LA OTRA CARA DE LA LUNA de Greg Berlanti

ILUSIÓN, FANTASIA Y REALIDAD

¡Bienvenida la comedia!  Pasados los cuestionamientos sobre el tema, y aceptando que el hombre llegó realmente a la luna, algo que vi con mis propios ojos de un adolescente de 13 años, fue no solo una inmensa aventura sino también una de las mayores proezas realizadas por el hombre como fue el llegar a la lunar  y lograr pisarla.

Discusiones aparte, el film funciona como lo que es, una típica comedia americana que no tiene otras pretensiones más que entretener y hacer pasar un  buen momento. En ese aspecto, la película sale airosa. Es un film lleno de luces, lujoso donde ronda el amor y, además,  triunfa,  

No obstante, hace ya más de 50 años que el hombre piso la luna y todavía permanece vigente la creencia que lo que se vio por televisión, en  aquel momento, y en vivo y en directo fue parte de una mentira orquestada por el propio gobierno norteamericano en su carrera armamentista contra la vieja Unión Soviética.

Dejando atrás esa duda existencial que juega como fondo, esta lucida comedia estelarizada por Scarlett Johansson en el rol de Kelly, una experta en marketing y Channing Tatum como un ex piloto de la armada, conforman una pareja simpática que si bien no dejara huellas en la industria del cine, podría decirse que representan una tímida propuesta de una tipo de comedia romántica que de tanto en tanto reaparece con bríos renovadores, aunque claramente este trabajo no es el caso.

No obstante, la película funciona como tal, una como comedia que solo tiene la pretensión de hacer pasar un buen momento en el cine, y más allá de eso, complementarlo con una salida a cenar. Por otra parte, en lo político, tanto los Estados Unidos como Rusia, han abandonado sus pretensiones de superioridad aérea, y en consecuencia, el debate antes mencionado solo responde a un simple marco histórico, en gran parte superado,  que en estos tiempos, interesa poco.

De todas maneras, la película, como historia de amor, pero sobretodo como comedia costumbrista, funciona correctamente, y aunque si bien no brilla en ningún momento, permite pasar un rato relajadamente con buen ritmo de comedia y claro objetivo de entretenimiento.

La película rescata la comedia en una cartelera totalmente amnésica al respecto. Hoy no hay muchas comedias en cartel y menos aún, películas que estén marcando una época como ocurrió años atrás, con obras que dejaron un recuerdo actores o parejas que de por si le daban identidad al género. Hoy en día, incluso, sobre todo los canales de cable, suelen reponer estas películas, aunque muy pocas veces podemos disfrutar de este rubro.

En ese sentido, sea bienvenido este film amable y romántico que sobre todas las cosas, trata de recuperar un género que pareciera estar desaparecido, pero que aún sigue vigente.

HIT MAN de Richard Linklater

VICTIMAS DE UN ENGAÑO

Este film norteamericano  ha sido aclamado en festivales internacionales y también ponderado por la crítica internacional. No obstante, no es una obra fácil de ver. Requiere del espectador  una enorme concentración, dado que  su columna vertebral es una búsqueda que siempre  termina en un mismo lugar, lo cual, por un lado genera una repetición de escenas que, por otra parte, la narración se vuelve reiterativa, haciendo perder interés en el mecanismo narrativo. Dicho mecanismo de repetición, una y otra vez deja una sensación de hartazgo, aunque intelectualmente, el mecanismo responde a un clásico “happy end”.

Se trata de una comedia de acción, basado en un artículo sobre un crimen verdadero. No obstante, no se elige contar un policial convencional, sino mezclar dicho género con comedia, lo cual genera una comedia policial, más acentuada en lo primero que en lo segundo.

La trama encuentra a Gary Johnson como un profesor de filosofía divorciado que da clases en un colegio de Nueva Orleans, un solitario, cuyo interés está puesto en la tecnología. Vive acompañado de dos gatos, y le gustan los pájaros. Trabaja “part time” en la policía local.

El resultado es una comedia policial gris, basada parcialmente en hechos reales,  que sigue la vida de un profesor que en su  tiempo libre colabora con la policía haciéndose pasar por un sicario. En su camino se cruza una mujer que pretende abandonar a su esposo.

El realizador ha dicho: "Hacer  películas me sirve para procesar el mundo en que vivo. Es la manera que tiene mi cerebro de analizar las cosas y, en cierto modo, me he obsesionado con eso. Creo que tienes que ser un poco “freak” para hacer películas. El cine es un medio muy poderoso para explicar historias". 

El personaje de Powell habla con sus alumnos sobre Nietzsche y Freud y los invita a tomar riesgos en sus vidas, como, en cierto modo, él lo está haciendo con la suya.

El resultado es una comedia que aspira llegar muy lejos pero se diluye en sus aspectos narrativos perdiendo la capacidad de transmitir un mensaje. Consecuencia de ello, el film es un excelente envoltorio excelente carente de contenido, al cual pierde en el camino al dejar de lado el aspecto narrativo concentrándose solamente en lo estético.

Planteado como un policial, encuentra el camino de la comedia, donde Linklater se siente más a gusto, pero en ese devaneo esteticista, pierde en sentido narrativo, encontrándose en una especie de discusión donde el centro de atención termina siendo la  estética de la película y no su mensaje.

Obra  fallida de un director americano independiente del cual se puede esperar mucho más pero que en esta oportunidad no da en el centro. No obstante ello, y más allá de ciertos devaneos esteticistas, el film funciona como un pasatiempo agradable.

LA CONVERSIÓN de Marco Bellocchio

JUDAISMO Y CRISTIANISMO

Bellocchio es un director de larga fama cuya carrera comenzó con una obra  de arte (Con las Manos en los Bolsillos) que lo catapultó rápidamente a la primera línea de los realizadores italianos de la década del 60, más precisamente en 1966, que lo alineaba como uno de los precursores más inquietos e interesantes del nuevo cine italiano que buscaba diferenciarse del movimiento neorrealista. Sumamente crítico de su época, ya sea militando políticamente en la izquierda, o realizando un cine tan pasional  como controversial.

Su cine es de choque, hace pie en los extremos, y su capacidad narrativa es sólida. Ahora está en cartelera con su nueva obra, La Conversión, una película basada en un suceso real ocurrido doscientos años atrás cuando un niño judío es raptado para ser  entregado y convertido a la fe católica por la intervención de una mucama de una familia judía adinerada. La historia narrada sucede en Bolonia, Italia en 1852, cuando el país era parte del Estado Papal, cuya cabeza era el Papa Pio IX. El episodio es conocido como “El Caso Mortara”.

El niño se inició en la fe de sus captores  e incluso tomó sus hábitos. El director enmarca a su protagonista como un rehén religioso que se convierte a la fe de su captor, llegando a transformarse en un sacerdote católico, falleciendo a los 88 años en la ciudad de Lieja en Bélgica.

La película avanza dividida en tres partes de la vida del protagonista: su niñez, su adolescencia y su adultez.  La acción comienza en el barrio judío donde un niño de esa pertenencia es raptado presuntamente por un fanático católico. El segundo bloque relata el esfuerzo de la familia por recuperar a su hijo. El tercero muestra la vida de ese adulto que finalmente logra volver a encontrar a sus padres.

Narrando en forma rápida, sencilla, y directa, el director asume un carácter confrontativo. Lo hace desde un principio y lo mantiene hasta el final. En ese aspecto, sobresalen dos cualidades de su cine. Por un lado, la objetividad de la narración, relatando un hecho de características policiales, utilizando un estilo directo y lineal al mejor estilo periodístico. Por otro, destacan los detalles visuales de la puesta en escena, donde concentra la acción en espacios cerrados apenas iluminados por la luz que filtra una ventana donde el protagonista pena su culpa encerrado en una pequeña vivienda que limita obviamente su libertad.

El rapto del niño se da a conocer y aparece en los diarios de la época. No obstante la actuación policial es mínima. Allí refleja el poder de la iglesia que no solo hace caso omiso a la situación, sino que con el correr de los años tampoco hubo respuesta por parte de organizaciones tales como las de defensa de derechos humanos.

Bellocchio vuelve a sus fuentes generando un film que no puede pasar inadvertido. No solo destaca por la importancia de su tema, sino también por su puesta en escena, sencilla, austera y donde prevalece en todo momento la incógnita de ese niño que se vuelve adolescente, y más tarde un adulto que bajo el poder papal,  evita todo gesto de rebeldía y se somete al poder de una iglesia que no es la suya,  donde su principal carencia es la falta de compromiso con sigo mismo y sus orígenes.

Posiblemente será una de las mejores películas del año, donde destaca el estilo de su director, que con honestidad e inteligencia, refleja una oscuridad que lo cubre todo, y en consecuencia, permite el dejar hacer, dejar pasar de una sociedad que parece adormecida, lejos de la realidad. El film no solo refleja coherencia sino también, estilísticamente, busca reflejar la oscuridad de una época vergonzosa. La excelente dirección del cineasta, pone en imágenes una historia real donde prevalece la oscuridad. El público encontrará una película de marca mayor, y sobre todo, uno de los mejores trabajos  de un hombre que,  formado en el neorrealismo italiano, sigue evolucionando y   realiza un cine vital, vigente y fiel a sí mismo.

EL ÚLTIMO ESCAPE de Oliver Parker

PARABOLA SOBRE LA LIBERTAD

Protagonizada por Michael Caine  y Glenda Jackson (en su papel póstumo para el cine), encontramos una pequeña joya, muy bien realizada por el director inglés Oliver Parker, responsable de varios trabajos realizados para la televisión inglesa, y algunas parodias tipo James Bond, tales como  Johnny English. La cuestión es que Parker asumió con mucha responsabilidad, y sobretodo, mucho tacto, esta película que sería el último trabajo de Glenda Jackson para el cine.

Se trata de una pareja de ancianos que se ha recluido en una especie de hospicio para gente mayor. Un lugar de retiro donde encuentran buena atención, comida sana  y limpieza impecable. En ese lugar,  recibe una invitación a participar de la conmemoración del 70.º Aniversario del Día D en Normandía, Francia, en junio de 2014, Ello se transforma en una especie de posibilidad de escape de su hogar de ancianos  para asistir a aquellas conmemoraciones y tendrá como precio tener que dejar sola a su esposa.

El film es un dechado de amor y tolerancia. Es también, una necesidad de sentirse joven cuando ya se es muy mayor, como también la posibilidad de encontrase con viejos amigos e incluso, camaradas que participaron en el desembarco de Lombardía para liberar Francia durante la 2da Guerra Mundial, y facilitar de esa manera, ponerle  fin a esta. La película registra ese momento una especie de fin de semana largo en el cual Bernard (Michael Cine) consigue “la aprobación de Irene” (Glenda Jackson) para viajar a Normandía y participar allá de los festejos del aniversario de la liberación de Francia. Parker entrelaza esos momentos de felicidad que le genera encontrarse con sus viejos camaradas en un paralelo extraordinario que muestra la soledad en que ella queda exenta de toda compañía más allá de las mucamas del edificio donde está viviendo.

El film se destaca sobre todo por su enorme capacidad de comprensión del uno hacia el otro. Son dos personas que viven solas y son atendidas con profesionalidad en un lugar especializado al respecto. Pero solamente se tienen uno al otro. Y ese otro, desea disfrutar de un encuentro con camaradas con quienes ha peleado en la guerra.

Lo notable del film es la fineza con que Parker humaniza ese momento que si bien pasajero, generará un  momento largo de soledad especialmente para ella, Irene, quien será la que se queda sola hasta que él regrese transformado al film, prácticamente, en un thriller donde la cuestión pasa por si él podrá volver o no después de haber vuelto a estar en plena libertad.

Y hablamos de libertad porque prácticamente en el hospicio donde están tienen una serie de facilidades pero lo que parecen no tener es la disponibilidad de entrar y salir cuando quieran. De alguna manera, incluida la específica celebración en Francia donde él asistirá, para él es una liberación y para ella una atadura.

El film se transforma en una pequeña parábola sobre la libertad del individuo, tanto  política como individual.  Por otro lado, ofrece un par de grandes actuaciones de ambos intérpretes principales y un último adiós a una actriz, una mujer que no solo ganó dos oscares, sino también un sitio en el cine, la política y en la vida.

Película concisa, precisa y sumamente real que nos conecta con la finitud de la vida, incita a vivirla sin miedo, libre de ataduras y preconceptos, y sobre todo, nos hace tomar conciencia sobre las responsabilidades. Un film que marca limites pero también nos dice que debes hacer lo que quieras hacer.

INMACULADA de Sidney Sweeney

PELICULA RENOVADORA DE UN GÉNERO

Es una película americana, rodada y producida en Hollywood, que transcurre totalmente en Italia u que si bien sigue las reglas de oro del cine de terror y suspenso, se las arregla  bastante bien  para dejar satisfecho al espectador adicto a este género tipo de cine.

Lejos de las obras más importantes del género (El Resplandor, El Exorcista, Psicosis, entre otras) tiene la virtud de no dar tregua y entretener durante te todo su desarrollo, aunque claramente, por momentos se vuelve reiterativa y  termina transformándose en una película efectista donde siempre sobresale la tentación de sorprender tratando de asustar al espectador.

No obstante ello, el film tiene la virtud de recuperar un género que parecía pasado de moda, y lo hace, incluso, con destreza, atrapando al espectador.

Lo más importante de señalar es el suspenso que logra, lo cual lo vuelve efectista, y eso no lo esconde, muy por el contrario, lo reitera  buscando su propio estilo.

En ese sentido, destacan dos aspectos importantes de señalar, Uno de ellos inherente al tipo de cine en el cual milita, pero sobre todo destaca una ambientación  y un manejo del color, particularmente el color rojo, al que alude una y otra vez, en forma permanente a una especie de  baño de sangre donde la estética termina reemplazando a la escritura vaciando la trama transformándola en una simple sucesión de momentos que conducen, misteriosamente, al baño de sangre.

Inmaculada, no obstante aspectos efectistas que hacen al género, logra ciertos aspectos que hacen a la renovación del género. La trama es lineal pero a su vez está conformada de pequeñas y significativas escenas  que mayormente tienden al golpe de efecto. Ello conduce a dejar  de lado una trama de suspendo,  que al principio es lo que espera el espectador, pero su desarrollo conduce a una serie de golpes de efecto que transforman al film en una obra personal de un estilo muy propio.

El manejo del color rojo, el suspenso, la búsqueda del terror, transforman al film en una obra  de carácter efectista, por otra parte sumamente efectiva que sin producir cambio sustanciales ni en lo narrativo o lo puramente estético, lo transforma en lo que será un film de culto que por otra parte, tiene la capacidad de actualizar al género  con algo menos de previsibilidad, pero sobre todo, dotándolo de una estética propia.

Inmaculada es una obra renovadora que sin tener demasiadas  pretensiones  logra interesar al espectador pero sobre todo, tiene la capacidad de generar una estética propia que no solo luce por sí misma, sino también envuelve a todo el film con su color sangre, dándole identidad de obra.

EL JARDIN DEL DESEO de Paul Schrader

 PECADO Y SALVACIÓN

La acción transcurre en Georgia, al sudeste de los Estados Unidos, donde un hombre intenta dejar de lado un pasado violento que parece querer repetirse en el presente. El personaje  principal es Narvel Roth, interpretado por Joel Edgerton, acompañado por Sigourney Weaver, en una personificación notable que transmite el tránsito de una vida complicada.

Narvel es un jardinero sumamente laborioso  cuya vida ha sido difícil, que ahora vuelve a complicarse. Es un jardinero que trabaja en la casa de Norma, una mujer rica que tiene una hermosa casa con un enorme jardín. El hombre tiene un pasado y un presente. Incluso ha estado en la cárcel.

Schrader es un cineasta que siempre ha destacado por su religiosidad, donde el perdón es tan fundamental como la confesión del pecado para lograr ser absuelto. El film esta contado en presente, pero el pasado esta siempre vigente, como si fuera una deuda a saldar.

Esta película es su tercera obra como director. Su carrera como guionista registra tanto propios como de colaboración. Entre ellos pude encontrarse su aporte a los guiones de Mishima y Blue Collar. También ha sido guionista de Obsesión de Brian de Palma y de Taxi Driver de Martin Scorsese. Tambien son recordables sus colaboraciones en trabajos tales como Toro Salvaje, La Última Tentación de Cristo (1988).

La sintonía con este director generaria con el tiempo obras tale como Raging Bull (1980), The Last Temptation of Christ (1988) y Bringing Out the Dead (1999). Ente otras películas también escribió El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021) que junto a El Jardín del Deseo completa una trilogia muy particular.

Se trata de un cine de características religiosas. Schrader maneja la redención y la expiación como dos condiciones necesarias relacionadas con el perdón y la liberación, cuando los tiempos se vuelven difíciles de reinstalar (después de las grandes recesiones o de los momentos de posguerra), cuando las sociedades pacificas encaran un marco de reconstrucción social, donde los conceptos que hacen a la buena convivencia han caído en crisis, dificultando las relaciones humanas, y sobretodo, generando necesidad de conciliación y perdón.

No obstante, la realidad es otra, lejos de ese jardín podado, geométrico y lujoso jardín que mantiene permanentemente el jardinero diariamente Narvel Roth (Joel Edgerton), empleado bajo las órdenes de la aristocrática Norma Haverhill, interpretada por la siempre excelente actriz americana.

Este nuevo film cierra una trilogía que completa junto con El Reverendo (2017) y El Contador de Cartas (2021), focalizan en la idea de que el mal permanece relegado, ciertamente, agazapado. El jardín delantero de la casa es una deslumbrante fachada que solo encubre otra realidad, mucho más densa y complicada, relacionada con un pasado del que no se quiere hablar porque sencillamente permanece vigente, y en consecuencia,  no ha podido ser superado.

MAESTRO(S) de Bruno Chiche

 CELOS PROFESIONALES

La familia Dumar se dedica a la música. Son violinistas de primera línea y han pertenecido a las orquestas más importantes de Europa, actuando en las principales capitales del mundo. El oficio se transmite de padres a hijos. François, el padre, está terminando su carrera. Por otro lado, Denis, su hijo, acaba de ganar un premio que lo coloca en una posición más que destacada dentro de la sociedad musical. La cuestión que plantea es “cómo se lo digo a mi padre”.

Lejos de celebrar el momento con alegría, estalla una cuestión de celos entre padre e hijo,  cuando François se entera de que su hijo ha sido elegido para dirigir la orquesta de la Scala de Milán. Es decir, su propio objetivo. Su hijo está accediendo a un pedestal que debería ser para su padre. Éste quedará en el camino y no podrá acceder a su gran sueño Una crisis de celos malsanos estallará en la familia.

El film se transforma en una en una especie de lucha ciega y sorda donde el padre no puede aceptar la pérdida del pedestal donde pisaba, y por otro lado, compartir la felicidad de su hijo que estaba llegando al podio.

Desarrollada como si fuera una tragedia clásica, muestra, por un lado, el momento de sufrimiento de un hombre mayor que descubre que ha llegado a su techo sin darse cuenta de ello. Pero por otro, que la semilla que ha plantado ha crecido y dado sus frutos.

Esta película no muestra el duro enfrentamiento entre un padre y su hijo sino un momento de la vida en el que un hombre llega a su sima, y por otro, su hijo, lo sustituye y continúa. Es, posiblemente, una ley de la vida.  Entre ellos existe una rivalidad sorda y solapada que nunca saldrá a la luz por el lazo parental. Pero el enfrentamiento está.

El film es una sucesión de primeros planos donde está clara la necesidad de conexión entre ambos. Uno está ahora en la cima. El otro lo ha estado. Prácticamente, uno ha remplazado al otro.

El director Bruno Chiche desarrolla este drama encerrándolo en primeros planos que enfatizan la estrechez del vínculo padre/hijo, pero por otro, saca provecho de una rivalidad que marca la posta generacional. La música y sobre todo, la fotografía, enfatizan en primeros planos muy expresivos que siempre remarcan la proximidad entre ambos, una especie de sufrimiento generacional imposible de evitar toda vez que uno y otro han llegado a la cima de sus posibilidades y están compitiendo donde uno ya ha dado todo y el otro tiene la posibilidad, en función de su juventud, de dar más, y sobretodo, influir sobre lo nuevo.

Filmada con una luz penumbrosa que de alguna manera genera un desgarro en la relación padre hijo que no es otra que la del crecimiento del propio hijo en relación a su padre, el film es apoyado por una hermosa banda musical que enfatiza en los violines  un momento de crisis familiar, y de cambio. El film es una obra intimista donde un  hijo reemplazará a la figura del padre en una etapa de lógico crecimiento generacional

LO MEJOR ESTA POR LLEGAR de Nanni Moretti

SOLITARIO, TRISTE Y FINAL

Estamos ante un film terminal. Moretti da por finalizado  su etapa neorrealista,  tal vez por prudencia, o acaso, por alguna otra razón, como un paso de moda o porque el público no responde a la formula usada. Si alguien tenía alguna duda al respecto, el propio Nanni es quien tiene la respuesta, después de transitar toda una época del cine, tal vez ya no tenía más que decir al respecto.

Roma, Ciudad Abierta había iniciado el movimiento que fue exitoso y colocó a esa cinematografía a la cabeza del cine mundial a fines de la segunda guerra mundial. Ello dio mucho tema para discutir, no solo sobre cine, sino también y especialmente, sobre la realidad.

Tanto Moretti como tantos  otros realizadores italianos, han cabalgado durante  80 años sobre este género, el cual obviamente con los años se ha desgastado y necesita de una renovación que permita buscar nuevas formas de decir, como también ocuparse de otros temas, incluso dando paso a nuevos realizadores con diferentes escritores, actores, o formas de narrar.

El director se lo toma en serio, y su propia nueva obra busca el desafío. Nanni está en medio de esa transición. Meses atrás, al menos en Buenos Aires, había presentado lo que sería su última obra neorrealista.  Las películas italianas presentadas en los últimos meses, Siempre “HABRÁ UN MAÑANA” de Valentina Cortelesi, “NUNCA ES TARDE PARA AMAR” de Gianni de Gregorio, y ahora esta ultima de Moretti, sin vueltas, comienzan a dar por finalizada una época y nos avisa que el neorrealismo italiano ha empezado a decir adiós.

Es muy posible que esta última despedida sea una sucesión de películas cuyos directores podrán expresar el sentimiento de abandonar una cuestión conceptual.  En cierta forma es un adiós a cierto romanticismo. Casi 80 años después, hacer un cambio, buscar otras formas de expresión, y analizar otros temas supone no olvidar, pero si dejar de hablar sobre el pasado y la necesidad  de comenzar a reflejar los cambios sociales de una sociedad moderna.

Pareciera también que el propio Moretti necesita  encarar ese cambio. Para ello, se mete en el papel de un hombre en crisis , dispuesto a hacer su propia revolución, lo cual le permita llegar más lejos. Se trata de un cambio profundo, que pretende hacer escuela. Un enfoque de la realidad donde se cubran tanto los aspectos sociales, los problemas personales, la propia crítica de cine, y las ideologías.

Se trata de un director que sigue preocupado por sí mismo y la sociedad en que vive, seguramente, en ese orden. Es un hombre cargado de dudas. Y como dijo alguien, vuelve a rascarse donde le pica. Le gusta y aplica lo auto referencial, los juegos cinematográficos, los giros psicoanalíticos, la musicalidad y las coreografías que llenan de movimiento al film, elementos que conducen a facilitar el lenguaje del autor lleno de ironía, sarcasmo, autocritica, y sobre todo, mucho sentido del humor sobre la realidad que le pesa.

El film intercala dos líneas narrativas. Por un lado, la vida de Giovanni, y por el otro, las escenas de una película que está rodando. Su cine añora un pasado que siempre es mejor. Y, obviamente, “LO MEJOR ESTÁ POR VENIR” es una película sobre el cine, el estado de esa industria y el valor que la sociedad le da a esa cultura. Nanni intenta ya  el cambio. A buen entendedor, pocas palabras!

Es una obra mayor aunque parezca pequeña. Muy importante. Marca un estilo y una nueva época. No pasará desapercibida porque no solo es coherente con toda su filmografía sino también porque es honesto con su público. Moretti es liso y llano en su discurso. Actúa y dirige la película. Su actuación es casi totalmente de espalda al público. Y como consecuencia de ello, su film resulta claro y contundente. Obviamente  ha dejado la mochila atrás.

GARFIELD de Mark Dindal

¿QUÉ HICISTE ESTE DOMINGO?

Este fin de semana fui al cine con mis nietitas. Ellas querían ver la película de Garfield y con mi esposa pensamos que sería una buena oportunidad llevarlas al cine ya que una de ellas nunca había ido a una sala de este tipo. La fiestita cinematográfica estuvo acompañada de pochoclos. Zoe y la pequeña Abril  disfrutaron un montón con las correrías del simpático gatito.

Dirigida por Dindal, un director americano de probada eficacia (antes dirigió, entre otras, “El Emperador y sus Locuras”), es una producción de Disney. Zoe me comentó que quería verla y vimos la oportunidad de llevarlas al cine. En Estados Unidos, la película  no funcionó de acuerdo a las expectativas esperadas.

Abril estaba más atenta al tacho de pochoclos que a la estrella de la película, Garfield, un gato cariñoso y travieso, dibujo de animación inspirado en una  tira cómica creada por Jim Davis, que protagoniza el film y cuenta la aventura de un gato gordo, algo perezoso que, un buen día, conoce a Jon, quien lo adopta, y le resuelve su vida asegurándole la comida y el agua de cada día.

John lo ha adoptado como un padre, y en consecuencia, le cubre la mayor parte de los destrozos que genera en el jardín de la casa. Además, el gato convive con otra mascota, el perro Odie, al que Zoe miraba poniendo toda su atención.

Garfield lleva una vida cómoda en la casa de Jon. Tiene una tarjeta de crédito a su nombre, y eso  le permite comprar la comida italiana que le gusta. Es lo que se dice, “un gato pituco”. Mientras tanto, la película avanza y Abril está muy atenta a que Zoe no se coma todos los pochoclos.

El cast de personajes lo completan la gata Jinx, que forma parte de un grupo de ladrones que aparece para complicar sus vecinos y otros gatos más que están intentando formar una banda, que al re encontrarse con su dueño, se verán involucrados sorpresivamente en un atraco a un banco. Zoe comió moderadamente, como es habitual, y presta atención al desarrollo de la peli.

La capacidad narrativa de Dindal luce y logra entretener con buenas artes no solo a los más pequeños sino también a los adultos que los acompañan. La peli termina obviamente con un “happy end”.  Las pequeñas han salido muy contentas, entretenidas por una película que está dirigida especialmente a ellas.  Obviamente, el film está orientado al público infantil. Y todos, chicos y grandes, se han divertido muchos con las travesuras del famoso gatito.

No vi las versiones cinematográficas anteriores por lo tanto, no puedo afirmar que esta nueva versión, la tercera de la serie, sea mejor o peor que las anteriores, pero sí puedo decir que toda la platea de pequeños cinéfilos da su aprobación con un cerrado aplauso, lo cual significa haber disfrutado la película. Zoe y Abril no se conformaron con ello, y nos invitaron a tomar chocolatada y un alfajor de Havanna.

PROFESION PELIGRO de David Leitch

EJERCICIO DE ESTILO

Muy de vez en cuando Hollywood toma riesgos. No es lo habitual. Profesión Peligro, es ahora, la excepción. Esta película es diferente a lo que ya hemos visto. Estamos frente a un film de intriga, difícil de catalogar. Un stunt tiene un accidente y en realidad le piden que vaya a Sydney donde se está filmando otra película.

Esta película tiene acción, comedia y romance, pero fundamentalmente, suspenso. Escrita por Drew Pearce, es interpretada por Ryan Gosling y Emily Blunt y se transforma inmediatamente en una película de género que rompe claramente los parámetros, produciendo una renovación casi inconsciente del mismo. Por otra parte, su origen proviene de una adaptación de una serie de televisión de la década de 1980, que lleva el mismo nombre, estelarizada por Lee Majors, y creada por Glen Larson.

Este film podría ser considerado como una obra renovadora de un género, una rara osadía de un autor que se consolida en una moviola realizando un relato de calidad majestuosa con un moderno tipo de lenguaje basado en un montaje hecho añicos como muy pocas veces ha realizado el cine de Hollywood.

La película es una obra que partiendo de un capítulo de una serie de televisión, se va liberando de toda atadura narrativa y apoyándose en una trama mínima se transforma en una persecución que prácticamente dura toda la película, y se eleva hacia una obra de puro montaje que bien podría ser no solo en una obra original sino también en una de “culto”.

La trama encuentra a Colt Seavers, un doble de riesgo, interpretado por Gosling que entra en romance con una camarógrafa devenida en directora llamada Jody (Emily Blunt), donde ocurrirá un accidente que origina una persecución donde el amor, el misterio y el suspenso producen un vínculo que atrapa al espectador.

Sin ánimo de descubrir la trama y resolución del film, insisto en que lo más importante que genera la película es recuperar un género, llevando la forma de narrar basada a puro montaje, la cual establece un ritmo, y una velocidad narrativa súper rápida, que establece un estilo narrativo que busca enganchar al espectador usando al actor como un mero narrador que el público no ve  pero imagina.

Este estilo nace en la sala de montaje, donde no solo establece el ritmo de la película, sino incorpora al espectador como participe de lo que está ocurriendo en la pantalla, una especie de realidad virtual que lo ubica en la misma posición que el personaje.

La película resulta un film que se hace a sí mismo. La trama envuelve al espectador, lo atrapa y solo lo suelta cuando aparece el famoso “the end”.

Obviamente, tanto la parte autoral como la actuación, la fotografía y la música, coadyuvan al logro deseado cuya mayor virtud, es la de entretener. El film logra sus objetivos de transformar la posición del mismo haciéndolo participe de la acción aunque se trate de pura ficción. 

DESAFIANTES de Luca Guadagnino

UN ETERNO TRIO

Luca Guadagnino es guionista, director y productor italiano que destaca y gana reconocimiento con una película interesante que saca partido de un esquema narrativo basado en las idas y vueltas de un triángulo amoroso formado por dos amigos que se han enamorado de una misma mujer, una famosa tenista.

Ambos se conocen desde la niñez y han sido discípulas de aquél, el cual no es mucho mayor que ellas. Como consecuencia de esa relación, ambos han terminado enamorándose de ella simultáneamente.

El film atrapa al espectador con buenas artes y un prolijo trabajo tanto de escritura como de puesta en escena.  En verdad se debe reconocer que el film es una sumatoria de momentos de entrenamiento y partidos de tenis cuyo objetivo principal no está en ganar el partido sino quedarse con la profesora, transformándolo en una carrera de pequeñas conquistas amorosas.

Obviamente, el film se nutre de la vieja comedia americana de los años sesenta que hacen recordar algunas películas con Doris Day como protagonista, actualizada a esta época, donde el romanticismo de aquella se ha perdido y se ha cambiado por cinismo.

El film transcurre un 90 por ciento de su metraje en una cancha de tenis. En consecuencia, los entrenamientos y los partidos de tenis se transforman en una carrera de conquistas en pos del profesor, generando un telón  de fondo entretenido. Ella se transformará en el coach de uno de ellos, su marido

Con una puesta en escena muy bien constituida, destaca un estilo que nunca olvida el espíritu de lucha de sus protagonistas, ambos apasionados por el juego de tenis, que nunca abandonan el aspecto emocional. En la cancha, esa competencia no marca otra cosa que la rivalidad entre ambos.

El juego de tenis es representativo tanto del aspecto romántico de la película como del de la rivalidad por la conquista de ambos respecto al coach. El film es capaz de desarrollar una profundidad emocional que llega a hacer sentir ese espíritu de batalla  que ambos contrincantes están peleando más allá de un punto de tenis o un partido  sino por algo más importante que es el amor del coach.

Una de las características distintivas del cine de Guadagnino es su capacidad para capturar lo cotidiano. Sus películas son simples, están impregnadas de buen gusto y una sensualidad sutil y poderosa, que se manifiesta en cada movimiento de cámara, y sobre todo, en un dialogo donde cada palabra suena como un susurro.

La película toma forma en la medida que avanza, haciendo crecer en credibilidad a su actores, dando cuerpo a la trama, y dejando percibir que el tenis esta tomado como un desafío, el de los protagonistas, enamorados de una misma mujer, donde el partido tiene premio, y que el que gana se queda con ella. La pelota, como la película, va y viene de una situación a otra marcando un ritmo que marca un contrapunto que determina una ida y vuelta que mantiene siempre interesado al espectador.  

Para quienes no recuerdan la filmografía del director, tiene en su haber dos películas interesantes. Es el realizador de: Llámame por tu Nombre (2017) y Suspiria (2018). El elenco principal de Desafiantes está estelarizada por Zendaya como Tashi Duincan, Josh O´Connor como un tenista y Mike Faist como Art Donaldson, el profesor que destacan con muy buenas actuaciones. Todos los aspectos técnicos del film son ponderables. La película no solo logra ser entretenida sino también interesante

GUERRA CIVIL de Alex Garland

EJERCICIO DE ESTILO

Enfocada desde el punto de vista de un francotirador que se encuentra pertrechado en las vías de un ferrocarril, cumpliendo funciones de vigilancia, el film registra minuciosamente la soledad de un hombre en una situación forzada que debe permanecer despierto durante un tiempo que se le ha designado.

La situación planteada es monótona. En ese lugar no pasa absolutamente nada ni nadie. Todo esta tan calmo como las propias vías del ferrocarril. Todo lo que hay allí es un hombre vestido de soldado. Es él, su fusil, las vías, y la tremenda soledad que le impone la orden recibida.

 El director Garland se las ingenia adecuadamente para mantener en vilo al espectador. La película juega dentro la una situación de encierro que paradójicamente, se haya al aire libre. Su personaje es un soldado que debe hacer guardia en una vía ferroviaria. No tiene otra cosa que hacer que controlar un paso a nivel en medio de una foresta en la cual no pasa nadie.

La cuestión trata del estar consigo mismo. Encontrar el temple necesario para conservar y disfrutar de la calma. Seguramente no pasará nada, pero si pasa, debe estar atento a lo que debe hacer.

Su situación de guardia tiene un principio y un fin. Responde a una cuestión de seguridad. Su puesto es un paso  en una calle en el medio de un bosque por donde pasa un tren que más tarde entra a una ciudad. Toda la película se centra en esa situación de ese hombre que espera. La tensión la atraviesa de punta a punta, porque si bien el film tiene una lógica, su resolución bastante convencional.

Wagner Moura es un productor y director brasileño que ha intentado, con cierto éxito, sobre todo en lo artístico, un producto que si bien se pasea por un género, un film de guerra de características psicológicas, logra salir de a flote siempre tratando de mantener un lenguaje cinematográfico puro, es decir, basado en la en la tensión permanente de la situación dramática que vive el personaje, una soledad total en medio de una foresta que por momentos parece vivir una pesadilla y por otros, una simple misión militar de custodia y control.

El resultado logrado es exitoso, sobre todo en lo artístico, no exento de algún convencionalismo narrativo, debilidades que  el gran público perdona en función del  entretenimiento que por otra parte, supera con gran efectividad con un final que deja atónito al espectador generando una situación impensada de dramaticidad política.

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

¿UN NUEVO NEORREALISMO?                                                

Entre al cine con bastante poco entusiasmo y salí muy contento. Algo está pasando en el cine mundial. Netflix y similares se están metiendo en la casa de cada uno de nosotros con cierto poder monopolista tratando de satisfacer de distraernos de la ansiedad que transmite la vida real con sus innumerables problemas diarios.

Ello lleva a la elección pasatista. Es como tomar una aspirina sin consultar al médico cuando duele la cabeza. Si el dolor desaparece, no hay problemas, pero si sigo con la aspirina, seguramente  no curare la enfermedad. El cine italiano ha detectado el problema antes que nadie, incluido, sobre todo, al cine americano. La caída en interés temático que evidencia este último cine es indirectamente proporcional al que pone el cine europeo, y dentro de ese bagaje de países, el cine italiano sobresale con una producción no muy numerosa pero ciertamente interesante.

Los italianos están haciendo renacer un nuevo realismo que se ha puesto a la cabeza del cine mundial con obras que hacen pensar en un renacimiento del realismo, particularmente social, que saca ventaja artística tanto del resto de los cines europeos, pero sobre todo, del americano, que niega su herencia histórica tratando de liderar con las nuevas formas ahogándose en la vulgaridad de la producción televisiva.

Nunca es Tarde … es el título con que se ha dado a conocer en Argentina “Astolfo”, un nombre que alude al  protagonista,  un profesor jubilado que debe abandonar el departamento que habita porque su dueña lo necesita. Por lo tanto, regresa a la casa de su madre en Artena, el pueblo donde nació. Ahí ese hombre es el último descendiente de la familia fundadora del pueblo y dueño de un ruinoso palacio desocupado por bastante tiempo, donde se ha instalado uno de los vecinos del pueblo. El hombre termina compartiendo la casa, donde primará un espíritu colectivista. 

Más allá del costumbrismo italiano, este título junto a otros conocidos en los últimos meses, muestran esas ganas de hacer cambiar el cine, dar un paso adelante, encontrar ese mañana que hoy busca el cambio para no quedar en la esclerosis. Acá lo colectivo juagará como factor de cambio.

Ya no están los capos cómicos. No esta Gassman, ni Manfredi, ni Tognazzi, ni Sordi ni Totó. Pero han aparecido nuevos actores, todavía no conocidos por el gran público, pero las últimas películas italianas presentadas muestran un cambio que a priori podemos catalogar como positivo.

Esta comedia de Grianni Di Gregorio cumple con su cometido. Es amable, hace reír, interesa de principio a fin, y sobre todo, entretiene al espectador contando una historia agradable.

BACK TO BLACK de Sam Taylor-Wood

SENTIMIENTO DE PENA

Toda muerte nos causa pena, pero cuando se trata de una vida joven y talentosa mujer, esa pena parece mayor. Es dificil medir la dimesion de una muerte. Este es el caso de Amy Winehouse que, en estos días, se cumplen 10 años de su muerte, y en consecuencia, el cine la recuerda con este largometraje inglés de carácter documental sobre su vida.

Amy falleció cuando tenía tan solo 27 años y se transformaba no solo en una gran cantante sino que, de alguna manera, reemplazaba y continuaba a alguna de las grandes cantantes de jazz que hemos admirado en el pasado, tipo Billie Hollyday o Dione Warwick.

Hija de un inglés de clase media, muy apegada a su padre, compartía su vida con su familia, hasta que conoce a Blake Fielder –Civil con quien contrae matrimonio, y más tarde se divorcia. Según la película, ese fracaso matrimonial, la lleva primero al alcohol y después a la muerte.

El film que la evoca  es apenas una excusa para recordarla. No es un gran film. Es más bien un conjunto de videoclips que se transforma en homenaje, a través de una muy buena recopilación de temas prolijamente editados. No aporta gran cosa respecto a lo ya conocemos de ella. Su vida fue y sigue siendo un misterio.

Desde un punto de vista cinematográfico, podríamos calificar la película como pobre. No hay nada que la distinga más allá de la buena edición de la banda de sonido donde los ingleses siempre han dado catedra al respecto.

Nacida en una familia de clase media inglesa, parece haber tenido una crianza común, con una relación familiar estrecha, en la que su padre parecía tener suficiente autoridad familiar para educar a sus hijos.

Sin embargo, su adicción a las drogas, aunque no sea desarrollado como sub tema de la película, si bien es determinante de su muerte, tampoco lo fue respecto a su carrera artística, dado que aún es recordada por la calidad de su poesía y sobretodo, por su voz, que hacia recordar a las grandes cantantes de jazz que sobresalieron en otra época, tales como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Nina Simone o Peggy Lee. 

No obstante, y más allá de lo musical, la película, si bien no brilla como obra cinematográfica, puede verse con facilidad porque está hecha con respeto y amor. Su corta vida también la vuelve icónica porque en muy poco tiempo marco un estilo.  El carácter audiovisual de la obra, y su propósito evocativo busca retrotraer al pasado con el objetivo de recordarla en una fecha tan significativa como la honrar 10 años de su muerte.

La forma de video clips que dejan constancia de su obra son las piedras angulares del este film. Dichos videos con sus canciones más conocidas dejan grabadas su poesía y su voz artísticamente privilegiada.

Desde un punto estrictamente cinematográfico el film tampoco muestra un standard superior a lo normal o ya visto. Su voz era claramente su punto fuerte. Cantaba al mejor estilo de las grandes cantantes de jazz. Lamentablemente, una personalidad bastante volátil, una vida familiar muy arraigada, un marido que paso como un capricho de su vida y sobretodo, una fuerte dependencia al alcohol apagaron su vida tempranamente.

SIEMPRE HABRÁ UN MAÑANA de Paola Cortellesi

 LA VIDA Y LOS SUEÑOS

Estamos ante un film  no solo muy personal, sino también una obra de madurez de una directora italiana que busca resucitar la famosa “comedia alla italiana” que brillo en su momento, fines de los 50 y principios de los 60, con aquellos monstruos sagrados como Vittorio Gasman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi y Nino  Manfredi.

No obstante, no estamos viajando hacia el pasado. Los monstruos mencionados del cine italiano que hemos mencionado es tan solo el recuerdo y los antecedentes que aquel cine deja como fuente de inspiración, un rastro que hoy sigue gente como esta joven directora, guionista y actriz italiana que encabeza esta comedia.  Se trata de Paola Cortellesi.

Cortellesi tiene una trayectoria de 20 años de actuación y ahora debuta como directora de una comedia  muy a la italiana que sin lugar a dudas sale adelante inspirada en el cine que aquellos monstruos  sagrados que permanecerán siempre vigentes porque fueron capaces de hacer un cine distinto y personal.

Conocida como actriz, autora, cómica, cantante,  ahora logra brillar en esta estupenda comedia estrenada esta semana en la que triplica responsabilidades dado que escribe el guion, dirige la película y actúa el papel principal.

El resultado es altamente satisfactorio. No solo logra hacer funcionar la comedia de principio a fin  durante dos horas en la que su personaje central llena con su presencia simpática a una mujer no correspondida que logra salir de su ostracismo.

Más allá de ello, Cortellesi no da puntada sin hilo. Narra con las características propia de la comedia a la italiana actualizada al mejor estilo de cine moderno, con una labor de montaje prolija e incluso prodigiosa, logra imponer un estilo de mujer liberada a pesar que el machismo que la rodea todavía no ha superado las barreras costumbristas de la época de  la época. El film transcurre a fines de la segunda guerra mundial y el feminismo aparece al final de esa época.

Su personaje, obviamente creado para sí misma, brilla durante toda la película. Ella es una mujer liberada con la excepción que todavía (los años 40), en Italia, todavía, no se habían aprobado los derechos civiles para la mujer. De hecho, el personaje ya los disfrutaba.

Escrita para sí misma, el film mantiene un equilibrio notable, donde la comedia brillante reina durante toda la película, tornando un pasatiempo en una película no solo brillante, sino también muy interesante en lo formal e incluso en lo discursivo.

Sin lugar a dudas, una película de autor. Cortellesi es guionista, actriz y directora de una película que logra todos sus adjetivos: interesante, entretenida, y muy bien actuada.

LAZOS DE VIDA de Paola Cortellesi

LAZOS DE VIDA de James Hawes

EL HUMANISMO EN ESTADO PURO

Este es un film, de marcada esencia documental pese a que en realidad es una ficción. Su virtud es recordar, sin golpes bajos ni obsecuencia, la obra de carácter humanitario que realizó Nicholas Winton, un ciudadano inglés que durante 1938 y 1939 puso a salvó a 669 niños  justo antes que las fuerzas de ocupación alemanas tomaran Checoslovaquia.

En aquellos años, Hitler anexó Austria a Alemania, y además, comenzó a expulsar a los checos de Sudeteland, donde también habitaban muchos judíos de diferentes procedencias. Particularmente, en la ciudad de Praga comenzó a refugiarse mucha gente. Los ingleses trataron de intervenir pero no tuvieron éxito. En el ida y vuelta, la situación de los refugiados empeoraba cuando de repente, apareció Nicholas Winton, un agente de bolsa inglés, que decidió asumir el riego de embarcar a 669 niños hacia el Mar del Norte, hacerlos llegar a Inglaterra, y entregarlos en adopción, salvándolos de tener que soportar la guerra.

La película es una entrevista simple, entrevistador / entrevistado,  de hora y media de duración, donde este hombre de gran corazón y  amor al prójimo, relata el porqué y el cómo de su obra, en una charla amena de dos personas, un periodista y su entrevistado, pasando revista a aquel hecho que no solo resalta por su importancia sino también por la capacidad del interlocutor, capaz  de hacer poder resaltar una obra de carácter humanista sino también por su visión, lo cual le permitió anticipar los hechos que a la postre, permitirían un suceso exitoso en su difícil empresa de salvataje.

La atención del film se concentra no tanto en lo formal sino en la dignidad humana y la capacidad de transformación de la historia y la sociedad. Hawes, asume un estilo documental puro, despojado de toda retórica, a través de una entrevista donde el personaje principal (Mr. Winton) es entrevistado, resaltando lo importante, poniendo foco en el rescate anticipado de aquellos niños.

La primera parte del film presenta al personaje en su actualidad, un anciano inglés que vive tranquilo en una típica casa inglesa rodeado de recuerdos que, rápidamente, será reporteado pasando al objetivo principal, es decir, aquella entrevista que da lugar a la película que comentamos, cuyo propósito no solo es realizar un homenaje a aquel hombre inigualable sino también a recordar aquella epopeya y una serie de encuentros que dejan constancia de la dimensión humana de un hombre extraordinario que salvó  a niños de un calvario. Si bien el film resalta aquellos hechos positivos que permitieron la supervivencia de más de seiscientos niños, cinematográficamente hablando, el film se vuelve reiterativo haciendo perder parte de su interés.

Legalmente hablando, los niños salvados quedaron bajo la custodia de una adopción temporal, lo cual permitió que fueran trasladados a un lugar seguro, el cual fue Inglaterra.  

Anthony Hopkins vuelve a brillar con su notable actuación, personificando al personaje real. Acompaña Johnny Flynn como Sir Nicholas Winton, ​

La historia es cierta, y ocurrió tal como se cuenta. 

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

FAMILIA Y RESPONSABILIDAD

Cercana al cine catástrofe pero dejando de lado su espectacularidad y concentrándose en las consecuencias de un sismo de mediana intensidad que hacen presagiar lo peor, este film del director francés sale hecho porque guarda y cuida en todo momento la situación de amenaza que provoca el fenómeno, convirtiéndolo  en un estudio sobre la responsabilidad del individuo en circunstancias extremas.

Esta película de 2021 recién estrenada esta semana en Buenos Aires, podría encajar en un tipo de cine pasajero. Sin embargo, ese no es el camino que elige su director sino la situación límite o extrema que provoca un fenómeno natural sobre las personas, desde la propia amenaza del fenómeno hasta las consecuencias familiares que trastornan a una familia francesa cuya madre trabaja para un banco francés en Tokio, en el momento en que un sismo de alta magnitud destruye en parte una central atómica

La situación provoca nerviosismo y ansiedad. La responsabilidad de la jefa de es asumida. Ella se hace cargo de todo, tanto de situaciones laborales como obviamente, las familiares. No obstante, su preocupación más cercana es si debe hacerse cargo de sus empleados de su sucursal bancaria cumpliendo con la evacuación de los mismos, y cargándolos en un avión, llevándolos a un lugar seguro regresándolos a Paris.

La decisión no es fácil. El film genera varias vueltas de tuerca mientras se dirime la decisión de “salir de Tokio o quedarse en la ciudad”. Mientras tanto, suceden escaramuzas familiares que juegan alternándose en situaciones alternativas de tensión y  distensión de la situación vivida analizando las discusiones familiares, con sus pros y contras.

Con un elenco interesante en el cual destaca Karin Viard, como la madre de familia y encumbrada funcionaria de un banco francés, el film elude las características propias del gran espectáculo encerrando al núcleo familiar en dicha situación límite. La decisión de volver a Francia con la familia o permanecer en Tokio bajo la amenaza de un nuevo sacudón de la tierra se vuelve una dicotomía difícil de dilucidar. 

El tema de la responsabilidad personal es el verdadero punto de discusión que plantea la película. La madre es la persona que más se debate entre su propio rol de madre y su obligación laboral.  Allí es donde nace un conflicto que encerrado en el departamento familiar donde habitan en Tokio. Gran parte de la película transcurre en ese lugar. En esa situación de encierro, es la madre quien tiene y siente la responsabilidad familiar. Ella es quien está a cargo de la tarea titánica que en el caos reinante debe mantener la familia unida, y a la vez, atender sus responsabilidades en el banco en el cual trabaja.

Responsable de una filmografía de cinco títulos que no he tenido oportunidad de ver, este su último trabajo, es una obra concisa y concreta donde nada sobra ni nada falta. Un trabajo de capacidad narrativa, expresado con toda claridad, que narra un momento familiar de conmoción, donde la seguridad de una familia, lejos de casa, está en juego porque la tierra tiembla.