GARFIELD de Mark Dindal

¿QUÉ HICISTE ESTE DOMINGO?

Este fin de semana fui al cine con mis nietitas. Ellas querían ver la película de Garfield y con mi esposa pensamos que sería una buena oportunidad llevarlas al cine ya que una de ellas nunca había ido a una sala de este tipo. La fiestita cinematográfica estuvo acompañada de pochoclos. Zoe y la pequeña Abril  disfrutaron un montón con las correrías del simpático gatito.

Dirigida por Dindal, un director americano de probada eficacia (antes dirigió, entre otras, “El Emperador y sus Locuras”), es una producción de Disney. Zoe me comentó que quería verla y vimos la oportunidad de llevarlas al cine. En Estados Unidos, la película  no funcionó de acuerdo a las expectativas esperadas.

Abril estaba más atenta al tacho de pochoclos que a la estrella de la película, Garfield, un gato cariñoso y travieso, dibujo de animación inspirado en una  tira cómica creada por Jim Davis, que protagoniza el film y cuenta la aventura de un gato gordo, algo perezoso que, un buen día, conoce a Jon, quien lo adopta, y le resuelve su vida asegurándole la comida y el agua de cada día.

John lo ha adoptado como un padre, y en consecuencia, le cubre la mayor parte de los destrozos que genera en el jardín de la casa. Además, el gato convive con otra mascota, el perro Odie, al que Zoe miraba poniendo toda su atención.

Garfield lleva una vida cómoda en la casa de Jon. Tiene una tarjeta de crédito a su nombre, y eso  le permite comprar la comida italiana que le gusta. Es lo que se dice, “un gato pituco”. Mientras tanto, la película avanza y Abril está muy atenta a que Zoe no se coma todos los pochoclos.

El cast de personajes lo completan la gata Jinx, que forma parte de un grupo de ladrones que aparece para complicar sus vecinos y otros gatos más que están intentando formar una banda, que al re encontrarse con su dueño, se verán involucrados sorpresivamente en un atraco a un banco. Zoe comió moderadamente, como es habitual, y presta atención al desarrollo de la peli.

La capacidad narrativa de Dindal luce y logra entretener con buenas artes no solo a los más pequeños sino también a los adultos que los acompañan. La peli termina obviamente con un “happy end”.  Las pequeñas han salido muy contentas, entretenidas por una película que está dirigida especialmente a ellas.  Obviamente, el film está orientado al público infantil. Y todos, chicos y grandes, se han divertido muchos con las travesuras del famoso gatito.

No vi las versiones cinematográficas anteriores por lo tanto, no puedo afirmar que esta nueva versión, la tercera de la serie, sea mejor o peor que las anteriores, pero sí puedo decir que toda la platea de pequeños cinéfilos da su aprobación con un cerrado aplauso, lo cual significa haber disfrutado la película. Zoe y Abril no se conformaron con ello, y nos invitaron a tomar chocolatada y un alfajor de Havanna.

PROFESION PELIGRO de David Leitch

EJERCICIO DE ESTILO

Muy de vez en cuando Hollywood toma riesgos. No es lo habitual. Profesión Peligro, es ahora, la excepción. Esta película es diferente a lo que ya hemos visto. Estamos frente a un film de intriga, difícil de catalogar. Un stunt tiene un accidente y en realidad le piden que vaya a Sydney donde se está filmando otra película.

Esta película tiene acción, comedia y romance, pero fundamentalmente, suspenso. Escrita por Drew Pearce, es interpretada por Ryan Gosling y Emily Blunt y se transforma inmediatamente en una película de género que rompe claramente los parámetros, produciendo una renovación casi inconsciente del mismo. Por otra parte, su origen proviene de una adaptación de una serie de televisión de la década de 1980, que lleva el mismo nombre, estelarizada por Lee Majors, y creada por Glen Larson.

Este film podría ser considerado como una obra renovadora de un género, una rara osadía de un autor que se consolida en una moviola realizando un relato de calidad majestuosa con un moderno tipo de lenguaje basado en un montaje hecho añicos como muy pocas veces ha realizado el cine de Hollywood.

La película es una obra que partiendo de un capítulo de una serie de televisión, se va liberando de toda atadura narrativa y apoyándose en una trama mínima se transforma en una persecución que prácticamente dura toda la película, y se eleva hacia una obra de puro montaje que bien podría ser no solo en una obra original sino también en una de “culto”.

La trama encuentra a Colt Seavers, un doble de riesgo, interpretado por Gosling que entra en romance con una camarógrafa devenida en directora llamada Jody (Emily Blunt), donde ocurrirá un accidente que origina una persecución donde el amor, el misterio y el suspenso producen un vínculo que atrapa al espectador.

Sin ánimo de descubrir la trama y resolución del film, insisto en que lo más importante que genera la película es recuperar un género, llevando la forma de narrar basada a puro montaje, la cual establece un ritmo, y una velocidad narrativa súper rápida, que establece un estilo narrativo que busca enganchar al espectador usando al actor como un mero narrador que el público no ve  pero imagina.

Este estilo nace en la sala de montaje, donde no solo establece el ritmo de la película, sino incorpora al espectador como participe de lo que está ocurriendo en la pantalla, una especie de realidad virtual que lo ubica en la misma posición que el personaje.

La película resulta un film que se hace a sí mismo. La trama envuelve al espectador, lo atrapa y solo lo suelta cuando aparece el famoso “the end”.

Obviamente, tanto la parte autoral como la actuación, la fotografía y la música, coadyuvan al logro deseado cuya mayor virtud, es la de entretener. El film logra sus objetivos de transformar la posición del mismo haciéndolo participe de la acción aunque se trate de pura ficción. 

DESAFIANTES de Luca Guadagnino

UN ETERNO TRIO

Luca Guadagnino es guionista, director y productor italiano que destaca y gana reconocimiento con una película interesante que saca partido de un esquema narrativo basado en las idas y vueltas de un triángulo amoroso formado por dos amigos que se han enamorado de una misma mujer, una famosa tenista.

Ambos se conocen desde la niñez y han sido discípulas de aquél, el cual no es mucho mayor que ellas. Como consecuencia de esa relación, ambos han terminado enamorándose de ella simultáneamente.

El film atrapa al espectador con buenas artes y un prolijo trabajo tanto de escritura como de puesta en escena.  En verdad se debe reconocer que el film es una sumatoria de momentos de entrenamiento y partidos de tenis cuyo objetivo principal no está en ganar el partido sino quedarse con la profesora, transformándolo en una carrera de pequeñas conquistas amorosas.

Obviamente, el film se nutre de la vieja comedia americana de los años sesenta que hacen recordar algunas películas con Doris Day como protagonista, actualizada a esta época, donde el romanticismo de aquella se ha perdido y se ha cambiado por cinismo.

El film transcurre un 90 por ciento de su metraje en una cancha de tenis. En consecuencia, los entrenamientos y los partidos de tenis se transforman en una carrera de conquistas en pos del profesor, generando un telón  de fondo entretenido. Ella se transformará en el coach de uno de ellos, su marido

Con una puesta en escena muy bien constituida, destaca un estilo que nunca olvida el espíritu de lucha de sus protagonistas, ambos apasionados por el juego de tenis, que nunca abandonan el aspecto emocional. En la cancha, esa competencia no marca otra cosa que la rivalidad entre ambos.

El juego de tenis es representativo tanto del aspecto romántico de la película como del de la rivalidad por la conquista de ambos respecto al coach. El film es capaz de desarrollar una profundidad emocional que llega a hacer sentir ese espíritu de batalla  que ambos contrincantes están peleando más allá de un punto de tenis o un partido  sino por algo más importante que es el amor del coach.

Una de las características distintivas del cine de Guadagnino es su capacidad para capturar lo cotidiano. Sus películas son simples, están impregnadas de buen gusto y una sensualidad sutil y poderosa, que se manifiesta en cada movimiento de cámara, y sobre todo, en un dialogo donde cada palabra suena como un susurro.

La película toma forma en la medida que avanza, haciendo crecer en credibilidad a su actores, dando cuerpo a la trama, y dejando percibir que el tenis esta tomado como un desafío, el de los protagonistas, enamorados de una misma mujer, donde el partido tiene premio, y que el que gana se queda con ella. La pelota, como la película, va y viene de una situación a otra marcando un ritmo que marca un contrapunto que determina una ida y vuelta que mantiene siempre interesado al espectador.  

Para quienes no recuerdan la filmografía del director, tiene en su haber dos películas interesantes. Es el realizador de: Llámame por tu Nombre (2017) y Suspiria (2018). El elenco principal de Desafiantes está estelarizada por Zendaya como Tashi Duincan, Josh O´Connor como un tenista y Mike Faist como Art Donaldson, el profesor que destacan con muy buenas actuaciones. Todos los aspectos técnicos del film son ponderables. La película no solo logra ser entretenida sino también interesante

GUERRA CIVIL de Alex Garland

EJERCICIO DE ESTILO

Enfocada desde el punto de vista de un francotirador que se encuentra pertrechado en las vías de un ferrocarril, cumpliendo funciones de vigilancia, el film registra minuciosamente la soledad de un hombre en una situación forzada que debe permanecer despierto durante un tiempo que se le ha designado.

La situación planteada es monótona. En ese lugar no pasa absolutamente nada ni nadie. Todo esta tan calmo como las propias vías del ferrocarril. Todo lo que hay allí es un hombre vestido de soldado. Es él, su fusil, las vías, y la tremenda soledad que le impone la orden recibida.

 El director Garland se las ingenia adecuadamente para mantener en vilo al espectador. La película juega dentro la una situación de encierro que paradójicamente, se haya al aire libre. Su personaje es un soldado que debe hacer guardia en una vía ferroviaria. No tiene otra cosa que hacer que controlar un paso a nivel en medio de una foresta en la cual no pasa nadie.

La cuestión trata del estar consigo mismo. Encontrar el temple necesario para conservar y disfrutar de la calma. Seguramente no pasará nada, pero si pasa, debe estar atento a lo que debe hacer.

Su situación de guardia tiene un principio y un fin. Responde a una cuestión de seguridad. Su puesto es un paso  en una calle en el medio de un bosque por donde pasa un tren que más tarde entra a una ciudad. Toda la película se centra en esa situación de ese hombre que espera. La tensión la atraviesa de punta a punta, porque si bien el film tiene una lógica, su resolución bastante convencional.

Wagner Moura es un productor y director brasileño que ha intentado, con cierto éxito, sobre todo en lo artístico, un producto que si bien se pasea por un género, un film de guerra de características psicológicas, logra salir de a flote siempre tratando de mantener un lenguaje cinematográfico puro, es decir, basado en la en la tensión permanente de la situación dramática que vive el personaje, una soledad total en medio de una foresta que por momentos parece vivir una pesadilla y por otros, una simple misión militar de custodia y control.

El resultado logrado es exitoso, sobre todo en lo artístico, no exento de algún convencionalismo narrativo, debilidades que  el gran público perdona en función del  entretenimiento que por otra parte, supera con gran efectividad con un final que deja atónito al espectador generando una situación impensada de dramaticidad política.

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

NUNCA ES TARDE PARA AMAR de Gianni Di Gregorio

¿UN NUEVO NEORREALISMO?                                                

Entre al cine con bastante poco entusiasmo y salí muy contento. Algo está pasando en el cine mundial. Netflix y similares se están metiendo en la casa de cada uno de nosotros con cierto poder monopolista tratando de satisfacer de distraernos de la ansiedad que transmite la vida real con sus innumerables problemas diarios.

Ello lleva a la elección pasatista. Es como tomar una aspirina sin consultar al médico cuando duele la cabeza. Si el dolor desaparece, no hay problemas, pero si sigo con la aspirina, seguramente  no curare la enfermedad. El cine italiano ha detectado el problema antes que nadie, incluido, sobre todo, al cine americano. La caída en interés temático que evidencia este último cine es indirectamente proporcional al que pone el cine europeo, y dentro de ese bagaje de países, el cine italiano sobresale con una producción no muy numerosa pero ciertamente interesante.

Los italianos están haciendo renacer un nuevo realismo que se ha puesto a la cabeza del cine mundial con obras que hacen pensar en un renacimiento del realismo, particularmente social, que saca ventaja artística tanto del resto de los cines europeos, pero sobre todo, del americano, que niega su herencia histórica tratando de liderar con las nuevas formas ahogándose en la vulgaridad de la producción televisiva.

Nunca es Tarde … es el título con que se ha dado a conocer en Argentina “Astolfo”, un nombre que alude al  protagonista,  un profesor jubilado que debe abandonar el departamento que habita porque su dueña lo necesita. Por lo tanto, regresa a la casa de su madre en Artena, el pueblo donde nació. Ahí ese hombre es el último descendiente de la familia fundadora del pueblo y dueño de un ruinoso palacio desocupado por bastante tiempo, donde se ha instalado uno de los vecinos del pueblo. El hombre termina compartiendo la casa, donde primará un espíritu colectivista. 

Más allá del costumbrismo italiano, este título junto a otros conocidos en los últimos meses, muestran esas ganas de hacer cambiar el cine, dar un paso adelante, encontrar ese mañana que hoy busca el cambio para no quedar en la esclerosis. Acá lo colectivo juagará como factor de cambio.

Ya no están los capos cómicos. No esta Gassman, ni Manfredi, ni Tognazzi, ni Sordi ni Totó. Pero han aparecido nuevos actores, todavía no conocidos por el gran público, pero las últimas películas italianas presentadas muestran un cambio que a priori podemos catalogar como positivo.

Esta comedia de Grianni Di Gregorio cumple con su cometido. Es amable, hace reír, interesa de principio a fin, y sobre todo, entretiene al espectador contando una historia agradable.

BACK TO BLACK de Sam Taylor-Wood

SENTIMIENTO DE PENA

Toda muerte nos causa pena, pero cuando se trata de una vida joven y talentosa mujer, esa pena parece mayor. Es dificil medir la dimesion de una muerte. Este es el caso de Amy Winehouse que, en estos días, se cumplen 10 años de su muerte, y en consecuencia, el cine la recuerda con este largometraje inglés de carácter documental sobre su vida.

Amy falleció cuando tenía tan solo 27 años y se transformaba no solo en una gran cantante sino que, de alguna manera, reemplazaba y continuaba a alguna de las grandes cantantes de jazz que hemos admirado en el pasado, tipo Billie Hollyday o Dione Warwick.

Hija de un inglés de clase media, muy apegada a su padre, compartía su vida con su familia, hasta que conoce a Blake Fielder –Civil con quien contrae matrimonio, y más tarde se divorcia. Según la película, ese fracaso matrimonial, la lleva primero al alcohol y después a la muerte.

El film que la evoca  es apenas una excusa para recordarla. No es un gran film. Es más bien un conjunto de videoclips que se transforma en homenaje, a través de una muy buena recopilación de temas prolijamente editados. No aporta gran cosa respecto a lo ya conocemos de ella. Su vida fue y sigue siendo un misterio.

Desde un punto de vista cinematográfico, podríamos calificar la película como pobre. No hay nada que la distinga más allá de la buena edición de la banda de sonido donde los ingleses siempre han dado catedra al respecto.

Nacida en una familia de clase media inglesa, parece haber tenido una crianza común, con una relación familiar estrecha, en la que su padre parecía tener suficiente autoridad familiar para educar a sus hijos.

Sin embargo, su adicción a las drogas, aunque no sea desarrollado como sub tema de la película, si bien es determinante de su muerte, tampoco lo fue respecto a su carrera artística, dado que aún es recordada por la calidad de su poesía y sobretodo, por su voz, que hacia recordar a las grandes cantantes de jazz que sobresalieron en otra época, tales como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Dinah Washington, Nina Simone o Peggy Lee. 

No obstante, y más allá de lo musical, la película, si bien no brilla como obra cinematográfica, puede verse con facilidad porque está hecha con respeto y amor. Su corta vida también la vuelve icónica porque en muy poco tiempo marco un estilo.  El carácter audiovisual de la obra, y su propósito evocativo busca retrotraer al pasado con el objetivo de recordarla en una fecha tan significativa como la honrar 10 años de su muerte.

La forma de video clips que dejan constancia de su obra son las piedras angulares del este film. Dichos videos con sus canciones más conocidas dejan grabadas su poesía y su voz artísticamente privilegiada.

Desde un punto estrictamente cinematográfico el film tampoco muestra un standard superior a lo normal o ya visto. Su voz era claramente su punto fuerte. Cantaba al mejor estilo de las grandes cantantes de jazz. Lamentablemente, una personalidad bastante volátil, una vida familiar muy arraigada, un marido que paso como un capricho de su vida y sobretodo, una fuerte dependencia al alcohol apagaron su vida tempranamente.

SIEMPRE HABRÁ UN MAÑANA de Paola Cortellesi

 LA VIDA Y LOS SUEÑOS

Estamos ante un film  no solo muy personal, sino también una obra de madurez de una directora italiana que busca resucitar la famosa “comedia alla italiana” que brillo en su momento, fines de los 50 y principios de los 60, con aquellos monstruos sagrados como Vittorio Gasman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi y Nino  Manfredi.

No obstante, no estamos viajando hacia el pasado. Los monstruos mencionados del cine italiano que hemos mencionado es tan solo el recuerdo y los antecedentes que aquel cine deja como fuente de inspiración, un rastro que hoy sigue gente como esta joven directora, guionista y actriz italiana que encabeza esta comedia.  Se trata de Paola Cortellesi.

Cortellesi tiene una trayectoria de 20 años de actuación y ahora debuta como directora de una comedia  muy a la italiana que sin lugar a dudas sale adelante inspirada en el cine que aquellos monstruos  sagrados que permanecerán siempre vigentes porque fueron capaces de hacer un cine distinto y personal.

Conocida como actriz, autora, cómica, cantante,  ahora logra brillar en esta estupenda comedia estrenada esta semana en la que triplica responsabilidades dado que escribe el guion, dirige la película y actúa el papel principal.

El resultado es altamente satisfactorio. No solo logra hacer funcionar la comedia de principio a fin  durante dos horas en la que su personaje central llena con su presencia simpática a una mujer no correspondida que logra salir de su ostracismo.

Más allá de ello, Cortellesi no da puntada sin hilo. Narra con las características propia de la comedia a la italiana actualizada al mejor estilo de cine moderno, con una labor de montaje prolija e incluso prodigiosa, logra imponer un estilo de mujer liberada a pesar que el machismo que la rodea todavía no ha superado las barreras costumbristas de la época de  la época. El film transcurre a fines de la segunda guerra mundial y el feminismo aparece al final de esa época.

Su personaje, obviamente creado para sí misma, brilla durante toda la película. Ella es una mujer liberada con la excepción que todavía (los años 40), en Italia, todavía, no se habían aprobado los derechos civiles para la mujer. De hecho, el personaje ya los disfrutaba.

Escrita para sí misma, el film mantiene un equilibrio notable, donde la comedia brillante reina durante toda la película, tornando un pasatiempo en una película no solo brillante, sino también muy interesante en lo formal e incluso en lo discursivo.

Sin lugar a dudas, una película de autor. Cortellesi es guionista, actriz y directora de una película que logra todos sus adjetivos: interesante, entretenida, y muy bien actuada.

LAZOS DE VIDA de Paola Cortellesi

LAZOS DE VIDA de James Hawes

EL HUMANISMO EN ESTADO PURO

Este es un film, de marcada esencia documental pese a que en realidad es una ficción. Su virtud es recordar, sin golpes bajos ni obsecuencia, la obra de carácter humanitario que realizó Nicholas Winton, un ciudadano inglés que durante 1938 y 1939 puso a salvó a 669 niños  justo antes que las fuerzas de ocupación alemanas tomaran Checoslovaquia.

En aquellos años, Hitler anexó Austria a Alemania, y además, comenzó a expulsar a los checos de Sudeteland, donde también habitaban muchos judíos de diferentes procedencias. Particularmente, en la ciudad de Praga comenzó a refugiarse mucha gente. Los ingleses trataron de intervenir pero no tuvieron éxito. En el ida y vuelta, la situación de los refugiados empeoraba cuando de repente, apareció Nicholas Winton, un agente de bolsa inglés, que decidió asumir el riego de embarcar a 669 niños hacia el Mar del Norte, hacerlos llegar a Inglaterra, y entregarlos en adopción, salvándolos de tener que soportar la guerra.

La película es una entrevista simple, entrevistador / entrevistado,  de hora y media de duración, donde este hombre de gran corazón y  amor al prójimo, relata el porqué y el cómo de su obra, en una charla amena de dos personas, un periodista y su entrevistado, pasando revista a aquel hecho que no solo resalta por su importancia sino también por la capacidad del interlocutor, capaz  de hacer poder resaltar una obra de carácter humanista sino también por su visión, lo cual le permitió anticipar los hechos que a la postre, permitirían un suceso exitoso en su difícil empresa de salvataje.

La atención del film se concentra no tanto en lo formal sino en la dignidad humana y la capacidad de transformación de la historia y la sociedad. Hawes, asume un estilo documental puro, despojado de toda retórica, a través de una entrevista donde el personaje principal (Mr. Winton) es entrevistado, resaltando lo importante, poniendo foco en el rescate anticipado de aquellos niños.

La primera parte del film presenta al personaje en su actualidad, un anciano inglés que vive tranquilo en una típica casa inglesa rodeado de recuerdos que, rápidamente, será reporteado pasando al objetivo principal, es decir, aquella entrevista que da lugar a la película que comentamos, cuyo propósito no solo es realizar un homenaje a aquel hombre inigualable sino también a recordar aquella epopeya y una serie de encuentros que dejan constancia de la dimensión humana de un hombre extraordinario que salvó  a niños de un calvario. Si bien el film resalta aquellos hechos positivos que permitieron la supervivencia de más de seiscientos niños, cinematográficamente hablando, el film se vuelve reiterativo haciendo perder parte de su interés.

Legalmente hablando, los niños salvados quedaron bajo la custodia de una adopción temporal, lo cual permitió que fueran trasladados a un lugar seguro, el cual fue Inglaterra.  

Anthony Hopkins vuelve a brillar con su notable actuación, personificando al personaje real. Acompaña Johnny Flynn como Sir Nicholas Winton, ​

La historia es cierta, y ocurrió tal como se cuenta. 

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

TOKYO SHAKING de Oliver Peyon

FAMILIA Y RESPONSABILIDAD

Cercana al cine catástrofe pero dejando de lado su espectacularidad y concentrándose en las consecuencias de un sismo de mediana intensidad que hacen presagiar lo peor, este film del director francés sale hecho porque guarda y cuida en todo momento la situación de amenaza que provoca el fenómeno, convirtiéndolo  en un estudio sobre la responsabilidad del individuo en circunstancias extremas.

Esta película de 2021 recién estrenada esta semana en Buenos Aires, podría encajar en un tipo de cine pasajero. Sin embargo, ese no es el camino que elige su director sino la situación límite o extrema que provoca un fenómeno natural sobre las personas, desde la propia amenaza del fenómeno hasta las consecuencias familiares que trastornan a una familia francesa cuya madre trabaja para un banco francés en Tokio, en el momento en que un sismo de alta magnitud destruye en parte una central atómica

La situación provoca nerviosismo y ansiedad. La responsabilidad de la jefa de es asumida. Ella se hace cargo de todo, tanto de situaciones laborales como obviamente, las familiares. No obstante, su preocupación más cercana es si debe hacerse cargo de sus empleados de su sucursal bancaria cumpliendo con la evacuación de los mismos, y cargándolos en un avión, llevándolos a un lugar seguro regresándolos a Paris.

La decisión no es fácil. El film genera varias vueltas de tuerca mientras se dirime la decisión de “salir de Tokio o quedarse en la ciudad”. Mientras tanto, suceden escaramuzas familiares que juegan alternándose en situaciones alternativas de tensión y  distensión de la situación vivida analizando las discusiones familiares, con sus pros y contras.

Con un elenco interesante en el cual destaca Karin Viard, como la madre de familia y encumbrada funcionaria de un banco francés, el film elude las características propias del gran espectáculo encerrando al núcleo familiar en dicha situación límite. La decisión de volver a Francia con la familia o permanecer en Tokio bajo la amenaza de un nuevo sacudón de la tierra se vuelve una dicotomía difícil de dilucidar. 

El tema de la responsabilidad personal es el verdadero punto de discusión que plantea la película. La madre es la persona que más se debate entre su propio rol de madre y su obligación laboral.  Allí es donde nace un conflicto que encerrado en el departamento familiar donde habitan en Tokio. Gran parte de la película transcurre en ese lugar. En esa situación de encierro, es la madre quien tiene y siente la responsabilidad familiar. Ella es quien está a cargo de la tarea titánica que en el caos reinante debe mantener la familia unida, y a la vez, atender sus responsabilidades en el banco en el cual trabaja.

Responsable de una filmografía de cinco títulos que no he tenido oportunidad de ver, este su último trabajo, es una obra concisa y concreta donde nada sobra ni nada falta. Un trabajo de capacidad narrativa, expresado con toda claridad, que narra un momento familiar de conmoción, donde la seguridad de una familia, lejos de casa, está en juego porque la tierra tiembla.  

RECUERDOS DE PARIS de Alice Winocour

TERRORISMO, DEMENCIA Y REHABILITACIÓN: 

Producto de una casualidad, la protagonista del film, resulta víctima de un ataque terrorista en una cafetería en pleno centro de Paris, el cual la desestabiliza emocionalmente, provocándole pérdidas de memoria que la bloquean y le impiden recordar parcialmente sucesos de su vida cotidiana. Ella necesitará ayuda para rehabilitar su vida.

El film se convierte en un viaje hacia el horror. Lo sucedido le causa una conmoción cerebral que la trastorna y desestabiliza, generándole no solo dolor, sino también confusión, desorientación y alejamiento hacia los demás seres que la rodean.

 

La película  es muy interesante. El atentado marca en ella un antes y un después, dejando incluso de lado aspectos políticos, concentrándose en su rehabilitación. La trama se focaliza en esa víctima, un ser humano trastornado tras lo sufrido.

 

En consecuencia, el centro de atención se monopolizado en Mía, la protagonista central del relato. El film deja de lado el género, o sea, el policial, incluso el suspenso, para acompañar a la mujer dañada en su proceso de recuperación total, ya sea físico como psicológico.

 

El atentado la ha dejado sin memoria, en consecuencia, sufre una gran soledad. Ella no recuerda ni marido ni hijos. No recuerda a nadie.  Con el correr de los días, y el apoyo de todos aquellos que la rodean, comienza a rearmar su vida a través de pequeños flashes de memoria y recuerdos, un recorrido necesario para su reconstrucción como persona.

 

El atentado sucede en una calle de Paris. No es un film policial ni mucho menos ideológico. Estamos en una obra personal que analiza la autoestima personal, acentuando la enorme capacidad de reconstrucción que tiene el ser humano ante la adversidad de su suerte.

 

La protagonista es una víctima por haber estado en forma casual en el lugar y el momento equivocado. Ha sido atrozmente atacada, pierde la memoria, el contacto con la realidad, la relación con su marido y sus hijos, hasta que logra equilibrar su vida y comenzar a desarrollar una nueva vida en base a su propia paciencia, volviendo a adquirir su mundo familiar, comenzando de a poco a recordar, reconociendo sus seres queridos, y reinstalándose en una sociedad que se transforma en ajena para ella, donde necesita ayuda no solo de su familia sino también de vecinos y amigos que puedan  tapar aquellos agujeros de memoria que el colapso le ha generado.

 

Más que interesante, este film francés es un nuevo exponente de un cine francés que esta volviendo a despegar con fuerza con obras no solo bien hechas sino también interesante para una platea amplia.

NO ESPERES DEMASIADO DEL FIN DEL MUNDO de Radu Jude

Y ES TAL CUAL LO PERCIBMOS…

Con una experiencia de más de 20 años de actividad a través de cortometrajes, documentales y algún otro largo no estrenado en Argentina, llega este representante cabal del nuevo cine europeo, más precisamente rumano, con un film absolutamente personal en lo formal. Amante de la cámara fija, en el round final de una película de casi tres horas se da el gusto de narrar con ella una escena de aproximadamente 40  minutos de duración.

No hay dudas que Jude tiene muy en claro el tipo de cine que busca realizar. Es hijo del cine del Este y como tal, privilegia la imagen sobre el discurso. En consecuencia, su film es absolutamente personal, y sus formas narrativas son directas y concisas. De hecho, la escena aludida nos deja tan desconcertados con su ritmo como su capacidad de darnos una mirada cinematográfica pura tratando de generar un fresco sobre una época que sin lugar a dudas no quedara escrita en la historia de la humanidad.

Jude prende todas las señales de alerta que puede desde su cine para que nos demos cuenta que estamos viviendo mal y que posiblemente, esta decadencia que deja ver desde su Rumania natal, más precisamente su capital, Bucarest sea global.

El film nos habla a través de una mujer taxista en la era Ceaușescu, mostrando la realidad de una mujer llamada Angela (Ilinca Manolache), que trabaja como asistente de producción de una compañía de cine que se pasa el día andando en auto haciendo castings y realizando trámites.

Desde su inicio hasta el final,  se sostiene vagabundeando por las calles, metiéndose en todos lados, logrando no solo filmar sino captar con un estado de cosas que no dan otra visión que la desesperación social que genera  una falta absoluta de porvenir.

No se trata de un film para disfrutar aunque su riqueza narrativa, su fluidez y sobre todo la claridad de su mensaje nos deja pensando y reflexionado sobre lo que estamos viendo. Refleja un estado de situación preocupante porque el film, si bien tiene un andamiaje convencional de comienzo, desarrollo y final,  transcurre básicamente en la calle, y su carácter es documentalista.

Inspirado en el neorrealismo italiano de pos guerra ( nos hace recordar, salvando las distancias), a films como,  Roma, Ciudad Abierta (Roberto Rossellini, 1945), Limpiabotas (Vittorio De Sica, 1946), La Tierra Tiembla (Luchino Visconti, 1948), Ladrón de Bicicletas (Vittorio De Sica, 1948) , y tantas 

HABANOS (Der Trafikant), 2019) de Nikolaus Leytner

 EL HUEVO DE LA SERPIENTE

La acción transcurre en Viena en 1937. La unión de Austria con la Alemania nazi es una realidad. En medio de esos acontecimientos, un joven adolescente de 17 años comienza a trabajar en un comercio como vendedor de tabaco, donde, más tarde, uno de sus clientes será el famoso psicoanalista Sigmund Freud.

Basada en un libro de Robert Seethaler, relata la historia de una relación entre un adolescente y un hombre mayor al que se lo respeta como un abuelo. Ese hombre, es el famoso psicoanalista Sigmund Freud. En ese escenario, día a día, el movimiento nazi comienza a crecer en la ciudad. El humor de la gente se percibe nervioso, y se siente espontáneamente.

Protagonizada por Simon Morzé y Bruno Ganz, en los papeles principales, la película es contundente, pareja y concisa. Si bien no destaca desde un punto estilístico, narra con destreza y claridad una historia de crecimiento personal en medio de una guerra dejando satisfecho al espectador que después de hora y media de un buen espectáculo, permite concluir sobre la situación social del país, el cual  ha comenzado a deteriorarse como consecuencia del advenimiento de una tiranía  que sin lugar a duda sumerge a Alemania en una de las mayores pesadillas de su historia, generando una guerra de características mundiales totalmente innecesaria que dejaría duras secuelas para su recuperación.

La película es sólida en todas sus líneas, recreando excelentemente el ambiente pre bélico en el cual sus jóvenes e idealistas personajes no piensan ni remotamente la pesadilla que años después los encontraría como principales actores de una realidad que posiblemente nunca hubieran sospechado.

EL ULTIMO VEERMER de Dan Friedkin

EL ARTE, EL CINE Y LA VERDAD

Terminada la 2da Guerra Mundial, un soldado llamado Joseph Piller investiga a un reconocido artista holandés, acusado de conspirar a favor de los nazis. A pesar de las evidencias, Piller se va convenciendo de la inocencia del pintor, intentando salvarle su vida.

El veermer del título original de la película alude a un pájaro australiano que imita los llamados de otras especies, lo cual remite a una historia sobre la falsificación del arte, en concreto, un cuadro del mencionado pintor.

El hecho sucederá después de terminada la Segunda Guerra Mundial, durante etapa de masificación de la población, lo cual suele llevar a una mayor  corrupción, con la consecuente pérdida de los valores sociales. Dentro de ese marco decadente y cada vez más corrupto, un marchante de arte holandés es acusado de vender al mariscal nazi Hermann Göring un cuadro de incalculable valor histórico después de ser arrestado y juzgado por colaboración con el enemigo.

La cuestión es que Van Meegeren, pintor y retratista neerlandes,  considerado como uno de los más ingeniosos falsificadores de arte del siglo xx, montando una defensa poco convencional, ha afirmado que “La Cena de Emaus”, obra de arte en cuestión, no era en realidad una obra maestra de Johannes Vermeer sino una falsificación, pintada nada menos que por él mismo.

Guy Pearce interpreta al artista estafador que sobrevivió a la guerra vendiendo imitaciones a los nazis en un film de características clásicas que recrea la época de la posguerra, cuyo tema invoca al arte pero sobre todo a la artimaña del engaño. El film luce con corrección y atrapa no solo por sistemática sino también por la destreza narrativa que si bien no innova, tiene la virtud de relatar con fluidez una historia presumiblemente real que no solo logra interesar sino también entretener al espectador.

La última parte del film se concentra en el juicio legal. La  historia que, alguna vez fue notoria y ahora casi olvidada, fácilmente captura y mantiene nuestro interés. Por otra parte, la dirección sencilla de Friedkin expone siempre con claridad.

El guion supone que Van Meegeren estafó a Göring por dinero. La historia  afirmó haber cambiado el Vermeer falso por más de 100 pinturas holandesas que Göring había confiscado. Guion y verdad histórica no concuerdan. El cine siempre es cine.

TODOS SOMOS EXTRAÑOS de Andrew Haigh

 PURO SENTIMIENTO

Interpretada por dos excelentes actores ingleses, Andrew Scott y Paul Mescal en los roles principales de  Adam y Harry, respectivamente, se destaca el estreno de esta semana cuyo tema central son los sentimientos, particularmente los de padres e hijos, haciendo foco en los de culpa y de expiación.

Ambos personajes son vecinos de un mismo edificio de departamentos cercano al centro de Londres. Son jóvenes, han pasado los 25 años y se conocen en un viaje en ascensor. Con el correr del tiempo, los mencionados vecinos se enamoran uno del otro, pero en el caso de Andrew, su homosexualidad se manifiesta de manera más abierta con esos sentimientos.

En los dos personajes hay una apertura, más pronunciada en Adam que en su amante. Es un sentimiento de falta que lo preocupa y  lo lleva a  recordar el pasado, sobre todo al de  sus respectivos padres, en particular su madre, y a la ciudad suburbana donde ellos vivían y donde él vivió su infancia, lo cual recuerda tal como estaban el día de su muerte, 30 años antes.

Adam es también un adolescente tardío que todavía extraña a sus padres, a quienes evoca continuamente en las decisiones que toma. Es un hombre en soledad que nunca ha abandonado la adolescencia y vive extrañándolos. Ahora está tomando una decisión y en consecuencia, los necesita. Necesita ese apoyo. Le falta confianza en si mismo.

Se trata de un film sobre los sentimientos, cerrado, asfixiante, donde el protagonista nunca termina de cortar el cordón umbilical, especialmente con su madre, más que con su padre. Su personaje transmite angustia y soledad. Parece siempre un joven que debe pedir permiso a sus padres para hacer lo que debe hacer. Evoca la reflexión, incluso la disciplina, y también el amor por sus padres, la casa de su niñez, lo que representa una especie de espacio de duelo inacabado, de lo cual rescata los besos, como una forma ancestral de demostrar el cariño que en la vertiginosidad que vivimos parece ser olvidada.

Sin duda, es una de las mejores películas vistas este año. Transmite con elementos muy cinematográficos, llámese actuación, acompañamiento musical y sobre todo, la fotografía magistral  de Jamie D. Ransay que muestra una Londres típica siempre grisácea y húmeda,  que da justo con la ambientación que requiere una historia sobre alguien que necesita conectarse con el pasado como para pedir permiso sobre lo que está haciendo en el presente.

En síntesis, es una película que evoca el amor por la familia, y profundiza sobre los traumas que se arrastran desde la adolescencia, la necesidad de perdonar, y las secuelas que perduran y molestan más tarde, incluso en la adultez. Los rubros técnicos, particularmente la fotografía de Jamie D. Ramsay y la edición de Jonathan Alberts son también excelentes y coadyuvan a constituir esta obra en una de las mejores películas vistas este año.

 

PD. La obra podría rápidamente transformarse en obra teatral.

PLAN DE RETIRO de Tim Brown

UN PASATIEMPO SIN PRETENCIONES

Los años no pasan en vano. Nicolás Cage ya ha entrado en las puertas de la ancianidad hollywoodense y trata de construir un personaje que por un lado muestra ansias de aventura y por otro, refleja los años que lleva en la pantalla.

Matt es un ex marine y es un hombre fogueado con las armas. Ahora vive tranquilo en las Islas Caimán. Su hija en la ficción está pasando un mal momento. Su novio ha cometido un error y se encuentra a merced de una mafia después de haber robado información confidencial a esa banda.

El film es una clásica comedia de  hechos donde prevalece más la acción que la comedia. Pero a medida que avanza comienza a perder fuerza y se sumerge en una serie de traiciones y deslealtades llegando a un desenlace dramático que desvirtúa el espíritu de comedia. Lo que al principio parece una reunión familiar, de pronto se transforma en una serie de engaños que ponen en peligro las vidas de los personajes.

La intriga se concentra en la figura de su padre y la complejidad de su enigmático pasado. Cuando Ashley lo investiga, descubre que no conoce demasiado a su padre. Esto sumerge al argumento en una trama compleja que anida en la relación padre / hija, y que en verdad, no solo resulta irrelevante sino que distrae respecto del hilo argumental principal.

La cuestión es que no conocemos a Matt, un hombre que tiene una trayectoria que sin duda arrastra secretos. La película transcurre con agilidad, y en un momento clave, la hija se da cuenta que su padre es un ser que ella desconoce. Lo oculto de ese hombre vuelve a la película más compleja y la relación entre padre e hija se transforma en el centro de la cuestión, y el film en uno de suspenso.

Cuestión aparte, la película es que esta doblada al castellano y en consecuencia no podemos escuchar la voz real de los actores. Una verdadera pena. Ni siquiera el cine avisa al espectador, y debemos aguantar los doblajes sin comerla ni beberla. Así de mal está el cine.

También vale la pena destacar es que la película está planteada como una comedia familiar que sorprendentemente se sumerge en el thriller. Eso la vuelve ambivalente porque nunca se termina de definir dentro de un género, quedando en el camino como sin decidirse, a la deriva.

No obstante estos cuestionamientos, el film deja verse y entretiene con su trama, dando a Cage una oportunidad de lucimiento que el actor, sin duda, aprovecha. Bien filmada, con una agradable fotografía, buena música y un ritmo adecuado, sale a flote sin desentonar en un contexto en el que no hay muchos estrenos.

BOB MARLEY, LA LEYENDA

UNA BIOPIC MÁS

Si te gusta la música y el canto de Marley, la película es un entretenimiento musical que se puede ver sin bostezos. Pero… no quieras ir mucho más lejos porque el film no da para más.

Hilvanada por cuadros musicales tipo enlatados en forma de video clips que supone hacen un repaso de sus mayores éxitos musicales, la película deja verse, es agradable, mantiene su ritmo aunque repite una y otra vez su fórmula que básicamente se basa en un formato que lejos de lo cinematográfico encuentra raíces en lo televisivo, y la vuelve algo reiterativa, como si le costara mantener un hilo narrativo, en consecuencia, se repite continuamente como si se tratara a de una tanda de video clips.

Kinsley Ben-Adir interpreta del principal papel y es muy convincente en su actuación transformándose en por un lado, en el cantante ídolo de una música romántica y popular, y por otro, un activista político capaz de levantar a un pueblo subyugado, cuyo objetivo principal es otorgarle su libertad.

Víctima de un atentado contra su vida, lejos del odio y las represalias, generó un albún que se transformó en el éxito comercial más grande de su época. Las letras de sus canciones, su pertenencia y accionar político en pro de la libertad de su pueblo, y sobretodo el hecho cultural del que se hizo cargo, lo transformó en no solo en un hecho popular en sí mismo, sino sobre todo en una persona sumamente importante para su pueblo que los seguía a su vez, tanto como cantante y también como líder político de su país.

Más allá de la simpatía que expresa y la belleza de sus canciones que conocemos de antemano, el film resulta cinematográficamente poco profundo temáticamente y pobre cinematográficamente como homenaje a un músico popular que fue mucho más que eso, un verdadero ídolo musical de una época.

En síntesis, “Bob Marley”, la película, es un film menor que no genera grandes aportes al género musical. No obstante, nos revive la vida de un cantante que el tiempo ha transformado en leyenda. La película nos revive una música inolvidable pero desde un punto estrictamente cinematográfico quedan en deuda por el poco vuelo que le impusieron sus productores. En pocas palabras, hay poco cine y mucho video clip.  Una lástima. Podría haber descubierto algunas otras aristas de su vida o su carrera artística, o ser contada de forma más atractiva, menos convencional.

ZONA DE INTERES de Jonathan Glazer

DE ESO NO SE HABLA

Sin lugar a dudas es un de las mejores películas del año, no solo por su factura sino fundamentalmente, por lo que revive y la forma en que lo expresa, lejos de cualquier amaneramiento cinematográfico moderno, sino por la discreción con que lo trata.

Si bien la temporada comenzó floja de estrenos, claramente escondió una estrategia comercial que, ante la caída de público, dejó lugar a una espera que permitiera al público volver al cine después de vacaciones y en consecuencia, poner en cartelera películas que sin duda son muy interesantes.

Zona de… se mete de lleno en un tema complicado, va para atrás en la historia y nos  llena de un cine con mayúsculas. El director Glazer no da pistas. Concentra la película en una hermosa casa donde todo transcurre glamorosamente. Simplemente muestra la vida de una familia acomodada en un día donde nada parece ocurrir.

El film es de una perfección que solo el cine alemán parece realizar hoy en día. La hermosura formal de la propuesta deja que el espectador se deje llevar sin mayores sobresaltos. Todo parece indicar que la película es una obra clásica que simplemente describe una época. Pero el preciosismo formal es un envase de lujo que encierra el peor horror.

¿Quien habita esa casa lujosa, alejada del ruido en medio de la foresta? No diremos la respuesta. Solo enfatizamos en su calidad de cine, ese cine que expresa por sí mismo, utilizando las palabras adecuadas y sobre todo, mostrando mediante imágenes más que por palabras los hechos determinantes de la historia que narra.

Si vamos por el cine en sí mismo, el film es un ejemplo  de la capacidad narrativa y de poder expresar una idea sin necesidad de asustar el espectador. Es que estamos ante un film de horror donde el miedo es expresado de la forma más contundente y a su vez, más alejada de las convencionalidades del género.

Durante la película, el espectador puede preguntarse sobre qué tema o genero desarrolla la misma, pero pocas veces el espectador se encuentra con una sorpresa semejante como la que desarrolla esta verdadera obra maestra del alemán Jonathan Glazer.

Film muy recomendable, entretenido  y desarrollado en forma de comedia  que termina con un inesperado final de gran impacto visual.

Todos los rubros técnicos son excelentes y la película destaca como una obra de madurez creativa, no solamente bien narrada  y mejor resuelta sino también en sus diversos rubros técnicos como actuación,  música y fotografía, todas de un nivel excelente.

 

FERRARI de Michael Mann

 

SOLO PARA FANÁTICOS

Michael Mann es un productor y director muy prolífico y conocido. Su cine es contundente, ha transitado diversos géneros, pero sobre todo se ha ubicado en las películas de acción, algunas de ellas han generado historia.  No obstante, su película más famosa y ganadora de un Oscar es un drama (The Insider), interpretada por un Al Pacino inolvidable en el papel de un periodista que descubre que empresas tabacaleras incentivan el consumo de cigarrillos vía  sustancias adictivas que generan un mayor venta.

Ferrari, la película, está lejos en el tiempo y sobre todo, de la denuncia social. Por el contrario, se trata de un gran homenaje a un hombre, un italiano llamado Enzo Ferrari, que no solo fue capaz  de levantar un emporio automovilístico, sino también de crear un auto accesible para el trabajador de pequeños y medianos ingresos.

No obstante, el Fiat 600 fue diseñado por Dante Giacosa, construido y vendido transformándose en un éxito de ventas por la empresa italiana Fiat, desde 1955 hasta 1969, que lo catapultó a transformarse en el auto tipo para el trabajador, dada su pequeñez y versatilidad que lo volvía inigualable en el trafico compulsivo de las grandes ciudades italianas. El auto resultaba ágil en el tránsito pesado, y fácil de estacionar por su reducido tamaño.

La película indaga principalmente en la vida personal de Enzo Ferrari,  pero sobre todo, destaca su pasión por los autos, incluyendo algunos pasajes que hubiera querido evitar como el accidente que tuvo en la Mille Miglia (la más famosa carrera italiana) en 1957, que lo dejó económicamente en ruinas. Dicha carrera se corría anualmente desde 1927 y que se abolió 30 años después a raíz de un luctuoso accidente.

Queda claro en la película que la pasión de Don Enzo era, más que diseñarlos y fabricarlos,  disfrutarlos,  manejarlos y correrlos más allá de su éxito comercial. La fábrica fue una consecuencia de una vida pasionaria.

Dado el tema automovilístico, el cual siempre ha subyugado al gran público (uno no deja de olvidar películas como Grand Prix, 1966), esta obra está lejos y resulta fría aunque no aburra, pero no logra interesar al espectador sobretodo en la cuestión de ese éxito comercial que es el centro del relato que distorsiona confundiendo la pasión por los autos con su éxito como empresario. 

EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS de Kristopher Borgli

EL HOMBRE DE LOS SUEÑOS de Kristopher Borgli

EL FIN DE LOS SUEÑOS

Esta comedia de características surrealista es una película interesante que alude a la vida como un sueño permanente interpretada en una muy buena  actuación del actor americano Nicolas Cage, tal vez una de sus mejores interpretaciones en el cine.

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, director noruego con producción americana, narra la historia de Paul, un profesor (Cage), que no logra satisfacer sus objetivos en la vida. Vive dando clases pero no ha logrado realizarse cuando de repente, se da cuenta que todos los que lo rodean sueñan con él.

Al principio son algunos conocidos (una ex novia, un alumno), más tarde todos sus vecinos, afirman también haberlo visto mientras dormían. El asunto se enrarece cuando llegan noticias de que apareció en sueños de quienes ni siquiera saben quién es y se anotician del fenómeno una vez que su rostro se replica en Internet y los medios de comunicación.

Los sueños son muy distintos entre sí, pero Paul siempre aparece en un rol pasivo, como mero observador de una escena. Todos sueñan con Paul y se transforma en el hombre de los sueños. ¿Pero quién es Paul? Es un profesor universitario con el que  todos sueñan. En su mundo, la vida siempre es un sueño. Y en  la medida que la película avanza, ese ensueño comienza a tornarse una realidad. ¿Es acaso la agonía inexorable del sueño eterno?

Difícil de encasillar, aunque claramente milita en la comedia contemporánea, por momentos coquetea con el surrealismo, y en otros, en el cine del absurdo, recorriendo una veta en la que se busca un espejo donde el personaje trata de verse a sí mismo.

Lo que encuentra es diverso, particularmente, porque todo depende desde el punto de vista en que se mira. En ese sentido, el film encuentra su armonía cuando infiere que la realidad siempre es vista  desde el propio punto de cada uno, incluyendo factores tales como distancia, conocimientos, ideología, etc.

La visión de la realidad es una lectura que tiene que ver con el posicionamiento de cada persona. La información, la experiencia, la interpretación y el análisis de éstas dependen de los sentidos y del trabajo del cerebro. En función de ello, organizamos y recreamos la realidad y adquirimos conciencia por medio de la percepción.

La película de Kristoffer Borgli se enrola en una mezcla entre el surrealismo y el teatro del absurdo, y despliega una mirada sobre los usos y costumbres de una época que podríamos llamar “digital”.

Paul, notablemente interpretado por  Nicolas Cage, se vuelve creíble dando vida a ese ser humano con el que todos sueñan, un simple hombre, que tiene capacidad de soñar, y que se transforma a sí mismo, a través de la educación.

Pero la vida no es sueño sino realidad. Ese hombre que sueña y todos parecieran imitar replicando su sueño, volviéndose muy popular hasta que los sueños se vuelven en contra de él y terminan prácticamente con su vida, perdiéndolo todo, comenzando por el trabajo, y después por la familia.

Parábola sobre la sociedad moderna, aquella que genera carreras rápidas y exitosas que a los 40 años te dejan cesante y te obligan a un volver a empezar, es una comedia ágil e interesante que describe un momento social donde la falta de trabajo marca justamente el fin de los sueños.