SIEMPRE JUNTOS de Tony Woldwing

TODO PARA SER FAMILIA

Esta nueva comedia americana, estelarizada por Bobby Cannavale y Robert De Niro en los principales papeles, nos cuenta la historia de una familia disfuncional a toda carrera, sin dar respiro, logrando salir adelante describiendo y contando un día de un divorciado que vive solo, lejos de su familia, en la ciudad de Nueva York.

Max Bernal está separado de su mujer, intenta criar un hijo autista, a la vez que da lugar y acoge a su propio padre transformando ese ámbito en una familia numerosa, que da lugar a la entrada y salida de todo tipo de gente.

El director muestra una extraordinaria destreza narrativa donde destaca tanto la puesta en escena como la actuación de sus principales intérpretes. Uno de sus objetivos es lograr airear su película. Otro, el más importante, narrar un día de una familia unida por los afectos.

Max es un comediante de stand up que está a punto de dar un gran salto profesional cuando le estallan conflictos de comportamiento escolar de su hijo Ezra, un joven que padece autismo y es expulsado de su escuela, con un pedido que sea transferido a un colegio especializado.

Su mujer se ha ido de la casa harta de los problemas familiares.   Ella ha abandonado a su marido junto a su hijo, y como colmo de males, también se hace cargo de su padre (De Niro), un hombre mayor que no tiene donde ir a vivir.

El mérito mayor de Woldwing es sacar del encierro a sus personajes y desarrollarlos en un ámbito aireado que da lugar a una comedia dramática que de a poco se va transformando en comedia pura.

Si como vivir en Nueva York no fuera complicado, el protagonista es invitado a participar como actor de cine en una película de Hollywood, lo cual le permite trabajar en su profesión, ganar unos dólares, y  llevar a su hijo de vacaciones a la costa oeste, lo cual, profundiza el conflicto familiar.

Lo notable de este guionista y director americano es que nunca pierde el equilibrio, logrando que la película entretenga con buenas artes sin manteniendo en todo momento su equilibrio narrativo.

Iniciada como comedia, por momentos se transforma en road movie, sin perder el hilo principal de su argumento, ni el aspecto emocional, donde brilla la perseverancia y la voluntad del protagonista que siempre tiene la virtud de seguir hacia delante señalando un camino que no es otro que el de asumir la responsabilidad de la crianza de un hijo. Ezra no acepta que la madre del niño autista lo mande a un colegio para chicos con problemas. Al mismo tiempo realiza una crítica al Estado que se entromete demasiado en su vida familiar.

La película destaca a figura paterna,  pero sobretodo, y la necesaria convivencia familiar donde madre y padre siempre están presentes cuando el niño los necesita. No obstante, el film trata de una situación donde la separación de los padres genera un conflicto por la tenencia del niño. No obstante, el film remarca que tanto madre como padre lo son siempre, cualquiera sea el estado marital que conllevan.  

El film no solo brilla por su calidad artesanal sino también por su amplitud de criterio. Bobby Cannavale sobresale por su actuación como el padre del niño, y también, por su excelente trabajo de dirección, tanto de actores como de la película toda.

EL MAL NO EXISTE de Ryusuke Hamaguhi

SIMPLE Y CONCRETA

Esta película japonesa que viene precedida de buenos elogios es una obra simple pero contundente en defensa de los recursos naturales y sobre todo un llamado de atención respecto de la necesidad de ocuparse del medio ambiente, tratando de impedir toda impronta innecesaria  que implique una acción humana que atente contra ello.

La acción transcurre en un parque natural cercano a Tokio. Allí la vida natural se lleva a cabo todos los días respetando el equilibrio  entre la vida humana y las acciones de las personas que lo habitan en ese espacio. Llevan una vida simple, se nutren del agua de una cascada, crían sus animales, respetan sus tiempos de reproducción, sus horarios se rigen por la luz solar.

De pronto, una empresa turística, alquila unas tierras en ese mismo lugar con el propósito de generar campings  vacacionales, lo cual, de la noche a la mañana la vida de los aldeanos que viven en ese lugar se verá alterada como consecuencia de la invasión turística que con otras formas de vida, cambiaran la vida de ese lugar,

Obviamente, estamos ante una película cuya actitud está lejos de anteponer los intereses pecuniarios  sobre los naturales. El film tiene un espíritu constructivo, acorde con la idiosincrasia de un pueblo que ha vivenciado las consecuencias de un ataque nuclear, y por lo tanto, su forma de ser resulta siempre positiva.

Para nuestro punto de vista, el film parece algo ingenuo pero claramente nos deja una idea donde el positivismo siempre opera hacia delante y en consecuencia la posibilidad de logros se acrecienta. El film es claro, directo, y no tiene el menor atisbo de provocar discusión.

Su discurso se sintetiza en un “manos a las obras” que sin lugar a dudas manifiesta la actitud de un pueblo que más allá de los intereses personales tiene la capacidad de apreciar la convivencia sobre los intereses propios y personales. No necesita la masificación ni la protesta. No hay en la película un espíritu confrontativo. Tienen muy en claro que el bien común los beneficia a todos. 

Hablado en japonés y filmada color, con actores  y director desconocidos, el film es una pequeña obra de arte que con un argumento muy simple, y un grupo de actores desconocidos, nos deja pensando, ya no en la película sino más bien en nuestro propio futuro como sociedad y sobre todo, nuestro propio devenir. La película se destaca en los pequeños detalles, donde sale a la luz el eterno conflicto entre extender la ciudad o mantener lo que se tiene. La vieja dicotomía entre tradición y progreso.

LA INMENSIDAD de Emanuele Crialese

CUADRO FAMILIAR

La película transcurre en los primeros años de los 70 y se concentra en dos aspectos: la situación económica del país (Italia) y la crianza de los hijos. Interpretada por Penélope Cruz, en un papel más que consagratorio, asume, poniéndose literalmente la película al hombro, y transformando al film en un retrato de una madre de 3 hijos relativamente pequeños en un momento de cambio en la sociedad, donde la mujer comienza a tener nuevas responsabilidades  al tener la posibilidad de participar abiertamente en el campo laboral y acceso profesional, y no solo participar de la crianza de los niños.

El film es una obra de cámara de características teatrales que prácticamente transcurre  en el living de una casa romana donde en un fin de semana se encuentra la familia toda  reunida donde la propia realización personal de ejercer una profesión comienza a equilibrar el campo laboral permitiendo a la mujer no solo encontrar nuevos trabajos sino fundamentalmente, participar en el campo profesional.

El trabajo del director Crialese , que por otra parte logra su objetivo, es desatar esa obra teatral que tiene entre manos, transformándola en una obra cinematográfica. Obviamente consigue lo que desea con buenas  artes y mejores intenciones, logrando una película cerrada que transcurre en su mayor marte dentro de un departamento donde el director maneja a sus actores con  comodidad dejando que los interpretes vuelquen  todo su talento en dos actuaciones memorables.

Vale la pena recalcar que la obra transcurre en un momento de cambio social en el mundo, donde transcurrida la segunda guerra mundial y el periodo de posguerra, llegamos a principios de los 70, donde la liberación de la mujer se transforma en un hecho que da lugar que da lugar a su participación  en el campo laboral en igualdad de derechos.

Penelope Cruz, en una actuación sobresaliente, es quien se lleva la mayor parte del mérito.   Ella luce en el papel de Clara por la espontaneidad que fluye de su actuación haciendo que brille no solo ella sino también luzca la de los niños que la acompañan con una naturalidad extraordinaria.

Ana, su personaje es el de una mujer joven que no solo se conforma con educar a sus cinco hijos, sino también está dispuesta a colaborar y competir en el campo de trabajo, con el objetivo no solo de salir adelante sino asumiendo sus dos roles, el de madre y el de una abogada profesional.

Vincenzo Amato acompaña a esta excelente actriz española, en el rol de su marido, dejando en claro  que ante si hay un matrimonio que ha entrado en una crisis que va más allá de los problemas de una familia numerosa.  A su lado, lucen también Luana Giuliani como la hija mayor, quien en forma incipiente  expresa rasgos de homosexualidad, lo cual condiciona su aceptación familiar en un marco de familia numerosa, formal y religiosa.

El film no solo está bien actuado, sino también lucen los trabajos de cámara, desarrollados siempre en espacios pequeños  y encerrados, tanto como la música que acompaña, como también el trabajo de cámaras como luces, toda vez que la mayor parte de  la película transcurre en un ambiente cerrado.

Los cambios sociales que comienzan a experimentar los personajes es mostrada a través de la convencionalidad social donde la pérdida del orden familiar se manifiesta en la abierta posición de la hija mayor que busca desprenderse de los preceptos familiares y poder asumir su homosexualidad.

El resultado final es ampliamente satisfactorio, y por lo tanto, recomiendo esta película por el interés humano que despierta. Se trata tanto del comportamiento de una familia sometida a un cambio de época donde la liberación de la mujer juega un papel fundamental en el grado de aceptación tanto en lo laboral como en las nuevas condiciones laborales que vendrían.

CAMINOS CRUZADOS de Levan Akim

 

La Soledad y la Gran Ciudad

Básicamente, se trata de una “road movie” que se camina todo Estambul y se transforma no solo en el escenario de la acciones de sus protagonistas sino también en el escenario de una obra sobre la soledad y el desencuentro en las grandes ciudades.

Una maestra viaja a la capital de Turquía con el propósito de encontrar a su sobrina. La trama gira en torno de un encuentro de personas en medio de una enorme ciudad. Ella conoce muy poco de esa ciudad y se encuentra algo perdida, pero su objetivo no solo es encontrar a su familia sino también encontrarse a sí misma en esa gran urbe.

La película plantea una cuestión de soledad como también la dificultad para generar vínculos tanto familiares como de amistad en las grandes urbes. La maestra vive sola y sale en busca de una sobrina que a la postre resulta una muchacha transexual. Mientras la busca, encuentra simplemente el acompañamiento de un muchacho (Achi) que vive en la calle que le ofrece hacerle de guía.

El film se transforma en una alegoría sobre la soledad. Lia, la protagonista del film, es una profesora jubilada que se ha propuesto a encontrar a Tekla, después de mucho tiempo de no estar juntas. Allí conocerá a Evrim, una abogada que lucha por los derechos de las transexuales.

La soledad en las grandes urbes es retratada mostrando las grandes distancias, la indiferencia de la gente, el caminar permanente, el desencuentro como moneda corriente transforman a la película en una fresco sobre la soledad  y el ser diferente cuya potencia narrativa es notable a pesar de que el mayor peso de la película gira en torno de una misma persona y del desencuentro permanente.

El director Levan Akin es de nacionalidad suiza y su experiencia anterior se remite tan solo a un film no visto en Buenos Aires.

EL DIVINO ZAMORA de Neri Marcore

PASAJE A LO COTIDIANO

En la línea del nuevo cine italiano, expresándose  ya sea a través del cine o la televisión, tratando de distanciarse del viejo neo realismo, y poniendo la visión en los problemas de hoy en día, esta semana tuvo lugar el estreno de Zamora, una obra amena que trata de nutrirse de la realidad.

A principio de año, Nanni Moretti trataba de despedirse el viejo cine italiano tratando de despegarse de la impronta neorrealista, ubicándose en la nueva realidad de un país ahora desarrollado donde uno de los mayores atractivos no es solo es su capacidad turística sino el futbol. Esa despedida ya es una realidad.

Se trata de una nueva comedia centrada en la vida cotidiana, donde el personaje central es un tal  Zamora, un hombre joven que se gana la vida trabajando como empleado de comercio,  como vendedor  en una zapatería. El personaje representa al italiano promedio. Un tipo de clase media al cual no le sobra nada pero que se las arregla bastante bien vendiendo zapatos..

Neri Marcore es actor, imitador y conductor televisivo y radiofónico, y ahora también director de cine, descubre un actor de un gran carisma llamado Alberto Paradosi, quien se pone la película al hombro desplegando, además, una notable versatilidad para dirigir una comedia.

El film está basado en una novela de Roberto Perrone, un escritor y periodista deportivo del Corrieri della Sera fallecido el año pasado, y protagonizado  por Walter Vismara, un joven actor italiano,  que asume el papel de un joven apasionado por el futbol que, ya pasada su adolescencia, aún permanece en la casa de sus padres.

Vismara está por perder su trabajo pero provisionalmente consigue ser trasladado a otra dependencia en Milán, donde su nuevo jefe es un fanático del futbol que organiza partidos dentro de la empresa. El joven no destaca como empleado, pero su jefe descubre que es un buen futbolista y se luce como arquero. En consecuencia, es ayudado por su propio jefe, casualmente, un ex arquero que conoce los todos los secretos del puesto.

La película es despareja porque mezcla los problemas de la vida familiar del protagonista con su vida amorosa y laboral. No obstante ello, logra mantener un equilibrio narrativo que sin llegar a profundizar en la trama, consigue interesar el entretener  con buenas artes. 

Esta película recientemente estrenada en cines, y “El Candestino”, miniserie dirigida por Rolando Ravello, programada en Netflix y protagonizada por Edoardo Leo, un actor de excelencia, ambas actualmente en  sus respectivas carteleras, colocan a la cinematografía italiana en un lugar de privilegio  entre los estrenos de cine y de Netflix, respectivamente.

LA MATRIARCA de Mathew J. Saville

 REENCUENTRO FAMILIAR

La matriarca es un film de personaje, donde brilla la gran actuación de una actriz inglesa llamada Charlotte Rampling, en una actuación sobresaliente de características más teatrales que cinematográficas, escrita y dirigida por Matthew J. Saville, quien desarrolla el encuentro entre un joven adolescente y su abuela, la cual siente que está cerca de su muerte.

Este film, producido en Nueva Zelanda, desarrolla un relato clásico de encuentro personal donde abuela y nieto perciben que ha llegado la hora de comunicarse, lo cual es mucho más que eso,  implica  comenzar a conocerse, disfrutar de la compañía del otro, y estar lo más cerca posible de ese ser que todavía no hemos terminado de conocer.

En este caso, se presenta como un sentimiento reciproco. Ambos perciben el momento. Uno porque sabe que pronto llegará el momento de su muerte. El otro, porque todavía apenas ha llegado a la adolescencia y no ha conocido a su abuela ni aprendido a disfrutar de la sabiduría  de esa mujer anciana.

La actuación de Rampling es excelente, una actriz que no requiere presentación  dado que su debut en el cine lo realizó de la mano de directores tales como Luchino Visconti Y Liliana Cavani en La caída de los dioses (1969), y, Portero de noche (1974), respectivamente. En su reciente actuación se muestra tan sencilla como sabia. Sabe que el público va a disfrutar de su actuación, y ella cumple con ese mandato dando vida a una mujer anciana en silla de ruedas pero de mucho carácter y consiente que lo que más le importa en este momento de su vida, es encontrar el amor de su nieto, un adolescente que se encuentra en el  otro extremo, el del despertar de la vida.

Ella ha viajado a Nueva Zelanda para pasar un tiempo junto a su hijo, con quien tiene una relación familiar lejana, y un nieto de 18 años que no conoce. En este último personaje, la Rampling encuentra su contrapeso que da comienzo a un film que se concentra en la lejanía de las relaciones familiares.

El director Mathew Saville sabe que tiene un buen guion y una pareja de actores muy sólidos. En consecuencia, deja que actúen y registra esa actuación para consolidar el material que más tarde, en la sala de montaje, le dará sentido final  a toda la obra.

El resultado es notable, conciso, coherente. Logra unir dos puntas de la vida con sabiduría,  actuando con espontaneidad  y logrando que ese joven y esa mujer (nieto y abuela) se encuentren en un momento crucial e inolvidable de sus vídas 

Ya hemos hablado de las actuaciones. Otro logro puntual es la calidad de la fotografía en manos del francés  Robin Galliegue. Acierta en el despliegue de primeros planos, combinando  con la repetición de planos generales de la campiña neozelandesa, buscando airear ese círculo cerrado que es un estado de situación familiar complicado, que  tratan de generar un rencuentro familiar que ponga las cosas en su lugar,  dentro de un clima de unión.

Ópera de cámara a campo abierto, pinta personajes y situaciones con honestidad, dejando de lado el golpe bajo y queriendo unir las puntas que permitan una ansiada reconciliación familiar.

LA OTRA CARA DE LA LUNA de Greg Berlanti

ILUSIÓN, FANTASIA Y REALIDAD

¡Bienvenida la comedia!  Pasados los cuestionamientos sobre el tema, y aceptando que el hombre llegó realmente a la luna, algo que vi con mis propios ojos de un adolescente de 13 años, fue no solo una inmensa aventura sino también una de las mayores proezas realizadas por el hombre como fue el llegar a la lunar  y lograr pisarla.

Discusiones aparte, el film funciona como lo que es, una típica comedia americana que no tiene otras pretensiones más que entretener y hacer pasar un  buen momento. En ese aspecto, la película sale airosa. Es un film lleno de luces, lujoso donde ronda el amor y, además,  triunfa,  

No obstante, hace ya más de 50 años que el hombre piso la luna y todavía permanece vigente la creencia que lo que se vio por televisión, en  aquel momento, y en vivo y en directo fue parte de una mentira orquestada por el propio gobierno norteamericano en su carrera armamentista contra la vieja Unión Soviética.

Dejando atrás esa duda existencial que juega como fondo, esta lucida comedia estelarizada por Scarlett Johansson en el rol de Kelly, una experta en marketing y Channing Tatum como un ex piloto de la armada, conforman una pareja simpática que si bien no dejara huellas en la industria del cine, podría decirse que representan una tímida propuesta de una tipo de comedia romántica que de tanto en tanto reaparece con bríos renovadores, aunque claramente este trabajo no es el caso.

No obstante, la película funciona como tal, una como comedia que solo tiene la pretensión de hacer pasar un buen momento en el cine, y más allá de eso, complementarlo con una salida a cenar. Por otra parte, en lo político, tanto los Estados Unidos como Rusia, han abandonado sus pretensiones de superioridad aérea, y en consecuencia, el debate antes mencionado solo responde a un simple marco histórico, en gran parte superado,  que en estos tiempos, interesa poco.

De todas maneras, la película, como historia de amor, pero sobretodo como comedia costumbrista, funciona correctamente, y aunque si bien no brilla en ningún momento, permite pasar un rato relajadamente con buen ritmo de comedia y claro objetivo de entretenimiento.

La película rescata la comedia en una cartelera totalmente amnésica al respecto. Hoy no hay muchas comedias en cartel y menos aún, películas que estén marcando una época como ocurrió años atrás, con obras que dejaron un recuerdo actores o parejas que de por si le daban identidad al género. Hoy en día, incluso, sobre todo los canales de cable, suelen reponer estas películas, aunque muy pocas veces podemos disfrutar de este rubro.

En ese sentido, sea bienvenido este film amable y romántico que sobre todas las cosas, trata de recuperar un género que pareciera estar desaparecido, pero que aún sigue vigente.

HIT MAN de Richard Linklater

VICTIMAS DE UN ENGAÑO

Este film norteamericano  ha sido aclamado en festivales internacionales y también ponderado por la crítica internacional. No obstante, no es una obra fácil de ver. Requiere del espectador  una enorme concentración, dado que  su columna vertebral es una búsqueda que siempre  termina en un mismo lugar, lo cual, por un lado genera una repetición de escenas que, por otra parte, la narración se vuelve reiterativa, haciendo perder interés en el mecanismo narrativo. Dicho mecanismo de repetición, una y otra vez deja una sensación de hartazgo, aunque intelectualmente, el mecanismo responde a un clásico “happy end”.

Se trata de una comedia de acción, basado en un artículo sobre un crimen verdadero. No obstante, no se elige contar un policial convencional, sino mezclar dicho género con comedia, lo cual genera una comedia policial, más acentuada en lo primero que en lo segundo.

La trama encuentra a Gary Johnson como un profesor de filosofía divorciado que da clases en un colegio de Nueva Orleans, un solitario, cuyo interés está puesto en la tecnología. Vive acompañado de dos gatos, y le gustan los pájaros. Trabaja “part time” en la policía local.

El resultado es una comedia policial gris, basada parcialmente en hechos reales,  que sigue la vida de un profesor que en su  tiempo libre colabora con la policía haciéndose pasar por un sicario. En su camino se cruza una mujer que pretende abandonar a su esposo.

El realizador ha dicho: "Hacer  películas me sirve para procesar el mundo en que vivo. Es la manera que tiene mi cerebro de analizar las cosas y, en cierto modo, me he obsesionado con eso. Creo que tienes que ser un poco “freak” para hacer películas. El cine es un medio muy poderoso para explicar historias". 

El personaje de Powell habla con sus alumnos sobre Nietzsche y Freud y los invita a tomar riesgos en sus vidas, como, en cierto modo, él lo está haciendo con la suya.

El resultado es una comedia que aspira llegar muy lejos pero se diluye en sus aspectos narrativos perdiendo la capacidad de transmitir un mensaje. Consecuencia de ello, el film es un excelente envoltorio excelente carente de contenido, al cual pierde en el camino al dejar de lado el aspecto narrativo concentrándose solamente en lo estético.

Planteado como un policial, encuentra el camino de la comedia, donde Linklater se siente más a gusto, pero en ese devaneo esteticista, pierde en sentido narrativo, encontrándose en una especie de discusión donde el centro de atención termina siendo la  estética de la película y no su mensaje.

Obra  fallida de un director americano independiente del cual se puede esperar mucho más pero que en esta oportunidad no da en el centro. No obstante ello, y más allá de ciertos devaneos esteticistas, el film funciona como un pasatiempo agradable.

LA CONVERSIÓN de Marco Bellocchio

JUDAISMO Y CRISTIANISMO

Bellocchio es un director de larga fama cuya carrera comenzó con una obra  de arte (Con las Manos en los Bolsillos) que lo catapultó rápidamente a la primera línea de los realizadores italianos de la década del 60, más precisamente en 1966, que lo alineaba como uno de los precursores más inquietos e interesantes del nuevo cine italiano que buscaba diferenciarse del movimiento neorrealista. Sumamente crítico de su época, ya sea militando políticamente en la izquierda, o realizando un cine tan pasional  como controversial.

Su cine es de choque, hace pie en los extremos, y su capacidad narrativa es sólida. Ahora está en cartelera con su nueva obra, La Conversión, una película basada en un suceso real ocurrido doscientos años atrás cuando un niño judío es raptado para ser  entregado y convertido a la fe católica por la intervención de una mucama de una familia judía adinerada. La historia narrada sucede en Bolonia, Italia en 1852, cuando el país era parte del Estado Papal, cuya cabeza era el Papa Pio IX. El episodio es conocido como “El Caso Mortara”.

El niño se inició en la fe de sus captores  e incluso tomó sus hábitos. El director enmarca a su protagonista como un rehén religioso que se convierte a la fe de su captor, llegando a transformarse en un sacerdote católico, falleciendo a los 88 años en la ciudad de Lieja en Bélgica.

La película avanza dividida en tres partes de la vida del protagonista: su niñez, su adolescencia y su adultez.  La acción comienza en el barrio judío donde un niño de esa pertenencia es raptado presuntamente por un fanático católico. El segundo bloque relata el esfuerzo de la familia por recuperar a su hijo. El tercero muestra la vida de ese adulto que finalmente logra volver a encontrar a sus padres.

Narrando en forma rápida, sencilla, y directa, el director asume un carácter confrontativo. Lo hace desde un principio y lo mantiene hasta el final. En ese aspecto, sobresalen dos cualidades de su cine. Por un lado, la objetividad de la narración, relatando un hecho de características policiales, utilizando un estilo directo y lineal al mejor estilo periodístico. Por otro, destacan los detalles visuales de la puesta en escena, donde concentra la acción en espacios cerrados apenas iluminados por la luz que filtra una ventana donde el protagonista pena su culpa encerrado en una pequeña vivienda que limita obviamente su libertad.

El rapto del niño se da a conocer y aparece en los diarios de la época. No obstante la actuación policial es mínima. Allí refleja el poder de la iglesia que no solo hace caso omiso a la situación, sino que con el correr de los años tampoco hubo respuesta por parte de organizaciones tales como las de defensa de derechos humanos.

Bellocchio vuelve a sus fuentes generando un film que no puede pasar inadvertido. No solo destaca por la importancia de su tema, sino también por su puesta en escena, sencilla, austera y donde prevalece en todo momento la incógnita de ese niño que se vuelve adolescente, y más tarde un adulto que bajo el poder papal,  evita todo gesto de rebeldía y se somete al poder de una iglesia que no es la suya,  donde su principal carencia es la falta de compromiso con sigo mismo y sus orígenes.

Posiblemente será una de las mejores películas del año, donde destaca el estilo de su director, que con honestidad e inteligencia, refleja una oscuridad que lo cubre todo, y en consecuencia, permite el dejar hacer, dejar pasar de una sociedad que parece adormecida, lejos de la realidad. El film no solo refleja coherencia sino también, estilísticamente, busca reflejar la oscuridad de una época vergonzosa. La excelente dirección del cineasta, pone en imágenes una historia real donde prevalece la oscuridad. El público encontrará una película de marca mayor, y sobre todo, uno de los mejores trabajos  de un hombre que,  formado en el neorrealismo italiano, sigue evolucionando y   realiza un cine vital, vigente y fiel a sí mismo.

EL ÚLTIMO ESCAPE de Oliver Parker

PARABOLA SOBRE LA LIBERTAD

Protagonizada por Michael Caine  y Glenda Jackson (en su papel póstumo para el cine), encontramos una pequeña joya, muy bien realizada por el director inglés Oliver Parker, responsable de varios trabajos realizados para la televisión inglesa, y algunas parodias tipo James Bond, tales como  Johnny English. La cuestión es que Parker asumió con mucha responsabilidad, y sobretodo, mucho tacto, esta película que sería el último trabajo de Glenda Jackson para el cine.

Se trata de una pareja de ancianos que se ha recluido en una especie de hospicio para gente mayor. Un lugar de retiro donde encuentran buena atención, comida sana  y limpieza impecable. En ese lugar,  recibe una invitación a participar de la conmemoración del 70.º Aniversario del Día D en Normandía, Francia, en junio de 2014, Ello se transforma en una especie de posibilidad de escape de su hogar de ancianos  para asistir a aquellas conmemoraciones y tendrá como precio tener que dejar sola a su esposa.

El film es un dechado de amor y tolerancia. Es también, una necesidad de sentirse joven cuando ya se es muy mayor, como también la posibilidad de encontrase con viejos amigos e incluso, camaradas que participaron en el desembarco de Lombardía para liberar Francia durante la 2da Guerra Mundial, y facilitar de esa manera, ponerle  fin a esta. La película registra ese momento una especie de fin de semana largo en el cual Bernard (Michael Cine) consigue “la aprobación de Irene” (Glenda Jackson) para viajar a Normandía y participar allá de los festejos del aniversario de la liberación de Francia. Parker entrelaza esos momentos de felicidad que le genera encontrarse con sus viejos camaradas en un paralelo extraordinario que muestra la soledad en que ella queda exenta de toda compañía más allá de las mucamas del edificio donde está viviendo.

El film se destaca sobre todo por su enorme capacidad de comprensión del uno hacia el otro. Son dos personas que viven solas y son atendidas con profesionalidad en un lugar especializado al respecto. Pero solamente se tienen uno al otro. Y ese otro, desea disfrutar de un encuentro con camaradas con quienes ha peleado en la guerra.

Lo notable del film es la fineza con que Parker humaniza ese momento que si bien pasajero, generará un  momento largo de soledad especialmente para ella, Irene, quien será la que se queda sola hasta que él regrese transformado al film, prácticamente, en un thriller donde la cuestión pasa por si él podrá volver o no después de haber vuelto a estar en plena libertad.

Y hablamos de libertad porque prácticamente en el hospicio donde están tienen una serie de facilidades pero lo que parecen no tener es la disponibilidad de entrar y salir cuando quieran. De alguna manera, incluida la específica celebración en Francia donde él asistirá, para él es una liberación y para ella una atadura.

El film se transforma en una pequeña parábola sobre la libertad del individuo, tanto  política como individual.  Por otro lado, ofrece un par de grandes actuaciones de ambos intérpretes principales y un último adiós a una actriz, una mujer que no solo ganó dos oscares, sino también un sitio en el cine, la política y en la vida.

Película concisa, precisa y sumamente real que nos conecta con la finitud de la vida, incita a vivirla sin miedo, libre de ataduras y preconceptos, y sobre todo, nos hace tomar conciencia sobre las responsabilidades. Un film que marca limites pero también nos dice que debes hacer lo que quieras hacer.

INMACULADA de Sidney Sweeney

PELICULA RENOVADORA DE UN GÉNERO

Es una película americana, rodada y producida en Hollywood, que transcurre totalmente en Italia u que si bien sigue las reglas de oro del cine de terror y suspenso, se las arregla  bastante bien  para dejar satisfecho al espectador adicto a este género tipo de cine.

Lejos de las obras más importantes del género (El Resplandor, El Exorcista, Psicosis, entre otras) tiene la virtud de no dar tregua y entretener durante te todo su desarrollo, aunque claramente, por momentos se vuelve reiterativa y  termina transformándose en una película efectista donde siempre sobresale la tentación de sorprender tratando de asustar al espectador.

No obstante ello, el film tiene la virtud de recuperar un género que parecía pasado de moda, y lo hace, incluso, con destreza, atrapando al espectador.

Lo más importante de señalar es el suspenso que logra, lo cual lo vuelve efectista, y eso no lo esconde, muy por el contrario, lo reitera  buscando su propio estilo.

En ese sentido, destacan dos aspectos importantes de señalar, Uno de ellos inherente al tipo de cine en el cual milita, pero sobre todo destaca una ambientación  y un manejo del color, particularmente el color rojo, al que alude una y otra vez, en forma permanente a una especie de  baño de sangre donde la estética termina reemplazando a la escritura vaciando la trama transformándola en una simple sucesión de momentos que conducen, misteriosamente, al baño de sangre.

Inmaculada, no obstante aspectos efectistas que hacen al género, logra ciertos aspectos que hacen a la renovación del género. La trama es lineal pero a su vez está conformada de pequeñas y significativas escenas  que mayormente tienden al golpe de efecto. Ello conduce a dejar  de lado una trama de suspendo,  que al principio es lo que espera el espectador, pero su desarrollo conduce a una serie de golpes de efecto que transforman al film en una obra personal de un estilo muy propio.

El manejo del color rojo, el suspenso, la búsqueda del terror, transforman al film en una obra  de carácter efectista, por otra parte sumamente efectiva que sin producir cambio sustanciales ni en lo narrativo o lo puramente estético, lo transforma en lo que será un film de culto que por otra parte, tiene la capacidad de actualizar al género  con algo menos de previsibilidad, pero sobre todo, dotándolo de una estética propia.

Inmaculada es una obra renovadora que sin tener demasiadas  pretensiones  logra interesar al espectador pero sobre todo, tiene la capacidad de generar una estética propia que no solo luce por sí misma, sino también envuelve a todo el film con su color sangre, dándole identidad de obra.

EL JARDIN DEL DESEO de Paul Schrader

 PECADO Y SALVACIÓN

La acción transcurre en Georgia, al sudeste de los Estados Unidos, donde un hombre intenta dejar de lado un pasado violento que parece querer repetirse en el presente. El personaje  principal es Narvel Roth, interpretado por Joel Edgerton, acompañado por Sigourney Weaver, en una personificación notable que transmite el tránsito de una vida complicada.

Narvel es un jardinero sumamente laborioso  cuya vida ha sido difícil, que ahora vuelve a complicarse. Es un jardinero que trabaja en la casa de Norma, una mujer rica que tiene una hermosa casa con un enorme jardín. El hombre tiene un pasado y un presente. Incluso ha estado en la cárcel.

Schrader es un cineasta que siempre ha destacado por su religiosidad, donde el perdón es tan fundamental como la confesión del pecado para lograr ser absuelto. El film esta contado en presente, pero el pasado esta siempre vigente, como si fuera una deuda a saldar.

Esta película es su tercera obra como director. Su carrera como guionista registra tanto propios como de colaboración. Entre ellos pude encontrarse su aporte a los guiones de Mishima y Blue Collar. También ha sido guionista de Obsesión de Brian de Palma y de Taxi Driver de Martin Scorsese. Tambien son recordables sus colaboraciones en trabajos tales como Toro Salvaje, La Última Tentación de Cristo (1988).

La sintonía con este director generaria con el tiempo obras tale como Raging Bull (1980), The Last Temptation of Christ (1988) y Bringing Out the Dead (1999). Ente otras películas también escribió El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021) que junto a El Jardín del Deseo completa una trilogia muy particular.

Se trata de un cine de características religiosas. Schrader maneja la redención y la expiación como dos condiciones necesarias relacionadas con el perdón y la liberación, cuando los tiempos se vuelven difíciles de reinstalar (después de las grandes recesiones o de los momentos de posguerra), cuando las sociedades pacificas encaran un marco de reconstrucción social, donde los conceptos que hacen a la buena convivencia han caído en crisis, dificultando las relaciones humanas, y sobretodo, generando necesidad de conciliación y perdón.

No obstante, la realidad es otra, lejos de ese jardín podado, geométrico y lujoso jardín que mantiene permanentemente el jardinero diariamente Narvel Roth (Joel Edgerton), empleado bajo las órdenes de la aristocrática Norma Haverhill, interpretada por la siempre excelente actriz americana.

Este nuevo film cierra una trilogía que completa junto con El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021), focalizan en la idea de que el mal permanece relegado, ciertamente, agazapado. El jardín delantero de la casa es una deslumbrante fachada que solo encubre otra realidad, mucho más densa y complicada, relacionada con un pasado del que no se quiere hablar porque sencillamente permanece vigente, y en consecuencia,  no ha podido ser superado.

MAESTRO(S) de Bruno Chiche

 CELOS PROFESIONALES

La familia Dumar se dedica a la música. Son violinistas de primera línea y han pertenecido a las orquestas más importantes de Europa, actuando en las principales capitales del mundo. El oficio se transmite de padres a hijos. François, el padre, está terminando su carrera. Por otro lado, Denis, su hijo, acaba de ganar un premio que lo coloca en una posición más que destacada dentro de la sociedad musical. La cuestión que plantea es “cómo se lo digo a mi padre”.

Lejos de celebrar el momento con alegría, estalla una cuestión de celos entre padre e hijo,  cuando François se entera de que su hijo ha sido elegido para dirigir la orquesta de la Scala de Milán. Es decir, su propio objetivo. Su hijo está accediendo a un pedestal que debería ser para su padre. Éste quedará en el camino y no podrá acceder a su gran sueño Una crisis de celos malsanos estallará en la familia.

El film se transforma en una en una especie de lucha ciega y sorda donde el padre no puede aceptar la pérdida del pedestal donde pisaba, y por otro lado, compartir la felicidad de su hijo que estaba llegando al podio.

Desarrollada como si fuera una tragedia clásica, muestra, por un lado, el momento de sufrimiento de un hombre mayor que descubre que ha llegado a su techo sin darse cuenta de ello. Pero por otro, que la semilla que ha plantado ha crecido y dado sus frutos.

Esta película no muestra el duro enfrentamiento entre un padre y su hijo sino un momento de la vida en el que un hombre llega a su sima, y por otro, su hijo, lo sustituye y continúa. Es, posiblemente, una ley de la vida.  Entre ellos existe una rivalidad sorda y solapada que nunca saldrá a la luz por el lazo parental. Pero el enfrentamiento está.

El film es una sucesión de primeros planos donde está clara la necesidad de conexión entre ambos. Uno está ahora en la cima. El otro lo ha estado. Prácticamente, uno ha remplazado al otro.

El director Bruno Chiche desarrolla este drama encerrándolo en primeros planos que enfatizan la estrechez del vínculo padre/hijo, pero por otro, saca provecho de una rivalidad que marca la posta generacional. La música y sobre todo, la fotografía, enfatizan en primeros planos muy expresivos que siempre remarcan la proximidad entre ambos, una especie de sufrimiento generacional imposible de evitar toda vez que uno y otro han llegado a la cima de sus posibilidades y están compitiendo donde uno ya ha dado todo y el otro tiene la posibilidad, en función de su juventud, de dar más, y sobretodo, influir sobre lo nuevo.

Filmada con una luz penumbrosa que de alguna manera genera un desgarro en la relación padre hijo que no es otra que la del crecimiento del propio hijo en relación a su padre, el film es apoyado por una hermosa banda musical que enfatiza en los violines  un momento de crisis familiar, y de cambio. El film es una obra intimista donde un  hijo reemplazará a la figura del padre en una etapa de lógico crecimiento generacional

LO MEJOR ESTA POR LLEGAR de Nanni Moretti

SOLITARIO, TRISTE Y FINAL

Estamos ante un film terminal. Moretti da por finalizado  su etapa neorrealista,  tal vez por prudencia, o acaso, por alguna otra razón, como un paso de moda o porque el público no responde a la formula usada. Si alguien tenía alguna duda al respecto, el propio Nanni es quien tiene la respuesta, después de transitar toda una época del cine, tal vez ya no tenía más que decir al respecto.

Roma, Ciudad Abierta había iniciado el movimiento que fue exitoso y colocó a esa cinematografía a la cabeza del cine mundial a fines de la segunda guerra mundial. Ello dio mucho tema para discutir, no solo sobre cine, sino también y especialmente, sobre la realidad.

Tanto Moretti como tantos  otros realizadores italianos, han cabalgado durante  80 años sobre este género, el cual obviamente con los años se ha desgastado y necesita de una renovación que permita buscar nuevas formas de decir, como también ocuparse de otros temas, incluso dando paso a nuevos realizadores con diferentes escritores, actores, o formas de narrar.

El director se lo toma en serio, y su propia nueva obra busca el desafío. Nanni está en medio de esa transición. Meses atrás, al menos en Buenos Aires, había presentado lo que sería su última obra neorrealista.  Las películas italianas presentadas en los últimos meses, Siempre “HABRÁ UN MAÑANA” de Valentina Cortelesi, “NUNCA ES TARDE PARA AMAR” de Gianni de Gregorio, y ahora esta ultima de Moretti, sin vueltas, comienzan a dar por finalizada una época y nos avisa que el neorrealismo italiano ha empezado a decir adiós.

Es muy posible que esta última despedida sea una sucesión de películas cuyos directores podrán expresar el sentimiento de abandonar una cuestión conceptual.  En cierta forma es un adiós a cierto romanticismo. Casi 80 años después, hacer un cambio, buscar otras formas de expresión, y analizar otros temas supone no olvidar, pero si dejar de hablar sobre el pasado y la necesidad  de comenzar a reflejar los cambios sociales de una sociedad moderna.

Pareciera también que el propio Moretti necesita  encarar ese cambio. Para ello, se mete en el papel de un hombre en crisis , dispuesto a hacer su propia revolución, lo cual le permita llegar más lejos. Se trata de un cambio profundo, que pretende hacer escuela. Un enfoque de la realidad donde se cubran tanto los aspectos sociales, los problemas personales, la propia crítica de cine, y las ideologías.

Se trata de un director que sigue preocupado por sí mismo y la sociedad en que vive, seguramente, en ese orden. Es un hombre cargado de dudas. Y como dijo alguien, vuelve a rascarse donde le pica. Le gusta y aplica lo auto referencial, los juegos cinematográficos, los giros psicoanalíticos, la musicalidad y las coreografías que llenan de movimiento al film, elementos que conducen a facilitar el lenguaje del autor lleno de ironía, sarcasmo, autocritica, y sobre todo, mucho sentido del humor sobre la realidad que le pesa.

El film intercala dos líneas narrativas. Por un lado, la vida de Giovanni, y por el otro, las escenas de una película que está rodando. Su cine añora un pasado que siempre es mejor. Y, obviamente, “LO MEJOR ESTÁ POR VENIR” es una película sobre el cine, el estado de esa industria y el valor que la sociedad le da a esa cultura. Nanni intenta ya  el cambio. A buen entendedor, pocas palabras!

Es una obra mayor aunque parezca pequeña. Muy importante. Marca un estilo y una nueva época. No pasará desapercibida porque no solo es coherente con toda su filmografía sino también porque es honesto con su público. Moretti es liso y llano en su discurso. Actúa y dirige la película. Su actuación es casi totalmente de espalda al público. Y como consecuencia de ello, su film resulta claro y contundente. Obviamente  ha dejado la mochila atrás.

GARFIELD de Mark Dindal

¿QUÉ HICISTE ESTE DOMINGO?

Este fin de semana fui al cine con mis nietitas. Ellas querían ver la película de Garfield y con mi esposa pensamos que sería una buena oportunidad llevarlas al cine ya que una de ellas nunca había ido a una sala de este tipo. La fiestita cinematográfica estuvo acompañada de pochoclos. Zoe y la pequeña Abril  disfrutaron un montón con las correrías del simpático gatito.

Dirigida por Dindal, un director americano de probada eficacia (antes dirigió, entre otras, “El Emperador y sus Locuras”), es una producción de Disney. Zoe me comentó que quería verla y vimos la oportunidad de llevarlas al cine. En Estados Unidos, la película  no funcionó de acuerdo a las expectativas esperadas.

Abril estaba más atenta al tacho de pochoclos que a la estrella de la película, Garfield, un gato cariñoso y travieso, dibujo de animación inspirado en una  tira cómica creada por Jim Davis, que protagoniza el film y cuenta la aventura de un gato gordo, algo perezoso que, un buen día, conoce a Jon, quien lo adopta, y le resuelve su vida asegurándole la comida y el agua de cada día.

John lo ha adoptado como un padre, y en consecuencia, le cubre la mayor parte de los destrozos que genera en el jardín de la casa. Además, el gato convive con otra mascota, el perro Odie, al que Zoe miraba poniendo toda su atención.

Garfield lleva una vida cómoda en la casa de Jon. Tiene una tarjeta de crédito a su nombre, y eso  le permite comprar la comida italiana que le gusta. Es lo que se dice, “un gato pituco”. Mientras tanto, la película avanza y Abril está muy atenta a que Zoe no se coma todos los pochoclos.

El cast de personajes lo completan la gata Jinx, que forma parte de un grupo de ladrones que aparece para complicar sus vecinos y otros gatos más que están intentando formar una banda, que al re encontrarse con su dueño, se verán involucrados sorpresivamente en un atraco a un banco. Zoe comió moderadamente, como es habitual, y presta atención al desarrollo de la peli.

La capacidad narrativa de Dindal luce y logra entretener con buenas artes no solo a los más pequeños sino también a los adultos que los acompañan. La peli termina obviamente con un “happy end”.  Las pequeñas han salido muy contentas, entretenidas por una película que está dirigida especialmente a ellas.  Obviamente, el film está orientado al público infantil. Y todos, chicos y grandes, se han divertido muchos con las travesuras del famoso gatito.

No vi las versiones cinematográficas anteriores por lo tanto, no puedo afirmar que esta nueva versión, la tercera de la serie, sea mejor o peor que las anteriores, pero sí puedo decir que toda la platea de pequeños cinéfilos da su aprobación con un cerrado aplauso, lo cual significa haber disfrutado la película. Zoe y Abril no se conformaron con ello, y nos invitaron a tomar chocolatada y un alfajor de Havanna.

PROFESION PELIGRO de David Leitch

EJERCICIO DE ESTILO

Muy de vez en cuando Hollywood toma riesgos. No es lo habitual. Profesión Peligro, es ahora, la excepción. Esta película es diferente a lo que ya hemos visto. Estamos frente a un film de intriga, difícil de catalogar. Un stunt tiene un accidente y en realidad le piden que vaya a Sydney donde se está filmando otra película.

Esta película tiene acción, comedia y romance, pero fundamentalmente, suspenso. Escrita por Drew Pearce, es interpretada por Ryan Gosling y Emily Blunt y se transforma inmediatamente en una película de género que rompe claramente los parámetros, produciendo una renovación casi inconsciente del mismo. Por otra parte, su origen proviene de una adaptación de una serie de televisión de la década de 1980, que lleva el mismo nombre, estelarizada por Lee Majors, y creada por Glen Larson.

Este film podría ser considerado como una obra renovadora de un género, una rara osadía de un autor que se consolida en una moviola realizando un relato de calidad majestuosa con un moderno tipo de lenguaje basado en un montaje hecho añicos como muy pocas veces ha realizado el cine de Hollywood.

La película es una obra que partiendo de un capítulo de una serie de televisión, se va liberando de toda atadura narrativa y apoyándose en una trama mínima se transforma en una persecución que prácticamente dura toda la película, y se eleva hacia una obra de puro montaje que bien podría ser no solo en una obra original sino también en una de “culto”.

La trama encuentra a Colt Seavers, un doble de riesgo, interpretado por Gosling que entra en romance con una camarógrafa devenida en directora llamada Jody (Emily Blunt), donde ocurrirá un accidente que origina una persecución donde el amor, el misterio y el suspenso producen un vínculo que atrapa al espectador.

Sin ánimo de descubrir la trama y resolución del film, insisto en que lo más importante que genera la película es recuperar un género, llevando la forma de narrar basada a puro montaje, la cual establece un ritmo, y una velocidad narrativa súper rápida, que establece un estilo narrativo que busca enganchar al espectador usando al actor como un mero narrador que el público no ve  pero imagina.

Este estilo nace en la sala de montaje, donde no solo establece el ritmo de la película, sino incorpora al espectador como participe de lo que está ocurriendo en la pantalla, una especie de realidad virtual que lo ubica en la misma posición que el personaje.

La película resulta un film que se hace a sí mismo. La trama envuelve al espectador, lo atrapa y solo lo suelta cuando aparece el famoso “the end”.

Obviamente, tanto la parte autoral como la actuación, la fotografía y la música, coadyuvan al logro deseado cuya mayor virtud, es la de entretener. El film logra sus objetivos de transformar la posición del mismo haciéndolo participe de la acción aunque se trate de pura ficción. 

DESAFIANTES de Luca Guadagnino

UN ETERNO TRIO

Luca Guadagnino es guionista, director y productor italiano que destaca y gana reconocimiento con una película interesante que saca partido de un esquema narrativo basado en las idas y vueltas de un triángulo amoroso formado por dos amigos que se han enamorado de una misma mujer, una famosa tenista.

Ambos se conocen desde la niñez y han sido discípulas de aquél, el cual no es mucho mayor que ellas. Como consecuencia de esa relación, ambos han terminado enamorándose de ella simultáneamente.

El film atrapa al espectador con buenas artes y un prolijo trabajo tanto de escritura como de puesta en escena.  En verdad se debe reconocer que el film es una sumatoria de momentos de entrenamiento y partidos de tenis cuyo objetivo principal no está en ganar el partido sino quedarse con la profesora, transformándolo en una carrera de pequeñas conquistas amorosas.

Obviamente, el film se nutre de la vieja comedia americana de los años sesenta que hacen recordar algunas películas con Doris Day como protagonista, actualizada a esta época, donde el romanticismo de aquella se ha perdido y se ha cambiado por cinismo.

El film transcurre un 90 por ciento de su metraje en una cancha de tenis. En consecuencia, los entrenamientos y los partidos de tenis se transforman en una carrera de conquistas en pos del profesor, generando un telón  de fondo entretenido. Ella se transformará en el coach de uno de ellos, su marido

Con una puesta en escena muy bien constituida, destaca un estilo que nunca olvida el espíritu de lucha de sus protagonistas, ambos apasionados por el juego de tenis, que nunca abandonan el aspecto emocional. En la cancha, esa competencia no marca otra cosa que la rivalidad entre ambos.

El juego de tenis es representativo tanto del aspecto romántico de la película como del de la rivalidad por la conquista de ambos respecto al coach. El film es capaz de desarrollar una profundidad emocional que llega a hacer sentir ese espíritu de batalla  que ambos contrincantes están peleando más allá de un punto de tenis o un partido  sino por algo más importante que es el amor del coach.

Una de las características distintivas del cine de Guadagnino es su capacidad para capturar lo cotidiano. Sus películas son simples, están impregnadas de buen gusto y una sensualidad sutil y poderosa, que se manifiesta en cada movimiento de cámara, y sobre todo, en un dialogo donde cada palabra suena como un susurro.

La película toma forma en la medida que avanza, haciendo crecer en credibilidad a su actores, dando cuerpo a la trama, y dejando percibir que el tenis esta tomado como un desafío, el de los protagonistas, enamorados de una misma mujer, donde el partido tiene premio, y que el que gana se queda con ella. La pelota, como la película, va y viene de una situación a otra marcando un ritmo que marca un contrapunto que determina una ida y vuelta que mantiene siempre interesado al espectador.  

Para quienes no recuerdan la filmografía del director, tiene en su haber dos películas interesantes. Es el realizador de: Llámame por tu Nombre (2017) y Suspiria (2018). El elenco principal de Desafiantes está estelarizada por Zendaya como Tashi Duincan, Josh O´Connor como un tenista y Mike Faist como Art Donaldson, el profesor que destacan con muy buenas actuaciones. Todos los aspectos técnicos del film son ponderables. La película no solo logra ser entretenida sino también interesante