ALAS BLANCAS de Marc Foster

ALAS BLANCAS de Marc Foster

MÁS DE LO MISMO

El protagonista quiere ser alumno de un conocido  colegio pero ha sido expulsado del mismo por maltratar a un compañero de clase. Para ayudar a su rehabilitación, su abuela le cuenta una historia  de su juventud que transcurre en la Francia ocupada por el ejército nazi, donde ella conoció a su primer amor. Alas Blancas está basada en una novela gráfica que ya tuvo una pre cuela con el título de “Extraordinario”.

Esta segunda parte comienza en Alsacia, en el otoño de 1942. Sara (Ariella Glaser), tiene quince años y es una adolescente típica. Su vida fluye fuera de la zona de ocupación. No obstante, los nazis tienen una presencia cada vez mayor, al igual que el antisemitismo que fomentan. Su madre (Olivia Ross)  se aferra a la idea negacioncita  respecto a  que su familia judía pueda ser objeto de los arrestos y deportaciones a los campos de concentración. Por otra parte, su padre (Ishai Golan) cree que se les esté acabando el tiempo para huir.

La abuela pretende guiarlos por un camino distinto, haciéndolos entender que el castigo no sirve sino el encuentro consigo mismo, lo cual determina un equilibrio interior cuyo resultado podría ser  sintetizado en transformarse en una persona común. Su regreso a Manhattan, los re encuentra con  su abuela, interpretada por la siempre eficaz Helen Mirren. Allí ella se da cuenta que  comienza a comprender la moral de su nieto, muy  diferente a la suya. Por lo tanto, ella trata de influirlo, buscando que el muchacho se vuelva una buena persona, y comience a tener respeto hacia los demás, y sea alguien capaz de ayudar a su prójimo, quienquiera que sea.

Repentinamente, la acción retrocede a 1942, en un lejano lugar de la costa norte de Francia, donde prevalece el nazismo. Sara (Ariella Glaser)  es una adolescente que no tiene conciencia de la gravedad que está viviendo. Los nazis intentan tomarla prisionera por ser una estudiante judía. Pero logra escapa y escondiéndose en un altillo de la casa.

Marc Forster es un director hábil cuya capacidad narrativa es efectiva. Esa destreza resulta grata en este nuevo intento de adaptar la novela juvenil de R.J. Palacio llamada “White Bird, una pieza de época que mezcla el Holocausto y el romance adolescente.  Astutamente. El director se concentra en algunos de los elementos más simples de la historia, logrando un resultado aceptable que por momentos alcanza  niveles de buen cine, sin perder emoción.

El libro es conciso y directo, carece de simbolismos y es narrado con claridad. Foster aporta sus años de experiencia volcando la historia en imágenes claras y contundentes sobre lo que se está mostrando. La película se filmó en República Checa, en medio de un paisaje campesino que colabora mostrando como el idilio puede transformarse de la noche a la mañana en un infierno.

El protagonista quiere ser alumno de un conocido  colegio pero ha sido expulsado del mismo por maltratar a un compañero de clase. Para ayudar a su rehabilitación, su abuela le cuenta una historia  de su juventud que transcurre en la Francia ocupada por el ejército nazi, donde ella conoció a su primer amor. Alas Blancas está basada en una novela gráfica que ya tuvo una pre cuela con el título de “Extraordinario”.

Esta segunda parte comienza en Alsacia, en el otoño de 1942. Sara (Ariella Glaser), tiene quince años y es una adolescente típica. Su vida fluye fuera de la zona de ocupación. No obstante, los nazis tienen una presencia cada vez mayor, al igual que el antisemitismo que fomentan. Su madre (Olivia Ross)  se aferra a la idea negacioncita  respecto a  que su familia judía pueda ser objeto de los arrestos y deportaciones a los campos de concentración. Por otra parte, su padre (Ishai Golan) cree que se les esté acabando el tiempo para huir.

La abuela pretende guiarlos por un camino distinto, haciéndolos entender que el castigo no sirve sino el encuentro consigo mismo, lo cual determina un equilibrio interior cuyo resultado podría ser  sintetizado en transformarse en una persona común. Su regreso a Manhattan, los re encuentra con  su abuela, interpretada por la siempre eficaz Helen Mirren. Allí ella se da cuenta que  comienza a comprender la moral de su nieto, muy  diferente a la suya. Por lo tanto, ella trata de influirlo, buscando que el muchacho se vuelva una buena persona, y comience a tener respeto hacia los demás, y sea alguien capaz de ayudar a su prójimo, quienquiera que sea.

Repentinamente, la acción retrocede a 1942, en un lejano lugar de la costa norte de Francia, donde prevalece el nazismo. Sara es una adolescente que no tiene conciencia de la gravedad que está viviendo. Los nazis intentan tomarla prisionera por ser una estudiante judía. Pero logra escapa y escondiéndose en un altillo de la casa.

Marc Forster es un director hábil cuya capacidad narrativa es efectiva. Esa destreza resulta grata en este nuevo intento de adaptar la novela juvenil de R.J. Palacio llamada “White Bird, una pieza de época que mezcla el Holocausto y el romance adolescente.  Astutamente. El director se concentra en algunos de los elementos más simples de la historia, logrando un resultado aceptable que por momentos alcanza  niveles de buen cine, sin perder emoción.

El libro es conciso y directo, carece de simbolismos y es narrado con claridad. Forster aporta sus años de experiencia volcando la historia en imágenes claras y contundentes sobre lo que se está mostrando. La película se filmó en República Checa, en medio de un paisaje campesino que colabora mostrando como el idilio puede transdormarse de la noche a la mañana en un infierno.

EL JOCKEY de Luis Ortega

FRIO Y FORMALISTA

Es un film diferente, eso le suma a favor, pero cierto toque surrealista  la vuelve monótona e intrascendente más allá de la formas, donde la película brilla por su formalidad olvidando que está contando una historia.

Más allá de su exhibición  formal, el film cae reiteradamente en baches que vuelven al film complejo, que logra ser sostenido únicamente por su rigurosidad formal. Por momentos transitan escenas de tipo realista, en otros, se vuelve repentinamente sub realista. No obstante, va más allá y  destaca por el uso de sonidos que oscilan, en otros, lo onírico.

Lamentablemente, la película se queda en eso, una especie de nada, olvidando enteramente la emoción, esa búsqueda de empatía donde el desarrollo de personajes  nunca llega a la credibilidad.

Los personajes de la película son insólitos, desprecian la realidad y se expresan a través de diálogos poéticos que poco agregan al desarrollo de una trama convencional o de una idea  que vaya más allá de las formas de contar una historia.

Remo Manfredini (Pérez Biscayart) es un ídolo del turf pero se está volviendo viejo, El consumo alcohol le provocan crecientes accidentes en las carreras que terminan en su internación hospitalaria. Ahora comienza a tener una rival. Ella es Abril, una jocketa joven  y novia de Remo, que en su mejor momento queda embarazada y no sabe si continuar con la gestación.

El punto débil del film es que parece más orientado a lo visual que al contenido, a tal punto  que la idea principal fuera lograr un film puramente estético pero sin contenido, como si las formas se impusieran sobre los contenidos, y ello condujera simplemente a un disfrute visual derivado de las imágenes más que por contenido de los mensajes.

No obstante, el sentido de lo estético se mantiene durante todo el film y en ello encuentra que hay más cuidado en la forma que en el contenido. Las luces y las sombras, más allá de la sobriedad de los colores usados, van de lo opaco hacia lo luminoso, como si la complejidad de una carrera de caballos pusiera el ritmo adecuado al drama de la angustia que genera  el aguante del caballo y su lugar de llegada,

Obviamente,  la película resulta extraña, no es lineal  ni de fácil interpretación, pero está dirigida con destreza narrativa lo cual logra no solo enganchar al espectador sino también, sobre todo por la descripción de un mundo muy particular como es el  del hipismo y sobretodo el de las apuestas.  Refleja  un mundo hostil, donde la competencia oprime y devora a las personas, y el hombre explota al animal en la competencia, más allá de las pasiones turfisticas.

“El Jockey” será la película que representará a la Argentina en la próxima entrega de los Oscar. Está narrada con muy buen tacto. Se introduce tanto en lo onírico  como en el sub realismo, sin dejar de lado el acompañamiento de una excelente banda sonora, y sobre todo de una excelente fotografía.

SIN CODIGOS de Thomas Arslan

LA NOCHE, LA OSCURIDAD Y EL CRIMEN

Trojan regresa a Berlín después de 12 años. Las cosas no le han ido bien. Necesita un cambio, pero sobre todo, necesita dinero. Alguien le ofrece participar de un trabajo. Se trata del robo de un cuadro que ha sido restaurado en un museo, Puede ser una salida momentánea. Pero hay otros interesados en el tema.

El film abreva en el policial negro, donde todo luce decadente y terminal, tal como luce el cuadro robado. Todo resulta incierto, donde sobresale el medio tono. Nada está dicho y casi todo esta supuesto.

La película luce por su simpleza, pero todo se irá complicando en la medida que avanza el metraje, tomando al ocaso de la vida como el verdadero motor sobre el cual gira la misma, ello es la incertidumbre y la falta de certezas.

El personaje principal, Trojan, es un ladrón en el ocaso de su vida. Un hombre solitario, un ladrón que ha hecho del robo su profesión y de esa manera se gana la vida. Es un ser taciturno al cual algunas cosas no le andan bien. Ha perdido la juventud, no ha llegado a ser nadie, y ha quedado solo en la vida, Solo le queda cierta habilidad para el robo.

Su vida se le ha pasado volando. Ya no es un hombre joven  y el riesgo de sus trabajos no le rinden como antes. Necesita volver a las grandes ligas. Llama a sus conocidos pero casi no encuentra respuestas. Y de repente, aparece algo parecido a una oportunidad. Se trata de un robo en los suburbios de Berlín.

No obstante, no puede hacerlo solo. Necesita gente, y que esa gente le sea confiable. Conoce poca gente y a casi nadie de los que presuntamente van a participar. No obstante, no le queda otra opción que asumir el riesgo.

El tiempo pasa  y los códigos cambian. También cambian las certezas, e incluso, los códigos del hampa. El personaje principal  se ha vuelto desconfiado. El mundo del hampa también ha cambiado y las viejas reglas del juego ya no son las mismas.

El film abreva en el policial francés de  los años ´70. Rinde tributo a aquellos policiales que se volvieron famosos dando lugar al policial negro (el film noir), aquellos que contaban la historia desde el lado de los malos y no de los buenos, donde los franceses como Jean Pierre Melville revolucionaba el género con películas tales como El Samurai, o Claude Chabrol con El Carnicero. Nadie llegó a mostrar el peligroso mundo del hampa como lo hicieron esas películas francesas, entre otras,  no podemos dejar de nombrar El  Círculo Rojo (1970), a las cuales, este film rinde culto.

El horizonte se amplia. El film transcurre durante la noche. Berlín brilla como si fuera una enorme ciudad europea, no obstante, es simplemente el medio donde se desarrollan los acontecimientos. Nada se desaprovecha. La noche brilla tanto como el centro de Berlín y sus adyacencias. 

Thomas Arslan dirige la película con propiedad. Sin duda, abreva en los grandes directores del género. Su capacidad de síntesis es propia., y es un digno heredero de la Escuela de Berlín. El film brilla honestamente con virtudes propias. Sin duda es un film personal cuyo director seguramente tiene por delante un porvenir asegurado, al menos, en este nuevo cine alemán.

TRANSMITZVAH de Daniel Burman

LA CUADRA, EL BARRIO, LA CIUDAD

La nueva película de Daniel Burman vuelve a girar sobre la cuestiones de la identidad, esta vez basado en la búsqueda de un adolescente de descendencia judía cuya propósito es convertirse en mujer.

Lamentablemente, el resultado es el de una obra fallida, que más allá del espíritu claro costumbrista de la obra, no tiene una armadura heterogénea que permita mantener una obra de hora y media de narración sin buscar una línea que marque acontecimientos que permitan la pintura de un ambiente, en este caso, una colectividad.

En comparación con sus obras anteriores, la nueva película del director parece una obra fallida, que da la sensación que está  hecha a las apuradas, como si hubiera filmado de compromiso, dejando de lado muchos aspectos que pintaran la riqueza del barrio y sus habitantes con total naturalidad.

La obra transcurre en el barrio del Once, un lugar donde vive una gran colectividad judía, donde se respetan y mantienen costumbres propias ancestrales que tiene muchos años de desarrollo en nuestro país.

El film trata sobre un niño que quiere ser mujer,  y además, ser un músico de rock and roll, por lo cual, vuelve al barrio volviendo que lo vio nacer en busca de su identidad. Su regreso  es la vía es inevitable para encontrarse asimismo. En otras palabras, es la historia de un muchacho joven que se siente mujer y no sabe cómo asumirlo.

El cine de Burman siempre se ha destacado por la corrección de los aspectos técnicos y esta vez no es la excepción.  Los actores están perfectos en sus papeles y el desarrollo de la acción podría haberse abierto en otras direcciones pero se ha mantenido en una especie de relato costumbrista donde los personajes están muy bien delineados en base a actuaciones creíbles y espontaneas.

STELLA, UNA VIDA de Killiam Riedhof

STELLA, UNA VIDA  de Kiliam Riedhof

GUERRA Y SUPERVIVENCIA

Estamos en Alemania. Corre el mes de febrero de 1943. La Alemania nazi está en su esplendor y sueña con apoderarse del mundo. Stella Goldschlag es una hermosa joven alemana que le encanta el jazz y sueña en convertirse en una cantante famosa. Pero la cuestión está muy difícil y va para peor. El estallido de la Segunda Guerra Mundial la coloca en la marginalidad, y es apresada por la Gestapo. Torturada, es obligada a delatar compañeros para poder salvarse no solo ella sino también sus padres.

El film es una aguda reflexión sobre la traición en un estado de sometimiento absoluto de quien no tiene otra alternativa que corromperse y convertirse en delatora. Se trata de un dilema de orden moral de quien se encuentra en una situación extrema. Es la persona que se encuentra entre la espada y la pared. En la realidad, es la persona que delata o pierde la vida.

Stella es capturada y queda atrapada en un dilema de orden moral: O delata a sus compañeros o pierde la vida. Basada en una situación real, el film hace hincapié en una situación extrema donde el término medio no existe. Se trata de una situación donde solo existen dos extremos. Hacer lo que se quiere y asumir la consecuencia, o entregarse mansamente al enemigo.

El personaje se nutre de una dura realidad como lo es una guerra donde en primer lugar se encuentra la sobrevivencia, y en segundo lugar rige la colaboración con el enemigo para primero evitar la deportación, y el exterminio, e incluso,  la denuncia, donde atrapar a otros judíos, algo abominable, a veces justifica salvar la propia vida. 

Kilian Riedhof dirige esta pequeña obra de arte que pasó casi desapercibida tanto por la prensa como por el público. Se trata de un director alemán, también guionista, con una amplia carrera en la televisión alemana, que ya a tratado otras tramas que hacen hincapié en la situación moral de una persona.

El film intenta comprender la difícil situación en que se encuentra la protagonista, situada sin lugar a dudas en un costado equivocado de la historia. El desarrollo del personaje, no obstante, respeta su propia conciencia, sabe en la situación que se encuentra, y sobre toda las cosas, privilegia la vida sobre la muerte.

No se trata de esquivar la responsabilidad de los hechos, en este caso, la responsabilidad de la delación. El fin apunta a otra cosa, ello es la necesidad de transformarse en una delatora para poder sobrevivir a una situación completamente adversa.

Ella no niega su responsabilidad. Simplemente le toca asumir el papel de alguien que privilegia la vida sobre la muerte. Ello no implica negar su responsabilidad sobre la delación, El film, no justifica. En todo caso, observa el privilegio de la vida sobre la muerte. Es el caso de alguien que se convierte en verdugo para poder sobrevivir.

JOKER 2 de Todd Philips

 RESBALÖN NO ES CAIDA

A una semana del estreno, las nuevas andanzas de Guasón han determinado un fracaso de taquilla que parece ya irremediable. Puede pasar. Es muy probable que esté más ligado con una decepción prematura de una audiencia exigente que a una realidad, pero lo cierto es que cuando el de boca en boca corre adversamente, es difícil de mantener el control de la taquilla.

Existen al menos, dos tipos de cines. El cine comercial y el Cine de Arte. Lo es uno, o lo es otro, pero obtener las dos cosas al mismo tiempo es un logro difícil. El fracaso de taquilla que acaba de cosechar Joker 2 posiblemente tiene más que ver con un exceso de pretensiones que determina un film que aspira a tantas cosas que no se atreve por ser una cosa ni la otra. En otras palabras, no satisface ni al público infantil ni tampoco, a sus mayores.

El director Todd Philips parece tenerlo todo. Un muy buen elenco encabezado por Joaquín Phoenix, y Lady Gaga, y además, un productor y director que minimizaba los riesgos artísticos. El proyecto no podía fallar. Sin embargo, sorpresivamente, la taquilla le dio la vuelta a la cara.

La película no solo resulta reiterativa sino que se transforma en vacía e insignificante. Philips, también productor del film, pone toda la carne al asador y se deja despellejar sin anestesia. El gran error en que cae es haber creído que estaba realizando un proyecto para toda la familia cuando solo estaba filmando una simple secuela para niños. Con el propósito de ganar la taquilla adulta, ha olvidado que su propósito final es el de una película para niños.

Consecuencia de ello, los aspectos técnicos y estéticos, comienzan a tener más importancia que los argumentales, y en consecuencia, el film se regodea en la originalidad de una puesta  en escena casi deslumbrante mientras a la vez que el argumento se diluye en la intrascendencia, rozando la incomunicación su platea. Lo argumental no logra comunicar la historia que relata. No logra interesar al espectador porque los regodeos  formales pierden no solo la forma sino sobre todo, la línea argumental, y en consecuencia, la película queda a la deriva.

Por otro lado, el film no parece estar orientado a los niños sino más bien, a los adolescentes.   Ese ha sido un error de producción relevante toda vez que por largos momentos parece estar simplemente exponiendo una pintura que adquiere movimiento pero olvida su esencia narrativa.

Detrás de todo ello, los objetivos del film eran satisfacer tanto al público infantil tanto como al adolescente e incluso, al adulto. Lejos de ello, el film se estanca en el regodeo estético perdiendo en el camino el objetivo principal que es el entretenimiento de los niños.

El film resulta una pena porque llegar objetivamente a ambos públicos debería ser el target principal de la propuesta. Lejos de ello, el film se queda en lo puramente exterior sin aportar absolutamente nada a sus antecesoras, como tampoco logra entusiasmar a los adultos. Para Todd Philips, director y productor del film, el fracaso es doble.

MAGICAL MISTERY de Arne Felhusen

UN VIAJE A TRAVES DE LA RECONSTRUCCIÓN ALEMANA

Estamos a principios de la década del noventa   en la ciudad de Colonia en Alemania. Karl Schmidt es un señor de unos 35/40 años que vive en soledad en esa ciudad y está bajo tratamiento psiquiátrico a raíz de una crisis nerviosa producida por un consumo excesivo de drogas. Él es un músico en recuperación que ha debido separarse de su grupo musical como consecuencia de esa adicción.

Karl necesita un trabajo que le permita volver a conectarse con su medio. Para ello debe mantenerse sobrio. Busca trabajo y encuentra uno como chofer de un grupo musical que lo contrata para llevarlo por toda Alemania, pero especialmente, para pueda mantenerse sobrio. Todo un desafío para él.

La película es un reflejo de la resurrección alemana de la posguerra, la nueva prosperidad, el nuevo hombre. El film transita los años noventa del siglo pasado donde la pesadilla del nazismo ya había terminado, aunque también había dejado huellas, habiendo creado un  nuevo sentido de la responsabilidad social. El país había retomado la buena senda y se estaba recolocando entre los países aspirando a acceder a una nueva confortabilidad social generando mayores oportunidades.

La narración toma un camino de paralelismo entre la representación de la vida del personaje y la historia de la nación europea. El film festeja  ambos acontecimientos. Ello es la recuperación de la nación alemana por un lado, y por otro, el de un hombre alcohólico que logra mantenerse en sobriedad. Es un hombre que ha sido vencido por las drogas pero tiene la oportunidad de curarse y reinsertarse socialmente. Así como Alemania salió del horror, ese hombre trata de salir de su ostracismo.

El director Ame Feldhusen, es un hombre  de 53 años nacido en Schleswig-Holstein  en Alemania en 1971, que tiene en su haber una extensa filmografía, pero sobre todo, una larga carrera en televisión. Su filmografía consta solo de tan solo dos películas de largometraje, no vistas comercialmente en Argentina.

La que nos ocupa es una obra adulta y de gran actualidad, cuya profundidad conceptual, la torna en una de las películas más interesantes de los últimos tiempos.  Por otro lado, bien actuada, musicalizada, con una excelente narrativa destaca  con un actor expresivo en un ambiente callejero que pinta permanentemente por un lado la soledad del protagonista, y por el otro, el conglomerado social que lo contiene,

Esta película no está en cartelera sino que ha estado disponible y en la reseña de los días sábados en el  Museo del Mar., en Mar el Plata.

“ROMPER EL CIRCULO” de Justin Baldoni

 ENTRE EL DRAMA Y LA COMEDIA 

Basado en el libro del mismo nombre, la protagonista del film es Lili, quien se ha enamorado de Ryle y está comenzando a disfrutar de su primer amor cuando repentinamente decide revaluar su relación de pareja como consecuencia del surgimiento de conductas violentas en la misma que le hacen recordar las peleas domesticas de sus padres.

La novela habla sobre el amor y la necesidad de lograr un equilibrio en la pareja, y hace hincapié en que no hay mejor relación que la que se basa en el respeto mutuo.

El film comienza cuando Atlas (Brandon Sklenar), su primer amor, reaparece después de varios años de no verse, generando una crisis en su relación de pareja. En consecuencia,  Lily debe tomar una decisión. La obra se remonta al pasado para indagar en los problemas de su infancia conflictiva.

Un reencuentro lleva a Lily a reevaluar la relación con Ryle, pero comienzan a aparecer  conductas de violencia en la relación que le hacen recordar a la conflictiva relación de sus padres,

Pasan unos años. Lily ahora vive en Boston. Trabaja de moza en un restaurante. Ha madurado y puede ver con más claridad su conflictiva relación..

El film resulta una película entretenido, un melodrama que se sostiene por sí mismo, sobre todo por las buenas actuaciones de sus protagonistas. La novela

La conflictiva vida de Atlas comienza a distenderse cuando ya más adulto comienza a trabajar en un restaurant en Boston, lejos de los problemas de su madre.

El director  Baldoni, narra una relación intensa y emocionalmente que también pone de relieve el tema de la violencia familiar, en este caso, relacionado con su madre. Los traumas de Lily encuentran remedio en su propia capacidad de enfrentar y superarla.

lake Lively interpreta a Lily Bloom, una mujer atrapada entre dos amores, en esta intensa adaptación cinematográfica.

Colleen Hoover se ha consolidado como una figura influyente en la literatura contemporánea abordando temas sociales significativos.(Crédito: Ed. Planeta)

El film profundiza en la necesidad de superar los traumas y la capacidad de cambiar y tomar decisiones que nos siempre son gratuitas.                              

EL VIEJO ROBLE de Ken Loach

ACTITUD Y POSITIVISMO

En el cine del director británico hay una clara actitud política que se repite una y otra vez manifestando su inconformismo  haciéndose eco y voz de todos aquellos que proliferan por los suburbios  de la sociedad cuya situación manifiesta claramente es la marginalidad  de todos los que no gozan de una comodidad social.

Esta nueva película se concentra en un punto de vista muy particular, el cual es el de una adolescente de aproximadamente 18 años, emigrada de la Europa del Este y que repentinamente va a parar a un rincón de Inglaterra en la costa del noroeste.

La sensibilidad del director británico transforma al personaje principal en una emigrante de Europa del Este, un ser joven y querible, que lejos de sus padres, busca encontrar su camino a través de la honestidad.

La debutante Ebla Mari encarna a Yara, robándose la película de punta a punta en base a su expresiva sensibilidad. Ella hace sentir al espectador no solo la soledad del emigrante sino también la necesidad de conocer gente y abrirse hacia los demás en busca de una empatía que le permita la sociabilización que aspira para poder insertarse en un medio social diferente al que ha nacido y vivido.

Loach desarrolla su obra desde el ostracismo que genera la soledad del recién llegado. Yara no conoce a nadie y desde esa soledad trata de construir pequeños lazos de relación con los cuales aspira a integrarse en una nueva sociedad que es absolutamente diferente respecto donde ella ha nacido.

El director inglés maneja el material con absoluta idoneidad para construir una película sensible donde el espectador rápidamente toma parte de la situación del personaje y comparte ese devenir que necesita para facilitar su integración social.

El cine de Loach siempre se ha nutrido de la realidad. Su característica principal es el verismo, y una  vez más sale adelante  con sus consignas, en este caso, la convicción del  que persevera y triunfarás. Yara es un ser apocado. No conoce el inglés como idioma, no tiene demasiado dinero disponible, está sola. Ha llegado a un puerto donde no conoce a nadie. Pero su actitud es siempre positiva y en consecuencia, encuentra  pequeñas soluciones que le permiten dar un pequeño paso adelante en su situación de marginalidad.

La película nos hace reflexionar sobre la necesidad de vencer la adversidad. El personaje tiene siempre una actitud positiva, lo cual la transforma en un elemento de superación personal. Por otra parte, el pueblo, que alguna vez lucio la bonanza de la extracción de las minas de carbón de la zona, ahora está tan venido a menos como la misma situación de los inmigrantes. En el fondo de la cuestión, uno y otros están en una encrucijada de la cual no tiene otra que unirse y tratar de salir adelante.

La película es lenta y en blanco y negro, pero está muy bien escrita, mejor llevada a la pantalla y sobre todo, extraordinariamente  actuada. No tengo mucho más que decir. Vaya al cine y disfrútela. No hay mejor opción que la de manos a la obra. Los personajes de esta película adhieren a ese dogma. Para bien del film, es una película que no solo deja verse, sino también deja la dulzura del que ha llegado a algo bueno.

LONGLESS (COLECCIONISTA DE ALMAS) de Oswood Perkins

UN POLICIAL RENOVADO

Es una película transgresora de un género, heredera de aquellas películas de los 70, tales como The French Conexión (1971). La Gran Estafa de Don Siegel (1973) o Taxi Driver de Martin Scorsese (1976).

Su trama es simple. Lee Harker, agente del FBI, investiga un caso donde encuentra un denominador común: Un asesino ha atacado y matado familias enteras. Más tarde se suicida  y deja una nota con símbolos satánicos. Harker investiga y descubre una serie de coincidencias. Por lo tanto, decide tomar el caso.

La película es la historia de la obsesión que genera el persecutor respeto de su perseguido, el cual permanece la mayor parte del metraje fuera de campo. El film destaca en los aspectos técnicos y especialmente, en la forma de la narración. En lo visual, sobresalen los grandes angulares, la forma de la iluminación difusa, la abundancia de primeros planos y la homogeneidad del uso de los colores, donde tienden a repetirse los rojos, los azules y los grises.s. Por otro lado, el sonido altera abruptamente el pasaje de los silencios al subrayado de la acción.

Otro aspecto interesante del film es que el malo de la película es quien domina la acción. La mayor parte de la película gira en torno al mismo. En ese aspecto, hace recordar a los grandes exponentes del género, donde la personalidad del villano sobresale de tal manera que aun cuando no está, su presencia se hace sentir en todo momento. Eso conduce a un clima de pesadilla que envuelve a toda la película.

El director pone en escena un film de género al cual nutre con una puesta en escena que sobresale por su modernidad, ello es la utilización de diversos recursos que utiliza para narrar y dar fluidez a una historia que si bien convencional, logra atrapar al espectador con buenas artes, obligándolo a ir más allá de lo que ve, para poder entender un mundo totalmente desquiciado y fuera de órbita.

Para ello se vale de grandes primeros planos, juega en forma permanente con una iluminación de tipo expresionista, e incluso, con cambios de colores donde prevalecen el rojo, el gris y el azul, acompañado de una banda de sonido cuyos chirreos buscan subrayar el ámbito de encierro y desesperación del protagonista, un asesino encarnado por  Nicolas Cage, que aunque difícil de reconocer, destaca con una actuación impecable, muy bien dirigido, y acompañado por un buen cast que nunca desentona.

TIEMPOS DE GENTILEZA de Yorgos Lanthimus

UN TRASPIÉ QUE GENERA CAIDA

El verano pasado vimos con mucho agrado la primera parte de esta película dirigida por el cineasta griego, del cual tengo buenas referencias dado que su filmografía esta constituida por películas tales como Colmillos (2007), Langosta (2015), El Sacrificio del Ciervo (2017), La Favorita (2018),y  Pobres Criaturas (2023) que en general, no hemos olvidado.

No obstante ello, el estreno de Tiempos de Gentileza genera un traspié impensable en esta segunda parte de una novela literaria, especialmente, porque la primera parte había generado expectativas positivas y por otra, dado el éxito de la primera parte, podría haber facilitado el traslado del segundo libro que obviamente es una continuación del primero.

Relatada desprolijamente, como si el director hubiera filmado desganadamente o fuera de tiempo, el resultado del film es un acumulamiento de hechos que no se conectan entre sí, ni estéticamente lucen como obra de suspenso, ni mucho menos un pasaje por el surrealismo.

En otras palabras, la deuda generada es enorme. De la novela, queda poco y nada. El desgano es total, desde la puesta en escena hasta la actuación, nada luce ni tampoco logra atrapar por el camino del absurdo.

Tiempos de Gentileza necesita una revancha. Queda abierta esa posibilidad. No puede creerse un resultado tan pobre de una novela tan rica.

SIEMPRE JUNTOS de Tony Woldwing

TODO PARA SER FAMILIA

Esta nueva comedia americana, estelarizada por Bobby Cannavale y Robert De Niro en los principales papeles, nos cuenta la historia de una familia disfuncional a toda carrera, sin dar respiro, logrando salir adelante describiendo y contando un día de un divorciado que vive solo, lejos de su familia, en la ciudad de Nueva York.

Max Bernal está separado de su mujer, intenta criar un hijo autista, a la vez que da lugar y acoge a su propio padre transformando ese ámbito en una familia numerosa, que da lugar a la entrada y salida de todo tipo de gente.

El director muestra una extraordinaria destreza narrativa donde destaca tanto la puesta en escena como la actuación de sus principales intérpretes. Uno de sus objetivos es lograr airear su película. Otro, el más importante, narrar un día de una familia unida por los afectos.

Max es un comediante de stand up que está a punto de dar un gran salto profesional cuando le estallan conflictos de comportamiento escolar de su hijo Ezra, un joven que padece autismo y es expulsado de su escuela, con un pedido que sea transferido a un colegio especializado.

Su mujer se ha ido de la casa harta de los problemas familiares.   Ella ha abandonado a su marido junto a su hijo, y como colmo de males, también se hace cargo de su padre (De Niro), un hombre mayor que no tiene donde ir a vivir.

El mérito mayor de Woldwing es sacar del encierro a sus personajes y desarrollarlos en un ámbito aireado que da lugar a una comedia dramática que de a poco se va transformando en comedia pura.

Si como vivir en Nueva York no fuera complicado, el protagonista es invitado a participar como actor de cine en una película de Hollywood, lo cual le permite trabajar en su profesión, ganar unos dólares, y  llevar a su hijo de vacaciones a la costa oeste, lo cual, profundiza el conflicto familiar.

Lo notable de este guionista y director americano es que nunca pierde el equilibrio, logrando que la película entretenga con buenas artes sin manteniendo en todo momento su equilibrio narrativo.

Iniciada como comedia, por momentos se transforma en road movie, sin perder el hilo principal de su argumento, ni el aspecto emocional, donde brilla la perseverancia y la voluntad del protagonista que siempre tiene la virtud de seguir hacia delante señalando un camino que no es otro que el de asumir la responsabilidad de la crianza de un hijo. Ezra no acepta que la madre del niño autista lo mande a un colegio para chicos con problemas. Al mismo tiempo realiza una crítica al Estado que se entromete demasiado en su vida familiar.

La película destaca a figura paterna,  pero sobretodo, y la necesaria convivencia familiar donde madre y padre siempre están presentes cuando el niño los necesita. No obstante, el film trata de una situación donde la separación de los padres genera un conflicto por la tenencia del niño. No obstante, el film remarca que tanto madre como padre lo son siempre, cualquiera sea el estado marital que conllevan.  

El film no solo brilla por su calidad artesanal sino también por su amplitud de criterio. Bobby Cannavale sobresale por su actuación como el padre del niño, y también, por su excelente trabajo de dirección, tanto de actores como de la película toda.

EL MAL NO EXISTE de Ryusuke Hamaguhi

SIMPLE Y CONCRETA

Esta película japonesa que viene precedida de buenos elogios es una obra simple pero contundente en defensa de los recursos naturales y sobre todo un llamado de atención respecto de la necesidad de ocuparse del medio ambiente, tratando de impedir toda impronta innecesaria  que implique una acción humana que atente contra ello.

La acción transcurre en un parque natural cercano a Tokio. Allí la vida natural se lleva a cabo todos los días respetando el equilibrio  entre la vida humana y las acciones de las personas que lo habitan en ese espacio. Llevan una vida simple, se nutren del agua de una cascada, crían sus animales, respetan sus tiempos de reproducción, sus horarios se rigen por la luz solar.

De pronto, una empresa turística, alquila unas tierras en ese mismo lugar con el propósito de generar campings  vacacionales, lo cual, de la noche a la mañana la vida de los aldeanos que viven en ese lugar se verá alterada como consecuencia de la invasión turística que con otras formas de vida, cambiaran la vida de ese lugar,

Obviamente, estamos ante una película cuya actitud está lejos de anteponer los intereses pecuniarios  sobre los naturales. El film tiene un espíritu constructivo, acorde con la idiosincrasia de un pueblo que ha vivenciado las consecuencias de un ataque nuclear, y por lo tanto, su forma de ser resulta siempre positiva.

Para nuestro punto de vista, el film parece algo ingenuo pero claramente nos deja una idea donde el positivismo siempre opera hacia delante y en consecuencia la posibilidad de logros se acrecienta. El film es claro, directo, y no tiene el menor atisbo de provocar discusión.

Su discurso se sintetiza en un “manos a las obras” que sin lugar a dudas manifiesta la actitud de un pueblo que más allá de los intereses personales tiene la capacidad de apreciar la convivencia sobre los intereses propios y personales. No necesita la masificación ni la protesta. No hay en la película un espíritu confrontativo. Tienen muy en claro que el bien común los beneficia a todos. 

Hablado en japonés y filmada color, con actores  y director desconocidos, el film es una pequeña obra de arte que con un argumento muy simple, y un grupo de actores desconocidos, nos deja pensando, ya no en la película sino más bien en nuestro propio futuro como sociedad y sobre todo, nuestro propio devenir. La película se destaca en los pequeños detalles, donde sale a la luz el eterno conflicto entre extender la ciudad o mantener lo que se tiene. La vieja dicotomía entre tradición y progreso.

LA INMENSIDAD de Emanuele Crialese

CUADRO FAMILIAR

La película transcurre en los primeros años de los 70 y se concentra en dos aspectos: la situación económica del país (Italia) y la crianza de los hijos. Interpretada por Penélope Cruz, en un papel más que consagratorio, asume, poniéndose literalmente la película al hombro, y transformando al film en un retrato de una madre de 3 hijos relativamente pequeños en un momento de cambio en la sociedad, donde la mujer comienza a tener nuevas responsabilidades  al tener la posibilidad de participar abiertamente en el campo laboral y acceso profesional, y no solo participar de la crianza de los niños.

El film es una obra de cámara de características teatrales que prácticamente transcurre  en el living de una casa romana donde en un fin de semana se encuentra la familia toda  reunida donde la propia realización personal de ejercer una profesión comienza a equilibrar el campo laboral permitiendo a la mujer no solo encontrar nuevos trabajos sino fundamentalmente, participar en el campo profesional.

El trabajo del director Crialese , que por otra parte logra su objetivo, es desatar esa obra teatral que tiene entre manos, transformándola en una obra cinematográfica. Obviamente consigue lo que desea con buenas  artes y mejores intenciones, logrando una película cerrada que transcurre en su mayor marte dentro de un departamento donde el director maneja a sus actores con  comodidad dejando que los interpretes vuelquen  todo su talento en dos actuaciones memorables.

Vale la pena recalcar que la obra transcurre en un momento de cambio social en el mundo, donde transcurrida la segunda guerra mundial y el periodo de posguerra, llegamos a principios de los 70, donde la liberación de la mujer se transforma en un hecho que da lugar que da lugar a su participación  en el campo laboral en igualdad de derechos.

Penelope Cruz, en una actuación sobresaliente, es quien se lleva la mayor parte del mérito.   Ella luce en el papel de Clara por la espontaneidad que fluye de su actuación haciendo que brille no solo ella sino también luzca la de los niños que la acompañan con una naturalidad extraordinaria.

Ana, su personaje es el de una mujer joven que no solo se conforma con educar a sus cinco hijos, sino también está dispuesta a colaborar y competir en el campo de trabajo, con el objetivo no solo de salir adelante sino asumiendo sus dos roles, el de madre y el de una abogada profesional.

Vincenzo Amato acompaña a esta excelente actriz española, en el rol de su marido, dejando en claro  que ante si hay un matrimonio que ha entrado en una crisis que va más allá de los problemas de una familia numerosa.  A su lado, lucen también Luana Giuliani como la hija mayor, quien en forma incipiente  expresa rasgos de homosexualidad, lo cual condiciona su aceptación familiar en un marco de familia numerosa, formal y religiosa.

El film no solo está bien actuado, sino también lucen los trabajos de cámara, desarrollados siempre en espacios pequeños  y encerrados, tanto como la música que acompaña, como también el trabajo de cámaras como luces, toda vez que la mayor parte de  la película transcurre en un ambiente cerrado.

Los cambios sociales que comienzan a experimentar los personajes es mostrada a través de la convencionalidad social donde la pérdida del orden familiar se manifiesta en la abierta posición de la hija mayor que busca desprenderse de los preceptos familiares y poder asumir su homosexualidad.

El resultado final es ampliamente satisfactorio, y por lo tanto, recomiendo esta película por el interés humano que despierta. Se trata tanto del comportamiento de una familia sometida a un cambio de época donde la liberación de la mujer juega un papel fundamental en el grado de aceptación tanto en lo laboral como en las nuevas condiciones laborales que vendrían.

CAMINOS CRUZADOS de Levan Akim

 

La Soledad y la Gran Ciudad

Básicamente, se trata de una “road movie” que se camina todo Estambul y se transforma no solo en el escenario de la acciones de sus protagonistas sino también en el escenario de una obra sobre la soledad y el desencuentro en las grandes ciudades.

Una maestra viaja a la capital de Turquía con el propósito de encontrar a su sobrina. La trama gira en torno de un encuentro de personas en medio de una enorme ciudad. Ella conoce muy poco de esa ciudad y se encuentra algo perdida, pero su objetivo no solo es encontrar a su familia sino también encontrarse a sí misma en esa gran urbe.

La película plantea una cuestión de soledad como también la dificultad para generar vínculos tanto familiares como de amistad en las grandes urbes. La maestra vive sola y sale en busca de una sobrina que a la postre resulta una muchacha transexual. Mientras la busca, encuentra simplemente el acompañamiento de un muchacho (Achi) que vive en la calle que le ofrece hacerle de guía.

El film se transforma en una alegoría sobre la soledad. Lia, la protagonista del film, es una profesora jubilada que se ha propuesto a encontrar a Tekla, después de mucho tiempo de no estar juntas. Allí conocerá a Evrim, una abogada que lucha por los derechos de las transexuales.

La soledad en las grandes urbes es retratada mostrando las grandes distancias, la indiferencia de la gente, el caminar permanente, el desencuentro como moneda corriente transforman a la película en una fresco sobre la soledad  y el ser diferente cuya potencia narrativa es notable a pesar de que el mayor peso de la película gira en torno de una misma persona y del desencuentro permanente.

El director Levan Akin es de nacionalidad suiza y su experiencia anterior se remite tan solo a un film no visto en Buenos Aires.

EL DIVINO ZAMORA de Neri Marcore

PASAJE A LO COTIDIANO

En la línea del nuevo cine italiano, expresándose  ya sea a través del cine o la televisión, tratando de distanciarse del viejo neo realismo, y poniendo la visión en los problemas de hoy en día, esta semana tuvo lugar el estreno de Zamora, una obra amena que trata de nutrirse de la realidad.

A principio de año, Nanni Moretti trataba de despedirse el viejo cine italiano tratando de despegarse de la impronta neorrealista, ubicándose en la nueva realidad de un país ahora desarrollado donde uno de los mayores atractivos no es solo es su capacidad turística sino el futbol. Esa despedida ya es una realidad.

Se trata de una nueva comedia centrada en la vida cotidiana, donde el personaje central es un tal  Zamora, un hombre joven que se gana la vida trabajando como empleado de comercio,  como vendedor  en una zapatería. El personaje representa al italiano promedio. Un tipo de clase media al cual no le sobra nada pero que se las arregla bastante bien vendiendo zapatos..

Neri Marcore es actor, imitador y conductor televisivo y radiofónico, y ahora también director de cine, descubre un actor de un gran carisma llamado Alberto Paradosi, quien se pone la película al hombro desplegando, además, una notable versatilidad para dirigir una comedia.

El film está basado en una novela de Roberto Perrone, un escritor y periodista deportivo del Corrieri della Sera fallecido el año pasado, y protagonizado  por Walter Vismara, un joven actor italiano,  que asume el papel de un joven apasionado por el futbol que, ya pasada su adolescencia, aún permanece en la casa de sus padres.

Vismara está por perder su trabajo pero provisionalmente consigue ser trasladado a otra dependencia en Milán, donde su nuevo jefe es un fanático del futbol que organiza partidos dentro de la empresa. El joven no destaca como empleado, pero su jefe descubre que es un buen futbolista y se luce como arquero. En consecuencia, es ayudado por su propio jefe, casualmente, un ex arquero que conoce los todos los secretos del puesto.

La película es despareja porque mezcla los problemas de la vida familiar del protagonista con su vida amorosa y laboral. No obstante ello, logra mantener un equilibrio narrativo que sin llegar a profundizar en la trama, consigue interesar el entretener  con buenas artes. 

Esta película recientemente estrenada en cines, y “El Candestino”, miniserie dirigida por Rolando Ravello, programada en Netflix y protagonizada por Edoardo Leo, un actor de excelencia, ambas actualmente en  sus respectivas carteleras, colocan a la cinematografía italiana en un lugar de privilegio  entre los estrenos de cine y de Netflix, respectivamente.

LA MATRIARCA de Mathew J. Saville

 REENCUENTRO FAMILIAR

La matriarca es un film de personaje, donde brilla la gran actuación de una actriz inglesa llamada Charlotte Rampling, en una actuación sobresaliente de características más teatrales que cinematográficas, escrita y dirigida por Matthew J. Saville, quien desarrolla el encuentro entre un joven adolescente y su abuela, la cual siente que está cerca de su muerte.

Este film, producido en Nueva Zelanda, desarrolla un relato clásico de encuentro personal donde abuela y nieto perciben que ha llegado la hora de comunicarse, lo cual es mucho más que eso,  implica  comenzar a conocerse, disfrutar de la compañía del otro, y estar lo más cerca posible de ese ser que todavía no hemos terminado de conocer.

En este caso, se presenta como un sentimiento reciproco. Ambos perciben el momento. Uno porque sabe que pronto llegará el momento de su muerte. El otro, porque todavía apenas ha llegado a la adolescencia y no ha conocido a su abuela ni aprendido a disfrutar de la sabiduría  de esa mujer anciana.

La actuación de Rampling es excelente, una actriz que no requiere presentación  dado que su debut en el cine lo realizó de la mano de directores tales como Luchino Visconti Y Liliana Cavani en La caída de los dioses (1969), y, Portero de noche (1974), respectivamente. En su reciente actuación se muestra tan sencilla como sabia. Sabe que el público va a disfrutar de su actuación, y ella cumple con ese mandato dando vida a una mujer anciana en silla de ruedas pero de mucho carácter y consiente que lo que más le importa en este momento de su vida, es encontrar el amor de su nieto, un adolescente que se encuentra en el  otro extremo, el del despertar de la vida.

Ella ha viajado a Nueva Zelanda para pasar un tiempo junto a su hijo, con quien tiene una relación familiar lejana, y un nieto de 18 años que no conoce. En este último personaje, la Rampling encuentra su contrapeso que da comienzo a un film que se concentra en la lejanía de las relaciones familiares.

El director Mathew Saville sabe que tiene un buen guion y una pareja de actores muy sólidos. En consecuencia, deja que actúen y registra esa actuación para consolidar el material que más tarde, en la sala de montaje, le dará sentido final  a toda la obra.

El resultado es notable, conciso, coherente. Logra unir dos puntas de la vida con sabiduría,  actuando con espontaneidad  y logrando que ese joven y esa mujer (nieto y abuela) se encuentren en un momento crucial e inolvidable de sus vídas 

Ya hemos hablado de las actuaciones. Otro logro puntual es la calidad de la fotografía en manos del francés  Robin Galliegue. Acierta en el despliegue de primeros planos, combinando  con la repetición de planos generales de la campiña neozelandesa, buscando airear ese círculo cerrado que es un estado de situación familiar complicado, que  tratan de generar un rencuentro familiar que ponga las cosas en su lugar,  dentro de un clima de unión.

Ópera de cámara a campo abierto, pinta personajes y situaciones con honestidad, dejando de lado el golpe bajo y queriendo unir las puntas que permitan una ansiada reconciliación familiar.

LA OTRA CARA DE LA LUNA de Greg Berlanti

ILUSIÓN, FANTASIA Y REALIDAD

¡Bienvenida la comedia!  Pasados los cuestionamientos sobre el tema, y aceptando que el hombre llegó realmente a la luna, algo que vi con mis propios ojos de un adolescente de 13 años, fue no solo una inmensa aventura sino también una de las mayores proezas realizadas por el hombre como fue el llegar a la lunar  y lograr pisarla.

Discusiones aparte, el film funciona como lo que es, una típica comedia americana que no tiene otras pretensiones más que entretener y hacer pasar un  buen momento. En ese aspecto, la película sale airosa. Es un film lleno de luces, lujoso donde ronda el amor y, además,  triunfa,  

No obstante, hace ya más de 50 años que el hombre piso la luna y todavía permanece vigente la creencia que lo que se vio por televisión, en  aquel momento, y en vivo y en directo fue parte de una mentira orquestada por el propio gobierno norteamericano en su carrera armamentista contra la vieja Unión Soviética.

Dejando atrás esa duda existencial que juega como fondo, esta lucida comedia estelarizada por Scarlett Johansson en el rol de Kelly, una experta en marketing y Channing Tatum como un ex piloto de la armada, conforman una pareja simpática que si bien no dejara huellas en la industria del cine, podría decirse que representan una tímida propuesta de una tipo de comedia romántica que de tanto en tanto reaparece con bríos renovadores, aunque claramente este trabajo no es el caso.

No obstante, la película funciona como tal, una como comedia que solo tiene la pretensión de hacer pasar un buen momento en el cine, y más allá de eso, complementarlo con una salida a cenar. Por otra parte, en lo político, tanto los Estados Unidos como Rusia, han abandonado sus pretensiones de superioridad aérea, y en consecuencia, el debate antes mencionado solo responde a un simple marco histórico, en gran parte superado,  que en estos tiempos, interesa poco.

De todas maneras, la película, como historia de amor, pero sobretodo como comedia costumbrista, funciona correctamente, y aunque si bien no brilla en ningún momento, permite pasar un rato relajadamente con buen ritmo de comedia y claro objetivo de entretenimiento.

La película rescata la comedia en una cartelera totalmente amnésica al respecto. Hoy no hay muchas comedias en cartel y menos aún, películas que estén marcando una época como ocurrió años atrás, con obras que dejaron un recuerdo actores o parejas que de por si le daban identidad al género. Hoy en día, incluso, sobre todo los canales de cable, suelen reponer estas películas, aunque muy pocas veces podemos disfrutar de este rubro.

En ese sentido, sea bienvenido este film amable y romántico que sobre todas las cosas, trata de recuperar un género que pareciera estar desaparecido, pero que aún sigue vigente.

HIT MAN de Richard Linklater

VICTIMAS DE UN ENGAÑO

Este film norteamericano  ha sido aclamado en festivales internacionales y también ponderado por la crítica internacional. No obstante, no es una obra fácil de ver. Requiere del espectador  una enorme concentración, dado que  su columna vertebral es una búsqueda que siempre  termina en un mismo lugar, lo cual, por un lado genera una repetición de escenas que, por otra parte, la narración se vuelve reiterativa, haciendo perder interés en el mecanismo narrativo. Dicho mecanismo de repetición, una y otra vez deja una sensación de hartazgo, aunque intelectualmente, el mecanismo responde a un clásico “happy end”.

Se trata de una comedia de acción, basado en un artículo sobre un crimen verdadero. No obstante, no se elige contar un policial convencional, sino mezclar dicho género con comedia, lo cual genera una comedia policial, más acentuada en lo primero que en lo segundo.

La trama encuentra a Gary Johnson como un profesor de filosofía divorciado que da clases en un colegio de Nueva Orleans, un solitario, cuyo interés está puesto en la tecnología. Vive acompañado de dos gatos, y le gustan los pájaros. Trabaja “part time” en la policía local.

El resultado es una comedia policial gris, basada parcialmente en hechos reales,  que sigue la vida de un profesor que en su  tiempo libre colabora con la policía haciéndose pasar por un sicario. En su camino se cruza una mujer que pretende abandonar a su esposo.

El realizador ha dicho: "Hacer  películas me sirve para procesar el mundo en que vivo. Es la manera que tiene mi cerebro de analizar las cosas y, en cierto modo, me he obsesionado con eso. Creo que tienes que ser un poco “freak” para hacer películas. El cine es un medio muy poderoso para explicar historias". 

El personaje de Powell habla con sus alumnos sobre Nietzsche y Freud y los invita a tomar riesgos en sus vidas, como, en cierto modo, él lo está haciendo con la suya.

El resultado es una comedia que aspira llegar muy lejos pero se diluye en sus aspectos narrativos perdiendo la capacidad de transmitir un mensaje. Consecuencia de ello, el film es un excelente envoltorio excelente carente de contenido, al cual pierde en el camino al dejar de lado el aspecto narrativo concentrándose solamente en lo estético.

Planteado como un policial, encuentra el camino de la comedia, donde Linklater se siente más a gusto, pero en ese devaneo esteticista, pierde en sentido narrativo, encontrándose en una especie de discusión donde el centro de atención termina siendo la  estética de la película y no su mensaje.

Obra  fallida de un director americano independiente del cual se puede esperar mucho más pero que en esta oportunidad no da en el centro. No obstante ello, y más allá de ciertos devaneos esteticistas, el film funciona como un pasatiempo agradable.