a lo cinematográfico y ser transformado en imágenes.
El problema del film es que se vuelve confuso y hasta arbitrario, careciendo de límites, llenando el film de bellas imágenes pero desdibujando a los personajes centrales y olvidando que las acciones transcurren basadas, por un lado, en un tiempo histórico pasado, y por el otro, en dos personajes (aspirantes a actores), bastante convencionales por otra parte, que no responden a una verdad histórica sino a la pluma de un guionista y director, pretendidamente inspirado, cuyo material se le va de las mano por aquello del que mucho abarca, poco aprieta.
En consecuencia, la película se alarga innecesariamente (tres horas) sin lucir ni llegar a ningún puerto porque los personajes, fundamentalmente, no importan, se desdibujan, pierden interés, se vuelven ficticios y el verdadero objetivo de la película, en realidad, pareciera ser otro, contar  cómo se desarrolló Hollywood y llegar a ser lo que es. No la historia de una ciudad ni cómo llegó a ser la meca del cine. En el fondo de la cuestión, narra simplemente, la historia de dos inmigrantes que, con el paso del tiempo y la tierra de las grandes oportunidades, llegaron a ser actores de cine.

AGENTE FORTUNA (EL GRAN ENGAÑO) de Guy Ritchie

TRATANDO DE ACERCARSE A BOND

Desde que las novelas de James Bond,  a principios de los años ´60, se pusieron de moda renovando los géneros policiales y gansteriles clásicos de Hollywood, ha corrido mucha agua bajo el puente. Esas películas dominaron el firmamento cinematográfico de esos años.

A partir de 1998, la aparición de  Guy Ritchie dirigiendo el thriller “Juegos, Trampas y Dos Armas Humeantes” fue determinante para descubrir un nuevo tipo de comedia donde reinaba la comicidad (tal vez algo chabacana), a la vez que nace inesperadamente un ídolo del cine de súper acción que casi sin dudar le hace sombra al mismísimo 007 desde un ángulo totalmente diferente.

De la historia de actores inexpresivos destaca Jason Statham, quien participa en un papel menor en esa película que, como en tantas otras, permite imponerse hasta que se vuelve un actor fetiche del género  a partir de su participación en Transporter (2002) y más tarde formando parte del cast de la saga Fast and Furius 6 y subsiguientes.

El actor es, además, un experto en artes marciales mixtas, kickboxing, taekwondo, muay thai y Jiu-Jitsu, disciplina en la que es cinturón morado, habilidad que le abre puertas para  participar en forma directa  en escenas de riesgo, lo cual lo ha erigido y catapultado como un actor popular aceptado por el público en la categoría de películas de súper acción, en la cuales encabeza las taquillas del género de cual participa.

Consecuencia de ello, lo encontramos esta semana de estrenos liderando nuevamente la taquilla cinematográfica veraniega con un tanque de género típico interpretando a un nuevo agente secreto.

Si bien esta nueva  la película está lejos de cualquiera de las versiones de la serie Bond, y claramente Stathan no pretende parecerse a Bond ni mucho menos a cualquiera de los otros grandes actores que lo precedieron en ese papel (Sean Connery, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnam, y Daniel Craig), el actor logra imponerse por sí mismo creando un personaje fuerte, con autoridad, y con una gran frescura que nunca esconde la pretensión de ser distinto, imponiendo incluso una hilaridad muy lejana al cinismo que caracterizaba, sobretodo, al Bond de Connery.

No obstante, esta última aparición de Statham lo encuentra en un personaje diferente, algo más serio. El Agente Fortuna cobra cierta seriedad sin perder su sentido del humor, pero sobretodo se aleja de los hermanos Marx para ser él mismo en todo sentido y crear un nuevo personaje, un agente secreto británico más apoltronado, serio sin perder el sentido del humor bien británico, y estando más en la dirección de la acción que, como suele suceder siempre, lleva a la destrucción total de todos los escenarios conllevando maldades y cimientes posibles que se ciernen por delante de nuestras oscuras vivencias.

El film no es un aporte fundamental para cambiar ni revivir el género, pero como entretenimiento, opera en forma genuina y eficaz. Statham domina su papel y en esta oportunidad es controlado suficientemente por Ritchie que en su cabeza tiene durante todo el tiempo la idea de realizar un film de espías, bien aireado para provocar entretenimiento apoyado con cierto nivel de comedia que provoca hilaridad. El film entretiene y cumple su objetivo. Nada que no hayamos visto antes pero correctamente hecho.

En honor a la verdad, no es el mejor film de Ritchie, pero tal vez sea un paso adelante como actor  en la carrera de Statham. Entretiene y cumple su objetivo. 

CON AMOR Y FURIA de Claire Dennis

ESCENAS DE LA VIDA CONYUGAL 

El cine francés se está colocando, post pandemia, en la delantera cinematográfica, no solo por cantidad sino esencialmente, por calidad de cine que está realizando.  Esta nueva obra de Claire Dennis es una película para tener en cuenta, no solo por naturalidad sino también por la profundidad con que presenta a una pareja desgastada por el paso del tiempo y la rutina sino también por la calidad de la puesta en escena y sobre todo las actuaciones que llevan a cabo Juliette Binoche y Vincent Lindon que hace recordar a un maravilloso y exitoso film de Ingmar Bergman titulado en Argentina como esta misma crónica.

El nuevo film de la directora francesa, conocida por su trayectoria y el interés despertado por algunas de su obras (Chocolate (1988), La Intrusa (2004),  Un Sol Interior (2017), entre otras, se concentra y analiza la vida de una pareja adulta, que reincide en un matrimonio donde la rutina se hace presente, derivando en una situación cercana al cansancio y al hastío, lo cual genera el alejamiento y la ignorancia del otro.

La trama transita de la rutina y la felicidad de todos los días a una crisis existencial que se concentra en la descripción de esos días donde la pareja entra en crisis como consecuencia del encierro (la pandemia???) donde la repetición de las tareas hogareñas  generan una situación de hastío que inexorablemente conducirá a una crisis matrimonial.

Lo interesante del relato es la realista descripción que Dennis realiza de la rutina, el hacer todos los días lo mismo, roto repentinamente por la aparición de un viejo amor de ella, lo cual hace caer a la pareja en un abismo emocional que deriva inexorablemente en una crisis matrimonial. No obstante, darse cuenta de esa situación  y buscar una salida con el propósito de corregir la situación es el camino indicado y buscado. Pero nada podría remediar la situación sin que existiera previamente un amor profundo que une a la pareja.

El excelente guion de la propia directora, realista, directo y conciso, va directamente a la cuestión que plantea, no se pierde en tiempos muertos ni se distrae de su objetivo. Adicionalmente, la mano maestra de su puesta en escena interpretada por dos actores dóciles, totalmente compenetrados en sus actuaciones, vuelve a esta película  en una obra para tener muy en cuenta para pasar no solo un muy buen momento sino también reflexionar sobre el estilo de vida desesperado que llevamos agobiados especialmente por situaciones económicas, políticas o sociales que nos alejan de la propia realidad del propio universo de la pareja o de la familia.

Película realista, equilibrada, con tema muy interesante y sobresalientemente actuada es un plato fino que se destaca obviamente en una cartelera veraniega que invita más a los grandes tanques que a una obra de cámara.

JOVENES AMANTES de Carine Tardieu

SIMPLEMENTE… UNA HISTORIA DE AMOR

Esta película no pasará inadvertida. Primero porque trata sobre el amor. No cualquier amor, sino uno provocativo, que desafía las costumbres sociales, el qué dirán. Por otro lado, es un film notable, muy bien realizado, con un uso del lenguaje cinematográfico bien moderno, donde el trabajo de montaje resulta perfecto.

Comencemos por el lado temático. Fanny Ardant es una mujer mayor que posee una casa en la costa, donde conocerá, durante un almuerzo, a un médico amigo de otro amigo (Melvile Popuad), del cual se terminará enamorando. La historia de amor narrada no saldría de las convencionalidades sino fuera que éste último es mínimamente 20 años menor que ella.

El tratamiento del tema por parte de la directora francesa es de un equilibrio ponderable. Logra mantener el interés del tema por arriba de las convencionalidades sociales, dar carnadura propia a los personajes a través de actuaciones inolvidables, construyendo la historia en forma lenta pero segura, y logrando mantener el interés desde el principio hasta el fin del relato.

Lo sobresaliente de la puesta en escena es que lejos de la teatralidad, el film es esencialmente cinematográfico, una serie de viñetas que sobretodo marcan no solo la evolución del relato, sino el desarrollo del sentimiento de cada uno de los personajes en conflicto.

Al mencionar la palabra conflicto me refiero a un primer plano de las cuestiones planteadas, la primera es la de los tabúes sociales, la segunda  es  que el medico es un hombre casado y padre de familia.

La directora Tardieu no solo logra una gran calidad expositiva sino que desarrolla los sentimientos de cada uno de sus personajes que fundamentalmente se sienten sometidos a un ordenamiento social, a un prejuicio al que sienten están violando, o de otro modo desafiando generando un sentimiento de culpabilidad que les impide ser ellos mismos.

La ´puesta en escena de la obra, lejos de la teatralidad, avanza en base a un recurso esencialmente cinematográfico como lo es el montaje. Este recurso generalmente ha sido usado mucho en los filmes de acción. Lo notable de esta película, es que, presentado como una obra de cámara, esta desarrollada básicamente a través del montaje.

En Jóvenes Amantes no hay una puesta en escena sino una serie de mini escenas vinculadas a través del montaje cinematográfico de características notables. Es un montaje hecho añicos de tomas de corta duración que con habilidad artesanal son unidas en una consola otorgándoles ritmo y significación para construir una historia.

Es también un trabajo ciclópeo de cámaras, con un nivel de actuación para el recuerdo, donde Fanny Ardant está a la altura de sus mejores trabajos  y Melvil Poupaud brilla a su lado.

En mi opinión, encuentro en esa película, no solo una historia muy bien contada, sino también un film que desafía los prejuicios sociales. En Jóvenes Amantes, el amor nacido entre Shauna y Pierre no tiene que ver con la edad, sino con la pureza de un sentimiento que lleva al deseo como vehículo de ese amor. La edad de los protagonistas solo concierne a ellos. No tiene importancia. Es otro film de amor, pero muy diferente. Nos habla de la vida que perdemos por ceñirnos al qué dirán.

AFTERSUN de Charlotte Wells

DE DONDE VENIMOS Y HACIA DONDE VAMOS

Charlotte Wells es una joven directora escocesa graduada en la Escuela de Artes Tisch, Universidad de Nueva York en 2017. El film es su ópera prima, la cual destaca particularmente  por su envoltorio, lo visual que, en busca una perfección ​expositiva, la vuelve algo fría y distante  respecto del público. El film carece de emoción a la par que derrocha esteticismo.

La historia narra la relación entre un padre y su hija de once años durante unas vacaciones en un hotel en la costa de Turquía, contada desde el punto de vista de la niña.

Wells maneja la historia con pericia pese a que en algunos momentos resbala y el film termina haciendo agua. No obstante, maneja con capacidad técnica el flash back, dándole vida a una protagonista adolescente, la cual recuerda sucesos de su vida infantil ayudada por un video que la joven directora maneja arbitrariamente apelando a aquellos recuerdos confusos de una niña cuya memoria ha guardado desprolijamente, lo cual produce a la vez un popurrí que mezcla la comedia del crecimiento con el drama familiar, sin dejar de recordar aquellas vacaciones donde los niños encuentran el solar del refugio de sus padres.

El problema de la película es la indecisión de género que nunca termina de definir si el relato es una comedia o un drama, lo cual termina por dañar un relato que se vuelve confuso, sobre todo en lo referente a la temática  del crecimiento infantil, la ausencia de la madre y sobre todo, el rol protagónico del padre, que termina diluyéndose en la rutina y la apatía de todos los días. El film se vuelve reiterativo, algo lento, que solo destaca como un brillante ejercicio de edición.

Por otra parte, puede apreciarse sutilmente los cambios del crecimiento de la niña, sus recuerdos, entre ellos el dolor (¿culpa?) que carga su padre y las situaciones que tienen que ver con su edad. Pero todo ello, si bien no resuelve la relación con sus padres ni la parábola sobre el crecimiento, eso es lo que pareciera ser el tema principal de la película.

Los protagonistas Paul Mescal y Francesca Corio transmiten la ligereza y el gran peso de la historia, pero la sensación que queda es la de un frio relato que se impone por el gran trabajo de edición cinematográfico, la parte técnica del film que largamente destaca sobre la parte emocional del dejando la idea que lo formal se imponen al contenido del relato, y sobre todo, la idea de que lo que fuimos nunca más volveremos a ser.