ROSE de Aurélie Saada

UNA VIDA NUEVA

Rose está de cumpleaños. Este es el número 78. Todo es jolgorio a su alrededor. Pero pocos minutos más tarde, terminará la fiesta, su familia la acompañará s soplar las velitas y todo habrá terminado. Su vida volverá a su curso normal, al orden de cada día, a la rutina acostumbrada.

Pero esta vez no será igual. Ya todos sus hijos han crecido y la han hecho abuela. Sus nietos también se han hechos grandes, y ella comienza a inquietarse, a preguntarse porque no innovar , hacer algo diferente que esperar la muerte, disfrutar de las pequeñas cosas de todos los días, simplemente algo, salir de la rutina, tratar de encontrar el placer de estar viva.

La actitud de Rose es la del cambio. Ella ha decidido creer en sí misma, no depender tanto de su familia, y darse pequeños gustos. La oportunidad, estará a la vuelta de la esquina.

El film es un dechado de optimismo. La actuación de Francois Sagan en el papel principal, aporta la ductilidad necesaria que hace recordar a su papel consagratorio de unos 50 años atrás cuando protagonizó  “Mi Noche con Maud” en 1969, dirigida por Claude Lelouch, con Jean Louis Trintignant

No obstante, reconozcamos que a Sagan la vida vuelve a sonreírle después de tantos años, obviamente por méritos propios, aprovechando un guion que parece haber sido para ella, en el retrato de una mujer mayor en el transcurso diario del día a día, donde ponemos la brújula hacia el norte para no perdernos, y tratamos de disfrutar de la vida sin molestar a nadie. El film resulta un vehículo ideal para su lucimiento personal en una época donde no ser joven te deja fuera de interés.

A los 78 años de edad, el personaje se queda solo a causa de su viudez, sus hijos se han hecho grandes, ya son padres y la han hecho abuela. Ella percibe que, ahora viuda, tiene que volver a valerse sola, sin ayuda de nadie porque los demás en la familia están todos ocupados.

Hay un último factor que no parece importante, pero sin embargo juega un rol importante. Rose es una mujer de religión judía. Es la típica idishe mame, una mujer tenaz que nunca achica, que ve la vida positivamente y sabe que si ella no se ocupa de sí misma, nadie se terminará ocupando por ella.

“Rose” es un ser que destaca por su propio brillo levantando un mensaje de optimismo y buena fe de alguien que señala un camino, no para seguirlo, sino para señalar que siempre hay un camino y no dejarse sumir en la desesperanza de  la enfermedad y la vejez.   Además, es el debut de una guionista y realizadora que destaca positivamente en este, su primer trabajo de largometraje.

THE BEEKEEPER de David Ayer

SENTENCIA DE MUERTE

Respondiendo a las reglas básicas de un género, en este caso el film de acción, reúne a un actor y un director que si bien nunca antes habían compartido cartel, demuestran una capacidad innata para desarrollar la comedia policial que nos ocupa.

Jason Stratham es el beekeper del título, ello es un apicultor que está gozando de su retiro. Obviamente, es un hombre formado en las fuerzas especiales, y solo espera pasarla bien cuando inesperadamente, descubre una conspiración que pone en juego la paz y a seguridad nacional. Estos guardianes son una élite que trabaja sin restricciones para proteger la sociedad en situaciones extremas de emergencia nacional.

Nuestro héroe descubrirá una conspiración contra el Estado y tendrá más remedio que ocuparse, inmiscuirse en los diversos estratos de la seguridad nacional, desbloquear los mecanismos de defensa y cumplir con su nueva misión, descubriendo una banda de facinerosos que no solo han matado gente buena sino que se la han tomado sus colaboradores y amigos.

En medio de la corrupción, aparece nuestro héroe, Adam Clay, un agente secreto interpretado por Jason Statham llamado el Beekeper, ahora un apicultor retirado al que solo le interesa cuidar sus paneles de abejas, retirado en un pueblo perdido en Oakhaven. Pero de repente, su vecina (Phylicia Rashad) aparece muerta en su casa tras haber sido víctima de una estafa por Internet.

La trama es sencilla y pasatista. Tiene coherencia y buen ritmo narrativo. Pero sorpresivamente y ante sus narices, su vecina es estafada miserablemente. Clay siente él mismo estafado y sabe que debe volver a la acción para poner las cosas en su lugar. Será justicia.

Por otro lado, Statham, película tras película, se consolida como actor, aunque sobretodo, como un héroe de film de súper acción. Y no está nada mal que eso sea así.

Todos los rubros técnicos del film son irreprochables. La película no solo deja verse sino que mantiene la atención del espectador. La fotografía es excelente, al igual que el acompañamiento musical.

DOGMAN de Luc Besson

DOGMAN de Luc Besson

ROMPECABEZAS

Esta nueva película del director francés transcurre en la ciudad de Nueva York, y cuenta una historia sobre la soledad en las grandes ciudades, la de Munrow,  un peluquero de perros que se encuentra detenido por la policía, haciendo un descargo en una comisaria..

El director de Nikita y El Perfecto Asesino vuelve a desarrollar una trama simple  que complica en la sala de montaje, donde el director hace gala de su destreza narrativa provocando suspenso dentro de lo que es una comedia costumbrista que arma bajo la forma de una especie de collage en el cual destaca la actuación de Caleb Landry Jones en el rol de Douglas.

 El film se transforma en una especie de rompecabezas que se va armando de acuerdo al desarrollo de una trama  clásica de un policial. Douglas, el paseador de perros, se viste como Marilyn Monroe y anda como un lisiado en silla de ruedas. Mediante una serie de flashbacks cuenta una historia que intenta ser una alegoría sobre el ser diferente.

Alegoría sobre el ser diferente, la destreza narrativa del director francés, hace que sus figuras representativas encuentren vida. El personaje principal, vestido como mujer, busca asumir su homosexualidad y en consecuencia liberar todo tipo de ataduras pero lo que no logra Besson es realmente hacer trascender el mensaje de necesidad de libertad personal, y sobre todo, el de asumirse así mismo que encierra la criatura humana que delinea.

La construcción del film termina resultando un desafío para el espectador. Besson decide hacer gala de lucidez narrativa realizando un rompecabezas basado en un montaje milimétrico. Sin lugar a duda, logra armar un relato irreprochable que el director complica en parte innecesariamente y que en consecuencia, vuelve al film algo difícil de seguir a pesar que posee un guion cuya simpleza argumental hace que transcurra en un mismo día, y con un único protagonista.

El relato avanza de acuerdo a un interrogatorio policial que funciona mediante flashbacks que informativos respecto del enigma planteado al comienzo del film.  De esta manera, el relato se nutre de un suspenso genuino, avanzando sobre pistas que desarrollan una historia cuyo tema principal es una denuncia contra el abuso y el maltrato hacia todos aquellos que pueden ser vistos como diferentes.

El film no tiene nada que ver con el de Matteo Garrone visto en 2018. No obstante, hace recordar a El Vengador Anónimo, el exitoso film que dio fama a Charles Bronson, un hombre que siempre estaba en el lugar adecuado para ayudar a débiles, y hacer justicia por mano propia. No obstante, no deja de ser una obra  muy personal e interesante del director francés.

LAS 12 MEJORES PELICULAS DE 2023

LAS 12 MEJORES PELICULAS DE 2023

 1. NAPOLEON de Ridley Scott

2. HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

3. LO QUE NO VEMOS de Ayse Polet

4. PUÁN de Mara Alche y Benjamin Naishtah

5. LOS ASESINOS DE LA LUNA de Martin Scorsese

6. MILAGRO de Bogdan Apetri

7. EXTRAÑA FORMA DE VIDA de Pedro Amodovar

8. CIELO ROJO de Christian Petzold

9. THE QUIET GIRL de Colm Baireád

10. LOS HIJOS DE LOS OTROS de Revecca Zlotowski

11. OPENHEIMER de Christopher Nolan

12. LOS ESPIRTITU DE LA ISLA de Martin Mc Donagh

            MEJOR PELICULA (COMPARTIDA) OPENHEIMER  de Christoeher Nolan  y HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurimaki

PRISCILLA de Sofía Coppola

¿DÓNDE ESTÁS?

El éxito de “Elvis”, la película que el año pasado ha vuelto a recordar al gran cantante que marco toda una época con baladas muy inspiradas durante la posguerra, ha generado una secuela, esta vez focalizada en la vida de su esposa.

Priscilla tenía 14 años cuando conoció a Prestley. Se casó con él en 1967, el matrimonio tuvo solo una hija, y solo duró 5 años, al fin de los cuales, se  separan en 1972, pare divorciarse definitivamente 1973.

La película se concentra en la vida de la mujer del ídolo, en la gran  soledad que siente cuando él emprende sus giras artísticas y comienza a pasar largo tiempo fuera de su casa.

La diferencia de edad entre los componentes de la pareja y sobre todo la cantidad de ausencias  hogareñas son también generadas como consecuencia de su momento de fama e idolatría, provocando una distancia adicional que con el tiempo comienza a desgastar la relación tanto íntima como de pareja y termina en el divorcio de ellos.

El film se focaliza en aquellos momentos de soledad en los que Priscilla se siente lejos de su marido, lo cual desgasta el matrimonio, pero sobre todo genera una soledad que no soporta la idolatría de la pareja al vivir solitaria por los largos periodos de tiempo que insumen dichas giras.

Algo repetitiva, a medida que pasan los minutos, comienza también a desgastar la paciencia del espectador dado que nada es peor que el aburrimiento que soporta Priscilla, la cual pasa largas horas en la cama simplemente acostada mirando el techo o dándose vueltas en la cama.

Si bien la película funciona como un caso clínico sobre la incomunicación y la depresión de la mujer de un hombre exitoso, lo cierto es que para la mayoría del público, el film es rechazado dado que no entretiene demasiado, mostrando solo las consecuencias de la vida en soledad, donde no se encuentra un equilibrio entre vida artística y privada.

No obstante ello, hay por parte de Sofía Coppola, una intención positiva de reflejar la vida tal como una pesadilla en medio del éxito, una especie de infierno que lleva a sentir un mayor aislamiento

La actuación de Cailee Spaeny es sobresaliente toda vez que transmite su angustia y desesperación ante la tristeza que despierta el éxito de su novio. La película está basada en esa melancolía, por lo tanto, poco puede agregarse del resto del elenco. Asimismo es excelente la fotografía llena de claroscuros que subrayan el sufrimiento de la protagonista.

La película refleja indirectamente el costo de la vida exitosa de un ídolo. Está bien hecha, es interesante, algo repetitiva pero sobre todas las cosas es creíble, dibuja acertada y despiadadamente la otra cara del éxito, aquella que no se paga en dólares sino con la perdida de los sentimientos más íntimos 

EL REY DE LA COMEDIA de Mario Martone

HOMENAJE AL TEATRO ITALIANO

Esta película está emparentada con Extrañeza, vista unos meses atrás durante este mismo año, donde se narraban los primeros pasos teatrales de Luigi Pirandello en su vuelta a Sicilia. Aquí se homenajea los comienzos de un actor muy popular del teatro en Italia, llamado Eduardo Scarpetta.

Toni Servillo (La mano de Dios) interpreta a un personaje popular llamado Felice Sciosciammocca, para mostrarlo entre forzados aplausos y carcajadas como la figura más importante de la comedia napolitana de principios del siglo pasado.

Este actor, interpretado por Toni Servillo, se hizo famoso actuando, pero también fue una figura pública conocida y querida por el público. Fue un mujeriego empedernido, tuvo varias mujeres con las cuales convivió siendo padre de varios hijos, de los cuales siempre se hizo cargo.

En su repertorio predomina la comedia de costumbres y particularmente, la farsa. El comediante tuvo tres familias: la de su esposa Rosa y sus hijos, la que constituyó paralelamente con la hermana de su pareja y la de su sobrina, más tarde, embarazada.

El director realiza un fresco de época utilizando el color con una iluminación que parece en blanco y negro, resalta lo nocturna, dando vida a un bohemio total. El film resalta la dualidad de la vida de un artista donde los deberes paternales cuestan encontrar un equilibrio entre la vida familiar y la vida de un artista.

Felice no tiene trato preferencial por nadie, todos lo reconocen como un genio y están dispuestos a formar parte tanto de su vida cotidiana como de su profesión artística. Él Ignora la moral  tanto como sus problemas legales.

Martone, director también de Extrañeza (2022), subraya el ser italiano haciendo que sus actores destaquen la gestualidad. Aprovecha a la Justicia para tomar partido en la tensión entre el prestigio y la popularidad, llevando hacia delante una reflexión sobre la libertad de expresión y los derechos del autor.

El film resulta una biografía nada convencional  y los alegatos judiciales del final dejan sin posibilidad de discusión dado el carácter cinematográfico de la obra que impone al ámbito legal como escenario  de un alegato que no es más que otro simple monologo.

Esta obra, como Extrañeza, también vista a mediados de este año, constituyen una dupla de películas italianas valiosas que no deben ser ignoradas dado que constituyen dos propuestas interesantes tanto en lo temático como en lo formal, y dan lugar a que sigamos recuperando lo mejor del cine italiano, aquel cine que brilló bajo el lema de “neorrealismo”. Tanto ese como estas dos nuevas películas recientemente estrenadas, constituyen una tendencia muy positiva constituyendo un cine que no solo refleja una realidad sino también posiciones estéticas que bordean una singular mirada hacia la realidad..

 VENGANZA SILENCIOSA de John Woo

LA JUSTICIA PROPIA

La justicia es la satisfacción que se toma del agravio o daño recibidos. Los países organizados creen en ella. Es uno de los poderes del Estado, ello es el poder Judicial, el cual garantiza el derecho de igualdad de los habitantes de un país.

Pero existen otras miradas, no regidas por la ley sino por los sentimientos, que consideran que el agraviado pudo haber sido lastimado en lo más íntimo, en lo más querido, y en consecuencia, la legalidad no responde al sentimiento de justicia que recibe el ofendido.

Ello genera una necesidad de justicia particular, fuera de los órganos legales, que se materializa comúnmente por el denominado uso de la mano propia. A esa manera de justicia, se le llama venganza.

John Woo, el afamado director chino de súper acción, hongkonés para ser exactos, está de vuelta con este film simple y riguroso, moderno, entretenido, un trabajo de montaje armado en una moviola, es una película que adquiere ritmo hecha corte tras corte, avance por avance, que narra una simple venganza que encierra la necesidad de hacer justicia por mano propia.

Es que no toda ofensa puede ser perdonada. La víctima de una agresión a veces, no sobrevive a la misma. Sus consecuencias son absolutamente personales, singulares.

Para poder dar paz a su vida un hombre busca venganza. A ese  alguien le han quitado lo más querido, es decir un hijo de tres años, el cual ha sido alcanzado por una bala perdida en medio de una balacera entre patotas.

La película toda se concentra en esa noche de venganza, que después de haber velado a su hijo, el hombre sale desesperado a buscar en las calles desiertas aquellos delincuentes que le han quitado la vida. La desesperación de ese hombre no tiene límites. Su decisión es vengarse. Vaga por horas durante toda la noche en la búsqueda del asesino. Hasta que por fin da con ellos.

El film huele a una de las primeras obras de Bronson, tales como  El Vengador Nocturno, en versión actualizada. En manos del maestro  hongkonés, el film se transforma en un ejercicio de estilo de un cine muy moderno que hace brillar a un policial resuelto en una moviola, donde el montaje adquiere rápidamente velocidad determinando el ritmo de la película.

El género policial se ve agradecido dado que el film adquiere un ritmo frenético que retiene al espectador en su butaca, obvia el minimalismo de la propuesta, rescata el sentido de entretenimiento, la acción no para nunca y el espectador sale del cine satisfecho porque acaba de ver un film de un gran maestro, aunque intuya el resultado desde el principio.

NAPOLEON de Ridley Scott

VIDA Y OBRA

Se hace muy difícil llegar a una conclusión sobre la película de un experimentado director inglés que además ha elegido un tema histórico y conocido por todos para desarrollar una biografía en términos cinematográficos.

No obstante, puedo decir que salgo del cine satisfecho, Lo que he visto no solo me ha interesado, sobre  todo formalmente, dado que Scott se ciñe a la historia y relata sintética y respetuosamente cada una de las vicisitudes de la vida del corso francés, describiendo metódicamente su carrera militar, su tardío casamiento, el nacimiento de su hijo, su vejez y finalmente su muerte.

El film está construido desde el punto de vista biográfico que alberga toda la vida de un hombre común que ha nacido con un destino algo más interesante que cualquier otro simple ser. Desde sus primeros pasos en el ejército hasta su muerte, con el paso del tiempo se transforma en un prócer histórico cuyas concepciones de la vida darán lugar a cambios sociales y políticos. El film está construido al compás de hechos tales como la Revolución Francesa. Se muestra a Napoleón  ocupando diversos puestos revolucionarios y militares que generarán no solo cambios culturales, sino también sociales y políticos, con reformas liberales que perduran hasta hoy en día.

Scott abarca la vida entera del héroe a través de pequeñas y significativas escenas que ilustran la vida del corso francés. Este hombre pareció tenerlo todo. Tempranamente se inició en el Liceo Militar, escaló todas las posiciones,  adquirió relevancia política, se transformó en un líder militar, manejó la República Francesa, y no obstante esos logros, fracasó en su matrimonio con una mujer que lo engañaba.

Más allá de sus casi tres horas de duración, y el conocimiento previo de la hechos conocidos enseñados en las horas de historia de nuestras escuelas, la película no solo deja verse sino que interesa y engancha al espectador, dado que el enfoque de esa vida es de una presencia constante, que abraza los diversos matices de su larga vida. Es allí donde el director encuentra al Gran Corso con una imagen que siempre está narrando una peripecia de su existencia.

Director y actor, ambos consagrados, han encontrado una fórmula perfecta donde prepondera la síntesis, logrando narrar en tres horas de película toda la vida de un hombre clave en la historia del mundo, y a la vez, radiografiar la obra contundente de un figura histórica que ha sido clave, acompañado también por un director de fotografía que hace recordar algunos cuadros de Monet.

Tal como el pintor, la película no pretende  ser una narración sino repasar una serie de grandes momentos de la historia, tratando de encontrar y retratar la vida de Napoleón. Se trata de una buena e interesante película de un director inglés siempre efectivo que entre otras, ha realizado films hoy clásicos  como Alien (1979), y Blade Runner (1982), y ha sido ganador de un Oscar  con Gladiador (2000),). Si de algo no tenemos duda es que Ridley Scott es un gran narrador, y su capacidad de síntesis es formidable.

HOJAS DE OTOÑO de Aki Kaurismaki

SENSIBILIDAD  Y SENTIMIENTO

Es un film sobre el encuentro y la sensibilidad que provoca el amor. Es también un film único, muy fuera de época, que causa una sensación extraña que nos lleva hacia el prójimo, a compartir, a ayudar al otro, dejándonos satisfechos y contentos, provocándonos ser, esencialmente, mejores personas.

La película es el simple encuentro de dos “perdedores”, un hombre y una mujer, dos soledades que terminan uniéndose para encontrar el amor. La acción transcurre en Helsinski.  Ella se llama Ansa. Es soltera y vive en ese lugar. Trabaja por horas durante las noches en un supermercado donde abastece estanterías de mercaderías. Como su sueldo no alcanza, también separa basura recuperando plástico reciclable. El tema es toda una alusión sobre la posibilidad de reciclarse, es decir, de volver a tener una segunda oportunidad. El tema alude a la recuperación de una vida después de una profunda caída, de un desencanto.

La narración comienza una noche, cuando casualmente, una mujer se encuentra con un hombre. Su nombre es Holapa. Él es bueno y solitario, un trabajador que sufre un vicio. Es un alcohólico que bebe para olvidar penas.

Ansa y Holapa se conocerán y comenzaran a salir juntos. Con el tiempo construirán una pareja desbalanceada por el vicio que en manos de Kaurismaki se torna una epopeya existencialista sobre la vida de dos fracasados.

El director finlandés se inspira en el cine del americano Jim Jarrmusch, uno de los más cabales constructores de films independientes, un hombre joven alejado de los estudios de Hollywood que comienza a destacarse en 1984 con una película iniciática llamada “Extraños en el Paraíso”.  Esta obra contenia enormes influencias del neorrealismo italiano, pero sobre todo de aquellos directores japoneses, como Imamura, Ozu, y Mizoguchi.

Con un tono realista e intimista, el film desarrolla la historia de una pareja donde ella es un ser no dispuesto a claudicar que encuentra en él alguien que está dispuesto a  rehabilitarse. Kaurismaki es lo suficientemente inteligente para dejar abierta una puerta creíble que deje paso al menos a la ilusión de que su protagonista puede tener rescate.

Armada como un pequeño rompecabezas, cuadro tras cuadro, la obra adquiere continuidad y el director finlandés sale airoso creando escena por escena, y movimiento tras movimiento, utilizando inteligentemente primeros planos que exigen toda una actuación de sus dos actores principales, apoyado en excelentes diálogos.

La película atrapa no solo por la inmensa actuación de sus dos actores principales (Aisea Poysti y Jussi Vatanen), sino también por la estupenda puesta en escena que realiza su director, quien mantiene el equilibrio de la historia de sus personajes dejando ver el marco de  pesadilla que conllevan las adiciones.

Hay pocas películas en cartel, pero sin lugar a dudas esta obra es merecedora de ver por derecho propio. Se trata de una gran realización finlandesa realizada con un profundo trabajo de montaje que se emparenta en lo  conceptual con otra película similar vista un mes atrás dirigida por la directora turca Ayse Polat, ambas construidas de la misma manera, donde un montaje minimalista genera un efecto de encierro que, en  este caso, dispara no solo una historia de amor sino una estructura de cine moderno y a la vez austero, creando una atmosfera de intimidad.

LO QUE NO VEMOS de Ayse Polat

SIN SALIDA

El film transcurre durante la cuestión turca en el Kurdistán, región del Asia Menor, que históricamente ha sido poblada por el pueblo kurdo. Actualmente, su territorio se encuentra repartido en cuatro estados: Turquía, Irak, Irán y Siria, y un pequeño enclave en Armenia.

Se trata de un film de carácter político que se concentra en una cuestión familiar, centralizando su accionar  en un punto de apoyo es una situación de encierro, paradójicamente dentro de una casa de una familia en medio del campo, acercándose al tradicional cine de terror, pero mucho más estilizado, dado que pone más énfasis en el suspenso que en el género..

El desarrollo de la trama comienza con un grupo de cineastas que están o una filmando un documental sobre aspectos de aquella zona, pero rápidamente, el film se transforma en una obra de carácter intimista donde la situación política y sobretodo la situación de miedo que genera, por la incertidumbre sobre lo que puede pasar, dominada tanto por la situación familiar como por  la incertidumbre tanto en lo político como en lo social.

Melek, una niña turca de 7 años, es hija de Zafer, un hombre joven que milita en una agrupación de carácter terrorista que lo coloca en una difícil encrucijada. El hombre se verá obligado a optar entre su pertenencia a la organización política  o su familia.

Consecuencia de ello, el film se transforma en una especie de obra de terror sofisticada, con una puesta moderna, donde prevalece el encierro, el de toda una familia en una situación límite, que necesita salvar sus vidas.

Dicho encierro lleva al film a un desarrollo de tipo intimista que el director maneja magistralmente desde la sala de montaje, cortando pieza por pieza, armando un rompecabezas que da profundidad a una obra gobernada por el miedo y la represalia ante la inseguridad que presenta la situación. El miedo lleva al encierro, y el encierro conduce a la alucinación y el terror.

Filmado en un set cerrado y oscuro de pequeña dimensión, cosa que dispara lo claustrofóbico, el film se transforma de una épica patriótica a otro género muy distinto, el de terror. La familia queda sola y aislada de sus vecinos, y solo ellos sabrán cómo salir de la situación.

El film resulta una de las mayores sorpresas de la temporada cinematográfica, generando, si bien un cine de género, por otro lado con una temática muy actual e interesante, pero sobre todo, con una puesta en escena que destaca especialmente por el equilibrio logrado en la sala de montaje, lo cual transforma a la película en una pequeña obra maestra de terror, aunque el terror no este en el acoso personal sino en la situación político y social a la que alude pero nunca muestra.

HIPNOSIS, ARMA INVISIBLE de Robert Rodríguez

UN BOND ARRODRIGUEZADO

Ben Affleck, en una actuación muy sólida que carga con todo el peso de la película, interpreta a un policía que es atacado mediante el secuestro de una de sus hijas. La trama, de por si complicada, se va desvaneciendo a medida que avanza. Con el propósito de recuperar la niña, el policía se sumerge en un mundo de conspiraciones mientras la película cae inexorablemente hacia la nada.

 A partir de lo narrado, aparecen otros temas: la realidad virtual, la tecnología, la lucha del poder, la capacidad de controlar al individuo, la existencia de mundos paralelos, lo cual conduce al film hacia un divague que termina por despistar al espectador.  

No hay duda que Rodríguez es un gran admirador del maestro Alfred Hithcock. Por otra parte, como autor, no se priva de nada y se da todos los gustos. En este caso, asume diferentes roles: dirige, produce, escribe, fotografía y edita su film. No obstante, queda en deuda con el público. Necesita ordenar el material que maneja.

Inspirado por el maestro del suspenso, el director desarrolla un thriller de características imprevisibles. Danny Rourke, protagonizado por Ben Affleck, es un detective que ha perdido el equilibrio emocional, afectado por la desaparición de su hija. Trata de superar el mal momento mientras investiga una serie de robos bancarios encontrando una pista que podría conectar ambos casos.

El film resulta una mezcla de drama con ciencia ficción que sumerge a su protagonista en una investigación que resulta un laberinto tornando al film confuso y de difícil seguimiento. No obstante, la cosa se complica más cuando nuestro héroe acude a una psíquica.

Allí la película pega un giro y el protagonista principal comienza a ser perseguido por un policía, el cual podría poseer la clave para encontrar a la niña. Consecuencia de ello, se sumerge en su subconsciente terminando en un estado de alteración, donde el cielo y el piso se espejan, dando al protagonista la posibilidad de cambiar la realidad, borrar los malos recuerdos y alterar la historia.  

Se trata de una fantasía que intenta ser real. En consecuencia, termina abrumando y perdiendo el interés que a priori despertaba. Y su mayor desequilibrio queda en la necesidad de explicar una historia sencilla  complicada innecesariamente.

A esta altura del relato, el film ya se ha disparado como una luz de bengala. De todas maneras, entretiene, está bien actuado y fotografiado, pero su transcurrir resulta confuso, sin ninguna necesidad de serlo. Es decir, tiene fallas narrativas que podrían haber sido subsanadas simplemente explicando mejor la presentación de los personajes principales. 

No obstante, entretiene, y si quedan dudas sobre su final, el personaje de la “hipnótica”, se encarga de explicitarle a Danny y a los espectadores, lo necesario para que nadie quede con dudas al respecto.

PUAN de Mará Alché y Benjamín Naishtat

 NUESTRA FORMA DE SER

Todo el film gira en torno a dos personajes que intentan ser una síntesis del argentino promedio. Esa duplicidad lleva a pintar la comarca a través de ellos.  El principal protagonista es Marcelo. Su contraparte es Rafael.

Marcelo, interpretado por Marcelo Subiotto, es un profesor de filosofía. Bordea los 40 años, y comienza a mostrar la decepción de un hombre carente de expectativas. Está felizmente casado, tiene dos hijos, y desarrolla una vida abúlica en la Facultad de Filosofía de la UBA, donde enseña esa materia, cuando queda vacante la catedra por fallecimiento del titular.

Su contraparte es Rafael Sujarchuck (Leonardo Sbaraglia), el típico acomodaticio que siempre está de vuelta, y lo sabe todo. Es amigo de Marcelo, han sido compañeros de facultad durante su juventud, y mantienen una amistad de casi toda la vida. Repentinamente, muere el titular de la catedra, y ambos amigos aspiraran la sustitución del cargo.

El film es una pintura muy acertada de dos argentinos típicos. Una pareja despareja, como tantas otras que ha  surcado la historia del cine, que termina siendo representativa de una divisoria del ser nacional. Sutilmente, desarrolla la idea de que la hermandad nacional está condicionada a los intereses particulares, y que “el vivo vive del sonso, y el sonso de su trabajo”.

Marcelo y Rafael son amigos pero son diferentes. Uno es entrador, canchero, extrovertido. El otro es apocado, ensimismado, dudoso. La película muestra esa dualidad desarrollando la idea que el más hábil y desenvuelto deja atrás al apocado, al ensimismado, dejando una idea de que la argentinidad premia al más hábil sobre el más preparado.

Ambos personajes son graduados en filosofía, pero son dos personalidades diametralmente opuestas. Marcelo es un padre de familia, felizmente casado, con dos hijos adolescentes. Un ser introvertido, que vive para su familia y el  trabajo. Su contraparte, Rafael, permanece soltero, es una especie de buscavidas, siempre rodeado de gente joven donde destaca sus habilidades de sociabilidad. Tiene espíritu de liderazgo.

El film describe ambos personajes logrando profundidad y sutileza, dejando que el espectador  saque sus propias conclusiones sobre dos formas de ser opuestas que conforman en gran parte el ser nacional, dando la posibilidad de explicar ciertas dicotomías que hacen que el más preparado y responsable quede atrás respecto del versero y charlatán. Una característica muy argentina, y sobretodo, porteña. El clásico nacido y criado en Buenos Aires.

En síntesis, el film resulta en una gran película sobre la argentinidad, interesante, siempre amena y divertida que pinta en forma muy concreta, real, a dos personajes contrapuestos cuyos aspectos de comportamiento conforman lo que podríamos llamar “el ser nacional”, narrado con un adecuado ritmo cinematográfico y dos grandes actuaciones que nos llevan a pasar un momento de cine muy bien logrado y agradable.

LOS ASESINOS DE LA LUNA de Martin Scorsese

 

LO QUE EL OESTE SE LLEVÓ

En 1969, mientras se desarrollaba el Festival de  Cine de Mar del Plata, tuve por primera vez la oportunidad de ver una película que me hizo pensar que algo diferente estaba ocurriendo en el cine, fuera de los modelos clásicos. Ese cambio ocurrió, fue capaz de modificar al cine que conocíamos hasta ese momento, y transformarlo en algo diferente, en otro modelo, menos apegado a las narrativas convencionales orientado por el puro gusto de remover, investigar y re orientar la forma de contar.

La película era Easy Ryder, una “road movie”, rebautizada en Argentina como “Busco Mi Destino”, un film realizado por un joven y desconocido guionista y director llamado Dennis Hooper, acompañado por un actor que se volvería estrella: Jack Nickolson. Una nueva camada de jóvenes directores que surgió después terminó por hacer el cambio, y Hollywood no solo rejuveneció el séptimo arte, sino tal vez, lo hizo renacer.

Unos años más tarde, entre esa camada de jóvenes directores, aparecería la figura de un nuevo director que abrevaba en aquella cultura. Esa persona era Martin Scorsese, un director nacido y criado en la ciudad de Nueva York, considerada por antonomasia como una meca de la televisión, pero sobretodo, vive intensamente el arte. Este trio, de jóvenes cambiará definitivamente la forma de hacer cine, y este último nombre no solo se volvería famoso, sino también un autor de culto.

El director neoyorquino lidera un cine de autor totalmente alejado de los grandes estudios pero siempre bien relacionado con Hollywood. Es la anti estrella, y es capaz de hacer un cine único y personal, violento y preciso, cálido y frio a la vez, generando una obra que con el tiempo resulta una crónica del devenir del siglo XX.  

En Los Asesinos de la Luna, se toma tres horas y media para contar un momento de la vida de un hombre  donde la historia de la conquista del oeste americano se cruza con la vida del sobrino de un rico hacendado de Arkansas. El pasado y el presente. Antes fue la búsqueda del oro negro: el carbón. Años más tarde será la hora del oro. Tío querrá convencer a sobrino. Intentará convencerlo e interesarlo en la toma de tierras Mapuches que están pobladas y explotadas agropecuariamente por las comunidades indígenas, y pero sobretodo, sobre un colchón de oro negro: Petróleo.

El nuevo tiempo no piensa en la explotación agropecuaria, en el cultivo de la tierra, sino en lo que vendrá: el latifundio a expensas del aniquilamiento de las tribus aborígenes históricamente asentados en el lugar, y  en pos de apropiarse de tierras que más tarde, resultarían en riquísimos pozos petroleros.

La inteligencia de un guion perfecto nos lleva a la reflexión de una época, a una cruzada mercenaria carente de toda humanidad en pos del enriquecimiento a cualquier precio, donde no importan los límites morales ni sus consecuencias. La capacidad de Scorsese, su infinita inteligencia cinematográfica, nos lleva a pensar y reflexionar sobre nuestro pasado y las consecuencias del presente, transformando al film  en una propuesta inagotable a través de un guion muy bien escrito, materializado en una  puesta en escena precisa, de características cinematográficas, donde el montaje juega un rol primordial.

Los Asesinos de la Luna es todo un ejemplo de una realización eminentemente cinematográfica, aquella que se manifiesta más por sus imágenes que por sus diálogos, con una labor prodigiosa de montaje cuya precisión nos hace pensar que la magia del cine vuelve a brillar.

EL JUSTICIERO de Antoine Fuqua

TERCERA PARTE

Holywood ha aprendido, desde la creación misma del cine, que a un éxito se le debe sacar el jugo. En este caso, la dupla ganadora es Denzel Washington / Antoine Fuquea, actor y  director respectivamente, quienes supieron ver el simple negocio de crear un justiciero de los tiempos actuales y sacar de ellos historias convencionales, casi siempre atrapantes.

A diferencia de las anteriores, esta es una de pura acción. No para nunca. Nuestro justiciero se ha trasladado a Italia, donde parece haberse afincado, encontrado un lugar en el mundo, y retirado deseando tener una vida tranquila. No obstante, observando a su alrededor percibe que la injusticia está presente, donde pequeñas mafias locales se aprovechan de la gente.

El hombre no aguanta mucho la injusticia, y en la primera de cambio, y de acuerdo con su carácter, se da cuenta que no tiene más remedio que meterse en el medio, es decir, hacer justicia por mano propia. La violencia callejera de en un pequeño pueblo italiano del sur de Italia lo activa, le impide descansar y disfrutar de sus merecidas vacaciones.

El americano solitario es un viejo lobo que, además, y como la justicia no existe, el hombre pasa directamente a la acción. Busca su pistola, la enfunda y se transforma en “el justiciero”. Es un hombre que sabe hacer justicia por mano propia. Inexorablemente, eso lo llevara a enfrentarse con la mafia local, entrando en una vorágine de trompadas y tiros que hacen valer su propia idea de justicia logrando la paz de sus vecinos.

Podemos decir que la sociedad está plagada de injusticias. También que la supuesta justicia no existe, o responde a otros intereses. Pero estas disquisiciones no tienen que ver con el film cuyo propósito es solo ser un buen entretenimiento, una de acción con un personaje carismático que llena la pantalla de trompadas y tiros, hasta que el barrio recupera la paz, y contentos y felices, todos pueden volver a descansar.

Denzel Washigton es un gran actor. Con este personaje ha encontrado “la horma de su zapato” para llenar sus horas libres y poder facturar cuando tiene tiempo de sobra. No obstante, no hay duda que contribuye con su presencia a crear un personaje, un justiciero que más que impulsado por la ley parece un ser sediento de venganza, que opera y cumple sin ningún tipo de culpa ni remordimiento.

La película, obviamente, entretiene, está bien actuada, el suspenso muy logrado y las escenas de acción perfectamente coreografiadas. El barrio italiano del sur de Italia donde transcurre la acción es un pequeño paraíso en el cual, sin duda, nuestro héroe merece descansar y pasar algunas dulces noches  de sueño.

MILAGRO de Bogdan Apetri

EL CLASISIMO DEL ESTE

El cine rumano (La Noche del Señor Lazarescu, 2005, Bucares, 2006, Cuatro Meses, Dos semanas, Tres días, 2007), ha generado obras de singular importancia. El director Bogdan Apetri  contribuye a ello con su segundo film, un nuevo policial de características ortodoxas que utiliza para construir una parábola de orden moral, muy bien lograda donde sobresale un cine construido de planos de cortísima duración que conforman una cadena narrativa muy coherente siguiendo la tradición del policial ortodoxo.

La película cuenta dos historias. En la primera mitad, la de Cristina, una novicia que escapa de un convento para hacerse un chequeo médico que hace suponer un embarazo. Ella es una mujer joven y ciertamente  vulnerable. En esta parte,  el director busca describir más al personaje que a sus acciones. En la segunda mitad, va hacia lo general. Un país que formó parte del detrás de la Cortina de Hierro, y ahora  se ha se ha europeizado y comienza a mostrar las mismas características del continente que lo contiene.

Apetri parece interesarse en la despersonalización originada en la europeización del continente, la pérdida de costumbres, de la fe en la religión, de la banalización y despersonalización del individuo.

El director utiliza muchos primeros planos,  con un trabajo minucioso de montaje, tratando de retratar la vida de su principal protagonista, filmando libremente. El personaje comienza a mostrarse y aparece Cristina, quien comienza a dejar intuir que ella esconde un secreto que la conmociona y condiciona.

La película está muy bien lograda. Abreva en el cine clásico del este de Europa, narrado con claridad de conceptos, luces y sombras que destacan las acciones, y dejando cobrar vida a un personaje casi monopólico, una mujer jovencita, atractiva muy bien interpretada por la actriz rumana Iona Bugarin, que consigue interesar al espectador con una historia narrada en forma convencional pero siempre interesante por su tema, utilizando la forma del film de suspenso para narrar un acto de su vida privada reñido con las buenas costumbres y los principios morales.

Por otro lado, los aspectos técnicos del film son irreprochables. La convincente actuación de la protagonista principal, y tanto la fotografía del Oleg Mutu como del acompañamiento musical son destacables y colaboran a crear un clima de suspenso que se mantiene a lo largo del film.

El film es una pequeña joya del cine de suspenso, totalmente lograda, que se sostiene en la mano firme de un director talentoso que utiliza el montaje en forma muy expresiva, narrando una historia que adquiere la forma del suspenso para narrar un hecho intimo que le cambiará la vida.

El CONFORMISTA de Bernardo Bertolucci

A LA SOMBRA DEL FASCISMO

El conformismo es un estado mental en el cual las la personas se comportan aceptando situaciones y condiciones de vida  por el hecho de creer que no les conviene intentar un cambio. Su característica es el hombre que espera.

Clerici, el protagonista de esta película interpretado por el francés Jean Luis Trintignang, es un hombre que arrastra un trauma desde su infancia. Es profesor de filosofía, y está por casarse. Vive en Paris a fines de los años ´30. Sus ideas son fascistas y está a punto de cometer un atentado.

La película, rodada en 1970 por el director italiano Bernardo Bertolucci, es un re estreno basado en la obra literaria de Alberto Moravia que pinta un hombre común que comete un asesinato para poder integrarse a una sociedad que está a punto de hacer estallar una guerra. También tiene que ver con un episodio traumático de la infancia del personaje, un asesinato a traición en un bosque durante su infancia, en un bosque, filmado con gran destreza por el realizador italiano. 

Ese hombre es Marcello Clerici que tempranamente se une al partido fascista con el propósito de ser uno más y para demostrar su pertenencia, decide asesinar a una persona. Nunca se sabrá por qué, pero cabe suponer que de esa manera se transforma en uno más, capaz de matar sin motivo por el solo hecho de pertenecer. Un signo cruel totalmente vacío. Para ello, años antes se había unido al partido fascista de Italia. El film es una cruel parábola sobre el hombre masa y una época de extravismo.

El film opera como una metáfora de la integración, lo cual hace prevalecer la pertenencia sobre la integridad del individuo. Debemos recordar que la acción transcurre en Paris en 1938, y que durante eso años se gesta la toma de Paris por las fuerzas alemanas, lo cual da origen a una matanza superior como es el comienzo de una guerra.

La película se transforma en una gran metáfora sobre el tiempo y la época. Las dos guerras mundiales sufridas entre 1915/17 y la segunda guerra mundial (1939/45), provocan una época de violentas interferencias que incluyen la gran depresión de los años ´30 en Estados Unidos, época donde pareciera que la criatura humana no haya sido respetada o careciera de valor.  Los crímenes de guerra se volvieron moneda corriente, el respeto por la persona se minimizó.

El personaje de Jean-Louis Trintignant  personaliza a un siniestro personaje capaz de pasar desapercibido y a su vez, tener la maldad de matar impunemente y sin remordimiento alguno, tan solo porque alguien le ha dado esa orden, transformado en una máquina que responde al designo de un momento o una época donde el valor de la persona humana fue menospreciado.

La película se basa en un hecho real, inspirado primero en la novela de Alberto Moravia que a su vez recrea  un momento acaecido durante la juventud del escritor, quien describe el accionar de un cobarde y acomodaticio, que se enrola tempranamente en el fascismo y mata por encargo a un intelectual marxista, transformando la obra en una gran denuncia contra los horrores del pensamiento diferente y la devastación cultural europea generada en el periodo entre las guerras, dando a la vida un valor insignificante.

La revisión del film a casi 53 años de su estreno en medio de una cartelera  bastante anémica de buenas películas, es un hecho de festejo toda vez que es presentado en una copia nueva en la cual resaltan las virtudes cinematográficas del gran maestro Vittorio Storaro, quien tuvo la responsabilidad de fotografiar el film. Además, en la película, también brillan las actuaciones de Dominique Sanda y Stefania Sandrelli, quienes más tarde se trasformaron en dos actrices significativas de aquel cine.

EXTRAÑA FORMA DE VIDA de Pedro Almodóvar

DOS POR UNO

Almodóvar no descansa. Siempre tiene algo interesante que decir, y además suele decirlo de diferentes maneras. Su nuevo film está constituido de dos partes. La primera, es un mediometraje de unos 30 minutos. Un western clásico lleno de pasiones, determinado por la homosexualidad. El segundo, una conferencia del director que comenta cómo y porqué realizó la película.

Su cine siempre logra atrapar y entretener. Pone de su lado al espectador más desprevenido. El cortometraje inicial relata la historia de dos bandoleros durante la época de la conquista del oeste americano que tienen en común ser una pareja de homosexuales.

El film, como es habitual en el director español, plantea una tragedia familiar, que lleva a la controversia sobre un género que siempre ha hecho gala del machismo, sobre todo, porque todas las historias que transitaron el western americano siempre imprimieron la idea de que el camino hacia el oeste había sido un esfuerzo de hombres y mujeres que  eran empujadas por una idea poblacional, ello es familia enteras, que cruzaban con caravanas hacia el oeste , pretendiendo llegar a una tierra inhóspita que les permitiría alcanzar sus metas individuales de manera colectiva. Es decir, construir pueblos donde cada uno de sus habitantes pudiera desarrollar su vida y alcanzar sus objetivos.

Bajo esta esta idea paragua, el director español decide narrar una pequeña historia 30 minutos, de aquella gran cruzada hacia el oeste a través de la historia de dos hombres, homosexuales, que se han amado durante años, pero se han separado siguiendo distintos rumbos.

La segunda parte es un poco más larga y desarrolla la idea del propio Almodóvar de comentar lo que ha querido expresar. Podríamos decir que se trata de un análisis riguroso de su propia obra donde el autor y director del film explica cómo lo hizo y porqué, lo cual, termina siendo una clase de análisis de una obra que va más allá de lo meramente cinematográfico, volviéndose clase magistral de cómo mirar cine.

Es muy posible que el público en general se haya sentido sorprendido  por el carácter de la película, pero todo aquel amante del cine, encuentra  no solo una obra interesante sino también un análisis magistral de lo que hizo, un auto análisis que lleva a comprender mejor sus intenciones como realizador.

Cada escena, cada movimiento de cámara, cada corte, la dirección de los actores, es analizada por el propio director de la película con un espíritu constructivo. La película no solo entretiene sino que se eleva a una altura tal  que la ubica entre sus obras más meritorias y personales.