ASTEROID CITY de Wes Anderson

 UN NUEVO MUNDO DE FANTASIA

La última película del director americano da lugar a un nuevo tipo de animación que puede verse desde diversos puntos de vista. Se trata de una obra que da lugar a una puesta en escena  donde el dibujo es reemplazado por pequeños muñecos y actores reales, contando una historia que narra la caída de un asteroide en un pueblo del desierto del Mojabe, bajo la forma del dibujo animado.

Acorde a las características personales del autor, Anderson asume la trama relatando con lineamientos tradicionales (actores, actrices  y dibujos animados) tomando algunos riesgos que pueden jugar en su contra. Su cine está basado en ello. Solo para recordar, este es el autor de Moonrise Kingdon (2012),  Gran Hotel Budapest (2014) y La Crónica Francesa (2021).

Su nueva obra no puede dejar de observar contrastes. Por un lado es una obra única, renovadora de las formas, que completa un ciclo de desarrollo narrativo que genera un estilo propio de cine que difiere con lo tradicional dado que juega con lo naif pero a su vez, no deja de observar la realidad, a la que de alguna manera, satiriza. Sin lugar a dudas, es una obra controvertida no apta para el espectador común que busca el relato lineal y pasatista, como tampoco es tan solo una película orientada al cine infantil.

Anderson es un director creativo y aquí expresa su propio universo. Un cine que parece salido de los viejos dibujos animados de la factoría Disney, pasa por Pixar / Disney, toma ideas de Barbie  y comienza a desarrollar la propia factoría, la del Anderson autor y  director, buscando y su propio desarrollo que, sin duda,  va en busca de su obra maestra,

El paso dado es gigante. Con actores reales e importantes y un proceso de animación realizado con pequeños  muñequitos que cobran vida en la pantalla con un complejo sistema de montaje cuadro por cuadro, el resultado es realmente revolucionario.

La trama del film transcurre en 1955, en un lugar en medio del desierto que lleva el nombre de la película, de características similares al Mojabe, donde se reunirán cientos de colegiales para participar de un concurso escolar, observando fenómenos astronómicos. ​Allí coexistirán resabios de la primera explosión atómica en medio de una feria de carpas tipo San Telmo en Buenos Aires.

Sin lugar a dudas se trata de un film destinado a la controversia. Para algunos, su valor estará en el paso cualitativo de animación que logra Anderson. Para otros, será simplemente, una curiosidad cinematográfica más. Lo cierto es que esos pequeños juguetes de plástico logran cobrar vida en la pantalla relatando una historia simple y compleja a la vez, con personajes claramente delineados, que deja algo desconcertados tanto a los niños como a los adultos.

No obstante ello, el experimento de Anderson tratando de satisfacer a una platea amplia de padres e hijos, puede llegar a aburrir dado que la extensión de la propuesta es demasiado larga, sobre todo para los más pequeños y poco interesante para los mayores, más allá de los logros cinematográficos (particularmente el trabajo de edición), que es extraordinario y  no admite discusión.

CONTRARELOJ de Nimrod Antal

OPERA Y CUMPLE

Liam Neeson es tal vez, el actor más ocupado de la pantalla universal. Ni hablemos de películas inglesas. Se pude decir de él que es un auténtico trabajador del cine. Ahora mismo está otra vez en nuestras pantallas. Como es lo habitual, lo hace como protagonista de un thriller que entretiene y se desarrolla prolijamente dentro de los parámetros de un género.

En esta oportunidad es un protagonista casi absoluto. Interpreta a Matt Turner, un padre de familia, que mantiene una vida matrimonial normal, y es secuestrado cuando pasa a buscar a sus niños por la escuela. Encerrado en su auto, es amenazado por alguien, con una bomba a punto de hacer explotar el vehículo que maneja, y observado desde un teléfono celular. Alguien lo quiere extorsionar a cambio de quedarse con su dinero.

La película responde a pautas convencionales del género que transita. Está muy bien escrita, muy prolija y su desarrollo tiene una lógica creíble, con lo cual el espectador se engancha y sigue con entusiasmo el desarrollo  de la misma. Obviamente, la actuación de Neeson, como siempre, es creíble dando vida a ese hombre amenazado encerrado en un auto que sabe que cualquier desafuero que haga puede ser sancionado con la muerte.

Lo cierto es que el interprete se ha transformado en un actor fetiche del cine inglés, y particularmente, prácticamente participa de casi todas las películas inglesas que se estrenan en nuestro país, y que conforman en su mayoría, una canasta de cine de acción y suspenso, más alguna otra donde no oficia como principal interprete de ese rubro tradicional que es el policial negro. Dirigida por Nimrod Antal, también adaptador del guion, un hombre con experiencia proveniente de la televisión donde dirigió, entre otros, episodios de Stranger Things.

CIELO ROJO de Christian Petzold

LA HORA DE LA MADUREZ

Es la última película del realizador alemán, que se hizo del premio mayor en la última versión del Festival de Berlín en febrero de este año. Su filmografía contiene títulos importantes tales como Bárbara (2012), Phoenix (2014) y Tránsito (2018), todas estrenadas en Argentina.

Cielo Rojo es, ante todo, por un lado, una obra de madurez, por otro,  una obra creativa del propio realizador, que lo coloca sin duda, entre los directores / autores más importantes de la década.

En este último film experimenta con una historia de crecimiento, encerrando a sus propios personajes en un momento clave de sus vidas. Estos jóvenes se encuentran repentinamente frente a la mayoría de edad sin darse cuenta. Es época de vacaciones y han ido a pasar sus días de descanso en una casa  frente al mar en una playa casi desierta, donde en búsqueda de paz y descanso, trataran de encontrarse consigo mismos asumiendo su mayoría de edad.

Esos personajes son dos adolescentes que comienzan a vivir la vida. El lugar es solitario y frente a su casa vive una única vecina, joven y bella. Rápidamente, los jóvenes entablan relación de amistad, aunque solapadamente, envueltos en el viento y el vuelo de la arena, comienzan a sentir deseos que reprimen tanto por falta de experiencia como por falta de seguridad en sí mismos.

Petzold siempre ha realizado un cine personal cuya factura ha sido más que interesante. Es un notable narrador que se toma su tiempo y expresa con imágenes lo que pretende decir y lo que hace sentir.  De igual manera describe a su personajes, logrando una perfecta relación entre la sensación bucólica que generan las vacaciones y la existencia de la joven vecina que parece ser la destinataria natural de la iniciación sexual del joven estudiante.

Petzold logra su film más equilibrado e importante de su carrera. Es un film luminoso, lleno de buenas intenciones, narrado con una gran sensibilidad, donde la insinuación es más importante que la ocurrencia. Todo está por pasar, y esa es la mayor virtud del narrador. Da entender hacia dónde va pero nunca rebela el lugar o con quién.

Consecuencia de ello, la sutileza de la narración brilla y da lugar al espectador a que saque sus propias conclusiones. El film solo relata un momento en la vida de estos jóvenes. Lo que pasará en el futuro no lo vemos pero lo intuimos. En estas consideraciones, encontramos los mayores virtudes de esta película, que a mi entender, es una obra maestra del realizador alemán.

Gran película, muy bien escrita, mejor actuada y fotografiada, es una film lleno de calidez y amor sobre el despertar de la amistad y el amor. Los rubros técnicos, más allá de las actuaciones, brilla el montaje, la música y la fotografía en color.

CORSAGE de Marie Kreutzer

 

LA EMPREATRIZ REBELDE

Marie Kreutzer es una directora de cine y guionista austríaca responsable de este notable film que realiza con un enorme trabajo de montaje ambientado a fines de la década de 1870 sobre la figura de la emperatriz Sissi, una mujer que marcó una época por su personalidad y fuerte carácter.

La película de la directora austriaca examina en términos modernos de cine la figura de esta mujer, no solo como un paradigma de una época, sino también como alguien de una fortaleza y personalidad  de notables características propias.

Esposa del Emperador Francisco José I, su papel en la historia es mantenerse joven y bella. Su marido, el emperador Francisco José, la ningunea. Y ella solo vive para mantener su belleza hasta que llega un momento que se cansa de tanta obligación que se siente humillada y se rebela. También tiene una manía. Le encantan los viajes y vive obsesionada por su belleza. No quiere engordar y menos envejecer. No es de buen comer, solo se concentra en la ingestión de caldos y chocolates. La historia la ha inmortalizado como una mujer bella e inteligente, algo egoísta, obsesionada por su belleza, y capaz de imponer un estilo propio que realmente marcó una época, aunque políticamente hablando, fue ignorada,.

El guion se concentra en el año 1878, cuando ella cumple 40 años, edad promedio de vida en aquellos años. Consecuencia de ello, comienza a sentir su senilidad. Lejos está de los asuntos de poder, por lo tanto, viaja por Europa y se divierte tratando de encontrar cosas nuevas.

La construcción visual de Kaufman es tan formal como el mundo que representa. Llena de primeros planos, enfatiza en tanto en el concepto de belleza como también en la ignorancia política. En este último aspecto, ella no deja más rastros que su preocupación por la belleza, y su desinterés por la cuestión política, y una sensación de aburrimiento que trasmite a la platea solo evitada por el gran trabajo de montaje que impone la realizadora austriaca.

Corsage es una película de época, que intenta y logra dar vida a un personaje histórico que suena a muñeca de seda. No obstante, deja rastros de la soledad y sufrimiento de esa mujer totalmente alejada de su marido y sobretodo, del poder político. El film no intenta ser una indagación histórica, sino aclarar con mayor profundidad en la vida solitaria de un personaje que la historia ha llenado de un romanticismo vacío.

Kreutzer no pretende realizar un film histórico sino analizar a una mujer ninguneada, las relativas relaciones de privilegio y el sentimiento de frustración, su buen humor y cierto tipo de idealismo femenino.

THE QUIET GIRL de Colm Bairéad

NIÑEZ Y SENTIMIENTOS

Esta vez no se trata de un director debutante. Colm Bairéad es un irlandés que tiene casi 20 años de actividad en el corto y mediometraje, y que ahora, después de su paso en Cannes, llamó mucho la atención con esta joyita que ahora vamos a comentar.

Muy apegado al cine tradicional, su película es un dechado de perfección narrativa que sigue los lineamientos tradicionales  ortodoxos, y escribe un guion basado en los afectos con un personaje central que es una pequeña niña de unos 9 años, llamada Cait.

El desarrollo de la trama se sitúa en Irlanda, en una zona rural. Cáit es una personalidad tranquila y solitaria, y se entretiene solita durante casi todo el tiempo alejada de los problemas familiares, aunque siempre está atenta a lo que pasa.

No obstante, asiste al colegio  y es buena alumna. No se caracteriza por tener dificultades de aprendizaje.  A ella le gusta la soledad, y no molesta a nadie. t Su mamá está embarazada y va a nacer un hermanito. Consecuencia de ello, es enviada a vivir con unos parientes cercanos en el campo. Allí encontrara la atención que necesita, que no es mucha, pero importante.

El cine del director irlandés destaca por su simplicidad y sobretodo, por su simplicidad narrativa que nace en primer lugar de un muy sólido guion escrito por sí mismo, como de una puesta en escena que adhiere a la misma fórmula basada en lo cinematográfico en escenas cortas, pequeñas, dirigidas fundamentalmente por un montaje tradicional con el cual marca un relato que nunca deja de avanzar remarcando el crecimiento de una niña en soledad mientras su madre ha debido guardar reposo para poder llevar adelante un embarazo complicado.

Estos méritos propios de escritura y dirección apegadas a un relato simple y conciso que es llevado al cine con la misma intención cambiando solo lo escrito por lo cinematográfico es la mayor virtud de este film que recupera el clasicismo narrando una simple historia,  que se focaliza  en los primeros años de la niñez en la cual la soledad del personaje no hace otra cosa que describir, por un lado su vulnerabilidad, pero por otro, la fortaleza que se gesta desde la más tierna infancia y se desarrolla durante toda una vida.

LOS HIJOS DE OTROS de Rebecca Zlotowski

ESTADO DE INFELICIDAD

Estamos ante una joyita del cine moderno y del cine francés. Es una película perfecta por donde se analice. Es un drama que trata sobre la infertilidad femenina. Ello ocurre cuando una mujer no puede quedar embarazada o genera abortos espontáneos.

 La infelicidad es un estado de la emoción relacionado con la incapacidad de no poder ser feliz. Es la falta de algo o de alguien que impide alcanzar lo justo o deseado. Puede ser individual o también, colectiva. La felicidad es todo lo contrario. Un estado caracterizado por sentimientos de alegría y plenitud. Se describe como un estado de emociones positivas y satisfacción con la vida.

 Los hijos de otros son niños de una pareja anterior y la nueva pareja puede  llegar a sentirlos como hijos propios, como también ignorarlos por completo, dejándolos hacer su propia vida.

En el film, Raquel, una estupenda  Virginie Efira, es una mujer de treinta y pico de años, de tipo moderna que tiene su trabajo, está en pareja con Alí (Roschdy Zem), un hombre separado que tiene una hermosa hija, una niña llamada Raquel.

La estrecha relación entre Raquel y la niña genera en ella su deseo de ser madre. Cuando consulta a su ginecólogo, éste le contesta que está comenzando a ser una mujer mayor y sus posibilidades de procrear están disminuyendo, lo cual, le genera una crisis emocional importante.

El trabajo de dirección de Slotowki es excelente. Maneja este material centrado en las emociones como pocas veces se ha visto en el cine moderno, alcanzando picos de realismo y sensibilidad, utilizando un lenguaje cinematográfico basado en el montaje, el acompañamiento musical adecuado, y especialmente un grupo de actores muy creíbles.

Lejos de la adrenalina de los grandes tanques taquilleros, en la película de  Zlotowski se observa un cine muy preciso, que descansa en un grupo de excelentes actores que siempre buscan hacer pie en las emociones y los deseos de los personajes. La sensibilidad de la puesta en escena los muestra como personas comunes que necesitan dar satisfacción a sus vidas buscando el cariño de los demás tratando de hacer cosas buenas, ayudando al prójimo, asumiendo su trabajo, llenando los huecos de soledad a través de la compañía y el cariño, y descubriendo deseos que despiertan inesperadamente, a veces, al filo del abismo.

La directora genera una obra maestra pocas veces vista donde impera un mundo regido por la emoción, donde el afecto y el amor pone al descubierto la necesidad del prójimo, no solo por el acto amoroso sino fundamentalmente, por la existencia del otro.

Los personajes de la película están regidos por el amor hacia el otro. Los afectos desarrollados son la energía que necesita uno del otro cualquiera sea la relación existente, sea padre / hijo, abuelo / nieto, tío /sobrino, o amigos / conocidos.

En cada uno de ellos existe una urgencia de proximidad y una necesidad de afecto, no solo en las relaciones amorosas sino también en la amistad, en el trabajo, en el estudio, en el compañerismo, y sobre todo, en el otro. La escuela y los trabajos son bases físicas de las relaciones humanas. También existen  espacios vacíos donde auto debaten las cuestiones  pendientes. Ésta es la clave principal de la película, la cual lleva a la necesidad de saldar cuentas, en especial, la propia, la que cada uno tiene consigo mismo.

Gran película de la realizadora francesa, una de las mejores en el año, seguramente por el amplio frente que encierra, por la necesidad del amor al prójimo que expresa, y por lo que hace reflexionar al espectador, sentimientos básicos propios del ser humano.

BARBIE de Greta Gerwig

UNA MUÑECA DE VERDAD

Mattel es una empresa fabricante de juguetes que en 1959 tuvo la idea de la creación de una nueva muñeca, a la que llamo Barbie, transformándola en uno de los juguetes preferidos para las niñas nacidas  a fines de aquellos años, y liderando el negocio de muñecas durante las tres décadas siguientes.

Ahora, 64 años después, la empresa vuelve al ruedo, y luego de varios intentos y desarrollo de proyectos,  sorprende con la decisión de producir una película basada en la propia muñeca, transformándola en un personaje de carne y hueso, interpretada por Margot Robbie.

El film es una comedia al mejor estilo de Hollywood que llena la pantalla de color rosa en un trabajo de producción muy sólido. La muñeca cobra vida, al igual que el Ken interpretado por Ryan Gosling, y Will Ferrel como el CEO de la empresa.

El esfuerzo es mayúsculo. Toda la producción es perfecta y el film parece estar sostenido por gruesos soportes de hierro, pero a la larga, la película se va desinflando, repite monerías, comienza a cansar y casi diría, termina  aburriendo.

No obstante, el film opera en varios sentidos. Para los que aman la comedia de Hollywood, el film puede verse como un intento de rescate de un género clásico y ya apagado como lo es la comedia musical, del cual Hollywood resulta maestro de maestros.

Pero más allá de eso, la vuelta a la ingenuidad, los diálogos cortos y precisos, la extraordinaria puesta en escena donde vestuario y decorados muestran una homogeneidad extraordinaria que hace ver y sentir el mundo de fantasías de una niña que se transforma en la muñeca Barbie, pero a la vez, el guion se deja arrastrar al mejor estilo televisivo, repitiéndose hasta el cansancio.

Consecuencia de todo ello, la película resulta una gran producción, entretiene en su primera mitad, los actores están perfectos, la puesta en escena es dentro de su estilo, lujosa pero luego se vuelve reiterativa y casi aburriendo al espectador a pesar que su duración es standard.

No obstante estas críticas muy personales, debe destacarse la labor fotográfica del mexicano Rodrigo Prieto, transformando el mundo de la muñeca como un “mundo color de rosa”, aquel que constituye en el reverso de la literatura pesimista, mostrando solo lo amoroso y lo angelical.

Más allá de toda crítica, el film constituye todo un hito hollywodiano, recaudando en su primera semana en cartel, 495 millones de dólares, lo cual garantiza la ganancia y deja abierta la posibilidad de continuación transformando a la película en una gran zaga.

OPPENHEIMER de Christopher Nolan

UN CIENTIFICO EN EL LÍMITE

Julius Robert Oppenheimer (1904-1967), fue un físico que nació en los Estados Unidos de América, destacó en esa materia en la Universidad de Berkeley, California, donde desarrolló el proyecto de “bomba atómica”, un elemento de destrucción total que termino de definir, en 1945, la supremacía americana sobre el resto del mundo, asegurando el fin de la Segunda Guerra Mundial.

La película es una “biopic” que se concentra en la vida adulta de este físico cuyo proyecto refleja la película contada más desde un punto de vista político y moral que desde el de la ciencia pura. El desarrollo de la bomba atómica era un proyecto de carácter militar cuyas consecuencias generarían una capacidad de destrucción total sobre el enemigo. La  delicadeza del tema lleva a observar más allá de la cuestión de una guerra, e invita a analizar las consecuencias posteriores de la implicancia moral del costo de desarrollo y luego el uso de un arma de esta envergadura.

El film se concentra en esa cuestión paradojal. Oppenheimer no es un político sino un científico. Él sabe, conoce, que lo que está desarrollando es un arma, y como tal, letal. No obstante, no es un arma más, se trata de un elemento de destrucción masiva, lo cual, no solo implica la responsabilidad de sus propios actos sino también de sus consecuencias. Y eso implica usar un arma capaz de generar destrucción total, o sea, no solo destruirá bienes físicos sino sembrará  la muerte de ciento de miles de personas, posiblemente ajenas e inocentes.

Openheimer, el científico, magistralmente interpretado por el actor irlandés Cillian Murphy conocido por su labor en Vuelo Nocturno (2005), El Origen (2010), Sunshine (2007) interpreta con convicción y da vida a su personaje haciendo sentir el dilema moral por el cual pasa su personaje. Es un hombre que acaba auto torturado ya que el mismo se siente culpable.

En esa nada que queda después de las bombas es donde la película deja de lado el aspecto histórico, y comienza a destacar la capacidad actoral de Murphy transmitiéndonos ese dilema en el que por un lado, significa el fin de la guerra y por otro, la muerte de aproximadamente 120.000 personas como consecuencia de los ataques con bombas nucleares llevados a cabo en las ciudades de Hiroshima y Nagasaki, el 6 y el 9 de agosto de 1945, respectivamente.

Si bien Murphy monopoliza la atención del espectador generando una gran actuación, luce todo el elenco. De la misma manera destacan el resto de los rubros técnicos: impecable la fotografía y especialmente la música de la película cuyo responsable es la arreglista y compositora sueca Ludwig Göranson,   

La película también se ocupa de hacer notar que los ensayos nucleares hacían presagiar la tragedia que sobrevendría después de los ataques, donde queda claramente establecida la capacidad de daño capaz de producir un estallido de este tipo, tal que marca una supremacía definitiva capaz de definir el resultado de una guerra.

Más allá de esto, lo interesante es el dilema moral que desarrollan los personajes, conscientes que lo que está sucediendo encuentra una solución pero a un enorme costo de vidas. Cabe agregar que nunca más se ha vuelto a usar este tipo de armamento en sucesos bélicos  posteriores de fines del siglo 20 y lo que va del 21.

Años más tarde dijo: - “Ahora me he convertido en la muerte, un destructor de  mundos”. Oppenheimer siempre tuvo conciencia de lo que hizo y expresó su pesar por el fallecimiento de víctimas inocentes cuando las bombas nucleares fueron lanzadas contra los japoneses en Hiroshima y Nagasaki en agosto de 1945. Y a pesar de ello, no se equivocó. La superioridad nuclear de Occidente era la herramienta que garantizaba la paz del mundo, un futuro con mayores certezas. El futuro, en aquel entonces, estaba en el cielo. Lo que venía, era la aventura espacial. Llegar a la luna.

MISION IMPOSIBLE 7

 DESLUMBRANTE PERO REITERATIVA 

Lo primero que resalta es el número de la película, séptima de la saga. Encima, dura casi tres horas y trabajan multitud de actores (donde Tom Cruise no solo es protagonista sino también el productor del film), actrices, fotógrafos, músicos y técnicos en general que trabajaron durante un año cruzando más de la mitad de los países de Europa. 

Lo más importante es que han logrado crear una enorme fuente de trabajo y entretenimientos, ya que las derivaciones del film significan posibilidades de todo tipo en este medio. El cine tiene la capacidad de dar trabajo, tanto a los actores como a los responsables de los rubros técnicos, incluso boleteros y acomodadores del cine, en una época donde todo se hace cada vez más duro, e incluso, mal pago. 

No obstante, este nuevo capítulo de Misión Imposible, el séptimo cinematográfico, responde tan solo a la primera parte de la saga. Es decir, continuará… El futuro inmediato está asegurado. 

De la película es poco de lo que se puede hablar. Alguien dijo una vez la frase célebre “opera y cumple”. Es decir, está muy bien hecha pero no esperemos nada diferente. Es más de lo mismo, buscando un efecto shockeante, con base en un suspenso notable, una fotografía elegante, una edición más que lujosa, impecable, una orquestación que acompaña como los dioses a la misma música de siempre hecha mil añicos logrando todos los efectos sonoros necesarios para subrayar aquellas escenas que lo necesitan. 

El problema de esta séptima saga es su duración. Condenada a ser una película de culto, se toma dos horas y cuarenta y cinco minutos para contar una historia prácticamente intrascendente que comienza con un gran escena de un submarino nuclear que se pierde en el mar del norte para terminar en un continuará… con un salto de Cruise en moto desde un monte hacia el vacío. 

Lejos de toda emoción, obviamente  Cruise se destaca más como productor de la película que como actor. La producción en lo que hace a casting, y especialmente fotografía y sobretodo, la música, es excelente. La orquestación es extraordinaria y subraya con prolijidad permanentemente aquellas escenas que lo necesitan. 

En lo actoral, el actor no destaca y remite a todos los gestos ensayados que ha hecho desde que interpreta al conocido espía Ethan Hunt. No obstante ello, se ha apoderado del rol y opera y cumple con honestidad su trabajo. 

El film decepciona un poco, no por la calidad de su factura, sino por la grandeza de una producción que desde el blanco y negro del inicio siempre se destacó más por la inteligencia del guion que por los efectos especiales de decoración. Podría haber sido un film algo más interesante que el suspenso sostenido que logra.

EXTRAÑEZA de Roberto Andó

 REGRESO A SICILIA…

Cuando salimos a caminar por las calles de nuestra ciudad, nos encontramos con muros donde algunas personas se expresan escribiendo en ellos algo que necesitan compartir. Eso es una manifestación de lo colectivo. Lo que anónimamente “el pueblo” necesita decir, sin importar ideología alguna. Puede ser una pavada o una consigna política.

El film transcurre con un aire de casualidad. Corren los años ´20. Luigi Pirandello regresa a Agrigento, en su Sicilia natal para asistir al cumpleaños de un amigo. Su llegada lo encuentra rodeado de amigos y conocidos de su infancia. También encontrará a su maestro. Su nodriza acaba de morir. Enfrascado en la tristeza, debe ocuparse de los problemas velatorios para proceder a sepultar a aquella anciana.

En el film predomina una idea de lo subyacente, lo escondido, lo que cuesta reconocer. Esa intimidad es  lo que expresa este film del director italiano Roberto Andó. Un film muy especial sobre un hombre muy particular y un momento de su vida. Ese hombre no es otro que el autor teatral Luigi Pirandello, un siciliano que emigra de su tierra en busca de nuevos horizontes y descubre en la Italia continental su capacidad como escritor teatral cuya obra nos remite a las consecuencia del éxito de una obra que se volverá un paradigma del teatro moderno, ello es “Seis Personajes en Busca de un Autor”.

El film, dirigido por director italiano Roberto Andó, recorre aquellos años, en los cuales el escritor llega a trascender como autor teatral, recibiendo el cariño del público en su primera puesta en escena de su propia obra, se convierte en una pluma conocida, y siente el reconocimiento popular.

Extrañeza es la nueva obra de aquel autor y director del cine italiano, poco visto en la Argentina (solo recuerdo haber visto Viva la Libertad, 2013). Esta nueva película presenta un enfoque personal de carácter intimista, sobre el regreso de ese hombre que vuelve a su terruño, después de muchos años de lejanía. El resultado es espléndido, impregnado por una nostalgia que atraviesa el paso del tiempo y la distancia, pero sobretodo, impulsado por esa añoranza  de necesitar trabajar cerca de su propia tierra.

Andó encuentra sus raíces en la literatura, más precisamente en una amistad de muchos años con Leonardo Sciascia, el autor que lo introdujo en el mundo de las letras a través de la labor periodística, lo cual le permitió más tarde llegar al cine y trabajar de la mano de dos grandes del cine italiano como lo fueron Francesco Rosi y Federico Fellini, aunque previamente también trabajó como ayudante de dirección de los ítalo-americanos Michael Cimino, y Francis Ford Coppola, entre otros.

Este film, protagonizado con centralidad por Toni Servillo, resulta una película absolutamente personal, que da vida propia a aquel gran escritor. La trama alude a un viaje que el autor realizó unos años antes de escribir Seis Personajes en Busca de Autor, que a la postre se transformará en cumbre de su obra teatral, y un paradigma del teatro moderno.

Apoyada en la comedia dramática, un tipo de humor costumbrista, poca creatividad pero con un buen desarrollo temático, resalta la búsqueda de nuevos horizontes, los celos entre hermanos, y amores no correspondidos. La obra en que se basa e inspira marca un antes y un después en la historia del teatro, y posiblemente, constituye el punto de partida del teatro moderno.

INDIANA JONES 5 (EL DIAL DEL DESTINO) de James Mangold

LA VUELTA RADIANTE DE UN HEROE ENVEJECIDO

A 42 años del estreno de Indiana Jones  y La Búsqueda del Arca Perdida, y de 4 zagas realizadas siempre oportunamente, nos volvemos a encontrar con este inolvidable personaje, un arqueólogo aventurero que no solo nos retrotrae a un cine de aventuras casi olvidado, sino también a una serie de películas que marca una época rescatando a aquel cine que brillaba en nuestra niñez de los ´50.

Spielberg y George Lucas se encuentran otra vez para producir una nueva entrega  con la sagacidad suficiente como para convocar a un Harrison Ford envejecido por el paso de los años, pero aun capacitado para dar vida a su héroe favorito interpretándolo por quinta vez en su vida.

El nuevo episodio de la saga tiene un destino de éxito cuya virtud principal es contar con un héroe que se ha vuelto inmortal. De la mano de Harrison Ford, el  actor que siempre lo ha protagonizado, el director encara con confianza este nuevo encuentro que gira en torno de un grupo de nazis que desean apoderarse de un tesoro histórico mientras nuestros héroes trataran de hacer justicia, en un remoto lugar de Alemania.

Sentados en el cine, comenzamos a ver la nueva aventura de nuestro héroe. El film se desarrolla en 1969, cuando Jones se encuentra  con su ahijada Helena (interpretada por la actriz inglesa Phoebe Waller-Bridge) para encontrar la mitad faltante de una maquinaria que le permita poder cambiar la historia.

Allí es donde nos volvemos a encontrar  con la pluma virtuosa y destacada de David Koeep como también con las virtudes actorales de Harrison Ford que vuelve a dar vida a su personaje favorito. Casi a sus 80 años, el actor mantiene intacta la capacidad de transformarse en Indiana y no solo para dar lugar a un mundo de aventuras sino también para recuperar una mitad de Antikythera, un mecanismo antiguo similar a una computadora rescatada de la antigüedad, que también es pretendida por un nazi antipático interpretado por Mad Mikelsen.

La película mantiene todos los sellos de la serie: Indiana y su ahijada, desde el vamos, son dos personajes queribles y que encuentran rápida identificación con el aspecto aventurero de sus fans.

Otro hecho que llama nuestra atención es que esta quinta entrega no está dirigida por Steven Spielberg sino por James Mangold, un inquieto director que ha sabido dar con la vuelta del superhéroe y  también conocido por sus trabajos en La Cuerda Floja (2005), Logan (2017), y Le Mans (2019)

Harrison Ford mantiene su carisma en el papel de Indiana Jones y sin duda interpreta con solvencia, una vez más el personaje más popular de su carrera actoral. Lo acompaña en el cast Phoebe Waller Bridge como su  ahijada Helena y Antonio Banderas en un rol poco lucido.

El tiempo pasa, nos estamos volviendo viejos. El personaje ya ha dado todo al ritmo de la aventura. No obstante, Indiana no se despide, no va a claudicar, pero los fanáticos de la serie se deben estar preguntando sobre su destino. Spielberg, por las dudas, no deja ninguna pista sobre su futuro. El cine siempre ha sido capaz de reciclarse.

FEMMINA de Francesco Costabile

LOS OJOS DE UNA MUJER

Tal como la semana pasada, el cine italiano vuelve a decir presente en la cartelera porteña con un film que sorprende no solo por la calidad del relato sino porque es una propuesta del análisis de la violencia cotidiana que sufre una mujer, vista y analizada desde la visión del propio sexo. Ello no solo le da calidez a la propuesta sino también le permite profundizar en el relato.

El cine de Francesco Costabile se  basa en un monumental trabajo de edición. Fotograma por fotograma, construye la historia donde el primer plano se desgrana en ciento de pequeños movimientos que responden a la construcción de un montaje minucioso que marcan no solo el ritmo sino la línea del relato.

Se trata de llevar una práctica al revés. Generalmente, el cine se ha valido del montaje con el propósito de acelerar el ritmo de la película. Aquí ocurre exactamente todo lo contrario. El ritmo es lento, parsimonioso, sostenido pero nunca pierde su objetivo. El relato no deja de avanzar pintando desde los ojos de su protagonista el drama que encierra su vida.

Femina no deja de ser una película sobre la reivindicación de una mujer ultrajada por la violencia que arrasa en una población dominada por la mafia. Ella encierra un secreto difícil de esclarecer. Necesita una repuesta, y esa respuesta la conseguirá de la misma manera en que la sociedad se expresa, es decir, mediante un acto violento.

Interpretada en el rol central por Lina Siciliano, luce con su convincente actuación de una mujer desesperada que necesita hacer justicia por mano propia porque lisa y llanamente no hay otra justicia que la del poder de la mafia. Es muy interesante el desarrollo de su transformación sacando fuerza de su impotencia

En una película típica de la mafia donde la mujer opera un rol secundario, el rol de Rosa, la mujer en cuestión, es la  hija  de una mujer muerta que cobra protagonismo y que se transforma en el rol central del relato. Rosa se auto percibe como una víctima cuyo destino está marcado y ya no tiene capacidad para transformar su vida. Como consecuencia de ello, se envalentona y se dispone a dar batalla con el propósito de cambiar el estado de las cosas. Decide, nada menos, dejar de lado a su familia y buscar su propia venganza. No queda claro el porqué. Pero tampoco importa. La acción prevalece.

Rosa es la típica protagonista de una tragedia de Shakespeare empujada por la soledad, el silencio, la necesidad de respuesta, y la injusticia. Costabile dirige con pericia y equilibrio un relato difícil que no pierde el punto de vista, acompañado de una luz y una fotografía que siempre contribuyen a la atmosfera de intriga que sostiene el relato.

Femmina es un film diferente dentro de su género. Primero porque raramente un film sobre la mafia tiene como principal protagonista una mujer, pero sobre todo, porque no solo revindica con su relato el rol de la mujer sometida sino que los lleva al lugar de la heroína de la película. El espectador no puede permanecer ajeno a ello, y parte de la platea responde con un cálido aplauso.

ASPROMONTE, LA TIERRA DE LOS ULTIMOS de Mimmo Calopresti

LA MEMORIA Y LA NOSTALGIA

Mimmo Calopresti es un director italiano, poco conocido en Argentina, que tiene en su haber una treintena de films. Particularmente, no conocía su obra y creyendo no estar en un error, me temo que sus films no han sido presentados comercialmente en Argentina.

Éste, su última película, datada en 2019, es una aguda reflexión sobre la vida, el terruño, el paso del tiempo, la memoria y sobretodo, la nostalgia, interpretando  sus papeles principales  Marcello Fonte y  Valeria Bruni Tedeschi. La acción del film se sitúa en Reggio, Calabria, en 1951, donde nace un niño, se cría y se vuelve hombre.

El film nos habla sobre la memoria y la nostalgia. La memoria como una función del cerebro que nos permite recordar información sobre nuestro pasado. La nostalgia como un sentimiento de pena por la lejanía, la ausencia, la privación o la pérdida de alguien o algo querido. La memoria es la que permite retener experiencias pasadas codificando y almacenando información sobre el pasado.

En Aspromonte los pobladores se sublevan reclamando la asistencia de un médico y una ruta que los conecte con los centros más poblados. Los lugareños enfrentan no sólo la situación de pobreza del lugar sino también la corrupción local y la violencia de los tradicionales caudillos de las mafias. Todo está cercado por una gran soledad. Hay en su accionar una especie de contradicción abierta, la de alguien que sabe que debe emigrar para acceder a un mundo mejor, con mayores posibilidades, y por otro, esta esa tierra donde se ha nacido que retiene y no suelta. Simultáneamente, llegará al lugar una maestra de escuela interpretada por Valeria Bruni Tedeschi.

Una impronta neorrealista impregna a la película, que alude a una Italia dividida y postergada después del caos vivido durante la Segunda Guerra. Las consecuencias del desamparo originados por la adhesión de Mussolini al eje alemán postergaron el desarrollo italiano. Los cambios hacia un mejor bienestar no mostraron signos que hicieran soñar un futuro prometedor.

Un acierto de Calopresti es su lenguaje. Siempre narra en forma llana y directa, evitando recargar el film de melancolía como tampoco al personaje, mostrándolo lejano a un sentido trágico de la vida sino dejando que, pese a todas las malarias que viven sus protagonistas, siempre puedan encontrar una salida que les permita soñar una vida más conveniente.

Aspromonte no ofrece mucha novedad ni originalidad, respecto a lo ya visto. No obstante, su diferencia más notable es que este film carece de referencias. Aquí no existen aquellos juegos de cine dentro del cine como las que realizan y forman parte central de las películas de Tornatore y Sorrentino.

Esa ausencia vuelve a la película de Calopresti mucho más real, personal, sin válvula de escape hacia otras direcciones, donde los relatos emergen amortiguados ante el impacto de las carencias cotidianas. La labor de la maestra recién llegada al pueblo desde la Lombardía, las tierras ricas del norte, ofrece a los chicos del pueblo la herramienta de la literatura como vehículo para viajar y soñar sin necesidad de atravesar ni el mar ni las montañas manteniéndolos en un tipo de encierro a cielo abierto que básicamente les permite ser ellos mismos.

El objetivo de Calopresti es ir más allá de los sueños, es decir, vivir el presente aceptando condicionamientos, y hacer lo que se debe hacer para poder alcanzar el futuro. En ello queda claro que no hay lugar para los individualismos, y que más allá de los sueños, el hombre necesita del hombre, es decir, logar vivir en comunidad bajo reglas que se respeten con el propósito de lograr el bienestar general al que todos aspiran.

No obstante, este film habla de memoria, la nostalgia y la melancolía. La memoria alude a las experiencias pasadas. La primera alude a todo aquello necesario para adquirir un conocimiento que nos facilite un futuro. Tiene que ver con el aprendizaje. La segunda, a un cambio, un sentimiento de pena por la lejanía, la ausencia, la privación o la pérdida de alguien o algo queridos. La tercera, por un estado de ánimo de tristeza y desinterés, causado por cuestiones fiscas o morales, por lo general, de leve importancia.

Calopresti, en este film, nos está hablando de la necesidad de conocer y hacer, y a la vez, de no dejarnos vencer por lo que hemos perdido, y sobre todo, de no perder la esperanza de vivir un poco mejor.

MISANTROPO de Damián Szifrón

 ASESINO SERIAL EN POLICIAL ESTILIZADO

Cuando se recuerda a uno de los ciclos televisivos más admirado de la televisión argentina, siempre se habla de Los Simuladores. Su guionista y director fue Damian Szifron, quien también dejó huella con su primer film: Relatos Salvajes. Ahora da prueba de su capacidad narrativa dirigiendo una típica película de Hollywood, una producción americana que adhiere a los géneros, y sale airosa en un intento de renovación dentro del cine de suspenso.

Su film no solo es entretenido sino que también resulta interesante, sobre todo, en la factura de realización, en lo narrativo. Si bien no reniega de las formulas clásicas, y transita claramente un género (el suspenso),  como también el policial,  resalta una sobriedad narrativa donde nada esta demás adhiriendo a un cine moderno, que apela permanentemente a la síntesis.

El director evita la repetición, el más de los mismo, dando carnadura a sus personajes, logrando así el objetivo de entretener contando simplemente una historia que, de alguna manera, ya hemos visto, que el director radicado en USA aprovecha la oportunidad de mostrar con su capacidad y calidad narrativa. 

Misántropo, cuyo título original es “To Catch a Killer”, implica un sentimiento de desconfianza en la especie humana.  El film recrea la historia de un asesinato en masa, narrando minuciosamente los prolegómenos del suceso, la investigación de los hechos, el costo en vidas humanas, el perfil de los investigadores del caso, y la dilucidación del mismo. El atentado arrojó un daño de 29 muertos y muchos más heridos, sobresaliendo el tamaño de la matanza, el tiempo transcurrido para su dilucidación y el costo de identificación del asesino. El argumento nos habla de la capacidad de maldad del ser humano y del miedo que es capaz de generar.

El director saca partida de los escenarios del crimen al que muestra generalmente desde una altura que empequeñece la escena del crimen pero a su vez ahonda en su misterio. Enfatiza en las escenas aéreas remarcando la distancia entre la lentitud de la investigación y la dilucidación de los hechos ocurridos.

También observa los diferentes caracteres de los personajes principales, debidos a las muy buenas actuaciones de Ben Mendelshon como Geoffrey Lammark (agente especial del FBI), un hombre en el que impera la experiencia a través del sentido de la lógica y Shailene Wodley, como una novata de investigación. El primero representa la experiencia mientras que el segundo la capacidad de observación y el ejemplo. Ella es una mujer inteligente que sabe que nada es mejor que observar el trabajo de ese viejo policía. Entre los dos caracteres aparece la importancia de la dualidad entre la experiencia y la voluntad de aprender, logrando traspasar la maqueta de sus personajes y darles hondura humana mientras trabajan fríamente para dilucidar el caso. La actuación profundiza en la psicología de sus respectivas personalidades, donde reluce la tenacidad de los investigadores.

Szifron se luce en la dirección del film atrapando con suspenso el interés del espectador, describiendo a sus personajes como dos sencillos seres humanos a los que solo separa su edad. Ello contrasta con la frialdad de asesino suelto e inidentificado. El tamaño de la matanza profundiza en la insensibilidad del asesino.

Su principal aporte es su renovación del género, narrando con claridad y síntesis los hechos. Tal como lo hizo en televisión años atrás, el film de Szifrón muestra logros en lo que respecta al uso y manejo del relato que resultan vitales. Los personajes se vuelven míticos en escena luchando por la vida. Por otro lado, deja constancia de la real tragedia humana que provoca el asesinato en masa, logrando un  conjunto audiovisual que nos hace recordar al atentado contra las torres gemelas en NYC, 20 años atrás.

El director también contó con ayuda de dos grandes maestros del cine americano. Se trata del director de fotografía argentino Javier Juliá y del compositor Carter Burwell, un grande que ha musicalizado la mayor parte de la filmografía de los hermanos Cohen.

KOMPROMAT de Jérome Salle

EL EXPEDIENTE RUSO

Esta película de producción francesa pero hablada en ruso es un pasatiempo que responde a un género al cual sigue con disciplina y dignidad. Encuentra sus antecedentes en el cine del de Alfred Hitchcock, en películas como Falso Culpable (The Wrong Man, 1956). Aquí se invierte el sentido de la culpabilidad. No se trata de descubrir a un culpable, sino de culpar a un inocente. La obra es un plato fuerte, sostenida por un suspenso constante que transcurre en la Rusia actual, en tierras cercanas a Siberia, que divide la narración en dos partes.

Dividida en dos partes, en la primera de ellas, un maestro francés es designado en Alsacia para dirigir la filial  de la Academia Francesa. Solitario y sin compromiso, se complica en un affaire amoroso que termina llevándolo a la cárcel acusado falsamente de un crimen que no ha cometido. En la segunda parte de la película, es liberado de su detención pero termina siendo sometido a una persecución por parte de un agente de policía que quiere eliminarlo.

La primera parte del film es una mezcla de película de amor y de suspenso que no logra atraer plenamente al espectador debido a las vueltas  convencionales y previsibles que complican y hacen perder el interés del relato. La pintura de los personajes es superficial y se concentra en un asunto amoroso bastante convencional. No obstante, en todo momento conserva el buen gusto, las locaciones son mostradas a través de pequeños detalles, y los personajes cobran vida a través de las muy buenas actuaciones de todo el elenco.

En la segunda parte, la cuestión mejora mucho. El reo recibe el beneficio de una prisión domiciliaria, pero debido al asedio de un policía celoso que se cree victima amorosa de un affaire, obliga a escapar de la prisión domiciliaria al protagonista, dando paso a una persecución apasionante  través de los bosques que están camino a Moscú.

No hay mucho más en la película. Lo que sobresale es la prolijidad y el lujo de su factura. El film desarrolla con audacia la cuestión amorosa de la primera parte, pero sobre todo, verdaderamente luce en la segunda parte donde por una cuestión de celos se establece perseguir al ingenuo protagonista en una cacería humana cargada de suspenso e interesantes vueltas argumentales  que re enganchan permanentemente al espectador en base a entretenimiento puro y las buenas actuaciones de sus dos intérpretes principales.

Si quisiéramos definir el film, deberíamos decir que se encuentra más cercano al policial negro que a un relato romántico dado que el personaje principal es un maestro perseguido por un policía debido a una cuestión amorosa y no por un delito. Pero la película también luce por la pintura que capta de la tranquilidad pueblerina, las pasiones encontradas en medio de la una Siberia lejana y congelada que hacen recordar series de televisión como Valle de Pasiones, el Gran Chaparral o Falcón Crest.

La dirección del director francés Jerome Salle también destaca en saber mantener el interés del espectador narrando con gran fluidez, especialmente en su trabajo de la segunda mitad del relato. Allí brilla con luz propia encerrando la obra en un gran bosque donde la persecución de un hombre se transforma en un dilema de vida o muerte.

Por otro lado, la película transpira un anti sovietismo inentendible aunque nunca pretende ser un film político, donde claramente prevalece, en la primera parte, el film romántico y en la segunda, el policial persecutorio.

Los rubros técnicos son inobjetables, particularmente la música y sobre todo, la fotografía. No obstante ello, tratándose de una producción francesa, cabe la pregunta acerca de porque tanta saña contra Rusia, salvo que la violación de derechos humanos en aquellas tierras congeladas, muy lejos de Moscú, continúen bajo regímenes dictatoriales donde reina la mentira y la impunidad, cuestión que, por otra parte, políticamente, desconozco.

EXTORSIÓN de Martino Zaidelis

UN POLICIAL AFRANCHELADO

En éste, su último film, Francella es Alejandro Petrossian, un piloto de una aerolínea argentina que realiza vuelos a Madrid. Por otra parte, tiene años y experiencia, y a esta altura del partido comienza a esperar una jubilación que le permita disfrutar con cierta comodidad el resto de su vida. El tiempo pasa rápidamente.  En compañía de su esposa (Andrea Frigerio) quisiera tener libertad  para poder viajar por placer.

Pero le ocurre todo lo contario. Las circunstancias lo  comprometen y una banda de narcotraficante lo someterá a transformarse en valija del narcotráfico. De ahora en más, seguirá siendo un piloto de avión pero también el trabajo de un correo al servicio de una banda de delincuentes que lo obligaran a trabajar clandestinamente entregando paquetitos en determinadas  direcciones en Madrid, recibir el cobro y volver con el dinero respectivo para entregarlo a sus mandantes. Pablito Rago será Saavedra, el malo de la película, el narco que obliga de la mano de la fuerza y la violencia.

Se trata de un policial clásico de estilo americano, al que sigue con todos sus lineamientos. Sus referentes nacionales son, particularmente, las películas policiales y exitosas de los ´80 que adquirieron fama, aquéllas dirigidas por Adolfo Aristarian,  con actores tales como  Federico Luppi y Pepe Soriano que marcaron una época de buen cine. Estamos hablando de un cine de casi cuatro décadas atrás que brilló entre fines de los ´70 y principios de los ´80, tales como La Parte del León (1978), Tiempo de Revancha (1981), Últimos Días de la Victima (1982), y Plata Dulce (1982), obras que se enrolaban en el policial negro y transitaban un estilo que solía derivar en la tragicomedia, sin abandonar el rubro que les daba vida. Estas películas tuvieron una gran convocatoria de público por su personalidad, contundencia, y una capacidad de generar tendencia que hizo resucitar a un cine argentino que generó entusiasmo  y llegó fácilmente al público llenando las salas.

La estructura de la película responde a un modelo clásico, aun género, el policial, que no admite demasiado riesgo artístico. Su plena adhesión a la forma, el protagonismo de un actor conocido que sabe clonarse en diferentes papeles aunque nunca deje de ser sí mismo, porque en el fondo, lo cierto, es  que la gente se lo pide. En consecuencia, construye el personaje por afuera dejando siempre deja el sello de su marca en el orillo. Posiblemente, y con sumo respeto, lo mismo le pasaba a Luppi en  las películas que hemos mencionado. No obstante, estamos hablando de un actor consagrado, alguien que puede elegir el papel que quiere, en este caso lo hace interpretando el rol de un detective policial que debe disfrazarse de narcotraficante.

El tema de la droga, el vestuario moderno, la fotografía en color, el propio estilo “francella” agiornan a este policial haciéndolo transcurrir en nuestro tiempo. Pero el film nunca se deja de parecer y añorar a aquellos clásicos y obras maestras de los años ´40. El “Halcón Maltes” de Otto Preminger (1944), “La Dama de Shanghái” (1945), “El Sueño Eterno” de Howard Hawks (1946) y tantos otros que han sido y son modelos en los que éste se basa aunque cueste reconocerlo.

Prolijamente realizado, el policial de Zandelis aprueba el desafío de un género donde abundan los clásicos. Es posible que no pase a la memoria, pero seguramente, es capaz de entretener durante hora y media sin generar un bostezo. Obviamente, no pasará a la historia del cine policial dado que se inspira en ellos aunque sin su glamour, y menos aún, extrañando aquellas viejas estrellas del cine que los interpretaban. Bogart hay uno solo.

Los actores que lo acompañan cumplen en sus respetivos papeles. La música subraya sin molestar  pero tampoco deja recuerdo y el montaje es clásico y preciso. Pero… la falta de glamour, la concentración de la trama en un personaje interpretado por un Francella que siempre hace  de sí mismo en diferentes papeles, deja al film como una obra pasatista sin demasiadas pretensiones, que, si bien engancha al espectador, nunca muestra pretensiones renovadoras que lo transforme en un policial diferente capaz de generar un modelo o estilo de época. El esfuerzo de Francella es notable, pero Francella siempre es Francella.

LA NOCHE DEL CRIMEN de Dominik Moll

RADIOGRAFIA DE UNA CLASE MEDIA ADORMECIDA

Estamos en los suburbios de Paris. La ciudad luz se torna oscura y pueblerina. Algunos vecinos se visitan. Pocos andan por la calle.

Clara, una joven adolescente visita una amiga. Conversan y se ríen de cuestiones cotidianas. Se hace de noche. Se despide y se va. Desde las sombras, sorpresivamente, emerge un sátiro, quien la ataca y la mata.

Yohan será el detective policial destacado para investigar el caso. Con escasos elementos sobre la mesa, trata de seguir algunas pistas. Es poco lo que tiene. Se guía por corazonadas y experiencias más que por una rigurosa investigación de los hechos. Sigue un camino que en el fondo conduce  a ninguna parte.

El film se transforma en una inspección de las mínimas posibilidades que la policía tiene para descubrir, detener, concluir y llevar a juicio a un crimen. Un asesino anda suelto. Por un lado, se observan los hábitos de una clase media absolutamente enfrascada en sus rutinas diarias, de las cuales emerge anestesiada sin ninguna capacidad de reacción frente a una realidad a la que ignora en su aislamiento.

La película recorre un barrio donde no parece haber ocurrido algo tan siniestro como un asesinato. Solo el punto de vista de un policía nos transmite la urgencia de la investigación. La misma, no arroja resultados de ninguna naturaleza.

El crimen se sumerge en la oscuridad de la nada y se transforma en una gran mirada sobre la indiferencia de una sociedad ensimismada en una rutina diaria, de un de casa al trabajo y del trabajo a la casa donde el tercero, el otro, no parece existir. Las aspiraciones sociales básicas: educación, casa, y auto, se superponen a la falta de seguridad aunque a la vuelta de la esquina, esté al acecho un asesino suelto y esa amenaza llegue incluso al crimen.

Por otro lado, el film es una descripción de las costumbres de una clase media acomodada, metida en sí misma, cuyas preocupaciones son mantener un status cuyas rutinas diarias son despertar, desayunar, ir a trabajar, regresar a casa, cenar, mirar televisión, e ir a la cama para dormir.

El esfuerzo de un investigador policial solitario que se interesa en el caso y trata de obtener pruebas para poder esclarecer el crimen no es suficiente para dilucidar el caso y lograr un acto de justicia.

Una obra contundente del joven director francés que tiene 4 películas en su haber aunque solo se ha visto en Argentina “Un Amigo que te Quiere” realizada y vista en el año 2000.

La Noche del Crimen ganó del Premio Cesar  del cine francés. Es a su vez, una de las películas más galardonadas de la temporada. La sutileza de su narración, pequeños detalles que cobran significación a lo largo de su metraje, su mirada sobre la indiferencia de todo un barrio frente a un crimen horrendo, las bajas aspiraciones y la chatura de la vida, la convierten en una nueva gran joyita del cine francés.